CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сислей родился 30 октября 1839 г. в Париже, его отцом был британский коммерсант Уильям Сислей (Сисли). В 1857 г. родители отправили Альфреда в Лондон для обучения коммерции, но юноша предпочел заниматься живописью и в 1862 г. вернулся в Париж. По возвращении он поступил в мастерскую Шарля Глейра, где сблизился с К. Моне, О. Ренуаром и Ф. Базилем, вместе с которыми он вскоре образовал товарищество импрессионистов. Наибольшее влияние на Сислея как на художника оказали британские мастера Уильям Тёрнер, Джон Констебл и Ричард Парк Бонингтон, а также французы Камиль Коро и Гюстав Курбе.

В 1866 г. Сислей женился на Мари Эжени Лекуэзек — от этого брака родилось двое детей. Семейный портрет Сислеев в 1868 г. написал друг семьи, Огюст Ренуар.

Студенческие работы Сислея не сохранились. Ранний период творчества характеризуется гармоничными и воздушными пейзажами, роднящими художника с другими импрессионистами. С середины 1880-х г. в манере Сислея стали усиливаться элементы декоративизма.

Сислей умер 29 января 1899 г. в местечке Море-сюр-Луэн, близ Фонтенбло, на несколько месяцев пережив свою жену.

"Сена у Буживаля весной" 1876

"Лужайки весной" 1880

ЮРИЙ_КОСАГОВСКИЙ (Work_of_art) все записи автора

.

                                                                                Muzeum Rondizm

                                        « х о ж д е н и е   п о   в о д а м »                  2007



                                    

 

                                              

                                            

 

 

.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Валентин Серов родился 7 (19) января 1865 г. в Петербурге, в семье композиторoв А. Н. Серова и пианистки Валентины Бергман. Валентина Бергман родилась в 1846 году, в московской еврейской семье ^[1]. Начал своё образование в классической гимназии, но пройдя в ней только три низшие класса, покинул её с намерением посвятить себя всецело искусству. С 1871 года Бергман с сыном живет в Мюнхене, а с 1874 года — в Париже.

С 1878 по 1879 г. в Москве брал уроки рисунка и живописи у И. Е. Репина, в семье которого жил в 1879 г. Серов бывал с Репиным в доме Мамонтовых на Садовой-Спасской улице и в Абрамцеве, участвовал в их домашних спектаклях.

В 1880 г. поступил в Императорскую Академию Художеств. Здесь его главным наставником был П. П. Чистяков. Получив от Академии малую серебряную медаль за этюд с натуры, оставил это заведение в 1884 г. и с того времени начал работать самостоятельно, все более и более совершенствуясь в живописи, преимущественно портретной. В 1884 в Абрамцеве создал одно из первых своих значительных произведений — портрет Л. А. Мамонтовой (Новгородский музей-заповедник). В 1888 г. написал знаменитый портрет В. С. Мамонтовой («Девочка с персиками»; Третьяковская галерея).

С 1894 г. Серов состоял членом Товарищества передвижных художественных выставок. С 1897 г. преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его учениками были П. В. Кузнецов, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, К. С. Петров-Водкин, Н. П. Ульянов, К. Ф. Юон. Скончался Серов 22 ноября (5 декабря) 1911 г. в Москве. Похоронен на столичном Новодевичьем кладбище. Именем художника в 1922 г. названа улица в посёлке художников «Сокол» в Москве.

"Девочка с персиками
(Вера Мамонтова)" 1887

"Заброшенный пруд. Домотканово"
1888, Третьяковская галерея

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Этти (William Etty) Уильям (1787-1849), английский живописец. Родился в Йорке, 10 марта 1787. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.
Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди Уильяма Этти, помогли его становлению, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и проч. - все это было его первой академией. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 студентом академической школы в Сомерсет Наус.
Среди студентов были те, кто в будущем добился известности и признания в искусстве, - Уилки, Хэйдон, Коллинз, Констебль. Его дядя великодушно заплатил необходимую сумму в сто гиней и летом 1807 Этти стал учеником сэра Томаса Лоуренса. Хотя Этти во время обучения делал большие успехи в искусстве, ему обязательно был нужен "мимолетный луч успеха". В 1811 году после многих попыток на стене талантливых учеников Академии появилась картина молодого Уильяма Этти «Телемах, спасающий Антиопу».В течение следующих пяти лет он продолжал упорно заниматься с тихой и постоянной энергией преодоления недостатков своего обучения в юности. В 1816 Этти оставил студию сэра Томаса, однако влияние его знаменитого наставника оставило заметный след в работах Уильяма Этти. В 1816 Этти решил улучшить свои познания в живописи, совершив поездку в Италию. Однако по истечении трех месяцев был вынужден вернуться в Англию. В 1820 его «Искатели кораллов», показанные в Королевской Академии, привлекли большое внимание. Еще больший успех был у картины «Прибытие Клеопатры в Киликию», показанной в следующем году.
В 1822 он снова отправляется в турне по Италии. Хотя Этти был должным образом впечатлен великими шедеврами Рафаэля и Микеланджело в Риме, он без сожаления покинул Рим и уехал в Венецию, которую всегда считал истинным городом-музеем искусства в Италии.
В начале 1824 Этти возвратился в Англию. В этом же году он стал партнером Королевской Академии, а в 1828 Этти становится действительным членом лондонской Академии художеств.
В интервале между этими датами Этти пишет «Битву» (Женщина, ходатайствующая о побежденном), это первая из трех картин о Юдифь, которые в конечном счете вошли в коллекцию шотландской Академии.В 1830 Этти посетил Францию. Он был потрясен достопримечательностями Парижа, однако в связи с революционным восстанием во Франции был вынужден вернуться. В 1840 и в 1841 Этти предпринял паломничество в Нидерланды для изучения шедевров Рубенса и других художников в церквях и общественных галереях этой страны. Два года спустя он еще раз посетил Францию в целях сбора материалов для картины «Жанна д'Арк». В 1848 после завершения этой работы он удалился в родной Йорк.
Одно желание оставалось для него неисполненным. Этти хотел устроить выставку-экспозицию своих картин. С большим трудом ему удалось собрать значительное количество своих работ в различных частях Британских островов. Они были столь многочисленны, что стены большого зала, который он нанял в Лондоне для выставки, были полностью скрыты полотнами. Это произошло летом 1849; 13 ноября того того же самого года Этти скончался. Уильям Этти занимает свое достойное место среди английских художников. Его рисунок был часто неправилен, но в чувстве и навыке колориста ему не было равных в Англии в первой половине 19 века.

"Геро и Леандр"
1828-1829, Частная коллекция

Купидон
1820-е

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 г. в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения. Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.

В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ — картину «Принесение Исаака в жертву».

В 1717 г. молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. В 1719 г. он женился на Марии Чечилии Гуарди, сестре известных художников Гуарди (Гварди) — Франческо и Джованни Антонио. От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.

С 1726 по 1728 г. Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы — Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо.

К 1750 г. к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 по 1753 г. он работал по приглашению в немецком Вюрцбурге. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран Президентом Академии Падуи.

