CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Учился у Симоне Петерцано в Милане. В 1592-1594 гг. переехал в Рим, где приобрел покровительство кардинала дель Монте. В мае 1606, после ссоры во время игры в мяч и убийства на дуэли участника ссоры, был вынужден бежать из Рима в Неаполь, откуда в 1607 перебрался на остров Мальта. Здесь, вступив в конфликт с могущественным вельможей, был брошен в тюрьму, бежал на Сицилию. В 1608—1609, преследуемый наёмными убийцами, подосланными тем же вельможей, скитался по городам Сицилии и южной Италии, в 1610, рассчитывая на помощь римских покровителей и прощение папы, отправился в Рим. По дороге был по ошибке арестован испанскими таможенниками, затем продолжил путь и в городке Порто д’Эрколе умер от лихорадки в возрасте 39 лет.

"Св.Иероним"
1605, Галерея Боргезе,
Рим, Италия

"Голова медузы"
1598

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Эрнст (Ernst) Макс, немецкий живописец, график, мастер коллажа и фроттажа, один из наиболее ярких представителей сюрреализма.  Родился 2 апреля 1891, в Брюле, Германии. С 1909 он изучал философию в университете Бонна, но вскоре оставил это занятие, чтобы полностью посвятить себя искусству. Во время учебы он основательно изучал психологию и интересовался искусством психически больных. Первые работы Эрнста были показаны в 1912 в галерее Фельдмана в Кельне. На выставке Sonderbund  того же года в Кельне он познакомился с работами Поля Сезанна, Эдварда Мунка, Пабло Пикассо и Винсента ван Гога, которые оказали влияние на формирование его творческих взглядов. В 1913 году Эрнст предпринял поездку в Париж. Несмотря на участие в первой мировой войне, Эрнст продолжал писать картины и даже смог устроить выставку своих работ в Берлине в 1916 году. В 1919 году он создал свои первые коллажи и с Джохэйннсом Барджелдом основал движение кельнского дадаизма; к ним присоединились Жан Арп и другие. В 1921 в Париже прошла первая выставка работ Эрнста. В начале двадцатых годов ХХ века по приглашению Поля Элюара и Андре Бретона он становится участником движения французских сюрреалистов. В конце двадцатых годов Эрнст работал с Миро в проектах для театральных, балетных постановок Сергея Дягилева. В 1930 художник сотрудничал с Сальвадором Дали и Луисом Бунюэлем в фильме "Андалузский пес". Первая американская выставка работ Эрнста прошла в Нью-Йорке в 1932 году. В 1936 работы Эрнста были представлены в галерее дадаизма и сюрреализма в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1939 он был интернирован во Франции как немецкий подданный. Два года спустя Эрнст бежал в Соединенные Штаты с Пэгги Гуггенхайм, на которой он женился в начале 1942. После развода с Пегги Гуггенхайм он женится на Дороти Таннинг и в 1953 переселяется во Францию. Эрнст получил главный приз за оформление Биенале в Венеции в 1954, а в 1975 музей Соломона Р. Гуггенхайма представил практически полную ретроспективу его работ.
Макс Эрнст умер 1 апреля 1976 в Париже.

"Женщина, старик и цветок" 1924

"Кастор и Поллукс" 1923

не поленитесь,загляните сюда

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 г. в городе Фигерасе (Figueras(исп.)провинция Жерона на севере Испании), в семье зажиточного нотариуса. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 г. воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе.

В 1916 г. отправился на каникулы в город Кадакес, где впервые познакомился с модернистским искусством. Первая персональная выставка Дали состоялась в 1919 г. В 1921 г. отец решает послать Сальвадора для учёбы в Мадрид, в Академию художеств Сан-Фернандо, где он знакомится с такими деятелями испанской культуры, как Луис Буньюэль, Федерико Гарсиа Лорка и Педро Гарфиас.

Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма. В 1926 г. его выгоняют из Академии за высокомерное и пренебрежительное отношение к преподавателям. В том же году впервые едет в Париж, где знакомится с Пикассо. Пытаясь найти собственный стиль, в конце 1920-х создает ряд работ под влиянием Пикассо и Хуана Миро. В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс». Тогда же он впервые встречает свою будущую жену Галу (Елену Дмитриевну Дьяконову), бывшую тогда женой поэта Поля Элюара.

Работы Дали демонстрируются на выставках, он завоевывает популярность. В 1929 г. примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном.

В 1934 г. официально вступает в брак с Галой. В том же году впервые посещает США.

После прихода к власти каудильо Франко Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы. В ответ Дали не без оснований заявляет: «Сюрреализм — это я».

С началом второй мировой войны Дали вместе с Галой уезжает в США, где они живут с 1940 по 1948 г. В 1942 г. выпускает свою беллетризованную автобиографию «Тайная жизнь Сальвадора Дали». Его литературные опыты, как и художественные произведения, как правило, оказываются коммерчески успешными.

После возвращения в Испанию живёт преимущественно в своей любимой Каталонии. В 1981 г. у него развивается болезнь Паркинсона. В 1982 г. умирает Гала.

Дали скончался 23 января 1989 г. от сердечного приступа. Тело художника замурованно в стене в музее Дали в г. Фигерас. В этой комнате запрещено фотографировать со вспышкой.

"Искушение св. Антония"
1946

"Христос святого Хуана де ла Крус" 1951

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родилась в г. Белостоке Гродненской губернии в семье коллежского асессора.

Обучалась в Киеве в гимназии Св. Ольги, которую закончила 1899 г.

C 1901 по 1903, а также, как вольнослушатель, с 1906 по 1908 занималась в Киевском художественном училище.

В 1903 г. вышла замуж за адвоката Николая Евгеньевича Экстера.

В эти же годы организовала в своем доме салон-мастерскую, ставшим местом встреч представителей киевского авангардного искусства.

В 1907 г. уезжает в Париж, где начинает заниматься в парижской академии Гран-Шомьер, где посещает класс портретиста Карло Дельваля. Во время этой поездки у нее складываются дружеские отношения с П. Пикассо, Г. Аполлинером.

С 1908 по 1914 живет в разных городах России (Москва, Киев, Одесса, Петербург), активно путешествуя по Европе.

В 1908 организовала в Киеве вместе с Д. Д. Бурлюком выставку «Звено»;

В 1912 г. в Италии знакомится с художником-футуристом Арденго Соффичи, а через него с ведущими авангардистами этой страны и принимает участие в их выставках.

Принимала участие в большинстве наиболее значительных выставок авангардного искусства в России (выставки «Бубнового валета» — февраль 1912, «Союза молодежи», «Трамвай В» и др.), Франции («Салон Независимых» — март 1912 и др.), Италии .

В 1915 г. вступает в группу К.Малевича

В 1921 г. принмает участие в концептуальной выставке конструктивистов «5х5=25».

Экстер преподавала в Одесской детской художественной школе, затем в собственной студии в Киеве (1918). С 1921 по 1922 вела курс в ВХУТЕМАСе.

С 1924 жила за границей.

Умерла 17 марта 1949 в Фонтене-о-Роз под Парижем.

Город ночью. 1919. Масло

Конструктивный натюрморт. 1917. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Александр Дейнека родился 8 (20) мая 1899 г. в Курске. С 1920 по 1925 г. учился изобразительному искусству в московском ВХУТЕМАСе. Вместе с другими выпускниками этого заведения в 1925 г. основал Общество художников-станковистов, пропагандировавшее новую изобразительную стилистику.

Важное место в творчестве Дейнеки занимают монументально-декоративные работы — он оформлял росписями и панно ВСХВ (1938—1939), ЦТСА (1940), павильоны СССР на Всемирных выставках в Париже (1937) и Брюсселе (1958). Мозаики Дейнеки украшают станции московского метро «Маяковская» (1938) и «Новокузнецкая» (1943), главное здание МГУ (1951—1953), Дворец съездов в Кремле (ныне Государственный Кремлёвский дворец; 1960—1961). Живописная манера художника отличается скульптурной обобщенностью графической формы и стремительностью линий.

На протяжении всей карьеры Дейнека также активно занимался преподаванием — в 1928—1930 г. он преподавал в московском Вхутеине, с 1928 по 1934 г. — в Московском полиграфическом институте, с 1934 по 1963 г. (с перерывами) — в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова, с 1945 по 1952 г. — в Московском институте прикладного и декоративного искусства, с 1953 по 1957 г. — в Московском архитектурном институте.

В 1964 г. Дейнеке была присвоена Ленинская премия.

Художник умер 12 июня 1969 г. в Москве. Похоронен на московском Новодевичьем кладбище. На доме, где он жил и работал, установлена мемориальная доска.

«Мать», 1932

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

А. Я. Головин, гимназистом почувствовавший влечение к искусству, поступил в 1881 г. в МУЖВЗ - сначала на архитектурное отделение, потом на живописное. Учился успешно, хотя попытки следовать новейшим тенденциям в живописи не раз вызывали неодобрение части профессоров. После выпуска, испытывая серьезные материальные затруднения, Головин был вынужден некоторое время зарабатывать ремесленной росписью интерьеров. В поисках собственного пути он многое перепробовал: занимался станковой живописью, декоративными искусствами - проектировал мебель и утварь, делал майоликовые панно, участвовал, вместе с К. А. Коровиным, своим другом, в оформлении русского кустарного павильона на Всемирной выставке 1900 г. в Париже.

Решающим поворотом в его жизни стало приглашение в Большой театр. Первые же работы - декорации к опере А. Н. Корещенко "Ледяной дом" (1900) и к опере Н. А. Римского-Корсакова "Псковитянка" (1901)- оказались удачными. В 1902 г. он был приглашен в Петербург на должность главного декоратора императорских театров. С тех пор его творчество и лучшие достижения надолго связаны с двумя столичными театрами - Мариинским (музыкальным) и Александрийским (драматическим). Одной из лучших работ, заставивших говорить о Головине как о смелом новаторе, было оформление "Кармен" (Мариинский театр, 1908), в котором он разрушил стереотипы восприятия известной оперы Ж. Бизе.

