Амбразура (Work_of_art) все записи автора




Marjolein Bastin родилась в 1943 году в Loenen aan de Vecht. Она является заслуженным автором, специализирующимся на изображении природы а так же писателем (детским в том числе). Она создала такой персонаж, как Мышка Вера ("Vera the mouse"). Марджолин отучилась в Академии искусств в Arnhem, где встретила своего мужа, по совместительству ее менеджера. Ее любимыми местами для времяпрепровождения являются Нидерланды, Миссури и Кайманские острова. Расцвет ее популярности пришелся на 1960-1965 года. По сей день ее календари и работы являются бестселлерами.

Work of art

Далее...

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Моро был учеником Теодора Шассерио в школе изящных искусств в Париже. Его полотна, акварели и рисунки были посвящены в основном библейским, мистическим и фантастическим темам. Его живопись оказала огромное влияние на фовизм и сюрреализм.

Моро был прекрасным знатоком старого искусства, почитателем древнегреческого искусства и любителем ориентальных предметов роскоши, шёлка, оружия, фарфора и ковров.

Во время двух путешествий в Италию (1841 и 1857 до 1859), он посетил Венецию, Флоренцию, Рим и Неаполь, где Моро изучал искусство Ренессанса - шедевры Андреа Мантенья, Кривелли, Боттичелли и Леонардо да Винчи. В 1888 году Моро был выбран в Академию изящных искусств, а в 1891-1892 он стал профессором в школе изящных искусств в Париже сменив на этом месте Делоне. К его ученикам относятся Анри Матисс, Жорж Руо, Одилон Редон. Моро умер в 1898 году и был погребен на кладбище Монмартр. В его бывшем ателье в IX округе Парижа с 1903 года находится музей Гюстава Моро. Полотна Моро находятся также в Нойсе.

" Эдип и Сфинкс"1864

"Гесиод и муза"

Work_of_art

+8

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

"Грация" 2002

"Творение" 1998Work_of_art далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Герхард Рихтер (нем. Gerhard Richter; р. 9 декабря, 1932, Дрезден) — один из самых известных современных художников Германии. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В списке самых дорогих и успешных мастеров современной немецкой живописи 2005 года, ежегодно публикуемом журналом «Капитал», он занимает 1-е место.

Две свечи, 1982
Частная коллекция

Бетти, 1988
Музей искусств, Сент-Луис, МиссуриWork_of_art далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Какие преграды между художником и... 1994, Смитсоновский музей

Хозяин спальни
1983

Work of artдалее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

"Я и деревня"
1911, Музей современного искусства

"День рождения"
1915Work of artдалее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года в городе Гуанахуато на северо-западе Мексики. C 1896 по 1902 годы брал уроки рисования и живописи в Академии художеств Сан-Карло в Мехико. За успехи был премирован стипендией, которая позволила художнику поехать в Испанию. С 1907 по 1921 год Ривера жил в Европе. Учился в Академии художеств в Мадриде (1907), затем жил и работал в Париже (1909-1920), в Италии (1920-1921). Побывал также в Бельгии, Нидерландах и Великобритании. Был близко знаком с парижской художественной элитой, в том числе с Пабло Пикассо, Альфонсо Рейесом и другими.Как художник Ривера испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства (изучал стенные росписи XIV—XVI веков), так и модернизма, в частности кубизма. Очень близки ему были и традиционные мексиканские художественные жанры и стили.В 1922 году Ривера вступает в Мексиканскую коммунистическую партию. В 1927 он приезжает в СССР, где в 1928 году становится членом-учредителем объединения «Октябрь». В начале своего участия в коммунистическом движении Ривера придерживался троцкистских взглядов, но потом (после убийства Троцкого) занял позицию, более соответствовавшую официальному курсу Сталина.

Ривера работал в США в 1930-1934 и 1940 годах. С 1922 он стал одним из основателей мексиканской школы монументальной живописи, расписав огромное число стен общественных зданий. Одной из главных тем в творчестве Риверы были фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики.

В 1955—1956 художник повторно посетил СССР.

Художник скончался 25 ноября 1957 года в Мехико.

Его жена — художница Фрида Кало.

Портрет Адольфа Бест Могара 1913

Обнажённая с лилиями. 1944

Work of art

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора "Сломанная колонна"
1944

Фрида Кало родилась в семье немецкого еврея и испанки американского происхождения. В 6 лет перенесла полиомиелит, после болезни на всю жизнь осталась хромота, а её правая нога стала тоньше левой (что Кало всю жизнь скрывала под длинными юбками). Столь ранний опыт борьбы за право полноценной жизни закалил характер Фриды

.В 15 лет она поступила в «Препараторию» (Национальную подготовительную школу) с целью изучать медицину. Из 2000 учащихся в этой школе было всего 35 девушек. Фрида сразу же заработала авторитет, создав с восемью другими учащимися закрытую группу «Качучас». Её поведение часто называли эпатажным.