В 1761 г. испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 г.

"Cвятая, спасающая город
от чумы" (фрагм) 1759,
Дуомо, Уесте, Италия

"Явление трех ангелов Аврааму" 1726-1729

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Рени Гвидо (4 ноября 1575, Болонья — 18 августа 1642, там же), итальянский живописец, мастер барокко.
Рени был выпускником Болонской академии художеств, проводником и наследником ее живописной традиции и педагогической системы. Непосредственно он учился у Аннибале Карраччи, был, как и он, поклонником античности и Рафаэля. Работы раннего периода (до 1600) носят, скорее, ученический характер и демонстрируют большую зависимость от стиля учителя.
После переезда в Рим открывается блестящий период его деятельности. Сначала он помогает А. Карраччи в росписях Галереи Фарнезе, постигая иные пути соединения идеала и реальности, изучает живопись Караваджо в церквях «вечного города», наслаждается его великим классическим наследием. После смерти учителя (1609), Рени, завоевав уже известность, станет фактически главой классицистической живописной школы Рима, центральной фигурой в кругу работающих здесь болонских мастеров.
В своих алтарных образах и станковых полотнах, исполненных на заказ, Рени пытается примирить принципы болонцев и нововведения Караваджо. Об этом свидетельствуют, например, большой алтарный образ «Распятие Св. Петра» (1604-1605, Рим, Ватиканская пинакотека) и полотна на мифологический сюжет «Давид с головой Голиафа» (1605, Лувр) и «Самсон-Победитель» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека).В первом Рени почти повторяет композицию Караваджо из римской церкви Санта Мария дель Пополо. В этих работах он прежде всего акцентирует нравственные принципы, лежащие в основе поступков героев, эффектно подчеркивает характерные детали, использует сильный контраст света и тени. И вместе с тем, спокойная поза, например, Давида, задумчиво стоящего между колонной и пилястрой, далекая от выражения трагической смерти, как у Караваджо, голова Голиафа, переданы в манере болонской школы. Верность увлечению традицией Караваджо проявилась и в известном полотне Рени «Избиение младенцев» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека). Динамичная композиция картины подчинена действию, объединяющему всех персонажей. Попытка драматизации действия в духе Караваджо, приобрела у Рени, как и у болонцев, театральную аффектацию. Особенно выразительна фигура матери с младенцем на руках, с криком убегающей от убийцы, с занесенном ножом. Фон картины напоминает красивую сценическую декорацию. В некоторых работах этого времени появляется больше повествовательности, обилие бытовых деталей («Моисей и сбор манны небесной», 1614-15, Равенна, собор), но фигуры главных персонажей по-прежнему хорошо смотрятся издали.
Глубокий пиетет Гвидо Рени к изучению наследия античности и Рафаэля проявился в росписи плафона палаццо Роспильози («Аврора», 1613-14). Грация легких, словно парящих фигур, гармония ритма композиционного строя, чистые светлые тона красок придают изысканную красоту этой фреске, пополнившей галерею шедевров, созданных в Риме болонскими мастерами. Богатая палитра цвета, динамика, присущи известному полотну Рени — «Аталанта и Гиппоменей» (1622-1625. Неаполь, Нац. Галереи Каподимонте). Скрещенные и ярко освещенные холодным светом фигуры переданы в резких движениях, эффектно выделяются на коричнево-голубом фоне земли и неба. Развевающиеся края их пеплосов тоже привносят острую динамику в композицию.
На протяжении всего творчества Рени будет сохранять верность своей стилистике, основанной на богатой палитре ярких холодных цветов и динамичной композиции. Хотя в этот период его живописная манера приобретет большую утонченность: краски станут более прозрачными, образы более печальными и нежными. Лучшие свои произведения художник отсылал в церкви Болоньи и другие города Эмилии, что способствовало распространению влияния его манеры. Кроме того, работы Рени много копировали его многочисленные ученики. Характерным примером поздней манеры Рени может служить полотно «Похищение Елены» (1631, Лувр), исполненное для Болоньи. Композиция приобретает в нем большую статику: она обрела строгую выверенность и совершенное равновесие всех элементов — цвета, света, рисунка, что свидетельствует об усилении классицистического начала. Образы наделены благородной красотой и изнеженной грацией. Кажется, что они движутся под звучащую музыку барочных театральных мелодрам.
Гвидо Рени был ярким мастером болонской школы живописи. Он стал одним из образцов для подражания в системе европейского академического обучения в 17-19 вв., как самый верный последователь классицистического принципа соединения идеализации и натурности. Его искусство оказало большое влияние на мастеров академического направления в европейском искусстве.
Е. Д. Федотова.

"Фортуна, возвращающая любовь"
1610, Картинная галерея, Ватикан

"Похищение Деяниры
кентавром Нессом", 1621
Лувр, Париж

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Энгр (Ingres) Жан Огюст Доминик (1780-1867), французский живописец и рисовальщик. С 1796 учился у Ж.Л.Давида в Париже. в 1806-1824 работал в Италии, где изучал искусство Возрождения и особенно творчество Рафаэля; в 1834-1841 был директором Французской академии в Риме. Энгр писал картины на литературные, мифологические, исторические сюжеты (“Юпитер и Фетида”, 1811, Музей Гране, Экс-ан-Прованс; “Обет Людовика XIII”, 1824, собор в Монтобане; “Апофеоз Гомера”, 1827, Лувр, Париж), портреты, отличающиеся точностью наблюдений и предельной правдивостью психологической характеристики (портрет Л.Ф.Бертена, 1832, Лувр, Париж), идеализированные и вместе с тем полные острого чувства реальной красоты ню (“Купальщица Вольпенсон”, 1808, “Большая одалиска”, 1814, - оба в Лувре, Париж). Произведения Энгра, особенно ранние, отмечены классической стройностью композиции, тонким чувством цвета, гармоничностью ясного, светлого колорита, но главную роль в его творчестве играл гибкий, пластически выразительный линейный рисунок. Энгр – автор блестящих карандашных портретов и натурных штудий (большинство - в Музее Энгра в Монтобане). Сам Энгр считал себя историческим живописцем, последователем Давида. Однако в своих программных мифологических и исторических композициях он отступал от требований учителя, внося больше живых наблюдений натуры, религиозного чувства, расширив тематику, обратившись, в частности, подобно романтикам, к эпохе средневековья. («Обет Людовика XIII», 1824, Собор Монтобан, «Апофеоз Гомера», 1827, Париж, Лувр). Если историческая живопись Энгра представляется традиционной, то его великолепные портреты и зарисовки с натуры составляют ценную часть французской художественной культуры 19 в. Одним из первых Энгр сумел почувствовать и передать не только своеобразный облик многих людей того времени, но и черты  их характеров - эгоистический расчет, черствость, прозаизм  личности у одних, и доброту и одухотворенность у других. Чеканная форма, безупречный рисунок, красота силуэтов определяют стиль портретов Энгра. Меткость наблюдения позволяет художнику передать манеру держаться и специфический жест каждого человека (портрет Ф. Ривьера, 1805, Париж, Лувр, портрет госпожи Ривьер 1805, Париж, Лувр или госпожи Девосе (1807, Шантильи, Музей Конде). Сам Энгр не считал портретный жанр достойным настоящего художника, хотя именно в области портрета создал самые значительные свои произведения. С тщательным наблюдением натуры и восхищением ее совершенными формами связаны удачи художника при создании ряда поэтических женских образов в картинах «Большая одалиска» (1814, Париж, Лувр), «Источник» (1820—1856, Париж, Лувр); в последней воплощен идеал «вечной красоты».С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. Скончался 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

"Венера Анадиомена"
1808-1848

"Жанна д'Арк на коронации
Карла VII" 1854

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сначала его отдали в ученье к некоему Боттичелли, отличному золотых дел мастеру; от него он и получил свою фамилию. Но скоро обнаружилось в нем неодолимое влечение к живописи, и он стал учиться ей у монаха Филиппо Липпи.