Головин работал и для "Русских сезонов" в Париже: оформил "Бориса Годунова" М. П. Мусоргского .(1908) и "Жар-птицу" И. Ф. Стравинского (1910) - спектакли, имевшие триумфальный успех.

В предреволюционное десятилетие Головин сотрудничал главным образом с выдающимся режиссером-новатором XX в. В. Э. Мейерхольдом, который нашел в нем идеального соавтора в осуществлении принципа "чистой театральности". Начало их сотрудничеству положил спектакль "У врат царства" К. Гамсуна (Александрийский театр, 1908) затем были поставлены "Дон-Жуан" Ж.-Б. Мольера (Александрийский театр, 1910) и опера "Орфей и Эвридика" К. В. Глюка (Мариинский театр, 1911), оформленные в духе так называемого традиционного театра, где стилизаторское воскрешение старых сценических средств и приемов использовалось для решительного обновления театральной эстетики. Их совместные работы в большинстве своем стали событиями истории отечественного театра. В спектакле Александрийского театра "Гроза" (1916) по пьесе А. Н. Островского, трактованной не как бытовая, а как национально-романтическая драма, действительность представала словно увиденной через восприятие возвышенной души героини. В опере А. С. Даргомыжского "Каменный гость" (Мариинский театр, 1917) в изображении Испании художник шел от романтизированных представлении об этой стране, выраженных в подчеркнутой символике цвета и орнаментального декора. Венцом творческого содружества Головина и Мейерхольда был спектакль по драме М. Ю. "Лермонтова "Маскарад", над которым они трудились в Александрийском театре несколько лет. Его премьера, состоявшаяся 25 февраля 1917 г., прозвучала мрачным реквиемом уходящей в прошлое России. Здесь чрезвычайно сложное и торжественное оформление составляло органическую часть полуфантастического театрального действия - роскошного и пугающего. "Маскарад" Головина завершил целую эпоху русской сценографии, подготовив ее выход на новые рубежи в следующем десятилетии.

После 1917 г. Головин в театре был занят гораздо меньше, чем прежде, фактически он оказался не у дел. В последний раз ему удалось блеснуть превосходными декорациями в известном спектакле МХАТа "Безумный день, или Женитьба Фигаро" (1927) по пьесе П. Бомарше, но следующая его работа, декорации к "Отелло" У. Шекспира, не нашла в том же театре понимания - спектакль вышел уже после смерти художника в сильно искаженном варианте оформления. Вынужденную бездеятельность Головин компенсировал тем, что занимался журнальной и книжной графикой (в частности, он создал в 1922 г. превосходные иллюстрации к "Двойнику" Э.-Т.-А. Гофмана) и, более всего, живописью.

Великий театральный художник, он был и незаурядным станковым живописцем, написавшим много портретов, преимущественно людей из своего окружения. Большой известностью пользуются его портреты Ф. И. Шаляпина в ролях Мефистофеля (1905), Олоферна (1908) и Бориса Годунова (1911), а также портрет В. Э. Мейерхольда (1917). Головин был и автором прекрасных пейзажей и натюрмортов, исполненных в его очень индивидуальном, с немалой долей декоративности, стиле.

Купавки. Б. г. Темпера

Страшная игральная. Эскиз декораций к драме М. Ю. Лермонтова "Маскарад". 1917. Гуашь, клеевая краска, золото

Портрет Мейерхольда

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Художественное образование А. М. Герасимов получил в МУЖВЗ (1903-15), где его наставниками были крупнейшие русские живописцы рубежа XIX и XX вв. - А Е Архипов, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин. У них он заимствовал широкую этюдную манеру письма, смелый мазок, сочный (хотя часто и грубоватый) колорит. Окончив в 1910 г. живописное отделение, он, чтобы продолжить занятия у Коровина, поступил на архитектурное.

После нескольких лет работы в родном Козлове, где прошли его детские годы, художник в 1925 г. вернулся в Москву. Здесь он присоединился к АХРР - ассоциации художников, совмещавших новизну советской политизированной тематики с традиционными живописными приемами именно поэтому художники АХРР лишь себя называли "реалистами", всех же прочих - "формалистами" и "эстетами", непонятными народу.

Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом, хотя нередко обращался и к пейзажной живописи, создав ряд тонких и лиричных по настроению пейзажей ("Март в Козлове", 1914 "После дождя. Мокрая терраса", 1935, и др.). Среди его портретов, индивидуальных и групповых, со временем начинают преобладать изображения людей высокопоставленных, руководителей государства и партии. Его большие холсты, не лишенные плакатного пафоса, - "В. И. Ленин на трибуне" (1930), "И. В. Сталин и К Е. Ворошилов в Кремле" (1938), "Гимн Октябрю" (1942) и др. - становятся образцами официального стиля советской живописи. А с конца 1930-х гг. Герасимов не только живописец, но и официальный руководитель художественной жизни страны, жесткий хозяин, возглавлявший основные творческие организации: председатель правления Московского отделения Союза художников (1938-40), председатель оргкомитета Союза советских художников (1939-54), президент АХ СССР (1947-57). На этих постах он был энергичным проводником, а отчасти и творцом художественной политики сталинских десятилетий.

Полдень. Теплый дождь. 1939. Масло

После дождя. Мокрая терраса. 1935. Масло

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Васильевич Верещагин родился 26 октября 1842 г. в Череповце (Новгородская губерния) в семье помещика. Имел троих братьев; все были определены в военно-учебные заведения. Младшие, Сергей и Александр, стали профессиональными военными; старший, Николай - общественным деятелем. Василий в возрасте девяти лет поступил в морской кадетский корпус. По окончании этого заведения после короткого периода службы вышел в отставку и поступил в петербургскую Академию художеств, где учился с 1860 по 1863 у А. Т. Маркова, Ф. А. Моллера и А. Е. Бейдемана. Оставив Академию, уехал на Кавказ, где пробыл около года. Затем уехал в Париж, где учился и работал под руководством Жерома (1864—1865)

В марте 1865 Верещагин вернулся на Кавказ и продолжил писать с натуры.

Осенью 1865 г. Верещагин посетил Петербург, а затем вновь вернулся в Париж, чтобы продолжить учёбу. Зиму 1865—1866 г. он провёл, обучаясь в Парижской академии. Весной 1866 художник вернулся на родину, завершив своё официальное обучение.

В 1867 г. К. П. Кауфман, генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками в Средней Азии, приглашает художника к себе на службу — тот должен состоять при генерале в чине прапорщика. В августе 1867 г. Верещагин отправляется в Ташкент и Самарканд. Участвовал в обороне осаждённого Самарканда, был ранен и получил Георгиевский крест 4-го кл

В конце 1868 г. художник едет в Петербург, оттуда в Париж, а затем снова в Петербург. В 1869 г. он при содействии Кауфмана организует в столице «туркестанскую выставку», где демонстрирует свои работы. После окончания выставки Верещагин снова едет в Туркестан, на этот раз через Сибирь.

В 1871 г. Верещагин переезжает в Мюнхен и начинает работать над картинами по восточным сюжетам. В 1873 г. он устроил персональную выставку своих туркестанских произведений в Хрустальном дворце в Лондоне. Весной 1874 г. состоится выставка в Петербурге. Затем он почти два года живёт в Индии, выезжая также в Тибет. Весной 1876 г. художник возвращается в Париж.

Узнав весной 1877 г. о начале русско-турецкой войны, он тотчас же отправляется в действующую армию, оставив в Париже свою мастерскую. Командование причисляет его к составу адъютантов главнокомандующего Дунайской армией с правом свободного передвижения по войскам, но без казённого содержания. Художник участвует в некоторых сражениях. В июне 1877 г. он получает тяжёлое ранение.

В 1882—1883 г. он снова путешествует по Индии. В 1884 г. едет в Сирию и Палестину, после чего пишет картины на евангельские сюжеты.

В 1901 г. художник посетил Филиппинские острова, в 1902 г. — США и Кубу, в 1903 г. — Японию.

Когда началась русско-японская война, Верещагин поехал на фронт. Он погиб в сражении при Порт-Артуре в результате взрыва на броненосце «Петропавловск» 31 марта 1904 г.

Апофеоз войны. 1871. Масло

О войне (1873)

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родившийся в семье вятского священника, Ю. А. Васнецов состоял в отдаленном родстве с Виктором и Аполлинарием Васнецовыми. Одержимый желанием стать художником, он в 1921 г. приехал в Петроград и поступил на живописный факультет ГСХМ (позднее Вхутемас) успешно закончил учебу в 1926 г. В поисках заработка молодой художник начал сотрудничать с отделом детской и юношеской литературы Государственного издательства, где под художественным руководством В. В. Лебедева счастливо обрел себя в интерпретации тем и образов русского фольклора - сказок и главным образом гю-тешек, в которых лучше всего удовлетворялась его природная тяга к юмору, гротеску и доброй иронии. В 1930-х гг. ему принесли известность иллюстрации к книжкам "Болото", "Конек-Горбунок" П. II. Криижа, "Пятьдесят поросят" К. И. Чуковского, "Три медведя" Л. И. Толстого. Тогда же он делал отличные - нарядные и увлекательные - литографские эстампы для детей, основанные на тех же сюжетных мотивах. В годы войны, проведенные сначала в Молотове (Пермь), потом в Загорске (Сергиев Посад), где он состоял главным художником Института игрушки, Васнецов исполнил поэтичные иллюстрации к "Английским народным песенкам" С. Я. Маршака (1943), а затем к его же книжке "Кошкин дом" (1947). Новый успех принесли ему иллюстрации к фольклорным сборникам "Чудодейное колечко" (1947) и "Небылицы в лицах" (1948). Васнецов трудился необычайно интенсивно, по многу раз варьируя дорогие ему темы и образы. Своеобразным итогом его многолетней деятельности стали широко известные сборники "Ладушки" (1964) и "Радуга-дуга" (1969). В ярких, занимательных и остроумных рисунках Васнецова русский фольклор нашел едва ли не самое органичное воплощение, на них выросло не одно поколение юных читателей, а сам он уже при жизни был признан классиком в области детской книги.