"Две Фриды"
1939

Work of art (посмотрите фильм о ней)интересно

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

По словам Сэмюэля Фоссо, до трёх лет он не мог двигаться, но народный целитель вылечил его. Мать Сэмюэля умерла, когда ему было пять. Во время гражданской войны в Нигерии вся деревня, где жила семья Фоссо, ушла в леса и обосновалась там на несколько лет. Когда Сэмюэлю было десять, вместе с родным дядей он перебрался в столицу Центральноафриканской Республики - Банги. В начале 70-х в Банги практиковало всего два коммерческих фотографа. К одному из них Сэмюэль поступил в ассистенты и в 1975 открыл собственную студию. Ему было тринадцать.

1976. Сэмюэлю 14

Work of art

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Широко распространенным является утверждение, что фотографию как искусство в ХХ веке формировали в основном глянцевые журналы, по крайней мере ее техническую сторону, — редакции журналов, производители одежды и парфюмерии традиционно не скупятся на оплату зачастую рискованных экспериментов, предлагаемых фотографами. Не случайно именно в глянцевой фотографии стали известны такие имена, как Хорст П. Хорст, Ирвинг Пенн, Сесиль Битон, Сноудон, Хельмут Ньютон, Ричард Аведон или Сара Мун. Одним из ярчайших представителей этого бомонда фэшн-фотографии стал американец Уильям Кляйн, не считавший моду чем-то существенным, но получивший мировую славу именно благодаря съемкам моды. Судьба Кляйна во многом типична для представителя его фотографического поколения, однако это поколение таково, что чем-то типичным в данном случае является уникальность, как ни парадоксально на первый взгляд это звучит. Люди, создававшие из прикладного по сути занятия новое искусство, попадали в фотографию зачастую совершенно неожиданным для себя образом. Уильям Кляйн не являлся исключением.

Barbara plus Coffee Filter, Paris 1956

William Klein said of his subject: 'Barbara Mullen was the first model I really related to, because she was a clown; she was really able to laugh at the scene and herself'. Here, Mullen brings fake drama to a most prosaic activity - making coffee.



Barbara, Over Gadgeted, Does Lips, Paris 1956

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Фотограф Максим Дмитриев родился в 1858 году в Тамбовской губернии и получил образование в церковно-приходской школе, где считался одним из лучших учеников. В возрасте 15 лет поступил в ученики к известному московскому фотографу М.П. Настюкову. Именно там мальчик впервые познакомился со светописью, а также приобрел весьма полезные для фотографа того времени практические навыки, научившись вымачивать фотопластинки в азотной кислоте, обрабатывать их нашатырным и этиловым спиртом, наклеивать и ретушировать фотографии. Далее работал у Д.Лейбовского и Андрея Карелина. Избалованная московская публика впервые увидела работы Дмитриева в 1889 году, на выставке, посвященной 50-летию светописи, – и рукоплескала неизвестному до тех пор провинциальному фотографу. Экспозицию составили 53 безукоризненно выполненные работы большого формата: волжские виды, лесные пейзажи, групповые и индивидуальные портреты. В начале 90-х годов XIX века он создал знаменитый альбом «Неурожайный 1891-1892 год в Нижегородской губернии», издание которого помогло собрать деньги для помощи Поволжью. Мало заботясь о славе и даже собственном здоровье, Максим Петрович снимал разоренные голодом деревни, фиксировал работу врачей, сестер милосердия и отдельных земских деятелей, помогающих больным тифом крестьянам. Альбом стал важной вехой в истории российского фоторепортажа и удостоился восторженных откликов критики. Не меньшей популярностью публики пользовались удивительные по красоте и силе пейзажные снимки, которые поражали зрителей тщательностью отбора объектов, мастерски найденной точкой съемки, неповторимой живописностью композиции. Титанический труд над циклом из нескольких сотен фотографий под названием «Волжская коллекция», запечатлевший окрестности Волги буквально через несколько верст, отнял у Максима Дмитриева около 10 лет жизни, потребовал огромных денежных вложений и принес автору главным образом моральное удовлетворение – его фотографиями без зазрения совести пользовались многие издатели. Максим Дмитриев по праву считается основоположником русского репортажа. В 1933 году из его архива изъяли более 7000 фотографий, лишив некогда знаменитого фотографа единственного дохода, который давали заказы краеведческих организаций и выставок по отпечатыванию снимков. Последние годы жизни фотограф провел в полном забвении.

Александровский мост через Волгу в Сызрани.
Негатив 18х24 см



Странники на пути в Саровский мужской монастырь
Негатив 18х24 см

Work of art

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

"Темой творчества Арбюс были сюрреальность, больные и покалеченные люди в их повседневности. Она фотографировала тех, кто по мнению общества, являлся его аутсайдерами: трансвеститов, карликов, проституток, душевно и физически ущербных людей. Запечатлевала Диана и обычных людей, однако её камера всегда придавала их позам некую отчуждённость, неспокойность. Арбюс никогда не принуждала своих персонажей к позированию, а всегда давала им пространство и время, для того, чтобы те нашли своё место перед её камерой. Фотографии Арбюс нельзя назвать ни постановочными фотографиями, ни произвольной съёмкой, однако всегда в её кадре возникали образы гротескные, отталкивающие и необычные даже в повседневности."

