Это великий скрипач.

Даниэль Лозакович родился 1 апреля 2001 года в Стокгольме, где и живёт (пока) с родителями, старшей сестрой и младшим братом. Мама Даниэля родом из Киргизии, папа – из Белоруссии.
- "Искусство – это живая материя. Когда Даниэль играет на скрипке, особенно удивляет ее голос, показывая, что у игры высочайшего уровня не бывает абсолютного предела. Наверное, ни один музыкант в мире в 14-летнем возрасте Даниэля не может достичь звучания такого высокого качества. Голос скрипки у Даниэля особенно чарующий, невозможно передать и донести словами. Появляется чувство внутреннего вникающего вслушивания, вводит с особенным чувством в глубину произведения. Когда играет Даниэль, счастье доходит до своего истинного значения, дарует счастье духовному миру.",- так сказала Мариам Акаева об игре Даниэля.

На большой сцене Даниэль дебютировал с Камерным оркестром «Виртуозы Москвы» на фестивале «Москва встречает друзей» (2010). В октябре 2011 года он приглашён выступить с симфоническим оркестром в г. Нижний Новгород. Юный музыкант подкупил всех редкой музыкальностью и абсолютным пониманием, осознанностью того, что он играет. 

А в 2011 году он победил на Международном конкурсе "Щелкунчик"

 

 

А на третьем туре он играл концерт Мендельсона с оркестром имени Чайковского.

 

 

В 2012 году Даниэль поступил в музыкальный университет в Карлсруэ, где учился у профессора Иосифа Рысина.

В 2014 году он стал обладателем II премии Международного конкурса юных скрипачей им. Иегуди Менухина в Остине (США). 

В 2015 году он блестяще сыграл в Москве с оркестром Владимира Спивакова, который вывел Даниэля на большую сцену, сложнейший концерт соль-мажор В.А.Моцарта.

С сентября 2015 года его наставником является профессор Эдуард Вульфсон. Вот так он играл в Вене концерт Вивальди

 

На новогоднем концерте в Москве 29.12.2015 музыкант блестяще сыграл с оркестром под управлением Гергиева Вальс-скерцо Чайковского

В 2016 году на фестивале в швейцарском городке Вербье Даниэль Лозакович играл Баха.

Ну и закончим мы его недавним выступлением, где он играл речитатив и скерцо Фрица Крейслера.

Кстати, КРЕЙСЛЕР, ФРИЦ (Kreisler, Fritz) (1875–1962), австро-американский скрипач и композитор, один из наиболее любимых публикой виртуозов первой половины 20 в. Это последний скрипач-художник, в творчестве которого продолжали развиваться традиции виртуозно-романтического искусства XIX в., преломленные через призму мировоззрения новой эпохи. Он во многом предвосхитил интерпретаторские тенденции сегодняшнего дня, тяготеющие к большей свободе и субъективизации трактовки. Продолжая традиции Штраусов, И. Лайнера, венского городского фольклора, Крейслер создал многочисленные скрипичные шедевры и обработки, широко популярные на эстраде. Крейслер тоже был вундеркиндом. В 12 лет он уже был знаменитым скрипачом, Несмотря на большой успех маленького вундеркинда, отец настаивает на полном гуманитарном образовании. Крейслер оставляет скрипку и поступает в гимназию. В восемнадцатилетнем возрасте он выезжает на гастроли в Россию. Но, вернувшись, поступает в медицинский институт, сочиняет военные марши, играет в тирольском ансамбле с А. Шенбергом, знакомится с И. Брамсом и участвует в первом исполнении его квартета. Наконец, Крейслер решается держать конкурс в группу вторых скрипок Венской оперы. И — полный провал! Обескураженный артист решает навсегда бросить скрипку. Кризис миновал лишь в 1896 г., когда Крейслер предпринимает второе турне по России, ставшее началом его яркой артистической карьеры.

Слава Богу Даниэль Лозакович решил навсегда связать свою судьбу со скрипкой.

Я надеюсь, что Вас не надо убеждать, что Даниэль Лозакович - ГЕНИЙ, чей талант будет радовать нас еще много лет.

«Германия. Шедевры забытые и незабытые»

Вечер камерной музыки

Камерная инструментальная музыка – одно из «родимых пятен» Германии, делающих немецкую музыкальную культуру Нового и Новейшего времени безошибочно узнаваемой. Эта программа – своего рода путеводитель по трем столетиям камерного музицирования: перед публикой предстанет череда великолепных сочинений эпохи барокко, классицизма, раннего и позднего романтизма и XX века, порожденных «сумрачным германским гением».

Выступает мой хороший приятель Виктор Лисняк. Он будет рассказывать о немецкой музыке и играть на своей новой скрипке.

 

В программе:

Телеман
Соната до мажор для скрипки и фортепиано
Моцарт
Соната ми минор для скрипки и фортепиано
Хиндемит
Соната ми-бемоль мажор для скрипки и фортепиано
Бетховен
Соната №5 «Весенняя» для скрипки и фортепиано
Регер
Сюита соль минор для альта (переложение для скрипки)
Вагнер
«Листок из альбома» для скрипки и фортепиано
Брамс
Скерцо для скрипки и фортепиано

 

Свыше двухсот лет назад завершился жизненный путь Георга Филиппа Телемана. Современник и друг Баха и Генделя, он оставил заметный след во всех решительно сферах и жанрах музыкального искусства. Он был предшественником Глюка и Моцарта.

На портрете, датированном 1750 годом (Телеману в это время было 69 лет), мы видим его в богатом, отороченном мехом плаще; Если в портретах Баха, Генделя, Бетховена, Антона Рубинштейна прежде всего бросаются в глаза такие черты характера, как сила духа, непреклонная воля, упорство, то в облике Телемана проявляется главным образом ум, отшлифованный образованием и жизненным опытом.

При жизни слава Телемана не уступала славе Генделя; его ставили гораздо выше Иоганна Себастьяна Баха, который тогда был известен главным образом как органист. Успех сопутствовал Телеману начиная с первых юношеских опытов в сочинении музыки. Ему не приходилось с трудом добиваться выгодных заказов и приглашений на должности; города и княжеские дворы наперебой оспаривали его друг у друга. Он был знаменит не только у себя на родине, но и во всей Европе, от Франции и Испании до России и скандинавских стран. Поэты слагали стихи в его честь. Авторитетнейший музыкальный теоретик первой половины XVIII века Иоганн Маттесон, чье "колючее перо" отнюдь не отличалось мягкосердечностью в оценке собратьев по искусству, писал о Телемане в тоне торжественной оды:

 

Творческое наследие Телемана, охватившее все известные в его эпоху жанры и формы, с трудом поддается учету. Полагают, что он написал за свою жизнь больше, чем Бах и Гендель вместе. Число его оркестровых сюит, по мнению некоторых исследователей, приближается к тысяче. Многие произведения Телемана относятся к "развлекательному" жанру (это понятие в XVIII веке отнюдь не заключало в себе принижающего смысла).  Телеман не обходит вниманием любителей домашнего музицирования. К их услугам - свыше семисот арий (песен), пьесы для клавесина, флейты, скрипки, виолы да гамба. Творческий стиль Телемана сформировался на основе традиций немецкой полифонической школы. Значительное влияние на него оказало искусство Италии и Франции, преимущественно в сфере оперной и светской инструментальной музыки.С первых шагов своей артистической карьеры Телеман заявляет о себе как о художнике, для которого главным выразительным средством служит мелодия - простая, ясная и доходчивая.