Между тем книжная графика составляла лишь одну сторону его творчества. Главной целью жизни Васнецова всегда были занятия живописью, и к этой цели он шел с фанатическим упорством: работал самостоятельно, занимался иод руководством К. С. Малевича в Гинхуке, обучался и аспирантуре при Всероссийской АХ. В 1932- 34 гг. он создал наконец несколько произведений ("Дама с мышкой", "Натюрморт со шляпой и бутылкой" и др.), в которых проявил себя как очень крупный мастер, успешно соединивший утонченную живописную культуру своего времени с традицией народного "базарного" искусства, которое он ценил и любил. Но это позднее обретение себя совпало с начавшейся тогда кампанией борьбы с формализмом. Опасаясь идеологических преследований (уже успевших коснуться его книжной графики), Васнецов сделал живопись тайным занятием и показывал ее только близким людям. В своих пейзажах и натюрмортах, подчеркнуто незатейливых по их мотивам и на редкость изощренных по живописной форме, он достигал впечатляющих результатов, своеобразно возрождая традиции русского примитивизма. Но эти работы практически не были никому известны. Лишь несколько лет спустя после смерти художника его картины были показаны зрителям на выставке в ГРМ (1979), и стало ясно, что Васнецов был не только прекрасным книжным графиком, но и одним из выдающихся русских живописцев XX в.

Иллюстрация к книге <Радуга-дуга. Русские народные песенки, потешки, прибаутки>. 1969

Иллюстрация к сказке П. П. Ершова <Конек-Горбунок>. 1935

Натюрморт с шахматной доской

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Исаак Бродский родился 25 декабря 1883 (6 января 1884) в селе Софиевка (в то время — Таврическая губерния, ныне — Запорожская область Украины), в семье мелкого торговца и землевладельца. С детства проявил талант к живописи. С 1896 по 1902 г. учился в Одесском художественном училище у Л. Д. Иорини, К. К. Костанди и Г. А. Ладыженского. Затем переехал в Петербург и продолжил обучение в столичной Академии художеств. В течение пяти лет учился в Академии у И. Е. Репина. В 1909—1911 г. на деньги Академии ездил по Германии, Франции, Испании и Италии, в частности посетил на острове Капри М. Горького.

До октябрьской революции 1917 года Бродский участвовал в выставках в Академии художеств, а также Товарищества южнорусских художников, Товарищества передвижных художественных выставок.

После революции Бродский стал официальным художником новой власти, подобно тому как Ж. Л. Давид был официальным художником первой французской республики. Бродский много работал над созданием образов советских вождей, в первую очередь В. И. Ленина и И. В. Сталина. Кроме того, Бродский занимался реорганизацией художественного образования в СССР. С 1932 г. был профессором, а с 1934 г . — директором Всероссийской Академии художеств в Ленинграде. Его учениками были А. И. Лактионов, В. А. Серов, Ю. М. Неприпцев.

Умер Бродский 14 августа 1939 г. в Ленинграде. В центре Ленинграда (пл. Искусств, 3) был создан музей художника, в его честь в сентябре 1940 была переименована Михайловская улица близ Невского проспекта (после Перестройки ей было возвращено прежнее имя).

В. И. Ленин на фоне Смольного. Не позднее 1925. Масло

Летний сад. 1928. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Л. А. Бруни происходил из семьи с давними художественными традициями: его прадедом был известный акварелист прошлого века П. Ф. Соколов, среди родных был знаменитый живописец-академист Ф. А. Бруни, в родстве он был и с семьей Брюлловых. "В моих жилах течет не кровь, а акварель", - шутил художник. И в самом деле, он был прирожденным акварелистом, виртуозно владел всеми секретами этой изящной и трудной техники.

Учился Бруни в Петербурге - в частной школе княгини М. К. Тенишевой, в Высшем художественном училище при АХ (1910- 11) - у знаменитых баталистов Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша, а в 1911 г. - в мастерской Я. Ф. Ционглинского затем в Париже, в академии Р. Жюлиана и у Ж.-П. Лоранса(1912).

Он начинал с живописи. Картина "Радуга" (1915) создавалась под влиянием древнерусских икон и одновременно одного из новейших течений европейского искусства - кубизма. Крепкие, простые объемы, строго уравновешенная композиция, сильные контрасты глубоких, насыщенных красок - красной и зеленой, синей и желтой - все говорит о стремлении художника не столько передать определенную живую натуру (молодую крестьянку в поле), сколько найти обобщенный образ спокойного величия и мощи.

Но в те же и последующие годы Бруни неутомимо рисует легким, точным карандашом близких ему людей в непринужденных позах, изображает репетирующих балерин (серия "Балет", 1925), пишет нежной, прозрачной акварелью природу, артистически передавая ее подвижность, трепет ветвей и листьев на ветру. Его кисть часто наносит для этого на бумагу быстрые вибрирующие штрихи, в которых отчетливо видно точное и свободное движение руки художника. Такие работы, наиболее соответствующие порывистой натуре Бруни, и определяли, при всей их кажущейся скромности, его дальнейшее развитие.

В 1923 г. художник переезжает в Москву. Здесь он преподает в художественных институтах, занимается иллюстрированием изданий. Его легкими, трепетными рисунками украшены книги "Дон-Кихот" М. Сервантеса (1924), "Исповедь сына века" А. Мюссе (1932), "Шахнаме" Фирдоуси (1934), "Лирика" Низами (1947) и др.

Особое место в творчестве Бруни занимает монументальное искусство. С 1935 г. и до конца жизни художник руководил мастерской монументальной живописи, созданной с его участием при Академии архитектуры СССР. В самой удачной из его собственных монументальных работ художнику удалось сохранить, переведя в громадный масштаб, подвижное изящество своей акварельной техники. Населенные зверьем романтические джунгли написал он акварелью по шелку на стенах зимнего сада в Центральном доме пионеров в Москве (1935-36). Им же созданы фрески для столичного Музея охраны материнства и младенчества (1933, совместно с В. А. Фаворским), для текстильного комбината в Ташкенте (1936), павильонов Всесоюзной сельскохозяйственной выставки (1939). Бруни принадлежит и роспись плафона в зрительном зале Центрального театра Советской Армии.

В мертвящей атмосфере официального "реализма" 1930-40-х гг. подвижное, легкое искусство Бруни оставалось живым островком эмоционального поэтического творчества.

Сумерки. Золотая рыбка. 1926. Акварель

Харчевня веселых мертвецов. 1917. Клеевые краски

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

М. К. Башкирцева родилась в знатной и богатой семье. Девочка была очень болезненна, и в десятилетнем возрасте мать увезла ее в Ниццу. С тех пор она лишь три раза ненадолго приезжала в Россию, живя постоянно за границей и много путешествуя по Европе. В 1877 г. она стала посещать академию Р. Жюлиана в Париже. В 1879 г. получила золотую медаль на конкурсе ученических работ и с этого времени регулярно выставляла свои картины, неизменно встречавшие теплые отзывы французских газет и журналов.

Ее работ сохранилось немного, почти все они погибли в годы Первой мировой войны. Демократические настроения эпохи нашли отражение в ее картинах "Жан и Жак" (1883), "Митинг" (1884), которая была приобретена Люксембургским национальным музеем. Среди наиболее известных полотен - "Дождевой зонтик", "Три улыбки", "Осень" (все 1883), находящиеся ныне в ГРМ. В их мастерской живописи ощутимо влияние учителя Башкирцевой - французского художника Ж. Бастьен-Ленажа, но выбор сюжетов и мотивов изображения демонстрирует индивидуальность художницы. В то время как ее работы высоко оценивали Э. Золя и А. Франс, на родине творчество Башкирцевой получило очень противоречивые оценки.

Башкирцева относится к художникам, судьба которых привлекает едва ли не больше, чем их творчество. Ке с юных лет отличало стремление к славе и успеху. Она была очень красива, знала шесть европейских языков, играла на рояле, гитаре, арфе и мандолине, обладала превосходным сопрано. С тринадцати лет и до самой смерти Башкирцева вела дневник, куда с поразительной откровенностью заносила все события своей жизни, свои мысли и чувства. "Я говорю все, все, все", - писала она, предназначая свой дневник для печати. "Дневник Марии Башкирцевой" впервые был опубликован во Франции в 1887 г., а в 1893 г., выдержав уже несколько изданий на французском языке, вышел в свет и в России. Он запечатлел образ женщины-художницы, стремившейся к счастью, свободе и творчеству, имевшей для этого, казалось бы, все возможности, но так и не успевшей реализовать себя.

Скончалась эта одаренная художница от туберкулеза, не дожив до двадцати четырех лет. Первая выставка работ Башкирцевой состоялась в Париже в 1885 г., и с тех пор интерес к ее творчеству и личности не угасает.

Осень. 1883. Масло

Дождевой зонтик. 1883. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Лев Розенберг родился 10 мая 1866 г. в Гродно (в настоящее время Белоруссия) в небогатой еврейской семье учёного-талмудиста. После окончания гимназии учился вольнослушателем в Академии Художеств, подрабатывая иллюстраций книг.

На первой своей выставке (1889) принимает псевдоним Бакст — укороченную фамилию бабушки (Бакстер). В начале 90-х выставляется в Обществе акварелистов. В 1893—1897 живёт в Париже, часто возвращаясь в Санкт-Петербург. С середины 90-х примыкает к кружку писателей и художников, формирующемуся вокруг Дягилева и Александра Бенуа, который позднее превратится в объединение «Мир Искусства». В 1898 совместно с Дягилевым принимает участие в основании одноименного издания. Графика, изданная в этом журнале, приносит ему славу.

Он продолжает заниматься станковой живописью, рисуя портреты Малявина (1899), Розанова(1901), Андрея Белого(1905), Зинаиды Гиппиус(1906). Также преподаёт живопись детям великого князя Владимира. В 1902 в Париже получает заказ от Николая II на Встречу русских моряков.