У него перенял Боттичелли ту страстность в изображении трогательных мотивов, которою отличаются исторические картины Липпи. Оригинальная же черта собственного таланта его состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами, особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине; боги ветров осыпают ее дождем роз и гонят к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатую им в 1474 г. стенную живопись в Сикстинской капелле Ватикана. Боттичелли, говорят, был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. Несмотря на то, что позднее папа римский отлучил Савонаролу от церкви, Боттичелли больше не изображал обнажённую женскую натуру. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 г. изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от Виллы в Бельсгуардо. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни он не писал картин, но в 1504 году, согласно его мнению в комиссии, в которой участвовал и Леонардо да Винчи было принято решение установить статую Давида Микеланджело на цоколе перед Паллаццо делла Синьория. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти.

"Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

"Аллегория Добродетели"
1495

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Ренуар (Renoir) Пьер Oгюст (1841-1919), французский живописец, график и скульптор. В юности работал живописцем по фарфору, расписывал шторы и веера. В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму - К.Моне и А.Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Г.Курбе и произведений молодого Э.Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866, Национальный музей, Стокгольм). На рубеже 1860-70-х годов он переходит к живописи на пленэре , органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”. 1869, ГМИИ, Москва). Его палитра светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874, Институт Кортолда, Лондон). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни - балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876, Музей Орсе, Париж).Особое место в его творчестве занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, Штеделевский художественный институт, “Зонтики”, 1876, Национальная галерея, Лондон; портрет актрисы Жанны Самари, 1878, Эрмитаж).В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций , построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, он часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883, ГМИИ, Москва).С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887, собрание Тайсон, Филадельфия). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.

"Жанна Самари"
1877, Музей им. А.С.Пушкина

"Зонтики" 1881-1886
Национальная галерея, Лондон

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сезанн (Сezanne) Поль (1839-1906), французский живописец. Учился в частной академии Сюиса в Париже (1861-1865); работал в Париже и Экс-ан-Провансе. В ранних работах Сезанна, имеющих характер экспрессивных, фантасмагорических сцен (“Оргия”, 1864-1868), заметно воздействие на него живописи старых мастеров (П.Веронезе, Тинторетто), а также Э.Делакруа и О.Домье. Рано сблизившись с К.Писсарро, Э.Мане, К.Моне, Сезанн в 1874 и 1877 участвовал в выставках импрессионистов , но уже в этот период складывается его собственная живописная система. Принципиально расходясь с этого времени с методом импрессионизма, Сезанн интересовался не динамикой световоздушной среды и изменчивостью цвета в атмосфере, а устойчивыми закономерностями цветовых сочетаний и форм, материальностью предметного и природного миров (“Дом повешенного в Овере”, 1872-1873, Музей Орсе, Париж). Упорно  постигая эти законы, Сезанн подолгу разрабатывал один и тот же мотив в поисках структурной конструктивности природных форм (многочисленные изображения горы Сент-Виктуар, в том числе в Институте Кортолда, Лондон, 1887; в Эрмитаже, Санкт-Петербург, около 1900; и в других собраниях). Оперируя преимущественно градациями трех основных цветов (зеленого, голубого и желтого), то тонкими и прозрачными, то резко контрастными, нанесенными плотными корпусными мазками, он обозначал с их помощью пространственные планы и степень освещенности. Материальная весомость красочной фактуры гармонично сочетается в произведениях Сезанна со смелым лаконичным рисунком, конструктивно четкой, пластически обобщенной лепкой формы и ясной уравновешенностью композиции (автопортрет, 1879-1885, “Пьеро и Арлекин”, 1888, “Персики и груши”, 1888-1890, - все в ГМИИ, Москва). В пейзажах с их широким, панорамным охватом наполненного светом ландшафта Сезанн достигает величественной эпичности (“Берега Марны”, 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). В натюрмортах, подчеркивая структуру предмета, как бы утяжеляя его с помощью красочной фактуры и использования чистого цвета, художник выявляет материальную вещественность и строгую пластичность предметного мира (“Горшок с геранью и фрукты”, 1890-1894, Метрополитен-музей; “Натюрморт с драпировкой”, 1898-1899, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Творчество Сезанна, одного из главных мастеров постимпрессионизма , стремившегося к созданию своего рода классического искусства, лишенного всего преходящего и мимолетного, к раскрытию неизменного величия и гармоничной уравновешенности природы, органического единства ее форм, оказало громадное влияние как на многих художников ХХ века, так и на целые направления изобразительного искусства, разрабатывавшие, как правило, отдельные стороны сезанновского наследия (кубизм, лучизм, так называемая симультанная живопись и др.).

"Натюрморт с черепами" 1900
Частное собрание, Швейцария

"Картежники"
1893, Частное собрание

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев, основоположников искусства Возрождения в Венеции. Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71) при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики (“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан). В его рисунках, полных живых наблюдений (зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии), отразился интерес к проблемам перспективы , влияние А.Мантеньи и П.Уччелло. С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини, связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины, (“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, – обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516), второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы , заложивший основы искусства Высокого Возрождения в Венеции. Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини (“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х годов под воздействием живописи Пьеро делла Франческа и Антонелло да Мессина сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам созвучен одухотворённый пейзаж 
(так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици; “Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны” (“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488, Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных, словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций, спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов. В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505, церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку гуманистический портрет (портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон; портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

"Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

"Распятие"
1501-1503

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Ван Эйк (van Eyck) Ян (около 1390–1441), нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах, ван Эйк в 1422–1424 работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго, в 1427 посетил Испанию, в 1428–1429 – Португалию. Около 1430 ван Эйк поселился в Брюгге. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом (работал в 1420-х годах в Генте, умер около 1426) и законченный Яном в 1432.  Ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета . выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка (“Тимофей”, 1432, “Человек в красном головном уборе”, 1433, – оба в Национальной галерее, Лондон; портрет жены художника Маргареты, 1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Дж.Арнольфини с женой.