В полном соответствии с собственной творческой практикой композитор провозглашает принцип певучести и мелодичности применительно не только к вокальной, но и к инструментальной музыке. Несколько назидательная по тону формулировка этого принципа содержится в автобиографии 1718 года:

 

Хиндемит — один из немногих крупных мастеров современной зарубежной музыки, писавших для домашнего музицирования. Он оказал огромное влияние на развитие камерной музыки XX века. В его камерно-инструментальных жанрах сконцентрированы типичные черты немецкого неоклассицизма: господство обобщенных, «интеллектуализированных» эмоций, преобладание рационального начала над чувственным.

«Изучать течение мыслей Хиндемита по фактуре его сочинений — одно наслаждение, настолько завлекает органическая природа его таланта», — писал Б. Асафьев. В творчестве Хиндемита нет абстрактных замыслов, нет отвлеченных построений. Его музыкальные образы ярки и осязаемы. Он щедрый мелодист с неисчерпаемой фантазией. Его мелодии терпкие и вместе с тем капризные, свободные и производят впечатление живописного рисунка. Хиндемит не стремится быть утонченным и благозвучным лириком. Его музыка, порою неистовая и хлесткая, не лишена примитивной грубости.

 

Однако композиторское творчество Регера далеко не сразу нашло признание на родине. Первые премьеры прошли неудачно, и лишь после тяжелого кризиса, в 1898 г. вновь оказавшись в благотворной атмосфере родительского дома, композитор вступает в полосу расцвета.

К Регеру приходит зрелость, окончательно формируются его мировоззрение, взгляды на искусство. Никогда не впадая в догматизм, Регер всю жизнь следовал девизу: "В музыке - никаких компромиссов!" Принципиальность композитора особенно проявилась в Мюнхене, где он подвергся яростным нападкам своих музыкальных противников. В конце жизни Регер стал знаменит, в 1910 г. в Дортмунде был организован фестиваль его музыки. Одной из первых стран, признавших талант немецкого мастера, была Россия, где он с успехом выступал в 1906 г. и где его приветствовало молодое поколение русских музыкантов во главе с Н. Мясковским и С. Прокофьевым.

Ну а Бетховене, Моцарте, Вагнере и Брамсе мы уже много говорили. Послушаем Витю Лисняка. В малом зале будет звучать прекрасная скрипичная музыка.

Концерт состоялся. Виктору удалось все. Особенно мне понравилось, как он сыграл Сюиту  соль-минор для альта (соло) Регера. Виктор играл эту сюиту на скрипке. Звучала она очень насыщенно и скрипка заполняла собой весь зал. 

Мне очень нравится Соната № 5 (так называемая “Весенняя”) для скрипки и ф-но Бетховена. Такая светлая и очень жизнерадостная. Потому она и называется весенней. Послушайте эту сонату в исполнении Остраха и Льва Оборина.

Несколько слов о ми-минорной сонате Моцарта, которая также звучала сегодня.

Об этой сонате писали еще при жизни Моцарта, что "аккомпанемент скрипки так искусно связан с партией клавира, что оба инструмента постоянно привлекают к себе внимание, так что сии сонаты требуют столь же законченного исполнителя на скрипке, как и на клавире."

Слова «аккомпанемент скрипки» в то время никого не шокировали.

Соната ми минор и сегодня одна из самых популярных благодаря драматизму, лаконичности, обостренной чувствительности, доходящей до страстности, длинным певучим темам. Все эти качества, свойственные классической музыке периода «бури и натиска», высоко ценились в эпоху романтизма и ценятся по сей день. Соната вдохновила знатока моцартовского наследия Германа Аберта на истинно романтический панегирик: «Таких глубоко трагичных звуков, как в скрипичной сонате e-moll (KV 304), мы долгое время не слышали у Моцарта. Было ли это воспоминанием о мангеймской сердечной катастрофе, которое овладело им, или проявлением чувства одиночества в чужом, враждебном городе? Во всей сонате… нет ни одного такта, который не был бы пережит пылким сердцем.

Послушайте эту сонату.

Я когда-то написал о Викторе Лисняке маленькое эссе. Я очень ценю мою дружбу с ним и желаю ему творческого долголетия.

 

Большое спасибо Виктору за великолепный концерт! Многая лета, маэстро!

На сцене Мариинки-2 звучала симфоническая музыка.

В программе:

Чайковский. Сен-Санс. Дворжак Солисты: Линн Харрелл (виолончель), Кристоф Барати (скрипка)
Дирижер – Валерий Гергиев

В первом отделении концерта выступал венгерский скрипач К.Барати. Известно, что детство Кристофа прошло в Венесуэле, где с пяти лет он начал учиться играть на скрипке, а уже в восемь выступил с симфоническим оркестром Маракаибо. В 11 лет он получил приглашение участвовать в Фестивале Радио Франции в Монпелье. Вернувшись в Будапешт, продолжил обучение под руководством Вильмоша Татраи в Академии музыки им. Ф. Листа.

С тех пор успех не покидает музыканта. Он является лауреатом многочисленных международных конкурсов. Последний раз он выиграл Конкурс имени Паганини в 2010 году. Криштоф Барати играет на скрипке Страдивари "Lady Harmsworth" 1703 года. Чикагское общество Страдивари дало музыканту право выбора, и он за пару лет перепробовал с десяток скрипок великих мастеров, чтобы остановиться на этой. По признанию Барати, ему приходится постоянно расти профессионально, чтобы понимать звук инструмента такого класса и соответствовать ему.

Пётр Ильич Чайковский
Концерт для скрипки с оркестром ре мажор, соч. 35 
1. 1. Allegro moderato 
2. 2. Canzonetta. Andante 
3. 3. Finale. Allegro vivacissimo

  

Во втором отделении играл Линн Харрелл. 

Линн Харрелл родился в Нью-Йорке в 1944 году, в семье музыкантов. Свои занятия музыкой он начинал в Далласе и продолжил их в Джульярдской Музыкальной Школе и в Институте Кертиса. 

Его отец, Мак Харрелл был бас-баритоном в Метрополитен опера. Он добился успеха на этом поприще, и Линн всегда гордился своим отцом.Послушайте, как он пел.

Отец умер от рака, когда Линну было 15 лет,  через два года в автокатастрофе погибла его мать. Благодаря друзьям отца Линн оказался в Кливлендском оркестре, где провел 9 лет своей жизни, но 

В 1972 году он был приглашен выступить в качестве солиста с камерным оркестром Линкольн-центра. Его исполнение понравилось публике. Нью-Йорк Таймс писала , "Этот молодой человек может все."  Началась его успешная карьера, как исполнителя. В 1975 году он выиграл престижную премию Эвери Фишер, которая рассматривается как признание возможности начинать свою сольную карьеру. С тех пор, Харрелл стал известен как один из лучших виолончелистов мира. Его исполнение отличается от романтической манеры  Ростроповича. Харелл говорит, что главным для него в исполнительском искусстве - заставить виолончель петь человеческим голосом. 