В 1898 г. Бакст показывает работы на организованной Дягилевым «Первой выставке российских и финских художников»; на выставках «Мира Искусства», на выставке «Secession» в Мюнхене, выставках Артели русских художников, и проч.

Во время революции 1905 года Бакст работает для журналов «Жупел», «Адская почта», «Сатирикон», позднее в художественном журнале «Аполлон».

С 1907 г. Бакст живёт в основном в Париже и работает над театральными декорациями, в которых производит настоящую революцию. Он создаёт декорации для греческих трагедий, а с 1908 входит в историю как автор декораций для дягилевских Ballets Russes — («Клеопатра» 1909, «Шахерезада» 1910, «Карнавал» 1910, «Нарцисс» 1911, «Дафнис и Хлоя» 1912). Всё это время живёт в Европе, поскольку как еврей не имеет вида на жительство вне черты оседлости.

Во время визитов в Санкт-Петербург преподаёт в школе Званцевой. Одним из его учеников был Марк Шагал (1908—1910), но в 1910 г. они разрывают отношения. Бакст запрещает Шагалу ехать в Париж, поскольку, по его мнению, это пойдёт во вред искусству Шагала, а в финансовом отношении приведёт молодого художника к голодной смерти (Шагал не рисовал театральных декораций). Шагал тем не менее поехал, не умер с голоду и нашёл свой стиль живописи.

В 1914 г. Бакст избирается членом Академии Художеств.

В 1918 г. Бакст окончательно разрывает отношения с Дягилевым и Ballets Russes. 27 декабря 1924 г. он умирает в Париже от отёка лёгких.

Молодой беотиец. Эскиз костюма к балету Н. Н. Черепнина <Нарцисс>. 1911. Акварель, карандаш

Ужин. 1902. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Раннее детство Ю. П. Анненкова прошло на далекой Камчатке, куда был отправлен на поселение его отец, бывший член организации "Народная воля". В 1893 г. семья вернулась в Петербург. Дача Анненковых в Куок-кале, местечке под Петербургом, находилась недалеко от имения И. Е. Репина. С детства окруженный творческими людьми, будущий художник рано увлекся рисованием. В 1906 г. Анне'нкова исключили из казенной гимназии за "политическую неблагонадежность", выразившуюся в карикатурах для ученического нелегального журнала. Это, правда, не помешало ему получить аттестат зрелости и в 1908 г. поступить на юридический факультет Петербургского университета. Художественное образование Анненкова не было систематическим. Еще в гимназические годы он посещал занятия в ЦУТР. В 1908 г. занимался в студии С. М. Зейденберга, где его соучеником был М. 3. Шагал. Однако вступительные экзамены в АХ Анненков не сдал и поступил в студию Я. Ф. Ционглип-ского. По совету своего учителя в 1911 г. он уехал в Париж, где продолжил обучение в мастерских М. Дени и Ф. В>ллоттона - художников знаменитой группы "Наби". В 1913 г. Анненков дебютировал двумя картинами на выставке Салона Независимых в Париже.

Ранний период творчества художника связан главным образом с занятиями живописью ("Желтый траур", "Адам и Ева", "Купальщики", "Автопортрет", все 1910-е). Вернувшись в 1913 г. в Россию, Анненков увлекся графикой. Его рисунки стали появляться на страницах журналов "Аргус", "Лукоморье", "Отечество", "Сатирикон", "Театр и искусство". Другим увлечением художника был театр. В его декорациях шли спектакли на сцене Театра В. Ф. Комиссар-жевской, много работал он и для театра Н. Н. Евреинова "Кривое зеркало".

Самым значительным периодом в творчестве Анненкова были послереволюционные годы. Он принимал участие во всех художественных начинаниях тех лет. Художник входил в правление петроградского Дома искусств, был одним из организаторов ОСТа в 1921 г., заведовал художественной частью театра политической сатиры "Вольная комедия", публиковал статьи и эссе в журнале "Жизнь искусства". В 1920 г. оформлял грандиозные народные зрелища "Взятие Зимнего дворца" на Дворцовой площади и "Гимн освобожденному труду" (совместно с М. В. Добужинским и В. А. Щу-ко) возле здания Биржи в Петрограде. В том же году Анненков был избран профессором АХ. Занимаясь графикой, художник сотрудничал с издательствами "Радуга", "Всемирная литература", "Красная новь", иллюстрировал произведения Дж. Лондона, К. И. Чуковского, Н. Н. Евреинова, рисовал для сатирических журналов. Вершиной его графического искусства стали иллюстрации к третьему изданию поэмы А. А. Блока "Двенадцать" (1918). Сам Блок высоко ценил рисунки Анненкова и видел в них "параллельный графический текст". В гибкой графической манере, используя принцип монтажа, свободного соединения отдельных реалий быта, деталей и частей изображения, Анненков показал распадающийся старый мир, стихию революции.

В 1921 г. художник выступил как реформатор традиционного театра, опубликовав в журнале "Дом искусств" статью "Театр до конца", по сути - манифест абстрактного театра. Вскоре Анненков осуществил свои идеи на практике. Для постановки пьесы Г. Кайзера "Газ" в петроградском ГБДТ (1923) он, стремясь избавиться от статики на сцене, впервые использовал "динамические", движущиеся декорации и меняющееся освещение.

Анненковым была создана целая галерея живописных и графических портретов деятелей русской культуры 1910-20-х гг. Он запечатлел А. М. Горького, В. Ф. Ходасевича, В. Б. Шкловского, М. А Кузмина, А А Ахматову, В. В. Хлебникова и др. Особое место в его творчестве занимают портреты государственных и политических деятелей тех лет:

В. И. Ленина, Л. Д. Троцкого, Г. Е. Зиновьева, Л. Б. Каменева, К. Радека и др. В них наиболее полно выразился парадоксальный стиль Анненкова. Например, в живописном портрете М. А. Шерлинга (1918) он использовал кубистические сдвиги, сочетая их с превосходным, почти академическим рисунком. В графических портретах художник демонстрировал виртуозное владение техникой, применяя то послушную линию, то мастерскую штриховку, то сплошное пятно, всегда подмечая самое яркое и характерное в облике своих героев. Эти изображения, порой крайне лаконичные, предлагают как бы "формулу" лица.

Летом 1924 г. Анненков поехал в Италию на открытие советского павильона на Международной выставке в Венеции. В Россию он больше не вернулся. Анненков поселился в Париже и приобрел широкую известность как художник театра и кино. Он сотрудничал с Н. Ф. Балиевым, Б. Ф. Нижинской, М. А. Чеховым, С. М. Лифарем, оформил свыше 60 спектаклей и создал эскизы костюмов и декораций к более чем 50 кинофильмам. В 1954 г. за свои костюмы Анненков был удостоен премии "Оскар". Он пользовался популярностью и как портретист. К этому времени относятся его портреты И. Э. Бабеля, И. Г. Эренбурга, Ж. Кокто, М. Равеля, О. А. Спесивцевой и др. За рубежом раскрылся литературный дар Анненкова. Его мемуары "Дневник моих встреч" представляют серию ярких литературных портретов русских писателей, художников, музыкантов. Под псевдонимом Б. Темирязев он написал книги "Повесть о пустяках" и "Рваная эпопея".

Портрет фотографа-художника М. А. Шерлинга. 1918. Масло

Портрет И. А. Кузмина. 1919. Акварель, цветной и графитный карандаш

еще 3 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря cт. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта. В детстве жил в Одессе. Изучал в Московском университете экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, участвовал в этнографической экспедиции в Вологодской губернии. В 1893 г. окончил юридический факультет. Работал художественным директором Кушнерёвской типографии в Москве (1895).

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе. В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нем школу, в которой сам же и преподавал. С 1900 г. участвовал в выставках Московского товарищества художников. В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1910 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник». Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами. После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой. В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918). В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он не вернулся. В Берлине начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе. В 1939 г. получил французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.

Амазонка в горах. 1917-18. Стекло, фольга, бронза, масло

Синий гребень. 1917. Масло

еще 2

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

А. В. Бенуа родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета (1890-94), но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома "Истории живописи в XIX веке" Р. Мутера, вышедшего в 1894 г. О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства. В 1897 г. по впечатлениям от поездок во Францию он создал первую серьезную работу - серию акварелей "Последние прогулки Людовика XIV", - показав себя в ней самобытным художником.

Сразу же заявив о себе как о практике и теоретике искусства одновременно, Бенуа сохранял это двуединство и в последующие годы, его таланта и энергии хватало на все. Он активно участвовал в художественной жизни - прежде всего в деятельности объединения "Мир искусства", идеологом и теоретиком которого был, а также в издании журнала "Мир искусства", ставшего основой этого объединения часто выступал в печати и каждую неделю публиковал свои "Художественные письма" (1908-16) в газете "Речь". Не менее плодотворно работал он и как историк искусства: издал в двух выпусках (1901, 1902) получившую широкую известность книгу "Русская живопись в XIX веке", существенно переработав для нее свой ранний очерк начал выпускать серийные издания "Русская школа живописи" и "История живописи всех времен и народов" (1910-17 издание прервалось с началом революции) и журнал "Художественные сокровища России" создал прекрасный "Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа" (1911). После революции 1917 г. Бенуа принимал деятельное участие в работе всевозможных организаций, связанных главным образом с охраной памятников искусства и старины, а с 1918 г. занялся еще и му зейным делом - стал заведовать Картинной галереей Эрмитажа. Им был разработан и успешно реализован совершенно новый план общей, экспозиции музея, способствовавший наиболее выразительной демонстрации каждого произведения.

В творчестве Бенуа-художника решительно преобладала история. Две темы неизменно пользовались его вниманием: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". К ним он обращался в первую очередь в своих исторических композициях - в двух "версальских сериях" (1897, 1905-06), в широко известных картинах "Парад при Павле I" (1907), "Выход Екатерины II в Царскосельском дворце" (1907) и др., воспроизводя давно ушедшую жизнь с глубоким знанием и тонким ощущением стиля. Тем же темам, в сущности, были посвящены и его многочисленные натурные пейзажи, которые он обычно исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию и подолгу жил там). Эти же темы господствовали в его книжных и театральных работах, которым он, как большинство "мирискусников", уделял не меньше, если не больше, внимания, чем станковому творчеству. В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой "Азбука в картинах Александра Бенуа" (1905) и иллюстрациями к "Пиковой даме" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к "Медному всаднику", трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).