"Портрет супругов Арнольфини" 1434

Национальная галерея,
Лондон

"Гентский Алтарь", полиптих, 1426-1432
Кафедральный собор св.Бавона, Гент

Проблема участия Хуберта ван Эйка в работе над алтарем остается открытой: по мнению большинства исследователей он мог лишь начать работу над центральной частью алтаря, но в целом произведение исполнено Яном ван Эйком. Несмотря на наличие в ряде сцен алтаря архаических, готических черт, “Гентский алтарь” открыл новую эпоху в развитии искусства Нидерландов.Сложная религиозная символика претворена в нем в конкретные, жизненно убедительные и осязаемые образы. С исключительным реализмом, неприкрашенной выразительностью изображены на внешних створках алтаря обнаженные фигуры Адама и Евы. Фигуры, поющих и музицирующих ангелов на боковых створках, отличаются убедительной пластической осязаемостью.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Штук (Franz von Stuck) Франц фон (1863-1928), немецкий живописец и скульптор, один из лидеров символизма в изобразительном искусстве.
Родился в Теттенвейсе (Бавария) 23 февраля 1863 в крестьянской семье. Приехав в Мюнхен, занимался в здешней художественно-ремесленной школе и Политехникуме (1881-1884). В 1885 посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина.
В молодости много работал как художник прессы (для журналов "Югенд", "Пан" и других изданий). Один из основателей (1892) и президент Мюнхенского сецессиона", рисовал афиши для его выставок; композиция с Афиной-Палладой (1889) стала популярным символом этого объединения. Завоевал известность своими аллегорико-мифологическими картинами, где характерные для символизма темы "рокового" эротического влечения и разгула иррациональных, "демонических" стихий получили особенно броское, нередко брутальное выражение («Борющиеся фавны», 1889, Новая пинакотека, Мюнхен; «Люцифер», 1890, Национальная галерея, София; «Поцелуй сфинкса», 1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Вакханалия», 1905, Кунстхалле, Бремен). Архетипическими стали созданные им образы женщин-вамп («Грех», 1893, Новая пинакотека; «Саломея», 1906, Дом-музей Ф.фон Ленбаха) и военного насилия («Война», 1889, Новая пинакотека).
Франц фон Штук воспринял многие черты переходной художественной эпохи, какой в историческом плане был модерн.
Сознательно оказавшись в стороне от проблем, увлекавших таких известных представителей искусства конца XIX - начала XX века, как Врубель, Гоген, Мунк, - поисков смысла жизни, разгадки будущего человечества, обнажение одиночества личности на фоне мирового универса, он пытался вдуматься в пересечение духовного и телесного, красоты и зримой реальности человеческого облика. Не все убедительно сопрягалось в творческих исканиях Штука. В них можно найти примеры сосуществования чуждых друг другу эстетических установок и стилистических приемов. Он сочетал в своих картинах черты академического натурализма и стиля модерн. Под влиянием Фридриха Ницше создавал фантастико-аллегорические произведения, проникнутые нарочито брутальной символикой. Но в моменты прозрений у этого художника рождались столь оригинальные соединения поэзии и разоблачительного исследования, романтизма и натурализма, которые, свидетельствуя о новом понимании возможностей изобразительного искусства, являли собой настоящие структурные открытия. Такие произведения шокировали зрителя, вызывая нередко оторопь и скандалы среди публики, но позже получали высокую оценку своей поэтической интонацией и новизной мысли.
Франц фон Штук известен также как портретист («Автопортрет с женой», 1907, Вилла Штука; «Мэри в красной шляпке», 1902, частное собрание; все работы - в Мюнхене). Изготовлял эффектные декоративные рамы для своих картин. Его дар дизайнера-декоратора развернулся при постройке и оформлении собственного дома - Виллы Штука, для которой он исполнил ряд бронзовых скульптур («Атлет», «Амазонка», 1890-е и др.) и декоративных панно (Помпеянская стена и др.). Преподавал в мюнхенской Академии художеств.
Умер Штук в Мюнхене 30 августа 1928.

"Мэри в красной шляпке" 1902

"Юный Бахус" 1901

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Кауфман (Kauffmann) Ангелика (1741-1807), швейцарский живописец и график. Ангелика Кауфман родилась в Швейцарии и уже в одиннадцать лет начала писать портреты итальянских знаменитостей. Училась у отца, австрийского живописца Йозефа Иоганна Кауфмана. Жила в Италии (1742-1757). По совету прославленного английского живописца сэра Джошуа Рейнольдса она переехала в Лондон (1766-1781). С 1762 - член флорентийской Академии художеств. Заняв видное место среди немецких художников-классицистов, работавших в Риме, Кауфман писала сцены на исторические и литературные сюжеты (“Прощание Абеляра и Элоизы”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), отличавшиеся гладкой, “сплавленной” манерой письма, тщательной отделкой деталей, а также портреты современников (“Иоганн Вольфганг Гёте”, 1787, Национальный музей Гёте, Веймар). Необычный для своего времени, портрет Давида Гаррика передает тонкую и чувствительную натуру великого английского актера. Непринужденная поза Гаррика, его взгляд - мягкий и проникновенный - разительно отличаются от общепринятой манеры изображения актера в трагическом амплуа. В 1780-е годы Ангелика Кауфман стала очень известна в Европе благодаря многочисленным портретам, а также своим историческим и мифологическим композициям. Ангелика Кауфман выполняла заказы на росписи особняков, построенных по проектам братьев Адамс; нежный колорит и классический стиль этих сооружений вполне отвечали духу ее творчества. Идиллические сцены из классической мифологии переводились в гравюры, использовались в художественной промышленности - благодаря этому искусство Ангелики Кауфман было очень популярно.

"Иоганн Вольфганг Гёте" 1787

"Поэзия и Живопись" 1782

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Гойя-и-Лусьентес (Goya y Lucientes) Франсиско Хосе де (1746–1828), испанский живописец, гравер, рисовальщик. С 1760 учился в Сарагосе у Х.Лусана-и-Мартинеса. Около 1769 Гойя отправился в Италию, в 1771 вернулся в Сарагосу, где писал фрески в духе итальянского барокко (росписи бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771–1772). С 1773 художник работал в Мадриде, в 1776–1791 выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений (“Зонтик”, 1777, “Игра в пелоту”, 1779, “Игра в жмурки”, 1791, – все в Прадо, Мадрид). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (“Семья герцога Осуна”, 1787, Прадо, Мадрид; портрет маркизы А.Понтехос, около 1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 вице-директор, с 1795 - директор ее живописного отделения), в 1799 - “первый живописец короля”. Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании “старого порядка”. Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов “Капричос” (80 листов с комментариями художника, 1797–1798); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий  и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде, 1798, Лувр, Париж), аромат тайны и скрытой чувственности (“Маха одетая” и “Маха обнаженная”, обе - Прадо, Мадрид).С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла IV” (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”, обе –около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810–1820).