Обычно Харелл играет на уникальной виолончели 1673 года работы Антонио Страдивари. Однажды Линн забыл  свою виолончель в такси, везшем его домой. Виолончель Харрела оценена в 4 миллиона долларов. Обнаружив на заднем сиденье внушительный футляр, таксист Мохамед Ибрагим сразу же вернулся к дому музыканта, но уже не застал его. Однако таксист каким-то образом дал знать Харреллу, что виолончель находится у него (возможно, оставив записку у консьержа). Харрелл связался с представителем фирмы, в которой он заказывал такси, и ему привезли инструмент из гаража на пикапе.

После этой истории Линн приобрел другой инструмент. Теперь он играет на виолончели работы Кристофера Данги, изготовленной в 2008 году. 

В концерте Линна Харрелла прозвучал Си минорный Концерт №2 ,(1895), Антонина Дворжака.  пожалуй, самый масштабный из виолончельных шедевров романтического времени.

Романтизм, как явление в культуре, возник в конце18 века и закончился, к сожалению, в начале 20 века. Для романтиков характерно стремление ко всему необычному - к фантастике, народным преданиям, к "минувшим векам" и экзотической природе. Они создают особый мир воображаемых обстоятельств и исключительных страстей. Особенно, в противовес классицизму, большое внимание уделяется духовному богатству личности. Романтизм открыл сложность и глубину духовного мира человека, его неповторимое своеобразие ("человек - малая Вселенная").   Таким романтиком был Антонин Дворжак, великий чешский композитор. 

Про него говорили, что Дворжак - Самостоятельный талант, образовавшийся при неблагоприятных обстоятельствах и победоносно вышедший из трудной борьбы. 

Родился Антонин Дворжак 8 сентября 1841 года в  маленькой чешской деревушке в семье мясника, многие поколения которой традиционно занимались этим ремеслом. И к такой же деятельности в будущем стали готовить крепыша Тоничка: едва малыш научился ходить, отец подарил ему передник мясника и оселок, а немногим позже у него появились и свои обязанности в мясной лавке. Знакомство с музыкой состоялось в деревенской школе, где по обычаю того времени дети обучались грамоте и музыке. После окончания двухгодичной школы, чтобы мальчик в полной мере овладел ремеслом, его отправили в город Злонице. Там он прошел надлежащий курс обучения и проработал положенное время на бойне. Для занятий музыкой в эти годы оставались лишь краткие часы досуга. И только получив соответствующий документ, позволявший открыть свое дело, Дворжак смог подумать о будущем. Дворжаку исполнилось 16 лет, когда отец, уступая настойчивым просьбам сына, отвез его на своей телеге в Прагу и помог определиться в Органную школу, которая готовила профессиональных органистов и композиторов. Но теоретических знаний, полученных в Органной школе за 2 года, конечно, было недостаточно для воплощения больших и серьезных замыслов. Дворжак это понимал, и потому решил любой ценой остаться в Праге, отказавшись от места органиста в провинции. Жил он впроголодь, играя по вечерам на альте в маленькой капелле Комзака, выступавшей в одном из ресторанов. Осенью 1862 г. в Праге открылся Временный театр, и музыканты капеллы Комзака, хорошо себя зарекомендовавшие, стали ядром его будущего оркестра. Проработав в оркестре театра 10 лет, Дворжак начал писать музыку. Годы работы в театре были хорошей школой для молодого музыканта, стремившегося сочинять. А сочинял он в ту пору много, но без всякой надежды на исполнение, даже избегая рассказывать о своих опытах. Первое упоминание о Дворжаке как о композиторе появилось в прессе, когда ему было 30 лет и он еще не слышал ни одного своего сочинения. Прозвучавшая под управлением Сметаны увертюра к опере Дворжака «Король и угольщик» и исполнение хорового гимна сразу принесли Дворжаку широкую известность. Он получил на 5 лет государственную артистическую стипендию (чему способствовал И. Брамс, возглавлявший жюри и считавший, что «то лучшее, что должен иметь музыкант, Дворжак имеет»), ушел из оперного театра и целиком отдался творчеству. В 1890 г. Дворжак был избран членом Чешской академии наук и почетным доктором философии Карлова университета в Праге. В 1891 г. он стал почетным доктором Кембриджского университета. Двумя годами позже этой чести был удостоен П. Чайковский, с которым Дворжака связывала крепкая дружба, доказательством чему служит их сохранившаяся переписка и приезд Дворжака с концертами в Россию по приглашению Чайковского в 1890 г. Симфонические произведения Дворжака составляют золотой фонд чешской музыки. Им создано 9 симфоний, из которых наиболее популярна Девятая («Из Нового Света», 1893), написанная в США, где Дворжак был директором и профессором Нью-Йоркской консерватории. Особую известность ему принесли "Славянские танцы". За 3 года (1892-95), проведенных в США, кроме Девятой симфонии, в которой Дворжак, сохранив в целом национальное своеобразие своей музыки, использовал негритянские и индейские мелодические и ритмические обороты, написаны были еще камерно-инструментальные ансамбли, кантата «Американский флаг» и Концерт для виолончели с оркестром. Этот концерт наряду с Девятой симфонией относится к числу высших достижений Дворжака в области симфонизма. Вернувшись в Прагу в 1895 г., Дворжак продолжил педагогическую деятельность в консерватории, начатую им в год своего пятидесятилетия. В 1901 г. он был назначен директором Пражской консерватории, вобравшей в себя и Органную школу. До конца дней своих Дворжак напряженно сочинял. Дворжак скоропостижно скончался 1 мая 1904 года от инсульта.

Дворжак на заре своей творческой жизни написал виолончельный концерт № 1, но не оркестровал его, и он никогда не издавался. Он говорил, что виолончель - самый поющий инструмент в оркестре.

Наиболее глубок по содержанию виолончельный концерт №2 си минор. Композитор знал это; он писал другу в 1895 году: «Этот концерт значительно превосходит оба мои концерта, как скрипичный, так и фортепианный. Не удивляйтесь, что сам об этом говорю — на собственную похвалу нельзя положиться, — но Вам могу сказать, что произведение это доставляет мне громадную радость, и, думаю, я не ошибусь в его оценке».

Дворжак, действительно, не ошибся: его виолончельный концерт стоит в ряду лучших произведений этого жанра. Недаром, как говорят, Брамс, ознакомившись с ним, воскликнул: «Почему только я не знал, что концерт для виолончели можно так написать? Я бы давно уже написал его!..».

Первая часть концерта поражает широтой симфонического дыхания. Героический тонус устанавливается буквально с первых же тактов. Тема главной партии предельно героична:

Вторая часть носит возвышенный характер — это великолепный образец душевно отзывчивой лирики Дворжака, благородной и красивой. Но моментами и в ее развитии прорываются героико-драматические черты.