К работе в театре он впервые обратился в 1902 г., оформив оперу Р. Вагнера "Гибель богов" на сцене Мариинского театра и вслед за тем исполнив эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина "Павильон Армиды" (1903), либретто которого сочинил сам. Увлечение балетом оказалось настолько сильным, что по инициативе Бенуа и при его непосредственном участии была организована частная балетная труппа, начавшая в 1909 г. триумфальные выступления в Париже - "Русские сезоны". Бенуа, занявший в труппе пост директора по художественной части, исполнил оформление к нескольким спектаклям.

Одним из пысшпх его достижений были декорации к балету И. Ф. Стравинского "Петрушка" (1911) этот балет создан по идее самого Бону) и по написанному им же либретто. Вскоре после того зародилось сотрудничество художника с МХТ, где он удачно оформил два спектакля по пьесам Ж.-Б. Мольера (1913) и некоторое время даже участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко.

В 1926 г. Бенуа, сделав вынужденный выбор между трудностями эмигрантского существования и все более пугающей перспективой жизни в советской стране, уехал во Францию. Там он работал главным образом в театрах: сначала в "Гранд-опера" в Париже, а после Второй мировой войны - в "Ла Скала" в Милане. Работал на прежнем профессиональном уровне, но ничего принципиально нового и интересного создать уже ,ie смог, часто довольствуясь варьированием старого (одних вариантов ставшего легендарным балета "Петрушка" было исполнено не менее восьми). Главным же трудом последних (с 1934 г.) лет были его воспоминания, на страницах которых он подробно и увлекательно воскрешает годы своего детства и юности.

Прогулка короля. 1906. Гуашь, акварель, бронза, серебро

Итальянская комедия. Любовная записка. 1905. Гуашь

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Судьба всячески благоволила К. Ф. Юону. Он прожил долгую жизнь. У него был на редкость счастливый брак. Окружающие любили его. Ему никогда не приходилось бороться с нуждой. Успех пришел к нему очень рано и всегда ему сопутствовал. После революции почести, высокие награды, звания, руководящие должности как бы искали его сами. Невзгод было меньше - это размолвка в течение нескольких лет с отцом (служащим банка) из-за женитьбы Юона на крестьянке и ранняя смерть одного из сыновей.

В 1892 г. Юон поступил в МУЖВЗ, где занимался у К. А. Савицкого, Н. А. Касаткина, А. Е. Архипова, В. А. Серова. Публика заметила его картины еще на ученических выставках и раскупала их так охотно, что студент Юон смог предпринять путешествие по России и по Европе. Впоследствии его картины были всегда желанны и на выставках передвижников, и на выставках "Мира искусства" и СРХ (членом которого он был). О нем писали ведущие критики и искусствоведы его времени -АН. Бенуа, И. Э. Грабарь, П. П. Муратов, потом А М. Эфрос, Д. Е. Аркин... Он и сам выступал как искусствовед с работами о творчестве русских художников, о технике живописи, о художественном воспитании. Вскоре после окончания училища Юон начал преподавательскую деятельность и занимался ею всю жизнь, заслужив великую признательность своих учеников, среди которых были В. И. Мухина, скульптор-анималист В. А. Ватагин и др.

Юон оставил много работ разного уровня. Он был живописцем, графиком и театральным художником. Пробовал себя в тематической картине, писал портреты своих современников, но истинным его призванием оказалась пейзажная живопись.

Как и другие мастера СРХ, Юон усвоил некоторые принципы французских импрессионистов, не порывая при этом с традициями русского реализма второй половины XIX в., то есть не "растворяя" форму предметов в среде. Подобно А. П. Рябушкину и Б. М. Кустодиеву, он любил русскую старину, ее декоративность и красочность. На его памяти произошло открытие древнерусской иконописи. Реставраторы стали расчищать иконы и обнаружили яркие, чистые цвета. Все это повлияло на формирование манеры Юона.

Он любил радость и красоту в природе и жизни охотнее всего изображал солнце, снег, яркие народные одежды, памятники древнерусской архитектуры ("Троицкая лавра зимой", "Весенний солнечный день", обе 1910 "Мартовское солнце", 1915). Большой известностью пользуется его картина "Купола и ласточки. Успенский собор Троице-Сергиевой лавры" (1921). Это панорамный пейзаж, написанный с колокольни собора ясным летним вечером, на закате. Под ласковым небом благоденствует земля, и на переднем плане сияют освещенные солнцем купола с золотыми узорчатыми крестами. Сам мотив не только очень красив, но и смел для эпохи беспощадной борьбы новой власти с церковью.

К историческим темам - революции и Отечественной войны - Юон также подходит через пейзаж, причем, обобщая, стремится быть предельно достоверным ("Перед вступлением в Кремль. Никольские ворота 2(15) ноября 1917 года", 1926 "Парад на Красной площади в Москве 7 ноября 1941 года", 1942).

Среди поздних произведений Юона выделяются те, что написаны в деревне Лигачево под Москвой, где у художника был дом и где он работал с 1908 по 1958 г. ("Конец зимы. Полдень", 1929 "Русская зима. Лигачево", "Раскрытое окно. Лигачево", оба 1947), и те, что написаны по воспоминаниям юности и связаны с поэтической стороной жизни и быта старой Москвы, воспитавшей художника ("Кормление голубей на Красной площади в 1890-1900 годах", 1946).

На московском доме, где он жил и работал (улица Земляной вал, 14—16), установлена мемориальная доска.

Новая планета. 1921. Темпера

Комсомолки. Подмосковный молодняк. 1926. Масло

еще 1

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

К. С. Малевич не получил систематического художественного образования: занимался понемногу в разных студиях, школах и училищах, а больше всего полагался на творческую практику. Этап за этапом он изучал развитие живописи за предшествующие тридцать-сорок лет, овладевая новыми методами и приемами. Постоянно живя в Москве с 1905 г., Малевич сблизился со своими ровесниками, ищущими новые пути в искусстве, и быстро стал одной из центральных фигур в художественной жизни не только

Москвы, но и Петербурга. К концу 1900-х гг. художник уже освоил все открытое в европейской живописи начала XX в. и готов был к собственным открытиям.

Общение с Н. С. Гончаровой и М. Ф. Ларионовым, товарищами по объединению "Бубновый валет", и логика его собственного развития в живописи привели Малевича к неопримитивизму, принципы которого он претворял в простых сценах крестьянской жизни. Одновременно художник разрабатывал в разных вариантах (в том числе и своем) мотивы и приемы живописи кубизма. В 1913-14 гг. он применил усвоенное и достигнутое в книжной графике, проиллюстрировав несколько книг, а в 1913 г. создал эскизы декораций и костюмов к постановке оперы "Победа над солнцем" (текст А- Е. Крученых, музыка М. В. Матюшина). Исполненный в конце того же года в Петербурге, этот спектакль стал важнейшей вехой в развитии русского авангарда. Максимальное упрощение и геометризация форм в эскизах оформления подвели Малевича к открытию нового художественного направления - супрематизма.

В супрематизме, оперирующем сочетаниями геометрических фигур на нейтральной плоскости фона, Малевич совершил шаг, на который до него никто в мировой живописи не мог решиться, - на полный отказ от изобразительности, даже от тех ее раздробленных и перетасованных элементов, которые сохранялись в крайних течениях того времени - кубизме и футуризме. Первые 49 беспредметных полотей он показал на футуристической выставке "0,10" в Петрограде в 1915 г., повесив под ними табличку: "Супрематизм живописи". Среди них был знаменитый "Черный квадрат" (1914?), вызвавший яростные нападки критики. На следующий год Малевич выпустил брошюру "От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм", в которой обосновывал свое открытие. Супрематизм оказал громадное воздействие не только на живопись, но и на архитектуру и прикладные искусства России и Запада, а его создателю принес поистине мировую славу.

В годы революции Малевич, как и все другие художники "левого" направления, вел активную деятельность. Он был членом коллегии изобразительных искусств Наркомпроса, заведовал Художественным отделом Московского совета, преподавал в 1-х ГСХМ в Москве, ас 1918 г. - в петроградских ГСХМ. Он делал декорации для первой постановки пьесы В. В. Маяковского "Мистерия-буфф" (1918). Осенью 1919 г. он отправился в Витебск, чтобы преподавать в Народной художественной школе, организованной М. 3. Шагалом и вскоре преобразованной в Художественно-практический институт. Там он вместе со своими последователями учредил Уновис - организацию, призванную обучать художников и даже шире - обновить весь мир на основе супрематизма. Однако в 1922 г. ему пришлось покинуть Витебск и вместе с группой учеников вернуться в Петроград.

Здесь он работал на фарфоровом заводе, создавая новые формы и эскизы росписей, изучал возможности применения супрематизма в архитектуре и предпринимал усилия для продолжения лабораторных исследований живописи, начатых еще в Витебске. Базой для этого стал петроградский Инхук, организованный при активном участии Малевича в 1923 г., а в начале следующего года получивший статут государственного (Гинхук). Малевич был его директором и руководителем крупного отдела - формально-творческого. В Гинхуке он разработал теорию "прибавочного элемента в живописи", идею которой выдвинул раньше. Но под возрастающим идеологическим нажимом в начале 1926 г. он был снят с поста директора, а в конце того же года и Гинхук прекратил существование - он был присоединен к Государственному институту истории искусств. Но в 1929 г. Малевичу пришлось уйти и оттуда. Лишь три года спустя Русский музей предоставил художнику экспериментальную лабораторию, где он смог продолжать свои исследования.