"Лампа дьявола" 1798

"Сатурн, пожирающий своих детей" 1823

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В его мастерской появляются ученики из разных стран. В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов. В связи с установкой панно Матисс посетил Москву, дал несколько интервью для газет и высказал восхищение древнерусской живописью. В картине «Красные рыбки» (1911, Музей изобразительных искусств, Москва), используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде. В зимние месяцы с 1911 по 1913 художник посещает Танжер (Марокко), создает марокканский триптих «Вид из окна в Танжере», «Зора на террасе» и «Вход в казба» (1912, там же), приобретенные И. А. Морозовым. Мастерски переданы эффекты голубых теней и ослепляющих лучей солнца.

"Радость жизни"
1905-1906

"Красные рыбки"
1911, Музей им.А.С.Пушкина

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Учился у Симоне Петерцано в Милане. В 1592-1594 гг. переехал в Рим, где приобрел покровительство кардинала дель Монте. В мае 1606, после ссоры во время игры в мяч и убийства на дуэли участника ссоры, был вынужден бежать из Рима в Неаполь, откуда в 1607 перебрался на остров Мальта. Здесь, вступив в конфликт с могущественным вельможей, был брошен в тюрьму, бежал на Сицилию. В 1608—1609, преследуемый наёмными убийцами, подосланными тем же вельможей, скитался по городам Сицилии и южной Италии, в 1610, рассчитывая на помощь римских покровителей и прощение папы, отправился в Рим. По дороге был по ошибке арестован испанскими таможенниками, затем продолжил путь и в городке Порто д’Эрколе умер от лихорадки в возрасте 39 лет.

"Св.Иероним"
1605, Галерея Боргезе,
Рим, Италия

"Голова медузы"
1598

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родилась в г. Белостоке Гродненской губернии в семье коллежского асессора.

Обучалась в Киеве в гимназии Св. Ольги, которую закончила 1899 г.

C 1901 по 1903, а также, как вольнослушатель, с 1906 по 1908 занималась в Киевском художественном училище.

В 1903 г. вышла замуж за адвоката Николая Евгеньевича Экстера.

В эти же годы организовала в своем доме салон-мастерскую, ставшим местом встреч представителей киевского авангардного искусства.

В 1907 г. уезжает в Париж, где начинает заниматься в парижской академии Гран-Шомьер, где посещает класс портретиста Карло Дельваля. Во время этой поездки у нее складываются дружеские отношения с П. Пикассо, Г. Аполлинером.

С 1908 по 1914 живет в разных городах России (Москва, Киев, Одесса, Петербург), активно путешествуя по Европе.

В 1908 организовала в Киеве вместе с Д. Д. Бурлюком выставку «Звено»;

В 1912 г. в Италии знакомится с художником-футуристом Арденго Соффичи, а через него с ведущими авангардистами этой страны и принимает участие в их выставках.

Принимала участие в большинстве наиболее значительных выставок авангардного искусства в России (выставки «Бубнового валета» — февраль 1912, «Союза молодежи», «Трамвай В» и др.), Франции («Салон Независимых» — март 1912 и др.), Италии .

В 1915 г. вступает в группу К.Малевича

В 1921 г. принмает участие в концептуальной выставке конструктивистов «5х5=25».

Экстер преподавала в Одесской детской художественной школе, затем в собственной студии в Киеве (1918). С 1921 по 1922 вела курс в ВХУТЕМАСе.

С 1924 жила за границей.

Умерла 17 марта 1949 в Фонтене-о-Роз под Парижем.

Город ночью. 1919. Масло

Конструктивный натюрморт. 1917. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Александр Дейнека родился 8 (20) мая 1899 г. в Курске. С 1920 по 1925 г. учился изобразительному искусству в московском ВХУТЕМАСе. Вместе с другими выпускниками этого заведения в 1925 г. основал Общество художников-станковистов, пропагандировавшее новую изобразительную стилистику.

Важное место в творчестве Дейнеки занимают монументально-декоративные работы — он оформлял росписями и панно ВСХВ (1938—1939), ЦТСА (1940), павильоны СССР на Всемирных выставках в Париже (1937) и Брюсселе (1958). Мозаики Дейнеки украшают станции московского метро «Маяковская» (1938) и «Новокузнецкая» (1943), главное здание МГУ (1951—1953), Дворец съездов в Кремле (ныне Государственный Кремлёвский дворец; 1960—1961). Живописная манера художника отличается скульптурной обобщенностью графической формы и стремительностью линий.

На протяжении всей карьеры Дейнека также активно занимался преподаванием — в 1928—1930 г. он преподавал в московском Вхутеине, с 1928 по 1934 г. — в Московском полиграфическом институте, с 1934 по 1963 г. (с перерывами) — в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова, с 1945 по 1952 г. — в Московском институте прикладного и декоративного искусства, с 1953 по 1957 г. — в Московском архитектурном институте.

В 1964 г. Дейнеке была присвоена Ленинская премия.

Художник умер 12 июня 1969 г. в Москве. Похоронен на московском Новодевичьем кладбище. На доме, где он жил и работал, установлена мемориальная доска.

«Мать», 1932

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

А. Я. Головин, гимназистом почувствовавший влечение к искусству, поступил в 1881 г. в МУЖВЗ - сначала на архитектурное отделение, потом на живописное. Учился успешно, хотя попытки следовать новейшим тенденциям в живописи не раз вызывали неодобрение части профессоров. После выпуска, испытывая серьезные материальные затруднения, Головин был вынужден некоторое время зарабатывать ремесленной росписью интерьеров. В поисках собственного пути он многое перепробовал: занимался станковой живописью, декоративными искусствами - проектировал мебель и утварь, делал майоликовые панно, участвовал, вместе с К. А. Коровиным, своим другом, в оформлении русского кустарного павильона на Всемирной выставке 1900 г. в Париже.

Решающим поворотом в его жизни стало приглашение в Большой театр. Первые же работы - декорации к опере А. Н. Корещенко "Ледяной дом" (1900) и к опере Н. А. Римского-Корсакова "Псковитянка" (1901)- оказались удачными. В 1902 г. он был приглашен в Петербург на должность главного декоратора императорских театров. С тех пор его творчество и лучшие достижения надолго связаны с двумя столичными театрами - Мариинским (музыкальным) и Александрийским (драматическим). Одной из лучших работ, заставивших говорить о Головине как о смелом новаторе, было оформление "Кармен" (Мариинский театр, 1908), в котором он разрушил стереотипы восприятия известной оперы Ж. Бизе.

Головин работал и для "Русских сезонов" в Париже: оформил "Бориса Годунова" М. П. Мусоргского .(1908) и "Жар-птицу" И. Ф. Стравинского (1910) - спектакли, имевшие триумфальный успех.