Зато безраздельная радость и веселье царят в музыке финала. По форме он представляет собой рондо, в главной теме которого слышится решительная поступь бодрого марша:

В середине второй части звучит тема песни Дворжака «Оставь меня одну» (соч. 82 № 1). Ее появление связано с полученной композитором вестью о болезни и смерти сестры его жены, в которую он когда-то в юности был влюблен. В финале тема возвращается – в прощальном дуэте виолончели с солирующей скрипкой.

А вот как играет этот концерт один из лучших виолончелистов Пабло Казальс.

 

До новых встреч!

Музыка настраивает струны наших душ, как- то по-особому и мы смотрим на мир,
тогда "другими  глазами" и живем нашу жизнь  легче, радостнее и спокойнее, как хорошо настроенный инструмент...

16 ноября 2011 года в Малом зале Филармонии состоялся юбилейный концерт в честь моего друга Виктора Лисняка, которому в тот год исполнилось 65.

 

Я тогда написал маленькое эссе о Викторе, струнном квартете им.Стравинского, где он играет уже много лет.

А сегодня, 22 октября 2014 года в рамках 1 концерта 5 абонемента "Ритмы души" в Малом зале Филармонии мы вновь побывали на сольном концерте Виктора Лисняка.
Программа концерта объединила в себе романтизм разных эпох. В 1 первом отделении звучала музыка Генделя, Баха и  Моцарта (Сонаты для скрипки и клавира). Во 2 отделении Виктор Лисняк исполнил Шумана: Три романса; Венявского: Легенда, Куявяк; Глазунова: Большое адажио из балета "Раймонда"; и Чайковского: Русский танец из балета "Лебединое озеро".

Красивая романтическая музыка это творение добра, это музыка без слов способная менять людей к лучшему и направлять их в сторону духовных ценностей. Главная особенность красивой музыки – она существует только когда звучит.  Музыка романтического характера отражает теплые чувства между людьми и несет положительные эмоции, она обостряет чувства, раскрепощает к различным поступкам.

Гендель, Бах и Моцарт - три величайших композитора,чье творчество взывает к силе человеческого духа, к торжеству разума, красоты.

Именнно во времена Генделя появился сам термин "соната". В переводе с итальянского языка «sonare», то есть соната – означает звучание. Это слово появилось примерно в шестнадцатом веке, одновременно со словом кантата. В это время, по-видимому, возникла необходимость разделять музыку на вокальную и инструментальную. Музыка для пения – это кантата, а музыка для  – это соната. Состоит она из трех или четырёх частей. Пишется соната для одного инструмента, к примеру, соната для фортепиано, соната для скрипки или соната для камерного состава инструментов, к примеру, соната для фортепиано или соната для виолончели. Но самая известная соната во всем мире – соната № 14 до- диез минор Л. В. Бетховена. Ее стали называть «Лунной» уже после смерти композитора. Если сравнить сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с повестью или романом. Соната делится, как и они, делится на несколько глав, то есть частей. Так же, как повесть или роман соната имеет различных героев: музыкальные темы, которые не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, то есть влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.

Развитие музыки, которая построена в сонатной форме сравнима с действиями в драматической пьесе. Сперва композитор знакомит с основными действующими лицами – музыкальными темами, затем, действие развивается и достигает вершины, после чего следует развязка. Таким образом, можно сделать выводы и сказать, что сонатная форма состоит из трех разделов, а именно, завязка (экспозиция), где основные формы экспонируются или появляются в различных тональностях, собственно действия – разработки и результата – репризы.

Музыка сонаты, на первый взгляд кажется естественной, простой, лаконичной и ясной, но при этом, она наполнена чувствами и движется «от сердца к сердцу». Кстати, так говорил сам Бетховен. Предательство, любовь, страдание, надежда, все это отражается в сонатах.

Как сказал один музыковед, "Соната – это музыкальная беседа или воспроизведение разговора людей при помощи неживых инструментов".

О музыке Генделя можно много говорить. Л. ван Бетховен считал Генделя величайшим композитором всех времен. Конечно, эта оценка преувеличена; тем не менее нельзя отрицать, что его творчество принадлежат к самым впечатляющим памятникам музыки барокко

Ученик и биограф Генделя Чарльз Берни писал: «Облик его... был полон достоинства и духовного величия. Выражение лица его было обычно угрюмым, но когда он улыбался, то был похож на пробившиеся сквозь черные тучи солнечный луч». . 

Если бы Гендель жил в наше время, он наверняка сочинял бы мюзиклы и саундтреки - и это были бы самые грандиозные мюзиклы и самые качественные, лучшие и популярные саундтреки. Музыка Генделя - это массовое искусство первой половины XVIII века, а сам он - величайший шоумен своей эпохи. Гений Генделя вобрал в себя весь современный ему музыкальный фон, все штампы, все приемы «изготовления» музыкального «продукта».

Интересно сравнить Генделя с Бахом (мы постоянно будем возвращаться к этой параллели). Если Бах черпал свое творчество из Евангелия, литургической жизни Лютеранской Церкви и каких-то запредельных глубин своей души, отсекая при этом те формы музыки, которые не вмещали это содержание (например, Бах не писал опер), то Гендель чрезвычайно чутко улавливал процесс сиюминутной культурно-общественной жизни, запечатлевая его в привычных эпохе звуках. Но это не просто музыкальное отражение своего времени, как в зеркале, - иначе о Генделе никто сегодня бы и не вспомнил. Своим великим творческим даром Гендель переплавил массовое, обыденное и повседневное искусство в строгую, величественную и полнокровную музыку, несущую в себе и отображение вечной небесной гармонии. Музыка Генделя глубока, радостна и здорова; она пережила свое время и свою эстетическую среду и сделалась драгоценным достоянием всех времен и всех народов.

Послушайте, как звучит моя любимая скрипичная соната Генделя.  

Музыка Баха не звучала в салонах. Она исполнялась только в церквях. Надо заметить, что только в 19 веке стали издаваться ноты произведений Баха

Мне очень нравится соната соль-минор соло Баха, но она не звучала в концерте.  

Послушайте часть из сонаты №4 Баха.  

А музыка Моцарта вобрала в себя и музыку Генделя, и музыку Баха.

Хотя в детстве и ранней юности Моцарт объездил почти всю Европу и познакомился со всеми существовавшими тогда музыкальными школами, стилями и направлениями, музыки И.С.Баха и Г.Ф.Генделя он практически не знал вплоть до того, как обосновался в 1781 году в Вене. В немалой степени Моцарт был обязан знакомством с творчеством Баха и Генделя барону Готфриду ван Свитену, который, находясь в свое время на дипломатической службе в Берлине и Лондоне, проникся нетипичной для человека своего времени любовью к «трудному» искусству мастеров позднего барокко. Ван Свитен не только устраивал у себя дома музыкальные вечера для узкого круга избранных (к этому кругу принадлежали, между прочим, Моцарт, Гайдн, И.Г.Альбрехтсбергер, а в 1790-е годы – молодой Бетховен), но и организовал «Общество объединенных дворян», целью которого было ежегодное устройство ораториальных концертов во дворцах венских меценатов, где звучала музыка Генделя, И.А.Хассе, К.Ф.Э.Баха, а позднее обе поздние оратории Гайдна. Ван Свитен, которого иногда упрекают в скупости, быть может, и являлся таковым, однако он заведомо не располагал такими средствами, чтобы лично финансировать столь дорогостоящие мероприятия; это было возможно только при участии других, более состоятельных, аристократов.