Work of art

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Детство провёл в Друскининкае, где его отец был органистом. Профессиональная музыкальная карьера началась в музыкальной школе и оркестре князя М. Огинского в Плунге (1889—1893). Музыке обучался в Варшавском музыкальном институте (1894—1899) и Лейпцигской консерватории (1901—1902).

Учился живописи в рисовальной школе Я. Каузика (1902—1905) и художественном училище (1905) у К. Стабровского в Варшаве. Впервые экспонирует свои работы в Варшаве в 1905. В 1906 его работы выставляются на выставке учеников Варшавского художественного училища в Петербурге. Один из инициаторов и участников первой литовской художественной выставке в Вильнюсе в 1907. В 1908 живет в Вильнюсе, где руководит хором, часть времени в Друскининкай и Паланге. Осенью 1908 г. в Петербурге при содействии М. В. Добужинского вошёл в круг художников, позднее образовавших объединение «Мир искусства». Умер после тяжелого нервного заболевания в санатории под Варшавой. Похоронен в Вильнюсе на кладбище Росса (Расу).

В Каунасе находится Национальный художественный музей им. Чюрлёниса; в Друскининкае имеется мемориальный дом-музей Чюрлёниса (филиал музея в Каунасе). Имя Чюрлёниса носит основанная в 1945 году Национальная школа искусств М.-К. Чюрлёниса в Вильнюсе, единственная в Литве школа искусств с полным 12-летним циклом обучения.

Написал около 300 произведений, в духе модерна и ар нуво сочетающих влияние символизма с элементами народного декоративно-прикладного искусства, цитатами и реминисценциями из японской, египетской, индийской культур и стремление к синтезу искусств и поискам аналогий музыки и изобразительного искусства. Последнее особенно явственно в таких произведениях, как «Соната солнца», «Соната весны» (1907), «Соната моря», «Соната звёзд» (1908). Создавал символически-обобщённые произведения, переносящие в мир сказки (триптих «Сказка», цикл «Сказка королей»; 1907), космогонических и астральных мифов (циклы «Сотворение мира», 1904—1906, «Знаки Зодиака», 1907), народных представлений (циклы «Весна», «Зима», 1907; «Жемайские кресты», «1909»). Произведения находятся в Каунасском художественном музее им. Чюрлёниса.

Соната весны

Аллегро

Анданте

далее

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Клод Моне родился 14 ноября 1840 г. в Париже. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и присоединился к семейному бизнесу, но сын с детства увлекался изобразительным искусством, в частности с удовольствием рисовал карикатуры. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры.В 1860 г. Моне был призван в армию и попал в Алжир, но из положенного семилетнего срока отбыл там лишь два года: он заболел тифом, и вмешательство тётушки помогло художнику демобилизоваться. Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи. Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла затем стала женой художника, и у них родился сын Жан.После начала франко-прусской войны в 1870 г. Моне уезжает в Англию, где знакомится с работами Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. После возвращения во Францию в конце 1872 г. Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant). Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в 1874 г.

В 1879 г. Камилла умирает от туберкулёза. В 1892 г. Моне женится во второй раз, на Алисе Ошеде. Ещё до этого Алиса помогает художнику вести хозяйство и воспитывать детей от первого брака. В 1883 г. Моне вместе с Алисой уезжает в местечко Живерни в Верхней Нормандии, в 80 км к северо-западу от Парижа. Алиса умерла в 1911 г. Художник пережил и своего старшего сына, Жана, умершего в 1914 г.В начале 1920-х у Моне развивается катаракта, из-за чего ему пришлось перенести две операции. Художник скончался 6 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

«Бульвар капуцинок», 1873 г.

«Гавань»

+2

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Энди Уорхол (настоящее имя Эндрю Вархола) родился в Питтсбурге (шт. Пенсильвания, США) в семье словацких эмигрантов. С 1945 по 1949 учился на художественном факультете Технологического института Карнеги, затем переехал в Нью-Йорк, где вначале работал художником – иллюстратором в разных журналах, в том числе «Vogue» и «Harper's Bazaar», оформлял витрины, делал открытки и плакаты. Успех принесли графические работы в области рекламы, особенно рисунки обуви для компании «И.Миллер».

Уже в 1952 работы Уорхола были представлены на выставке в Нью-Йорке, а в 1956 он получил почетный приз «Клуба художественных редакторов». К этому времени художник зарабатывал около ста тысяч долларов в год, однако не переставал мечтать о «высоком искусстве». В 1960 он создал культовое произведение Кока-кола. В 1960–1962 появился ряд картин с изображением Консервных банок с супом Кэмпбелл (Campbell's Soup Can). Вначале «портреты» банок супа исполнялись в технике живописи: Банка с супом Кемпбелл (рисово-томатный)(Campbell's Soup Can (Tomato Rice), 1961), а с 1962 – шелкографии (Тридцать две банки супа Кемпбелл), Сто банок супа Кемпбелл, Двести банок супа Кемпбелл – все 1962).