В предреволюционное десятилетие Головин сотрудничал главным образом с выдающимся режиссером-новатором XX в. В. Э. Мейерхольдом, который нашел в нем идеального соавтора в осуществлении принципа "чистой театральности". Начало их сотрудничеству положил спектакль "У врат царства" К. Гамсуна (Александрийский театр, 1908) затем были поставлены "Дон-Жуан" Ж.-Б. Мольера (Александрийский театр, 1910) и опера "Орфей и Эвридика" К. В. Глюка (Мариинский театр, 1911), оформленные в духе так называемого традиционного театра, где стилизаторское воскрешение старых сценических средств и приемов использовалось для решительного обновления театральной эстетики. Их совместные работы в большинстве своем стали событиями истории отечественного театра. В спектакле Александрийского театра "Гроза" (1916) по пьесе А. Н. Островского, трактованной не как бытовая, а как национально-романтическая драма, действительность представала словно увиденной через восприятие возвышенной души героини. В опере А. С. Даргомыжского "Каменный гость" (Мариинский театр, 1917) в изображении Испании художник шел от романтизированных представлении об этой стране, выраженных в подчеркнутой символике цвета и орнаментального декора. Венцом творческого содружества Головина и Мейерхольда был спектакль по драме М. Ю. "Лермонтова "Маскарад", над которым они трудились в Александрийском театре несколько лет. Его премьера, состоявшаяся 25 февраля 1917 г., прозвучала мрачным реквиемом уходящей в прошлое России. Здесь чрезвычайно сложное и торжественное оформление составляло органическую часть полуфантастического театрального действия - роскошного и пугающего. "Маскарад" Головина завершил целую эпоху русской сценографии, подготовив ее выход на новые рубежи в следующем десятилетии.

После 1917 г. Головин в театре был занят гораздо меньше, чем прежде, фактически он оказался не у дел. В последний раз ему удалось блеснуть превосходными декорациями в известном спектакле МХАТа "Безумный день, или Женитьба Фигаро" (1927) по пьесе П. Бомарше, но следующая его работа, декорации к "Отелло" У. Шекспира, не нашла в том же театре понимания - спектакль вышел уже после смерти художника в сильно искаженном варианте оформления. Вынужденную бездеятельность Головин компенсировал тем, что занимался журнальной и книжной графикой (в частности, он создал в 1922 г. превосходные иллюстрации к "Двойнику" Э.-Т.-А. Гофмана) и, более всего, живописью.

Великий театральный художник, он был и незаурядным станковым живописцем, написавшим много портретов, преимущественно людей из своего окружения. Большой известностью пользуются его портреты Ф. И. Шаляпина в ролях Мефистофеля (1905), Олоферна (1908) и Бориса Годунова (1911), а также портрет В. Э. Мейерхольда (1917). Головин был и автором прекрасных пейзажей и натюрмортов, исполненных в его очень индивидуальном, с немалой долей декоративности, стиле.

Купавки. Б. г. Темпера

Страшная игральная. Эскиз декораций к драме М. Ю. Лермонтова "Маскарад". 1917. Гуашь, клеевая краска, золото

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Художественное образование А. М. Герасимов получил в МУЖВЗ (1903-15), где его наставниками были крупнейшие русские живописцы рубежа XIX и XX вв. - А Е Архипов, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин. У них он заимствовал широкую этюдную манеру письма, смелый мазок, сочный (хотя часто и грубоватый) колорит. Окончив в 1910 г. живописное отделение, он, чтобы продолжить занятия у Коровина, поступил на архитектурное.

После нескольких лет работы в родном Козлове, где прошли его детские годы, художник в 1925 г. вернулся в Москву. Здесь он присоединился к АХРР - ассоциации художников, совмещавших новизну советской политизированной тематики с традиционными живописными приемами именно поэтому художники АХРР лишь себя называли "реалистами", всех же прочих - "формалистами" и "эстетами", непонятными народу.

Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом, хотя нередко обращался и к пейзажной живописи, создав ряд тонких и лиричных по настроению пейзажей ("Март в Козлове", 1914 "После дождя. Мокрая терраса", 1935, и др.). Среди его портретов, индивидуальных и групповых, со временем начинают преобладать изображения людей высокопоставленных, руководителей государства и партии. Его большие холсты, не лишенные плакатного пафоса, - "В. И. Ленин на трибуне" (1930), "И. В. Сталин и К Е. Ворошилов в Кремле" (1938), "Гимн Октябрю" (1942) и др. - становятся образцами официального стиля советской живописи. А с конца 1930-х гг. Герасимов не только живописец, но и официальный руководитель художественной жизни страны, жесткий хозяин, возглавлявший основные творческие организации: председатель правления Московского отделения Союза художников (1938-40), председатель оргкомитета Союза советских художников (1939-54), президент АХ СССР (1947-57). На этих постах он был энергичным проводником, а отчасти и творцом художественной политики сталинских десятилетий.

Полдень. Теплый дождь. 1939. Масло

После дождя. Мокрая терраса. 1935. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Васильевич Верещагин родился 26 октября 1842 г. в Череповце (Новгородская губерния) в семье помещика. Имел троих братьев; все были определены в военно-учебные заведения. Младшие, Сергей и Александр, стали профессиональными военными; старший, Николай - общественным деятелем. Василий в возрасте девяти лет поступил в морской кадетский корпус. По окончании этого заведения после короткого периода службы вышел в отставку и поступил в петербургскую Академию художеств, где учился с 1860 по 1863 у А. Т. Маркова, Ф. А. Моллера и А. Е. Бейдемана. Оставив Академию, уехал на Кавказ, где пробыл около года. Затем уехал в Париж, где учился и работал под руководством Жерома (1864—1865)

В марте 1865 Верещагин вернулся на Кавказ и продолжил писать с натуры.

Осенью 1865 г. Верещагин посетил Петербург, а затем вновь вернулся в Париж, чтобы продолжить учёбу. Зиму 1865—1866 г. он провёл, обучаясь в Парижской академии. Весной 1866 художник вернулся на родину, завершив своё официальное обучение.

В 1867 г. К. П. Кауфман, генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками в Средней Азии, приглашает художника к себе на службу — тот должен состоять при генерале в чине прапорщика. В августе 1867 г. Верещагин отправляется в Ташкент и Самарканд. Участвовал в обороне осаждённого Самарканда, был ранен и получил Георгиевский крест 4-го кл

В воздаяние за отличие, оказанное во время обороны цитадели г. Самарканда, с 2 по 8 Июня 1868 года.

В конце 1868 г. художник едет в Петербург, оттуда в Париж, а затем снова в Петербург. В 1869 г. он при содействии Кауфмана организует в столице «туркестанскую выставку», где демонстрирует свои работы. После окончания выставки Верещагин снова едет в Туркестан, на этот раз через Сибирь.

В 1871 г. Верещагин переезжает в Мюнхен и начинает работать над картинами по восточным сюжетам. В 1873 г. он устроил персональную выставку своих туркестанских произведений в Хрустальном дворце в Лондоне. Весной 1874 г. состоится выставка в Петербурге. Затем он почти два года живёт в Индии, выезжая также в Тибет. Весной 1876 г. художник возвращается в Париж.

Узнав весной 1877 г. о начале русско-турецкой войны, он тотчас же отправляется в действующую армию, оставив в Париже свою мастерскую. Командование причисляет его к составу адъютантов главнокомандующего Дунайской армией с правом свободного передвижения по войскам, но без казённого содержания. Художник участвует в некоторых сражениях. В июне 1877 г. он получает тяжёлое ранение.