Концерты Общества проходили с 1787 года, и Моцарт являлся почти бессменным их дирижером.

Занимаясь заказанными ему флейтовыми квартетами и концертами, композитор 14 февраля 1778 года из Мангейма писал отцу: «Как Вы знаете, я тупею, если мне приходится все время писать для некоего инструмента (который я терпеть не могу); следовательно, время от времени я для перемены сочинял что-нибудь иное – клавирные дуэты со скрипкой». Свою первую скрипичную сонату Моцарт начал сочинять в 1762 году, в возрасте 6 лет, последняя появилась в 1788-м, в один год с симфониями №39–41. Всего же Моцарт написал более трех десятков сонат для скрипки. Способ сочинения этих «музыкальных бесед» соответствует образу Моцарта – беззаботного гения, творившего, как птицы поют: сонаты часто возникали словно сами собой, между делом. 

Когда Моцарту было 20 лет, он написал отцу домой: «Только об одном я просил бы для себя в Зальцбурге: чтобы мне не быть более при скрипке, как это было прежде. Скрипачом я больше не буду; я хочу дирижировать за клавиром и аккомпанировать в ариях»; «Я композитор и рожден быть капельмейстером. Я не имею права закапывать мой талант композитора, которым меня так щедро наградил милостивый Господь. Я могу сказать это без ложной скромности, ибо чувствую это больше, чем когда-либо… Я бы скорее, так сказать, пренебрег клавиром ради композиции. Ибо клавир для меня – дело второстепенное, но, слава Богу, очень важное второстепенное».
Год вместил немало впечатлений и еще больше переживаний. В Мангейме Моцарта подстерегала любовь к Алоизии Вебер (старшей сестре его будущей жены), в штыки воспринятая его отцом, в Париже ждала жизнь на положении «вольного стрелка», работа для Духовных концертов, балета Парижской оперы и тяжелейшее потрясение – смерть матери. 
Соната соль мажор (KV 379) сочинена в апреле 1781 года, накануне окончательного разрыва с архиепископом. К тому моменту Моцарт был уже морально готов остаться в Вене даже и без постоянного места службы: репутация прекрасного пианиста сулила и многообещающие концертные выступления, и платежеспособных учеников. 

Послушайте эту сонату

 

Соль-мажорная соната была напечатана в ноябре 1781 года под ор.2 №5 в числе «шести сонат для клавира в сопровождении скрипки достаточно известного и прославленного господина Вольфганга Амадея Моцарта» с посвящением пианистке Жозефе Барбаре фон Ауэрнхаммер. Это была первая публикация музыки композитора в Вене, в знаменитом издательстве «Артариа».

Сонаты встретили прекрасный прием и уже при жизни Моцарта переиздавались в Амстердаме и Лондоне. Анонимный рецензент написал в гамбургском журнале Magazin der Musik от 4 апреля 1783 года: «Эти сонаты – единственные в своем роде. Они богаты новыми идеями и приметами великого музыкального гения их сочинителя. Весьма блестящи и соответствуют инструменту. При этом аккомпанемент скрипки так искусно связан с партией клавира, что оба инструмента постоянно привлекают к себе внимание, так что сии сонаты требуют столь же законченного исполнителя на скрипке, как и на клавире. Однако невозможно дать полного описания сего оригинального творения. Любители и знатоки должны сперва сами проиграть их, и тогда они убедятся, что мы ничего не преувеличили». Как видно, слова «аккомпанемент скрипки» в то время никого не шокировали.

Соната ми минор сегодня одна из самых популярных благодаря драматизму, лаконичности, обостренной чувствительности, доходящей до страстности, длинным певучим темам. Все эти качества, свойственные классической музыке периода «бури и натиска», высоко ценились в эпоху романтизма и ценятся по сей день. Соната вдохновила знатока моцартовского наследия Германа Аберта на истинно романтический панегирик: «Таких глубоко трагичных звуков, как в скрипичной сонате e-moll (KV 304), мы долгое время не слышали у Моцарта. Было ли это воспоминанием о мангеймской сердечной катастрофе, которое овладело им, или проявлением чувства одиночества в чужом, враждебном городе? Во всей сонате… нет ни одного такта, который не был бы пережит пылким сердцем. Послушайте эту сонату.

Моцарт не стремился писать музыку будущего . Он вошел в контекст своего времени вполне естественно. Другое дело, что он преобразил этот контекст в некий микрокосм своего сознания, . создал собственный, удивительно яркий и . какой-то волшебный мир.

В начале 2 отделения концерта прозвучали три романса Шумана.

Как композитор Шуман был всей душой предан романтизму. Литературные впечатления юности и импульсивный темперамент сочетались с тяготением к поиску новых выразительных средств. Шуман испробовал свои силы почти во всех основных музыкальных формах, включая симфонию, оперу, ораторию, но главными для него стали сферы чисто фортепианная и камерно-вокальная.

Шуман – один из самых ярких представителей прогрессивного романтического искусства 19 в. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 20-х - 40-х гг. 19 в. Бросая вызов этому царству духовной нищеты, оно звало в мир высокой человечности, воспевало богатство, красоту и силу чувства. Нетерпеливая страстность и гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей – таковы наиболее характерные черты музыки Шумана.

Наверное, мы не знали бы Шумана, как композитора, если бы не любовь его к Кларе Вик, которую он увидел впервые в 1828 году и более 10 лет добивался ее руки. Клара Вик родилась в Лейпциге 13 сентября 1819 г. Её родители Фредерик и Марианна Вик развелись, когда ей было 6 лет. Клара осталась с отцом, известным музыкальным педагогом. Это событие травмировало девочку, однако мать и дочь постоянно переписывались друг с другом, и, несомненно, на развитие и воспитание Клары повлияли оба родителя.

В марте 1828 г., в возрасте восьми лет, молодая Клара Вик выступала в доме д-ра Эрста Каруса, лейпцигского психиатра, директора психиатрической больницы, на этом выступлении она познакомилась с другим одарённым молодым пианистом по имени Роберт Шуман, также приглашенным на этот музыкальный вечер, который был на 9 лет старше её. Шуман был восхищен игрой Клары настолько, что позже попросил разрешения у матери прекратить своё обучение юриспруденции, которая никогда его не интересовала, и брать уроки музыки у отца Клары, Фридриха Вика. Занимаясь обучением, он снял две комнаты в доме Вика, и прожил около года.