Очищенное, разглаженное, зауплощенное изображение, аккуратно вырезанное и закрепленное, повторенное с нюансами, – вот стихия Уорхола. На протяжении многих лет изменялись только сюжеты и цветовые фильтры, сам принцип сохранялся. Длина и монотонность его произведений напоминали полки супермаркетов. Бесконечные ряды стирального порошка Brillo, бутылок кока-колы, супа Кэмпбелл сменялись тиражированными портретами Мерилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли: «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, – это то, что я хочу делать» – слова художника воплотились в идею «Фабрики», где на основе тиражной техники шелкографии было организовано «производство» современного искусства.
В 1963 Уорхол перенес мастерскую в центр Манхэттена, она была окрашена серебряной металлической краской. Студию начали называть «Фабрика». Царившая там атмосфера вседозволенности, излишеств и творческого горения перевернула традиционное представление о мастерской художника как об уединенном месте.

Новаторство Уорхола состояло в том, что он создал «бизнес-арт», где отвел себе роль не рабочего, а предпринимателя, приняв на себя руководство исполнителями. «Фабрика» была устроена как коммерческое предприятие, она производила до 80 шелкографий в день, а в год выпускала около тысячи работ. На ней трудилась целая команда рабочих, здесь отвергались и ставились с ног на голову устои классического искусства, в частности была налажена работа по «массовому производству» портретов знаменитостей. Человек, которого Уорхол портретировал, приходил к нему в мастерскую, где фотоаппаратом «Полароид» художник делал серию моментальных снимков, отбирал лучшую фотографию, увеличивал ее, и методом шелкографии изображение переносилось на холст. Уорхол либо закрашивал поверхность холста до репродуцирования, или же писал масляными красками по уже репродуцированному изображению. Часто Уорхол создавал несколько вариантов одной картины. Художник считал, что на портрете все должны казаться «суперзвездами»: картина До и после (серия Рекламные объявления, 1960) дает стандартное рекламное обещание нового лица «от Уорхола», улучшенной версии тебя самого, подобное всем рекламам потребительских товаров.
Уорхол, твердо веривший в свою «пластическую хирургию», «приглушенный свет и обманывающие зеркала», всем своим моделям, в буквальном смысле слова, дарил красоту: убирал морщины и другие дефекты кожи, срезал двойные подбородки, делал глаза ярче, а губы более чувственными, тем самым создавая эффект звездности для своих моделей.

автопортреты, информация, работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Ара Гюлер родился в Стамбуле в 1928-м, еще школьником работал на разных киностудиях, учился актерскому мастерству. Хотел стать режиссером или сценаристом. Но в 1950-м начал карьеру журналиста в газете «Йени Истанбул», параллельно изучая экономику в Стамбульском университете. Служил в армии, потом возглавил фотоотдел в журнале «Хайят». В 1956-м в Турции открылся офис «Тайм-лайф», Гюлер стал его корреспондентом по Ближнему Востоку. Через два года он уже работал для «Пари-Матч» и «Штерн». Примерно тогда же познакомился с Анри Картье-Брессоном и присоединился к его всемирно известному агентству «Магнум».
В 1961-м Гюлера, единственного от Турции, принимают в ASMP (Американское общество медиафотографов). Ведущий швейцарский фотожурнал «Камера» посвящает Гюлеру отдельный номер в 1962-м. Двумя годами позже его снимки использованы в книге «Молодая Турция», опубликованной в США, а в 1967-м его серия появилась в выпуске «Фотография мира», посвященном Японии, наравне с работами Ричарда Аведона...
Выставки по всему миру, множество книг, два десятка персональных альбомов. Съемка Бертрана Рассела, Уинстона Черчилля, Арнольда Тойнби, Пикассо (который вообще отказывался позировать другим), Сальвадора Дали, Марка Шагала, Альфреда Хичкока, Уильяма Сарояна, Теннесси Уильямса, Манн Рэя и многих других подлинных гениев XX столетия. Бессчетен список наград, среди которых, например, орден Почета от Армянской патриархии к 70-летию и орден Почетного легиона. Работы хранятся во Французской национальной библиотеке в Париже, в Музее Джорджа Истмана в Рочестере (США) и коллекции Шелдон в Университете Небраска. А также выставляются в Воображаемом музее фотографии - это часть Музея Людвига в Кельне.
Назван фотографом века в Турции. Имеет собственный трехэтажный музей в Стамбуле.
Copyright (C) 2000 "ИД "С. Петербургские ведомости"

интересно

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Поль Сезанн родился во Франции 19 января 1839 года в городе Экс-ан-Прованс в семье состоятельного буржуа. В коллеже Бурбон, в котором он учился, Поль подружился с будущим известным писателем Эмилем Золя. Поль изучал право в университете Экса, но не окончил курса, решив целиком посвятить себя живописи. Отец Сезанна не был доволен выбором своего сына, однако, смирился с ним и оставил Полю значительную ренту, позволившую вести вполне безбедную жизнь.