В 1882—1883 г. он снова путешествует по Индии. В 1884 г. едет в Сирию и Палестину, после чего пишет картины на евангельские сюжеты.

В 1901 г. художник посетил Филиппинские острова, в 1902 г. — США и Кубу, в 1903 г. — Японию.

Когда началась русско-японская война, Верещагин поехал на фронт. Он погиб в сражении при Порт-Артуре в результате взрыва на броненосце «Петропавловск» 31 марта 1904 г.

Апофеоз войны. 1871. Масло

О войне (1873)

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родившийся в семье вятского священника, Ю. А. Васнецов состоял в отдаленном родстве с Виктором и Аполлинарием Васнецовыми. Одержимый желанием стать художником, он в 1921 г. приехал в Петроград и поступил на живописный факультет ГСХМ (позднее Вхутемас) успешно закончил учебу в 1926 г. В поисках заработка молодой художник начал сотрудничать с отделом детской и юношеской литературы Государственного издательства, где под художественным руководством В. В. Лебедева счастливо обрел себя в интерпретации тем и образов русского фольклора - сказок и главным образом гю-тешек, в которых лучше всего удовлетворялась его природная тяга к юмору, гротеску и доброй иронии. В 1930-х гг. ему принесли известность иллюстрации к книжкам "Болото", "Конек-Горбунок" П. II. Криижа, "Пятьдесят поросят" К. И. Чуковского, "Три медведя" Л. И. Толстого. Тогда же он делал отличные - нарядные и увлекательные - литографские эстампы для детей, основанные на тех же сюжетных мотивах. В годы войны, проведенные сначала в Молотове (Пермь), потом в Загорске (Сергиев Посад), где он состоял главным художником Института игрушки, Васнецов исполнил поэтичные иллюстрации к "Английским народным песенкам" С. Я. Маршака (1943), а затем к его же книжке "Кошкин дом" (1947). Новый успех принесли ему иллюстрации к фольклорным сборникам "Чудодейное колечко" (1947) и "Небылицы в лицах" (1948). Васнецов трудился необычайно интенсивно, по многу раз варьируя дорогие ему темы и образы. Своеобразным итогом его многолетней деятельности стали широко известные сборники "Ладушки" (1964) и "Радуга-дуга" (1969). В ярких, занимательных и остроумных рисунках Васнецова русский фольклор нашел едва ли не самое органичное воплощение, на них выросло не одно поколение юных читателей, а сам он уже при жизни был признан классиком в области детской книги.

Между тем книжная графика составляла лишь одну сторону его творчества. Главной целью жизни Васнецова всегда были занятия живописью, и к этой цели он шел с фанатическим упорством: работал самостоятельно, занимался иод руководством К. С. Малевича в Гинхуке, обучался и аспирантуре при Всероссийской АХ. В 1932- 34 гг. он создал наконец несколько произведений ("Дама с мышкой", "Натюрморт со шляпой и бутылкой" и др.), в которых проявил себя как очень крупный мастер, успешно соединивший утонченную живописную культуру своего времени с традицией народного "базарного" искусства, которое он ценил и любил. Но это позднее обретение себя совпало с начавшейся тогда кампанией борьбы с формализмом. Опасаясь идеологических преследований (уже успевших коснуться его книжной графики), Васнецов сделал живопись тайным занятием и показывал ее только близким людям. В своих пейзажах и натюрмортах, подчеркнуто незатейливых по их мотивам и на редкость изощренных по живописной форме, он достигал впечатляющих результатов, своеобразно возрождая традиции русского примитивизма. Но эти работы практически не были никому известны. Лишь несколько лет спустя после смерти художника его картины были показаны зрителям на выставке в ГРМ (1979), и стало ясно, что Васнецов был не только прекрасным книжным графиком, но и одним из выдающихся русских живописцев XX в.

Иллюстрация к книге <Радуга-дуга. Русские народные песенки, потешки, прибаутки>. 1969

Иллюстрация к сказке П. П. Ершова <Конек-Горбунок>. 1935

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Исаак Бродский родился 25 декабря 1883 (6 января 1884) в селе Софиевка (в то время — Таврическая губерния, ныне — Запорожская область Украины), в семье мелкого торговца и землевладельца. С детства проявил талант к живописи. С 1896 по 1902 г. учился в Одесском художественном училище у Л. Д. Иорини, К. К. Костанди и Г. А. Ладыженского. Затем переехал в Петербург и продолжил обучение в столичной Академии художеств. В течение пяти лет учился в Академии у И. Е. Репина. В 1909—1911 г. на деньги Академии ездил по Германии, Франции, Испании и Италии, в частности посетил на острове Капри М. Горького.

До октябрьской революции 1917 года Бродский участвовал в выставках в Академии художеств, а также Товарищества южнорусских художников, Товарищества передвижных художественных выставок.

После революции Бродский стал официальным художником новой власти, подобно тому как Ж. Л. Давид был официальным художником первой французской республики. Бродский много работал над созданием образов советских вождей, в первую очередь В. И. Ленина и И. В. Сталина. Кроме того, Бродский занимался реорганизацией художественного образования в СССР. С 1932 г. был профессором, а с 1934 г . — директором Всероссийской Академии художеств в Ленинграде. Его учениками были А. И. Лактионов, В. А. Серов, Ю. М. Неприпцев.

Умер Бродский 14 августа 1939 г. в Ленинграде. В центре Ленинграда (пл. Искусств, 3) был создан музей художника, в его честь в сентябре 1940 была переименована Михайловская улица близ Невского проспекта (после Перестройки ей было возвращено прежнее имя).

В. И. Ленин на фоне Смольного. Не позднее 1925. Масло

Летний сад. 1928. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Л. А. Бруни происходил из семьи с давними художественными традициями: его прадедом был известный акварелист прошлого века П. Ф. Соколов, среди родных был знаменитый живописец-академист Ф. А. Бруни, в родстве он был и с семьей Брюлловых. "В моих жилах течет не кровь, а акварель", - шутил художник. И в самом деле, он был прирожденным акварелистом, виртуозно владел всеми секретами этой изящной и трудной техники.

Учился Бруни в Петербурге - в частной школе княгини М. К. Тенишевой, в Высшем художественном училище при АХ (1910- 11) - у знаменитых баталистов Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша, а в 1911 г. - в мастерской Я. Ф. Ционглинского затем в Париже, в академии Р. Жюлиана и у Ж.-П. Лоранса(1912).

Он начинал с живописи. Картина "Радуга" (1915) создавалась под влиянием древнерусских икон и одновременно одного из новейших течений европейского искусства - кубизма. Крепкие, простые объемы, строго уравновешенная композиция, сильные контрасты глубоких, насыщенных красок - красной и зеленой, синей и желтой - все говорит о стремлении художника не столько передать определенную живую натуру (молодую крестьянку в поле), сколько найти обобщенный образ спокойного величия и мощи.