В 1830 г., в возрасте одиннадцати лет, Клара в сопровождении отца уехала на гастроли по городам Европы, с конечной остановкой в Париже. Свой первый сольный концерт она дала в Лейпциге. В Веймаре она исполнила бравурную пьесу Анри Герца в честь Иоганна Гёте, который подарил ей медаль со своим портретом и дарственной надписью - "Для талантливого музыканта Клары Вик." Во время этого турне Никколо Паганини был в Париже, и он предложил ей выступать вместе, однако её парижские концерты были малопосещаемые, т.к. большинство людей покинуло город из-за вспышки холеры.

В возрасте 18 лет Клара Вик провела серию концертов в Вене в период с декабря 1837 г. по апрель 1838 г. Ведущий австрийский поэт того времени Франц Грильпарцер написал стихотворение под названием "Клара Вик и Бетховен". Её концерты в Вене проходили с большими аншлагами, публика полюбила её, критики наперебой писали хвалебные рецензии на её выступления, коллеги-музыканты так же отмечали её талант. 15 марта 1838 г. она была удостоена титула "Императорский и королевский камерный музыкант", самой высокой музыкальной чести Австрии.

Роберт Шуман был увлечён Кларой, когда её было 15 лет. К тому времени, когда ей стало семнадцать, Шуман был в нее влюблен.

В 1837 г. Шуман просил руки Клары у её отца, но получил отказ. В последующие годы её отец Фридрих сделал все от него зависящее, чтобы помешать Кларе выйти замуж за Шумана, заставив влюблённых даже обратиться в суд, признавшего за Кларой право на замужество без отцовского согласия.

В этот период Шуман, вдохновленный любовью к Кларе, написал многие из своих самых известных произведений, в том числе песенный цикл «Любовь поэта» (Dichterliebe)(1840) на стихи Генрих Гейне.

В конечном итоге они поженились 12 сентября 1840 г. После замужества она продолжала выступать и сочинять, даже когда воспитывала семерых детей (восьмой ребенок умер в младенчестве).

В совместных выступлениях с мужем, она расширила свою репутацию и Роберта за пределами Германии, в том числе благодаря её усилиям по содействию в продвижения его творчества, мы знаем именно того Шумана, каким он есть.

В концерте были исполнены Три романса Шуберта. Некоторые утверждают, что музыку написала Клара Вик, а некоторые приписывают ее Роберту Шуману.

Потом звучала музыка Венявского, о которой Виктор Лисняк во вступительном слове сказал, как о незаслуженно забытой.

Великий польский скрипач и композитор Генрик Венявский родился 10 июля 1835 г. в Люблине, умер 31 марта 1880 г. в Москве. 
В 1843 г. был принят в консерваторию в Париже, где с 1844 г. был учеником Л. Массарта. В 1846 г., успешно закончив консерваторию, начал активную концертную деятельность. В 1851-1853 гг. вместе с братом Юзефом выступал в Польше, России, Германии, а затем концертировал во Франции и Англии. В 1860-1872 гг. был солистом императорского двора в Петербурге. В 1862-1868 гг. — профессор по классу скрипки Петербургской консерватории. Вместе с Антоном Рубинштейном совершил большое турне по странам Америки (1872-1874). В 1875-1877 гг. — профессор Брюссельской консерватории по классу скрипки. Затем вновь вернулся к концертной деятельности. 
Венявский был блестящим виртуозом, которого по яркости таланта сравнивали с великим Н.Паганини. Представитель романтического исполнительского искусства. Как композитор обогатил скрипичный репертуар (полонезы, мазурки и др.). Его именем названы многие международные конкурсы, учрежденные в Варшаве (с 1935), в Познани (с 1952), а также конкурсы композиторов и скрипичных мастеров (с 1956). Как композитор Венявский отличался большим вкусом и оригинальностью мысли. Он писал только для скрипки (концерты, полонезы и др.). Все его произведения чрезвычайно благодарны для исполнителя. Особенной популярностью пользуются его «Легенда», «Фантазия на русские темы», «Souvenir de Moscou» («Московский сувенир»), Фантазия на темы из «Фауста» Гуно. 

Венявский был исключительным виртуозом; обладая замечательным тоном, чарующей певучестью смычка, высокохудожественным пониманием исполняемого и первоклассной техникой, он пользовался неизменным успехом и был любимцем слушателей всех стран.

И опять мы говорим о роли женщины в судьбе мужчины.

Важной вехой в судьбе Генрика Венявского стала встреча в Париже в 1858 году с А.Г. Рубинштейном. Антон Рубинштейн не только оказал огромное влияние на творчество Венявского, но и повлиял на ход дальнейших событий его жизни. Первый концерт двух великих музыкантов в Париже имел особый успех, и Рубинштейн предложил совершить концертную поездку в Лондон. В Лондоне Рубинштейн познакомил Венявского с родственниками известного английского пианиста и композитора Д.А. Осборна – Хэмптонами. Их дочь Изабелла стала женой Венявского, однако этому событию предшествовали драматические минуты. Отец семейства, английский аристократ, отказался выдать свою дочь за артиста, не имеющего постоянной работы, финансовых средств и положения в высшем обществе. В эти дни было написано одно из наиболее проникновенных, поэтичных сочинений Венявского – «Легенда». Исполнение нового сочинения в концерте так растрогало семью, что отец вышел на сцену и, обняв Генрика, сказал: «Только великая любовь могла вдохновить Вас на такое великое произведение»!

Послушайте, как Д.Ойстрах играет Легенду Венявского

Однако, согласившись на брак дочери, он потребовал, чтобы Венявский нашел себе постоянное место работы перед женитьбой, а также застраховал свою жизнь на крупную сумму, которая должна была обеспечить его семью в случае какого-либо несчастья.

Бракосочетание Венявского состоялось в Париже в августе 1860 года. На свадьбе присутствовали Берлиоз и Россини. По требованию родителей невесты Венявский застраховал свою жизнь на баснословную сумму 200 000 франков.
Необходимость ежегодно выплачивать огромный взнос легла на плечи Венявского тяжким бременем до конца жизни. Концертные сборы были основным, но самым непредсказуемым источником дохода, однако только они обеспечивали жизнь концертирующего солиста.
Насыщенный ритм жизни начинал сказываться на здоровье Венявского. В 1867 году его настигает первая беда – глухота. Временами он практически терял слух, но старался скрывать болезнь, которую помогло преодолеть лишь долгое и упорное лечение.

В 1872 году Венявский уезжает в Европу, а затем, снова вместе с Антоном Рубинштейном, подписывает контракт о проведении турне по Америке. За 8 месяцев музыканты, ставшие первыми крупными европейскими виртуозами, гастролировавшими в Америке, должны были дать 215 концертов. Рубинштейн не выдержал напряженного ритма и вернулся к своим делам, а Венявский завершил турне только в 1874 году вместе с певицей Паулиной Лукка. Результатом гастролей стала тяжелая болезнь сердца. Среди дикого ритма концертов и выступлений скрипач находил время для азартной игры. Он словно сознательно прожигал жизнь, не щадя и без того слабого здоровья.