После непродолжительного обучения в Школе Изящных Искусств Экс-ан-Прованса Сезанн отправился в Париж, где познакомился с Камилем Писсарро, Пьер-Огюстом Ренуаром, Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Вместе с ними он участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 году в фотографическом ателье Надар в Париже. Однако, холодная реакция публики по отношению к работам Сезанна на этой и на последующей выставке импрессионистов 1877 года заставили его порвать с этой группой художников. Не оправдались надежды Сезанна выставить свои работы и в знаменитом Парижском Салоне, все его попытки были отвергнуты. Покинув Париж, Сезанн переехал в Прованс.

Большое влияние на творчество Сезанна оказал Камиль Писарро. Они работали вместе в 1872—1873 годах. Большой педагогический дар Писарро помог Сезанну в поисках его собственной неповторимой манеры живописи.

В 1886 году после смерти отца Сезанн переселился в Экс-ан-Прованс, который больше почти не покидал.

Признание пришло к Сезанну уже около 1900 года. Его картины были представлены на Всемирной выставке в Париже. Он пользовался особенно большой популярностью у молодого поколения художников.

Поль Сезанн умер 22 октября 1906 года в Экс-ан-Провансе, простудившись, работая над очередной картиной.

Портрет Луи-Огюста Сезанна, отца художника, читающего "Эвенман". 1866
Холст, масло, 200x120, Национальная галлерея искусств, Вашингтон (коллекция г-на и г-жи Меллон)

Шоке сидящий. 1877
Холст, масло, 65x57.2, Галерея изящных искусств, Колумбус, Огайо

+4

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родился в Реджо-ди-Калабриа (на юге Италии) 19 октября 1882 в семье чиновника. Получил художественное образование в Риме (1898-1902), в студии Дж. Баллы. Посетил Париж (1902), Берлин и Петербург (1903-1904).

Первоначально работал в духе итальянского веризма, затем живопись его обрела пуантилистский характер. Обосновавшись в Милане (1907), молодой художник познакомился с Ф.Т. Маринетти. Вдвоем они стали ведущими фигурами футуристического движения в стране. Боччони был одним из главных авторов Технического манифеста футуристической живописи, опубликованного в 1910. В зрелых вещах мастера ключевые для этого направления понятия брутальной силы, скорости и энергии принимали вид тотальных катастроф, преобразующих старое общество в вихревой круговорот обломков и людских толп (Город восстает, 1910, Национальная галерея современного искусства, Рим), либо претворялись в образы психологических потрясений, как бы позволяющих увидеть человека изнутри ("Состояния души", "Те, кто ушли", 1911, частное собрание, Нью-Йорк). Как и его художники-соратники, Боччони разлагал форму на отдельные элементы, тем самым передавая эффект движения ("Динамизм велосипедиста", 1913, частное собрание, Милан); при этом колорит его картин выделялся своим жестким драматизмом.

Усвоив опыт кубизма, активно работал и как скульптор, придавая процессу дробления и "раскручивания" форм реальную связь с окружающей средой. В 1912 выпустил Технический манифест футуристической скульптуры, наметив в качестве главной задачи новой пластики "продолжение предметов в пространстве". Стремился контрастно сочетать различные материалы (к примеру, дерево и картон в "Динамизме скаковой лошади", 1914-1915, Музей П. Гуггенхейм, Венеция). К известнейшим его скульптурным вещам принадлежат Развитие бутылки в пространстве (бронза, 1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк) и Уникальные формы длительности в пространстве (бронза, 1913, там же), - последняя фигура, которая стремительно шагает, "растворяясь" во встречном ветре, великолепно выражает дух "бури и натиска", свойственный раннему авангарду.

Призванный в армию в начале Первой мировой войны, Боччони получил смертельное увечье, упав с лошади, и умер в Вероне 16 августа 1916.

«Состояния души III. Те, кто остаются» (1911). Музей современного искусства, Нью-Йорк

Umberto Boccioni

+2

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Испанский художник, один из основоположников кубизма. Родился в Мадриде 23 марта 1887, настоящее имя – Хосе Викториано Гонсалес (Jos Victoriano Gonzlez). Вначале зарабатывал на жизнь рисунками для юмористических изданий и одновременно обучался живописи. В 1906 Грис приехал в Париж и поселился на Монмартре, неподалеку от своего соотечественника Пабло Пикассо.