Живопись его к тому времени сильно изменилась. Словно демонстрируя гибкую универсальность своей системы как высшей ступени живописной культуры, Малевич вернулся к изобразительности. Он как бы заново проходил этапы своего развития: то создавал картины, носящие отпечаток супрематизма, то возобновлял собственные кубистские, неопримитивистские, даже постимпрессионистские опыты. В 1932-33 гг. он обратился и к формам традиционного реализма возможно, это было уступкой, пусть даже искренней, желанию оставаться созвучным времени, каково бы оно ни было.

Супрематизм в контуре спортсменов. Б. г. Масло

Женский портрет. 1919. Масло

еще 3 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

 Материальный подбор. 1920. Масло, эмаль, штукатурка

Родившийся в провинции и рано лишившийся отца, Н. И. Альтман всего достиг собственными силами и благодаря таланту. Учился он в Одесском художественном училище (1902-07), но оставил его, не удовлетворенный преподаванием, и вернулся в Винницу, где начал работать самостоятельно. В конце 1910 г. он сумел съездить в Париж и пробыл там всего одиннадцать месяцев, но полученных впечатлений ему оказалось достаточно, чтобы завершить профессиональное становление и определить свой путь в искусстве. Феноменальная природная чуткость позволяла Альтману быстро подхватывать и органично усваивать актуальные художественные идеи своего времени, а редко встречающийся врожденный профессионализм - тотчас воплощать эти идеи в безукоризненно артистичной и элегантной, легко воспринимаемой форме, к какой бы области творчества он ни обращался. В конце 1912 г. молодой художник перебрался в Петербург, где, своеобразно применяя приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним и:( наиболее заметных живописцев. Знаменитый "Портрет поэтессы Анны Андреевны Ахматовой" (1914) упрочил его известность. Столь же успешными были его опыты в скульптуре ("Автопортрет", 1916), графике (цикл "Еврейская графика" по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии (пьеса "Чудо святого Антония" М. Метер-линка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе "Привал комедиантов", 1916).

После Октябрьской революции Альтман, как большинство художников "левого" направления, развил кипучую общественную деятельность и сам продуктивно трудился:

исполнил ряд скульптурных работ, занимался промышленной графикой (эскизы почтовых марок), создал получивший известность проект праздничного оформления площади Урицкого (Дворцовой) в Петрограде к 7 ноября 1918 г., сделал серию выразительных портретных зарисовок В. И. Ленина, изданных тогда же альбомом и ставших популярными. Приемы внимательно изученного и мастерски примененного супрематизма он использовал в цикле беспредметных картин: "Петрокоммуна", "Материальный подбор", "Россия. Труд" и др. (1919-21). Но в последующие годы он сосредоточил свои усилия на графике - станковой (серия портретов современных писателей, 1926-27) и книжной, в которой быстро сумел выработать собственный острый, запоминающийся стиль. Особенно же плодотворной была его деятельность в театре. Работа с выдающимся режиссером Е. Б. Вахтанговым над историческим спектаклем по пьесе Ан-ского "Гадибук" (театр-студия "Габима", 1921) и затем сотрудничество с ГОСЕТом ("Уриэль Акоста" К. Гуцкова, 1922 "Женитьба Труадека" по пьесе Ж. Ромена, 1927, и др.) создали ему репутацию крупного театрального художника.

Весной 1928 г. Альтман выехал с театром на гастроли в Европу и после окончания гастролей остался во Франции. Ознакомление с процессами, происходившими в современном французском искусстве, побудило его вернуться к живописи. Художник написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых он тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. При этом Альтман по-прежнему был мастером на все руки: отлично оформил несколько детских книг, подготовил очень интересные иллюстрации к "Петербургским повестям" Н. В. Гоголя (1933-34, изданы в 1937) и серию литографий на темы Ветхого Завета, а также занимался дизайном и оформлением интерьеров. Вернувшись на родину в 1935 г., Альтман попал в тяжелую политическую обстановку идеологического давления и разворачивающегося террора. Его живопись настолько не отвечала критериям внедряемого социалистического реализма, что он был вынужден вообще оставить ее и заниматься только сценографией и книжной графикой, где определенная специфика работы в какой-то мере позволяла избегать идеологических придирок и быть менее заметным. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами (ГБДТ - "Король Лир", 1941 Театр драмы им. А С. Пушкина - "Отелло", 1944, "Гамлет", 1954), эскизы костюмов к кинофильму "Дон-Кихот" (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. В последние годы жизни Альтман создал несколько станковых живописных композиций по мотивам прежних театральных эскизов. Натан Альтман скончался в Ленинграде 12 декабря 1970

 

Натюрморт. Цветовые объемы и плоскости. 1918. Масло,             Портрет поэтессы А. А. Ахматовой. 1914. Масло

гипсовая крошка

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Эдвард Мунк родился в усадьбе Энгелауг Остре в Лёйтен 12 декабря 1863 года.

Он был вторым ребенком из пяти. Его отец был армейским доктором, а позже окружным врачом в Осло. Перед свадьбой отец Мунка провел несколько лет на море в качестве доктора. Он происходил из старой норвежской семьи, которая могла похвастаться такими именами, как Якоб Мунк — хорошо известный норвежский живописец, епископ Джохан Сторм Мунк, поэт Андреас Мунк, а также Питер Андреас Мунк — автор известной истории норвежского народа, который приходился Эдварду дядей. Семья матери состояла из фермеров и мореходцев, а её отец был купцом, поговаривали, что он был силен, как медведь. У её отца было 20 детей, однако дочь не унаследовала его физической силы, поскольку умерла от туберкулеза, когда Эдварду было только 5 лет. Отец Мунка был дружелюбен, но робок, любил читать, любил животных, был религиозным человеком с сильными убеждениями — он часто безвозмездно помогал людям из районов, охваченных бедностью, куда семья переехала, когда Эдварду был один год. После смерти жены он стал подавленным, и с тех пор вел уединённую жизнь. Его склонность к религии переросла все границы.

Доктор Шринер, врач Эдварда Мунка, вспоминает слова Эдварда о том, что у отца был сложный характер с периодами религиозного беспокойства, которое иногда граничило с безумием. "Болезнь, безумие и смерть были ангелами, посещающими мою колыбель, и с тех пор преследовавшие меня на протяжении всей жизни. Я рано научился страданиям и опасностям жизни…Когда тревога не овладевала им (отцом), он мог шутить и играть с нами как ребенок. Когда же он наказывал нас…он мог быть почти безумцем в своей жестокости… В своем детстве я всегда чувствовал, что ко мне относились несправедливо… "

Страдал от маниакально-депрессивного психоза.

Самая известная работа Мунка — картина «Крик», точнее, это была серия схожих картин. Изначально картина называлась «Отчаяние». Образ ужаса с этой картины, который Мунк оттачивал до конца своей жизни, сейчас служит одним из символов концептуального искусства вообще.

 

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Иван Иванович Шишкин (1832—1898) — российский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист. Академик (1865), профессор (1873), руководитель пейзажной мастерской (1894—1895) Академии Художеств. Член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок.