Умер он в 1879 году, когда ему было чуть больше 40 лет. На панихиде в Москве прозвучал Реквием Моцарта в исполнении оркестра, хора и солистов Большого театра и консерватории под управлением Н.Г. Рубинштейна, а во время похорон в музыкальном некрополе Powązki в предместье Варшавы звучала «Легенда» самого Венявского в исполнении молодого польского скрипача С. Барцевича.

Всего Венявским создано около 40 сочинений, часть из них осталась неопубликованными. 

Сыграл Виктор Лисняк и замечательное произведение Венявского под смешным названием Куевяк. Это тоже мазурка, но только написанная в миноре.

 

 

 

Закончил Виктор свой концерт исполнением  Адажио из "Раймонды" Глазунова и Русского танца Чайковского из "Лебединого озера".

 

 

 

О Глазунове мало говорят. Он умер в 1935 году в Париже, был ректором Петербургской консерватории, написал балет "Раймонда"... "Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения, задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого... ",- сказал о нем А. В. Луначарский

Путь молодого композитора к слушателю начался с триумфа. Первая симфония шестнадцатилетнего автора (премьера в 1882 г.) вызвала восторженные отклики публики и прессы, высокую оценку коллег. В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. — руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с Лядовым вышли из состава профессоров.Приблизительно после 1905–1906 годов наступает заметный спад творческой активности, неуклонно нараставший до конца жизни композитора. Отчасти такое внезапное резкое снижение продуктивности может быть объяснено внешними обстоятельствами и, прежде всего, большой, отнимавшей много времени и сил учебно-организационной и административной работой, которая легла на плечи Глазунова в связи с избранием на пост директора Петербургской консерватории. Но были причины и внутреннего порядка, коренившиеся прежде всего в резком неприятии тех новейших тенденций, которые решительно и властно утверждали себя в творчестве и в музыкальной жизни начала XX века, После Октябрьской революции Глазунов оставался на посту директора Петроградской-Ленинградской консерватории, принимал деятельное участие в различных музыкально-просветительных мероприятиях, продолжал свои дирижерские выступления. Но его разлад с новаторскими течениями в области музыкального творчества углублялся и принимал все более острые формы. Новые веяния встречали симпатию и поддержку среди части консерваторской профессуры, добивавшейся реформ в учебном процессе и обновления того репертуара, на котором воспитывалась учащаяся молодежь.В связи с этим возникали споры и разногласия, в результате которых положение Глазунова, твердо охранявшего чистоту и неприкосновенность традиционных устоев школы Римского-Корсакова, становилось все более затруднительным и нередко двусмысленным.

Это послужило одной из причин того, что, уехав в 1928 году в Вену в качестве члена жюри Международного конкурса, организованное к столетию со дня смерти Шуберта, он больше не вернулся на родину. 

Никто из отечественных композиторов конца XIX — начала XX в. не уделял жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют грандиозный цикл. объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую (композиторы «Могучей кучки»). В результате синтеза этих традиций возникает новое явление — лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния, драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки.

Самый знаменитый балет Глазунова — «Раймонда» (1897). Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд, породила многоцветие нарядных картин — празднество в средневековом замке, темпераментные испано-арабские и венгерские танцы...  Секрет популярности этого балета  — в благородной красоте мелодий, в точном соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца. 

До Чайковского и Глазунова балетная музыка, как правило, представляла собой ярко «раскрашенную» ритмическую основу для танцев. Союз Мариуса Петипа и Чайковского положил начало симфонизации танца, значительно обогатившей его выразительные и драматургические возможности. Александр Глазунов стал достойным преемником Петра Ильича на этом пути. Премьера «Раймонды» состоялась 7 января 1898 года на сцене Мариинского театра. Это был первый балет Глазунова (за ним последуют еще два — «Испытание Дамиса» и «Времена года»). И последний триумф бывшего уже в преклонных годах Петипа. Хотя до его отставки с поста главного балетмейстера пройдет еще пять лет и он успеет поставить еще несколько балетов, в том числе два упомянутых Глазунова, такого большого успеха на его долю уже не выпадет. 

«Раймонде» не повезло с сюжетом: он не очень ловко скроен и явно коротковат для такого большого балета. Впрочем, из-под пера доморощенной писательницы Лидии Пашковой выходили и менее удобоваримые опусы. Петербургская корреспондентка французской газеты «Фигаро» и русской «Южный край», Лидия Александровна не удовлетворялась возложенной на нее ролью светской хроникерши. Сочиняла еще и незатейливые дамские романы и пьесы, полагая их «картинами из современной жизни», и, коль скоро балет был в моде у света, решила оставить свой след и в балете. Очевидно, она имела влиятельных покровителей при дворе, и отделаться от ее балетных сценариев было не так-то просто. В конце ХIХ века Франция вела захватнические войны в Африке, и в петербургских гостиных немало говорили об этом. Сюжет, который Лидия Александровна якобы почерпнула из старинной рыцарской легенды, вызывал некоторые ассоциации со «злобой дня». Действие разворачивается в средневековой Франции. Король Венгрии Андрей II возвращается из крестового похода против сарацин. Вместе с ним — рыцарь Жан де Бриен, влюбленный в провансальскую графиню Раймонду де Дорис. Но чтобы состоялось свадебное торжество, венчающее балет, требовалось сначала взять в плен сарацинского рыцаря Абдерахмана, вознамерившегося похитить прекрасную невесту крестоносца.

Пашкова весьма вольно обходилась с биографиями и судьбами реально существовавших лиц. Не более исторического заботило ее и географическое правдоподобие. Но подобного рода требования к балету особенно не предъявлялись. Хуже было другое — она весьма туманно представляла себе специфику балетной драматургии: ее «сказка» обещала балет мало понятный и скучный. Но благодаря М.Петипа балет получился.

В. Стасов назвал Глазунова «русским Самсоном». Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. Первое, что возникает при слушании музыки Глазунова, — это ощущение обволакивающей густоты, сочности и насыщенности звучания, и только потом появляется способность следить за строго закономерным развитием сложной полифонической ткани и всеми вариантными изменениями основных тем.

Если сочинения Глазунова не потрясают слушателя, не касаются сокровенных глубин душевной жизни, то способны доставлять эстетическое наслаждение и восхищать своей стихийной мощью и внутренней цельностью в сочетании с мудрой ясностью мысли, стройностью и законченностью воплощения. Композитор «переходной» полосы, пролегающей между двумя эпохами яркого расцвета русской музыки, он не был новатором, открывателем новых путей. Но огромное, совершеннейшее мастерство при ярком природном даровании, богатстве и щедрости творческой выдумки позволило ему создать множество произведений высокой художественной ценности, до сих пор не утративших живого актуального интереса. Как педагог и общественный деятель Глазунов в очень большой степени способствовал развитию и укреплению основ отечественной музыкальной культуры. Всем этим определяется его значение одной из центральных фигур русской музыкальной культуры начала XX века.