В годы становления, в начале парижского периода (1906–1912), Грис увлекся кубизмом. Его ранние работы (1911–1912) выполнены в «аналитической» манере, восходящей как к Сезанну, так и к Пикассо и Браку. Стремительно развиваясь, Грис уже в 1913–1914 вырабатывает собственную версию «синтетического» кубизма. Свою живопись он определяет как «вариант плоскостной, цветной архитектуры», вернее, ее «предчувствие», гармоническую аранжировку форм и цветов. Он считал, что «суть живописи – это экспрессивное взаимодействие между художником и внешним миром», картины же, лишенные изобразительного начала, называл «ущербным техническим упражнением». Версия кубизма, созданная Грисом, была более суровой и классичной, менее спонтанной, чем у Брака или Пикассо. В полотнах 1920–1927 художник культивирует «утонченную и эстетизированную сторону живописи, для которой прежде не находил места в своем творчестве». В результате его стиль приобрел необычайную свободу, лиризм и одновременно смелость и завершенность. Умер Грис в Булонь-Бийанкур (Франция) 11 мая 1927.

КУРИЛЬЩИК. 1913. Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид.

Портрет Пабло Пикассо

+2

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Илларион Прянишников родился 20 марта (1 апреля) 1840 г. в селе Тимашово (нынешняя Калужская область), в купеческой семье.

С 1856 по 1866 г. учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких мастеров, как Е. С. Сорокин и С. К. Зарянко. Как живописец испытал также сильное влияние В. Г. Перова. В 1870 г. Прянишников был удостоен звания художника 1-й степени. С 1873 практически до конца жизни преподавал в МУЖВЗ, его учениками были, в частности, В. К. Бялыницкий-Бируля, С. В. Иванов и С. А. Коровин.

С самого начала существования Товарищества передвижных художественных выставок Прянишников был его членом-учредителем, со второй передвижной выставки он стал бессменным членом правления Товарищества. Жил преимущественно в Москве, однако ездил на русский север для зарисовок с натуры. Принимал участие в работе над росписями храма Христа Спасителя в Москве.

Прянишников скончался 12 (24) марта 1894 г. в Москве. Его именем названа улица на севере Москвы.

"Жестокие романсы" 1881
Третьяковская галерея, Москва

"Конец охоты" 1884
Третьяковская галерея, Москва+4

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

В 1864 году она впервые выставила свои работы на одной из самых престижных художественных выставок Франции — Парижском салоне, официальной ежегодной экспозиции парижской Академии изящных искусств. Её работы отбирались для участия в шести Парижских салонах подряд, пока в 1874 году она не примкнула к группе «отверженных» импрессионистов, созданной Сезанном, Дега, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуаром и Сислеем, и приняла участие в их первой экспозиции в студии фотографа Надара.

Она доводилась внучатой племянницей Жан Оноре Фрагонару и была замужем за Эженом Мане, братом своего друга и коллеги Эдуара Мане.

Моризо родилась в Бурже, департамент Шер, в богатой буржуазной семье. Она и её сестра Эдма Моризо стали художницами. Её семья, после того как Берта определилась с выбором профессии, не мешала её карьере.

Она родилась в семье с богатыми культурными традициями, к которой принадлежал знаменитый мастер стиля рококо Фрагонар, чьё мастерство повлияло на многие поколения художников. В возрасте двадцати лет Берта повстречала и подружилась со знаменитым ландшафтным живописцем Барбизонской школы Камилем Коро, бывшим также и хорошим портретистом.

Художник давал Берте и её сестре частные уроки живописи и познакомил их с другими живописцами. Под влиянием Коро Моризо много работала на пленэре. Она была очень близка с сестрой до тех пор, пока та не вышла замуж, родила детей и уже не смогла уделять живописи столько времени, как Берта. Их переписка доказывает их тёплые и очень тесные отношения, проникнутые сожалениями Берты о расстоянии, их разделяющем, и о том, что Эдма больше не занимается живописью. Эдма в свою очередь всячески поддерживала работу сестры, их семьи всегда оставались в близких отношениях.

Первые работы выставленные Моризо в рамках Парижского салона были два пейзажа.

В 1874 году Моризо вышла замуж за брата Эдуара Мане Эжена, вскоре у них родилась дочь Жюли.

+4

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Дюрер родился 21 мая 1471 г. в Нюрнберге, в семье ювелира, приехавшего в этот немецкий город из Венгрии в середине XV века. В этой семье насчитывалось 18 детей, из которых будущий великий художник был третим ребёнком и вторым сыном.Его отец, Альберехт Дюрер-старший, был золотых дел мастер. Поначалу отец старался увлечь сына ювелирным делом, но потом поняв что у сына артистический талант,В возрасте 15 лет Альбрехт был направлен учиться в мастерскую ведущего нюрнбергского художника того времени Михаэля Вольгемута. Там Дюрер освоил не только живопись, но и гравирование по дереву и меди. Учёба в 1490 по традиции завершилась путешествием — за четыре года молодой человек объездил ряд городов в Германии, Швейцарии и Нидерландах, продолжая совершенствоваться в изобразительном искусстве и обработке материалов.

В 1494 Дюрер вернулся в Нюрнберг, вскоре после чего женился. Затем он в том же году предпринимает путешествие в Италию, где знакомится с творчеством Мантеньи, Полайоло, Лоренцо ди Креди и других мастеров. В 1495 Дюрер снова возвращается в родной город и в течение последующих десяти лет создает значительную часть своих гравюр, ставших сейчас знаменитыми.