Иван Иванович Шишкин , родился 25 января в Елабуге (Вятской губ.) в купеческой семье. В 1832 г., двенадцати лет от роду был определен в ученики 1-ой казанской гимназии, но, дойдя в ней до 5-го класса, оставил ее и поступил в московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Окончив курс этого заведения, он с 1857 г. продолжал свое образование в академии художеств, где числился учеником проф. С. М. Воробьева. Не довольствуясь занятиями в стенах академии, Шишкин в это время усердно рисовал и писал этюды с натуры в окрестностях Санкт-Петербурга, и на о-ве Валааме, чрез что приобретал все большее и большее знакомство с ее формами и уменье точно передавать ее карандашом и кистью. Уже в первый год пребывания его в академии были присуждены ему две малые серебряные медали за классный рисунок и за вид в окрестностях Санкт-Петербурга.
В 1858 г. он получил большую серебряную медаль за вид на Валааме, в 1859 г. - малую золотую медаль за пейзаж из окрестностей Санкт-Петербурга. и, наконец, в 1860 г. - большую золотую медаль за два вида местности Кукко, на Валааме. Приобретя, вместе с этою последнею наградою, право на поездку за границу в качестве пенсионера академии, он отправился в 1861 г. в Мюнхен, посещал там мастерские известных художников, между прочим мастерские Бено и Франца Адамов, пользовавшихся большою популярностью, а затем, в 1863 г., перебрался в Цюрих, где, под руководством проф. Коллера, считавшегося тогда одним из лучших изобразителей животных, срисовывал иписал последних с натуры. В Цюрихе Шишкин попробовал впервые гравировать крепкою водкою. Отсюда он сделал экскурсию в Женеву с целью ознакомиться с работами Диде и Калама, а потом переехал в Дюссельдорф и написал тампо заказу Н. Быкова "Вид в окрестностях этого города" - картину, которая, будучи прислана в Санкт-Петербург., доставила художнику звание академика.
За границей, помимо живописи, он много занимался рисунками пером; произведения его в этом роде приводили в удивление иностранцев, и некоторые были помещены в дюссельдорфском музее рядом с рисунками первоклассных европейских мастеров. Затосковав по отечеству, Шишкин, в 1866 г., возвратился в Санкт-Петербург. до истечения срока своего пенсионерства. С той поры он нередко предпринимал путешествия с художественного целью по России, почти ежегодно выставлял свои произведения сначала в академии, а, потом, после того, как учредилось товарищество передвижных выставок, на этих выставках производил рисунки пером, и с 1870 г., примкнув к образовавшемуся в Санкт-Петербурге. кружку аквафортистов, принялся снова за гравирование крепкою водкою, которое уже не покидал до конца своей жизни, посвящая ему почти столько же времени, сколько и живописи.
Все эти работы с каждым годом увеличивали за ним репутацию одного из лучших русских живописцев пейзажа и бесподобного, в своем роде, аквафортиста. В 1873 г. академия возвела его в звание профессора за приобретенную ею картину "Лесная глушь".
Среди русских пейзажистов Шишкин бесспорно принадлежит место самого сильного рисовальщика.
Во всех своих произведениях он является удивительным знатоком растительных форм, воспроизводящим их с тонким пониманием как общего характера, так и мельчайших отличительных черт всякой породы деревьев, кустов и трав. Брался ли он за изображение соснового или елового леса, отдельные сосны и ели, точно так же, как и их совокупность, получали у него свою истинную физиономию, без всяких прикрас или убавок, - тот вид и с теми частностями, которые вполне объясняются и обусловливаются почвою и климатом, где художник заставлял их расти. Изображал ли он дубы или березы, они принимали у него донельзя правдивые формы в листве, ветвях, стволах, кореньях и во всех подробностях. Самая местность под деревьями - камни, песок или глина, неровности почвы, поросшие папоротниками и другими лесными травами, сухие листья, хворост, валежник и пр. - получала в картинах и рисунках Шишкина вид совершенной действительности. Но эта реалистичность нередко вредила его пейзажам: во многих из них она заслоняла собою общее настроение, сообщала им характер картин, задуманных не с целью возбуждать в зрителе то или другое чувство, а случайных, хотя и превосходных этюдов.
Должно также заметить, что с Шишкиным повторилось то, что бывает почти со всяким особенно сильным рисовальщиком: наука форм далась ему в ущерб для колорита, который, не будучи у него слабым и не гармоничным, все-таки не стоит на одном уровне с мастерским рисунком. Поэтому талант Шишкина иногда гораздо ярче выказывается в одноцветных рисунках и офортах, чем в таких работах, в которых он пользовался многими красками. Картины и рисунки его столь многочисленны, что указание даже на важнейшие из них заняло бы слишком много места; особенно много разошлось их между любителями искусства после устроенной в 1891 г. ретроспективной выставки работ художника за сорок лет его деятельности и распродажи после его смерти того, что осталось в его мастерской.
Достаточно будет упомянуть о произведениях художника, находящихся в публичных коллекциях. Всего богаче ими московская Третьяковская галерея. В ней имеются картины: "Рубка леса", "Полдень в окрестности Москвы", "Сосновый лес", "Горелый лес", "Рожь", "Дебри", "Пасека", "Еловый лес" и "Утро в сосновом лесу", и, кроме того, семнадцать мастерских рисунков. Всех исполненных Шишкиным офортов Д. Ровинский насчитывает до сотни; он указывает, сверх того, на 68 оригинальных литографий и на 15 цинкографических опытов этого мастера.
А. Беггров, в 1884 - 85 гг., издал в двух сериях сборник 24-х фототипических снимков с угольных рисунков, исполненных для него Шишкиным. В 1886 г. сам художник выпустил в свет альбом своих избранных гравюр в числе 25-ти.
Шишкин много ездил по России: писал этюды в Крыму, в Беловежской пуще, на Волге, на Балтийском побережье, в нынешней Карелии. Постоянно выставлялся на академических, передвижных, персональных, торгово-промышленных выставках.
В 1894-95 годах возглавлял пейзажную мастерскую в Академии, снискав к себе любовь учеников и прослыв «толерантным» педагогом, ставя на первое место талант человека, а не верность тому или иному направлению.
Шишкин умер за работой. 8 марта ( 20 по новому стилю ) 1898 года он с утра рисовал в мастерской. Потом навестил родных. Потом, пожаловавшись на недомогание, вернулся в мастерскую и умер.

1.

Утро в сосновом лесу

1889 г., х.м., 139 х 213 см., Государственная Третьяковская галерея, Москва

2.

Лесная поляна (Полянка)

1897 г., 81,5 х 109 см., Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

P.s - ох как я в детстве любила конфеты с этими его мишками)

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Репин родился 24 июля (5 августа) 1844 г. в семье военного поселенца в городе Чугуев Харьковской губернии. С 13 лет обучался живописи в Чугуеве у И. Бунакова; в 1863 г. поступил в Академию Художеств в Петербурге. Учился успешно, в 1869 г. был награждён малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья». В 1872 г. получил большую золотую медаль за программу «Воскрешение дочери Ипира».Во время своего путешествия по Волге в 1870 г. написал много этюдов и эскизов, по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге», оконченную в 1873 г. Эта картина, изображающая тяжкий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков.С начала 1890-х годов Репин подолгу работал в приобретённом им имении Здравневе Витебской губернии. В 1894—1907 годах он — профессор-руководитель мастерской в Академии художеств.

С 1873 г. Репин путешествует за границей, где корифеи старинной живописи произвели на него отрицательное впечатление. В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко». По возвращении в Петербург Репин становится деятельным членом Товарищества передвижных художественных выставок, к которому он примкнул с 1874 г. На выставках товарищества появляются его картины: «Правительница Софья Алексеевна в монастыре» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иоанн Грозный и его сын Иван» (1885).

В этот же период созданы картины: «Дуэль», «Поприщин» (1882), портреты Ференца Листа и Михаила Глинки (1887), а также портреты Стрепетовой, Н. И. Пирогова , П. М. Третьякова, И. Н. Крамского, И. С. Тургенева, В. М. Гаршина , В. В. Самойлова, М. С. Щепкина, баронессы Искуль и многих других.

В 1893 г. Репин стал действительным членом Петербургской Академии художеств. Жил в своей усадьбе «Пенаты» в посёлке Куоккала, который после Октябрьской революции оказался за границей, в составе независимой Финляндии. Попытки Советского правительства вернуть Репина в СССР не удались. Художник скончался 29 сентября 1930 г. в Куоккале, где и был похоронен.В 1940 г., когда Куоккала уже принадлежала Советскому Союзу, там был открыт мемориальный музей. Мемориальный музей Репина есть также в его родном Чугуеве. В 1958 году в Москве на Болотной площади был открыт памятник Репину (скульптор М. Г. Манизер, архитектор И. Е. Рожин).

1.

Иван Грозный над убитым сыном, 16 нобяря 15811885 г., х, м, Государственная Третьяковская галерея

2.

Подготовка к экзаменам

[ жанровая живопись на картине Репина, романтический сюжет ]

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Антонио Каналь родился 7 октября 1697 г. в Венеции. Учился живописи у своего отца Бернардо Каналя, театрального художника. В 1719 г. посетил Рим, где познакомился с творчество знаменитого ведутиста Джованни Паоло Паннини. После этого начал писать свои знаменитые виды Венеции. Первой известной исследователям работой Каналя с авторской подписью является «Архитектурное каприччо» (1723). В отличие от большинства художников того времени Каналетто на раннем этапе своего творчества писал свои виды (ведуты) сразу с натуры, не делая предварительных набросков и эскизов. Впоследствии стал писать в студии, пользуясь камерой обскурой.

Многие работы Каналетто были с успехом проданы англичанам, приезжавшим в Венецию для обучения. В 1740 г. этот источник дохода исчез: началась война за австрийское наследство, и британцы стали реже приезжать на континент. В 1746 г. Каналетто едет в Лондон, чтобы быть ближе к каналам сбыта своих картин. В течение девяти лет он живет в Англии, пишет виды местных дворцов и домов. В этот период в его творчестве появляется вторичность, техника перестает нравиться заказчикам.

В 1755 г. художник возвращается в Венецию. В 1763 г. его избирают в Венецианскую академию художеств. Каналетто умер 19 апреля 1768 г. в родной Венеции.

1.

Лондон. Вестминстерское аббатство и процессия рыцарей

1749 г., Вестминстерское аббатство

2.

Лондон. Темза и дома пригорода Ричмонда1747, Частное собрание

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Дега родился в 19 июля 1834 г. в Париже, в обеспеченной семье аристократического происхождения Огюста де Га и Селестины Мюссон. Он был старшим из пятерых детей. В возрасте 13 лет Эдгар потерял мать, что явилось для него серьёзнейшим ударом. Позже, в молодости, под влиянием новых социальных идей, Эдгар изменил свою фамилию с де Га на менее «аристократическую» Дега.

Желание рисовать начало проявляться у Дега уже в детстве. Впрочем, отец ему прочил карьеру юриста, однако у Эдгара не было большого желания и способностей к юриспруденции, а обеспеченность семьи позволяла ему заниматься живописью не особо заботясь о пропитании.В 20 лет (1854 год) Дега поступает в ученичество в мастерскую известного в свое время художника Ламота, бывшего в свою очередь учеником великого Энгра.Курбе и Делакруа, оказали определенное влияние на творчество Дега, однако действительным, признаваемым им авторитетом до конца жизни для художника оставался Энгр. Эдгар изучал творения великих мастеров живописи в Лувре, за время своей жизни несколько раз посещал Италию (где проживали его родственники по линии отца), где имел возможность знакомиться с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения. Особый интерес у живописца вызывали такие старые итальянские мастера как Мантенья, Беллини, Гирландайо и Джотто.

На рубеже 60-х годов XIX века Эдгар Дега открывает собственную мастерскую в Париже. Основой его творчества являлась портретная живопись, много внимания Дега уделал историческим полотнам. К этому периоду относится и знаменитый автопортрет Дега с цилиндром и перчатками. В начале 60-х, во время поездки в Нормандию (которую он позже навещал не один раз), Дега был очарован лошадьми, которые с тех пор стали одним из любимейших сюжетов его живописи, и наряду с балетом стали своего рода визитной карточкой его искусства.

В 1861 году Дега знакомится с Эдуаром Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего. Будучи человеком весьма авторитетным в среде молодых художников, неформальным главой Батиньольской группы, Мане познакомил Дега с молодыми живописцами, ставшими впоследствии известными как импрессионисты.

К 1882 году у художника начинает резко ухудшаться зрение (проблемы со зрением были выявлены еще в армии, поэтому он был переведен из пехоты в артиллерию), и Дега начал обращаться к пастельной технике, а затем и к скульптуре. Стоит отметить, что Эдгар Дега был практически универсальным художником не только в плане жанров, но и в плане техники, в которой он выполнял свои работы.

Почти за десять лет до своей смерти Дега практически перестал писать. Однако к 80 годам он был уже признанным художником, его картины продавались по баснословным для того времени ценам.