О Чайковском, думаю, много уже сказано, но мало кому известно, что Русский танец в "Лебедином озере" был написан Чайковским уже после того, как вся партитура была закончена. После завершения партитуры Чайковский написал вставной номер "Русский танец" для бенефиса балерины П.Карпаковой, исполнительницы главной партии в балете - Одетты. 

На этом, пожалуй можно и закончить описание своих впечатлений после замечательного концерта.

Я думаю, что много раз еще мы встретимся с хорошим музыкантом, замечательным человеком, которого я с гордостью называю своим другом, Виктором Лисняком. Концерт удался! И я надеюсь, что вам было со мной интересно.

 

Малый зал Филармонии
16 ноября 2011 года
Среда 19:00

Виктору Лисняку летом исполнилось 65 лет

И в честь этого юбилея состоялся сегодня концерт «СКРИПКА В АНСАМБЛЯХ» В 1 отделении Виктор исполнил вместе с пианистом из Кореи (Хонсик Ким) Три романса Шумана и Сонату №1 Брамса.

Во втором отделении играл
СТРУННЫЙ КВАРТЕТ имени И. Ф. СТРАВИНСКОГО, одним из создателей которого около 20 лет назад был Витя.

Они играли

ГЛИНКА. Сомнение
ХЕЙДРИХ. Вариации на тему "Happy Birthday”
ХИНДЕМИТ. Музыкальная шутка.
«Увертюра из оперы «Летучий Голландец»,
сыгранная любительским оркестром у городского фонтана
в семь часов утра с листа» для струнного квартета
ДВОРЖАК Юмореска
ШУБЕРТ Музыкальный момент

О музыке позднее. Сначала я расскажу о Викторе.

Виктор Давидович Лисняк родился в 1946 г. в Ленинграде. С отличием окончил музыкальное училище при ЛОЛГК и Ленинградскую консерваторию им. Н.А.Римского-Корсакова по специальности «cкрипка» и ассистентуру-стажировку по специальности «rвартетное исполнительство».

 С 1968 года по настоящее время - артист Академического симфонического оркестра Санкт-Петербургской филармонии, заместитель концертмейстера группы вторых скрипок.

 Виктор Лисняк - участник струнного квартета им. И.Ф.Стравинского. В составе квартета гастролировал в США, Японии, Корее, Англии, Ирландии, Швейцарии, Германии, Франции и др. странах. Записал более 15 дисков ансамблевой музыки.

 Проводил мастер-классы во Франции, Японии, Ирландии. Вел класс струнного квартета в Санкт-Петербургской консерватории и класс скрипки в Смольном институте свободных искусств и наук. Среди его учеников - лауреаты международных конкурсов П.Попов, С.Левитин, О.Челпанов и др.

Это то,что написано онем на сайте ФИЛАРМОНИИ

С Витей мы знакомы уже много лет. С ним всегда интересно поговорить о музыке, о жизни,  о разных странах, о музыкантах.

Квартет им.Стравинского

Стоят слева направо: Александр Шустин (1 скрипка), Даниил Меерович (альт), Виктор Лисняк (2 скрипка)
Сидит Семен Коварский (виолончель)

Виктор Лисняк был одним из организаторов в 1992 году струнного квартета, который назывался сначала "Новым филармоническим квартетом". Квартет сразу начал гастролировать по миру - Корея (1993), США (1994), Япония (1994, 1997Ю1998), Нидерланды (1996), Швейцария (1996), Литва (1997),Швеция (1998) Турция (1998), Латвия (1999)

В 1999 году по рекомендации Санкт-Петербургской Филармонии, Союза Композиторов Санкт-Петербурга, Русского музея и Мстислава Растроповича Квартету было присвоено имя Игоря Стравинского.

Надо заметить, что это второй квартет, который организовал Виктор. Первый СТРУННЫЙ КВАРТЕТ Санкт-Петербургской филармонии был создан в 1973 году по инициативе артистов Академического симфонического оркестра филармонии. В первые годы деятельности в нём играли известные музыканты - А.Рихтер, В.Лисняк, В.Альтшулер и С.Чернядьев. В течение короткого времени коллектив занял одно из ведущих мест в камерной музыкальной жизни Петербурга.

Играет Юмореску Дворжака не квартет Стравинского, а молодые его ученики

 

Квартет великолепно сыграл Музыкальную шутку Пауля Хиндемит "Увертюра к "Летучему голландцу",как её играет плохой курортный оркестр в 7 часов утра с листа у фонтана".

Это апофеоз всех музыкальных шуток Хиндемита. Но я представляю, как нелегко всё это учить, ибо специально играть плохо - это надо постараться, ведь нас всех учили играть хорошо. А вся эта дикая фальшь и прочие "загогулины" тщательно выписаны в нотах. Уверяю, само собой плохо играть получается легче, и сыграть "это" намного сложнее, чем сыграть настоящую увертюру!

И завершим все поздравлением Маэстро от одного из его друзей

                    Поздравление Музыканту


Сегодня много музыки звучит вокруг,
Её для Виктора играют всем квартетом;
Лисняк выходит вечером на сцены полукруг…
А Петроградка шлёт ему приветы.

Квартет Стравинского как дом родной,
И в Малом зале Филармонии старинной,
Ансамбль букетом звуков как волной
Накроет всех волшебной пелериной.

Живите Виктор долго и богато!
Пусть Вашу голову заботят лишь седины;
Играйте словно Паганини все легато,
По Монтеверди пиццикато,
        А для души - «стаккато клином»! (staccatissimo)
 
   СПб. 16-11-2011
   TSV

_______________________________

Примечания:

1. Скри́пка — смычковый струнный музыкальный инструмент высокого регистра. Имеет народное происхождение, современный вид приобрела в XVI веке, получила широкое распространение в XVII веке. Имеет четыре струны, настроенные по квинтам: g, d1,a1,e² (соль малой октавы, ре, ля первой октавы, ми второй октавы), диапазон от g (соль малой октавы) до a4 (ля четвёртой октавы) и выше. Тембр скрипки густой в низком регистре, мягкий в среднем и блестящий в верхнем.

2. Происхождение и история.

Прародителями скрипки были арабскийребаб, испанскаяфи́дель, британская кротта, слияние которых и образовало виолу. Формы скрипки установились к XVI веку; к этому веку и началу XVII относятся известные изготовители скрипок — семейство Амати. Их инструменты отличаются прекрасной формой и превосходным материалом. Вообще Италия славилась производством скрипок, среди которых скрипки Страдивари и Гварнери в настоящее время ценятся чрезвычайно высоко.

Скрипка является сольным инструментом с XVII в. Первыми произведениями для скрипки считаются: «Romanesca per violino solo е basso» Марини из Брешии (1620) и «Capriccio stravagante» его современника Фарина. Основателем художественной игры на скрипке считается Арканджело Корелли; затем следуют Торелли, Тартини, Пьетро Локателли(1693—1764), ученик Корелли, развивший бравурную технику скрипичной игры.

3. Все про скрипку вы узнаете здесь

ПОЗДРАВЛЯЕМ ВИКТОРА ДАВИДОВИЧА ЛИСНЯКА С ДНЕМ РОЖДЕНИЯ !!!