В 1505 Дюрер снова едет в Италию.

В 1520 художник предпринимает путешествие в Нидерланды, где становится жертвой неизвестной болезни, мучившей его затем до конца жизни. Скончался Дюрер 6 апреля 1528 г. у себя на родине в Нюрнберге.

 

---

 

Автопортреты Дюрера

В творчестве Дюрера создан величавый и мужественный, подлинно гуманистический образ человека сложной эпохи. «Автопортрет» (1500. Старая Пинакотека. Мюнхен) занимает особое место не только в немецком, но и во всём европейском искусстве, отразив глубину и противоречивость творческого сознания, стоявшего на грани двух эпох. Изобразив себя в строго фронтальной позе, Дюрер использовал композиционную схему, которую средневековые художники применяли для образа Христа. Для него это имело особый смысл: человек, по мысли автора, должен напоминать Спасителя не только внешним обликом, но и в переносном, высшем смысле — готовностью брать на себя и нести «крест», возлагаемый на него в земной жизни. Не горделивая спесь, но глубоко религиозное сознание проступает в этом «уравнивании» себя с Христом: свой несравненный художнический дар Дюрер (почти достигший порога тридцатилетия) воспринимает как милость Бога и свою ответную обязанность перед Творцом, наделившим его высочайшей способностью «творить мир» заново — кистью и резцом. В этом автопортрете художник попытался связать старую систему пропорций с новым ренессансным учением о пропорциях человеческого тела. Стремясь к преодолению условности старого искусства, Дюрер первым из немецких художников овладел передовыми художественными достижениями ренессансной Италии. Подобно Леонардо, он воплотил в себе характерный для Ренессанса тип художника-учёного, соединив рациональное, научное познание реального мира с его глубоким философским осмыслением и преображающей, динамичной, страстной фантазией художника.

Первый из известных автопортретов Дюрера был написан им в 13 лет (рисунок серебряным карандашом).

Автопортрет, рисунок серебряным карандашом, 1484 г.

Автопортрет, Лувр, 1493

+2 автопортрета

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Бальдунг (Baldung; прозвище – Грин, Grien) Ханс (около 1484/86–1545), немецкий живописец и график. Испытал влияние А.Дюрера (в мастерской которого работал в 1502–1504) и М.Грюневальда. Работал главным образом в Страстбурге, но с 1512 до 1517 жил в Фрайбурге, где работал над своим шедевром - высоким алтарем для собора Фрейбурга, центральная панель которого - лучистое изображение коронации Богородицы. В работе над алтарем он, волшебным образом, объединил пейзажи, фигуры, свет и цвет. Рационализм эпохи Возрождения , особенно сказавшийся в портретах Бальдунга (портрет Амброзия Келлера, 1538, портрет Л.Лёвенштейна, 1513, Картинная галерея, Берлин-Далем), часто сочетается в его творчестве с мистикой, обобщенная пластика – с дробными, ломаными ритмами (главный алтарь собора во Фрайбурге-им-Брайсгау, 1512–1516; “Смерть, целующая женщину”, 1517,  художественное собрание, Базель). В рисунках и гравюрах на дереве Бальдунг создал особую манеру передачи светотени контрастами ярких бликов (“Колдуньи”, гравюра на дереве, 1510). Творчество  Бальдунга - изменчиво и многообразно, включает религиозные работы, аллегории и мифологию, портреты, проекты для цветного стекла и гобеленов, и большое количество графических работ, особенно книжных иллюстраций. Его характерные, довольно небольшие по размеру картины - это эротические аллегории (как например, "Рыцарь, молодая девушка и смерть", 1505, Лувр, Париж, "Смерть и Девушка", 1521), к которым он обращался много раз. Эротизм часто присутствует в его поздних работах, наиболее известная из которых - "Очарованный стойкий молодой человек" (1544), интерпретированная как аллегория страсти. С другой стороны его картины, посвященные изображению возраста - виртуозные по манере рисунка - довольно символичны по зловещему смыслу.

"Портрет Якоба фон Морсперга"
1525, Гос. собрание, Штутгарт

"Две колдуньи" 1523
Институт искусств, Франкфурт+4

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Фотограф. Родился в Петербурге.
В 1890-ые гг. - ученик в петербургских фотоателье.
С 1900 года обратился к фоторепортажу, создав на протяжении более чем полувека около 40000 снимков, запечатлевших многие крупные исторические события. Участвовал в качестве фотографа в русско-японской войне; работал в журнале «Огонек» с 1900 года; снимал Льва Толстого, Сергея Рахманинова, Федора Шаляпина и многих других «звезд» дореволюционной России. За политическую деятельность в 1905-07 гг. подвергался преследованиям.
В дни Октябрьского вооруженного восстания 1917 года находился в Смольном, был единственным фоторепортёром, присутствовавшим на 2-м съезде Советов. Первая персональная выставка П. Оцупа состоялась в Петербурге, последняя прижизненная - в 1956 в Москве. С 1918 по 1935 работал фотографом в Кремле, кроме того, в 1918-1921 снимал на фронтах Гражданской войны, позже неоднократно сопровождал членов Советского правительства в поездках по стране. В 1962 награжден орденом Ленина.
Работал в фотографии ВЦИК (1919-25), руководил фотостудией ВЦСПС (1925-35). Автор многочисленных портретов выдающихся деятелей революции. В 1918-22 гг. снимал В.И.Ленина, выполнив 35 его портретов.