Эдгар Дега скончался 27 сентября 1917 г. в Париже в возрасте 83 лет, будучи признанным мастером и авторитетным живописцем, по праву считавшимся одним из ярчайших представителей импрессионизма, оригинальным творцом.

1.

Жокеи перед трибунами

Около 1866—68, Бумага на картоне. 46 х 61 Музей Орсе, Париж

2.

Репетиция1873—78 г., Холст, масло. 41 x 61,7 Художественный музей Фогг, Гарвард

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Винсент Виллем ван Гог (Vincent Villem van Gogh, 1853—1890) — всемирно известный нидерландский и французский художник-постимпрессионист.
Ван Гог, не признанный современниками, у потомков снискал невиданную популярность. Полотна его кисти, спустя сто лет после появления на свет, стали не только одними из самых дорогих произведений современного искусства, они, наконец, были по достоинству оценены знатоками и ценителями подлинных шедевров. Сейчас его произведения украшают собрания самых знаменитых галерей и музеев мира. Ван Гог, чье творчество сейчас искусствоведы называют характерным примером постимпрессионистической живописи, в свое время не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, несмотря на это, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

1.

12 подсолнухов в вазе

1888 г., х., м., 91 x 72 см. новая Пинакотека, Мюнхен

2.

Звездная ночь1889, Холст, масло. 73,5 х 92 см., Музей современного искусства, Нью-Йорк

 

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Иван Константинович родился 17(29).7.1817 в городе Феодосия, умер 19.4(2.5).1900, там же. Российский живописец, мастер морского пейзажа. Сын мелкого торговца-армянина. В 1833 - 37 учился в петербургской Академии художеств у М.Н. Воробьева и французского мариниста Ф. Таннера. С 1845 года академик, с 1847 года профессор академии, с 1887 года почётный член Академии художеств. Член ряда европейских академий. Много путешествовал, с 1845 жил в Феодосии. А. уже в 1840-х гг. завоевал мировую славу эмоциональной приподнятостью своих картин, с их тяготением к пафосу и героике, точностью и быстротой кисти. Неповторимая особенность творчества Айвазовского - в романтическом изображении необъятного величия и буйной мощи морской стихии, огненных закатов, играющего на волнах лунного света, отваги борющихся с морем людей ("Девятый вал", 1850, Русский музей, Ленинград). Очевидец военных манёвров Черноморского флота, Иван Константинович посвятил многие картины подвигам русских моряков ("Чесменский бой", "Наварринский бой", обе - 1848, Феодосийская картинная галерея им. А.). Повышенная яркость цветовой гаммы постепенно сменяется в картинах художника стремлением к тональному единству. В лучших поздних работах ("Чёрное море", 1881 г., Третьяковская галерея), сдержанных по цвету, он пользуется тонкими градациями светотени для более точной и естественной передачи морской шири, движения воды и света. Айвазовский создал около 6 тыс. картин (неравноценных по художественному качеству), много рисунков и акварелей.

1.

Девятый вал

1850 г., 221 х 332 см., х., м., Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

2.

Вид на Тифлис

1868 г., 36 х 47 см., х.,м., Государственный музей искусств Грузии

--stifle-- (Work_of_art) все записи автора

Картина Мона Лиза (Джоконда). 1503-04

«Как хорошо прожитый день даёт спокойный сон, так с пользой прожитая жизнь даёт спокойную смерть»

Леонардо да Винчи

 

Живописец, скульптор, архитектор, инженер, ученый всё это Леонардо да Винчи. Куда бы такой человек ни обращался, каждое его действие божественно настолько, что, оставляя позади себя всех прочих людей, он являет собою нечто дарованное нам Богом, а не приобретенное человеческим искусством. Леонардо да Винчи. Великий, загадочный, притягивающий. Такой далекий и такой современный. Подобно радуге, ярка, мозаична, разноцветна судьба мастера. Его жизнь полна скитаний, встреч с поразительными людьми, событиями. Сколько о нем написано, сколько издано, но никогда не будет достаточно.

Загадка Леонардо начинается ещё с его рождения, в 1452 году 15 апреля в городке к западу от Флоренции. Он был незаконно рожденным сыном женщины, о которой почти ничего не известно.  

Мы не знаем ни ее фамилии, ни возраста, ни внешности, не знаем, была ли она умна или глупа, училась ли чему или нет. Биографы называют   молодой крестьянкой. Пусть это так и будет. Об отце Леонардо, Пьеро да Винчи, известно гораздо больше, но тоже недостаточно. Он был нотариусом и происходил из семьи, которая обосновалась в Винчи, по крайней, мере, в XIII столетии. Воспитывался Леонардо в доме отца. Его образование, очевидно, было таким, как у всякого живущего в маленьком городке мальчика из хорошей семьи: чтение, письмо, начало математики, латынь. Его почерк удивителен, Он пишет справа налево, буквы перевернуты так, что текст легче читать с помощью зеркала. В более поздние годы он увлекался ботаникой, геологией, наблюдениями за полетом птиц, игрой солнечного света и тени, движением воды. Все это свидетельствует о его любознательности и еще о том, что в молодости он много времени проводил на свежем воздухе, прогуливаясь по окрестностям городка. Эти окрестности, которые мало изменились за последние пятьсот лет, и сейчас чуть ли не самые живописные в Италии. Отец  заметил и приняв во внимание высокий полет дарования сына в искусстве, отобрал в один прекрасный день несколько его рисунков, отнес их Андреа Верроккио, который был его большим другом, и настоятельно попросил его сказать, достигнет ли Леонардо, занявшись рисунком, каких-либо успехов. Пораженный теми огромнейшими задатками, которые он увидел в рисунках начинающего Леонардо, Андреа поддержал сера Пьеро в его решении посвятить его этому делу и тут же договорился с ним о том, чтобы Леонардо поступил к нему в мастерскую, что Леонардо сделал более чем охотно и стал упражняться не в одной только области, а во всех тех, куда входит рисунок.

читать дальше

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Рене Франсуа Гислен Магритт ( 1898—1967) — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин.

Магритт родился 21 ноября 1898 г. в маленьком городке Лессине, в Бельгии. Детство и юность провёл в небольшом промышленном городе Шарлеруа. Жизнь была весьма тяжёлой.

В 1912 году его мать утопилась в реке Самбре, что, видимо, оказало большое впечатление на бывшего тогда ещё подростком будущего художника, однако, вопреки расхожему мнению, не стоит переоценивать его влияние на творчество автора. Магритт вынес из детства ряд других, не столь трагичных, но не менее загадочных воспоминаний, про которые сам говорил, что они нашли отражение в его творчестве (лекция 1938 года).

В 1926 году Магритт создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода. В 1927 году устраивает свою первую выставку. Критики признают её неудачной, и Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. Художник не боялся спорить с другими сюрреалистами: например, Магритт отрицательно относился к психоанализу и особенно к его проявлениям в искусстве. Действительно, природа его творчества не столько психологическая, сколько философски-поэтическая, даже интеллектуальная.

Магритт умер от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года, оставив недописанной новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света».

1.

2.

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Бексински родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексински работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексински заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался очень новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фоторабот также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами.Позднее Бексински сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексинского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома, который позднее был признан виновным, и его друг. Известно, что незадолго до своей смерти Бексински отказался дать в долг этому юноше.

1.

2.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Морис Корнелис Эшер (Maurits Cornelis Escher; 1898—1972) — нидерландский художник-график. Известен прежде всего своими концептуальными литографиями, гравюрами на дереве и металле, в которых он мастерски исследовал пластические аспекты понятий бесконечности и симметрии, а также особенности психологического восприятия сложных трёхмерных объектов.

Морис Эшер родился 17 июня 1898 года в городе Лёвардене, административном центре нидерландской провинции Фрисландия, в семье инженера. В 1903 году семья переехала в Арнем, где мальчик некоторое время учился столярному делу и музыке. С 1912 по 1918 годы Морис учился в средней школе. Хотя с раннего возраста он проявлял способности к рисованию, его успехи в школе были весьма посредственными.

В 1919 году Эшер поступает в Школу архитектуры и декоративных искусств в городе Гарлеме. Его учителем там был художник Самуэль де Мескита, оказавший на молодого человека огромное влияние (Эшер поддерживал дружеские отношения с Мескитой вплоть до 1944 года, когда Мескита, еврей по происхождению, был вместе с семьёй уничтожен нацистами).

В начале 1920-х Эшер часто путешествует в Италию. Именно там он впервые встречается с Джеттой Умикер, которая в 1924 году становится его женой. Чета жила в Риме до 1935 года, когда пребывание в Италии, под контролем режима Муссолини, стало для них трудновыносимым. Затем Эшеры перехали в Шато-д’О (Швейцария).

В январе 1941 года, после начала Второй мировой войны, Эшеры возвращаются в Нидерланды. С 1940-х по 1970-е они жили в голландском городе Барн (Baarn). В июле 1969 года Эшер создает свою последнюю гравюру на дереве — «Змеи».

Эшер скончался 27 марта 1972 года в своем доме в Ларене, на севере Нидерландов.

Бельведер.
1958

Слева на переднем плане лежит лист бумаги с чертежом куба. Места пересечения граней отмечены двумя кружками. Какая грань впереди, какая позади? В трехмерном мире невозможно увидеть переднюю и заднюю стороны одновременно, поэтому их не возможно изобразить. Однако есть возможность нарисовать предмет. Передающий иную реальность, если смотреть на него сверху и снизу. Сидящий на скамейке юноша держит в руках именно такое абсурдное подобие куба. Он задумчиво разглядывает этот непостижимый предмет, оставаясь безразличным к тому, что бельведер за его спиной выстроен в том же невероятном, абсурдном стиле.На полу нижней площадки,то есть внутри, стоит лестница, по которой взбираются двое. Однако, достигнув верхней площадки, они снова окажутся снаружи, под открытым небом, и снова им придется входить внутрь бельведера.Удивительно ли что никому из присутствующих нет дела до заключенного, который просовывает голову между прутьями тюремной решетки и оплакивает свою судьбу?

больше работ тут