В 2004 и 2007 годах выходила книга "Оцупы - моя семья. Генеалогическое исследование". Ее при желании можно приобрести в виртуальном книжном магазине по адресу www.greybooks.ru

Женщины во время обучения стрельбе из винтовки. 1941 г. Москва



Пролетарии всех стран: Клара Цеткин и партизан Гуляев среди военных курсантов. 1922

интересно

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Художник родился 25 марта 1871 года в Будапеште, в семье Э. И. Грабаря, русского общественного деятеля. В 1876 году семья переехала в Россию. Игорь Грабарь учился сперва в Москве в лицее цесаревича Николая (лицей М. Н. Каткова), затем — на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, который окончил университет в 1893 году.В отличие от старшего брата, Владимира (1865—1956), ставшего известным юристом, Игорь предпочёл карьеру художника и в 1894 году поступил в петербургскую Академию Художеств, а затем учился в Париже и Мюнхене. Участвовал в работе творческих объединений «Мир искусства» и «Союз русских художников».С 1902 г. Грабарь принимает участие в выставках «Мира Искусства» в «Салоне» и «Союзе»; его работы выставляются и за границей — в Мюнхене, в Париже, в Salon d’Automne, в 1906 г. на выставке русского искусства, устроенной С. П. Дягилевым, в Риме на международной выставке в 1909 г. и др.После Октябрьской революции Грабарь также активно занимается живописью, создавая как пейзажи, так и официальные, «придворные» композиции.

Помимо создания картин важную роль в жизни художника занимает исследовательская и просветительская работа. Грабарь много писал об искусстве в журналах — в «Мире искусства», «Весах», «Старых годах», «Аполлоне», «Ниве» и др. Его перу принадлежит текст в издании «Картины современных художников в красках», редактором которого он также состоял; он же является редактором и крупнейшим сотрудником предпринятого И. Н. Кнебелем издания «История русского искусства», а также серии монографий «Русские художники». В начале 1913 г. московская городская дума избирает Грабаря попечителем Третьяковской галереи. Он оставался на этой должности вплоть до 1925 г.

Грабарь был ключевой фигурой художественной жизни советской России. Он дружил с женой Троцкого Натальей Седовой, с которой познакомился во время совместной работы в музейном отделе Наркомпроса. В самом начале сталинских чисток Грабарь ушел со всех своих ответственных постов и возвратился к живописи. Он написал портрет девочки по имени Светлана, который вдруг стал невероятно популярен. Секрет был прост: дочь Сталина тоже звали Светлана, и все решили, что на портрете изображена именно она.

Грабарь пользовался неоднозначной репутацией среди коллег по цеху, многие из которых называли его "Угорь Обмануилович Гробарь". Именно Грабарь пошел против воли П. М. Третьякова, завещавшего оставить в неприкосновенности собранную им галерею, устроив в Лондоне выставку русского искусства, которая должна была быть продемонстрировать Советскую Россию миру. По странному стечению обстоятельств, во время этой выставки в Англии были утеряны два ящика древних (в большей части византийских) икон.

Кроме того, Грабарь с 1918 по 1930 г. руководил Центральными реставрационными мастерскими в Москве, а с 1944 г. работал научным руководителем мастерских и возглавил многочисленные комиссии, занимавшиеся конфискацией картин из усадеб и икон из монастырей.

В начале 1943 года Грабарь выдвинул идею компенсации потерь советских музеев за счет конфискации произведений из музеев Германии и ее союзников. Он возглавил Бюро экспертов, которое составляло списки лучших произведений из музеев Европы, готовил "трофейные бригады", отправлявшиеся на фронт, и принимал эшелоны, набитые произведениями искусства.Лауреат Сталинской премии (1941) за двухтомную монографию «Репин» (1937). Действительный член АН СССР (1943). Действительный член Академии художеств СССР (1947). Народный художник СССР (1956).

Умер Игорь Грабарь в Москве 16 мая 1960 г.

 Сентябрьский снег, 1903

+4

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Мэри Кассат (англ. Mary Cassatt) (22 мая 1844 — 14 июня 1926) — знаменитый американский график и художница, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции, была дружна с Эдгаром Дега. Мотивом для её полотен послужили образы социальной и личной жизни женщин, с особым упором на тесную связь матерей и детей.

Чай, 1880

 Молодая мать, 1880

+1 и биография

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Мост Европы

Дождливый день в Батиньольском квартале, 1877

+4 работы и биография

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родченко Александр Михайлович

Пионер. 1930 г.

Парад

 

очень много интересного