Но в те же и последующие годы Бруни неутомимо рисует легким, точным карандашом близких ему людей в непринужденных позах, изображает репетирующих балерин (серия "Балет", 1925), пишет нежной, прозрачной акварелью природу, артистически передавая ее подвижность, трепет ветвей и листьев на ветру. Его кисть часто наносит для этого на бумагу быстрые вибрирующие штрихи, в которых отчетливо видно точное и свободное движение руки художника. Такие работы, наиболее соответствующие порывистой натуре Бруни, и определяли, при всей их кажущейся скромности, его дальнейшее развитие.

В 1923 г. художник переезжает в Москву. Здесь он преподает в художественных институтах, занимается иллюстрированием изданий. Его легкими, трепетными рисунками украшены книги "Дон-Кихот" М. Сервантеса (1924), "Исповедь сына века" А. Мюссе (1932), "Шахнаме" Фирдоуси (1934), "Лирика" Низами (1947) и др.

Особое место в творчестве Бруни занимает монументальное искусство. С 1935 г. и до конца жизни художник руководил мастерской монументальной живописи, созданной с его участием при Академии архитектуры СССР. В самой удачной из его собственных монументальных работ художнику удалось сохранить, переведя в громадный масштаб, подвижное изящество своей акварельной техники. Населенные зверьем романтические джунгли написал он акварелью по шелку на стенах зимнего сада в Центральном доме пионеров в Москве (1935-36). Им же созданы фрески для столичного Музея охраны материнства и младенчества (1933, совместно с В. А. Фаворским), для текстильного комбината в Ташкенте (1936), павильонов Всесоюзной сельскохозяйственной выставки (1939). Бруни принадлежит и роспись плафона в зрительном зале Центрального театра Советской Армии.

В мертвящей атмосфере официального "реализма" 1930-40-х гг. подвижное, легкое искусство Бруни оставалось живым островком эмоционального поэтического творчества.

Сумерки. Золотая рыбка. 1926. Акварель

Харчевня веселых мертвецов. 1917. Клеевые краски

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

М. К. Башкирцева родилась в знатной и богатой семье. Девочка была очень болезненна, и в десятилетнем возрасте мать увезла ее в Ниццу. С тех пор она лишь три раза ненадолго приезжала в Россию, живя постоянно за границей и много путешествуя по Европе. В 1877 г. она стала посещать академию Р. Жюлиана в Париже. В 1879 г. получила золотую медаль на конкурсе ученических работ и с этого времени регулярно выставляла свои картины, неизменно встречавшие теплые отзывы французских газет и журналов.

Ее работ сохранилось немного, почти все они погибли в годы Первой мировой войны. Демократические настроения эпохи нашли отражение в ее картинах "Жан и Жак" (1883), "Митинг" (1884), которая была приобретена Люксембургским национальным музеем. Среди наиболее известных полотен - "Дождевой зонтик", "Три улыбки", "Осень" (все 1883), находящиеся ныне в ГРМ. В их мастерской живописи ощутимо влияние учителя Башкирцевой - французского художника Ж. Бастьен-Ленажа, но выбор сюжетов и мотивов изображения демонстрирует индивидуальность художницы. В то время как ее работы высоко оценивали Э. Золя и А. Франс, на родине творчество Башкирцевой получило очень противоречивые оценки.

Башкирцева относится к художникам, судьба которых привлекает едва ли не больше, чем их творчество. Ке с юных лет отличало стремление к славе и успеху. Она была очень красива, знала шесть европейских языков, играла на рояле, гитаре, арфе и мандолине, обладала превосходным сопрано. С тринадцати лет и до самой смерти Башкирцева вела дневник, куда с поразительной откровенностью заносила все события своей жизни, свои мысли и чувства. "Я говорю все, все, все", - писала она, предназначая свой дневник для печати. "Дневник Марии Башкирцевой" впервые был опубликован во Франции в 1887 г., а в 1893 г., выдержав уже несколько изданий на французском языке, вышел в свет и в России. Он запечатлел образ женщины-художницы, стремившейся к счастью, свободе и творчеству, имевшей для этого, казалось бы, все возможности, но так и не успевшей реализовать себя.

Скончалась эта одаренная художница от туберкулеза, не дожив до двадцати четырех лет. Первая выставка работ Башкирцевой состоялась в Париже в 1885 г., и с тех пор интерес к ее творчеству и личности не угасает.

Осень. 1883. Масло

Дождевой зонтик. 1883. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Лев Розенберг родился 10 мая 1866 г. в Гродно (в настоящее время Белоруссия) в небогатой еврейской семье учёного-талмудиста. После окончания гимназии учился вольнослушателем в Академии Художеств, подрабатывая иллюстраций книг.

На первой своей выставке (1889) принимает псевдоним Бакст — укороченную фамилию бабушки (Бакстер). В начале 90-х выставляется в Обществе акварелистов. В 1893—1897 живёт в Париже, часто возвращаясь в Санкт-Петербург. С середины 90-х примыкает к кружку писателей и художников, формирующемуся вокруг Дягилева и Александра Бенуа, который позднее превратится в объединение «Мир Искусства». В 1898 совместно с Дягилевым принимает участие в основании одноименного издания. Графика, изданная в этом журнале, приносит ему славу.

Он продолжает заниматься станковой живописью, рисуя портреты Малявина (1899), Розанова(1901), Андрея Белого(1905), Зинаиды Гиппиус(1906). Также преподаёт живопись детям великого князя Владимира. В 1902 в Париже получает заказ от Николая II на Встречу русских моряков.

В 1898 г. Бакст показывает работы на организованной Дягилевым «Первой выставке российских и финских художников»; на выставках «Мира Искусства», на выставке «Secession» в Мюнхене, выставках Артели русских художников, и проч.

Во время революции 1905 года Бакст работает для журналов «Жупел», «Адская почта», «Сатирикон», позднее в художественном журнале «Аполлон».

С 1907 г. Бакст живёт в основном в Париже и работает над театральными декорациями, в которых производит настоящую революцию. Он создаёт декорации для греческих трагедий, а с 1908 входит в историю как автор декораций для дягилевских Ballets Russes — («Клеопатра» 1909, «Шахерезада» 1910, «Карнавал» 1910, «Нарцисс» 1911, «Дафнис и Хлоя» 1912). Всё это время живёт в Европе, поскольку как еврей не имеет вида на жительство вне черты оседлости.

Во время визитов в Санкт-Петербург преподаёт в школе Званцевой. Одним из его учеников был Марк Шагал (1908—1910), но в 1910 г. они разрывают отношения. Бакст запрещает Шагалу ехать в Париж, поскольку, по его мнению, это пойдёт во вред искусству Шагала, а в финансовом отношении приведёт молодого художника к голодной смерти (Шагал не рисовал театральных декораций). Шагал тем не менее поехал, не умер с голоду и нашёл свой стиль живописи.

В 1914 г. Бакст избирается членом Академии Художеств.

В 1918 г. Бакст окончательно разрывает отношения с Дягилевым и Ballets Russes. 27 декабря 1924 г. он умирает в Париже от отёка лёгких.

Молодой беотиец. Эскиз костюма к балету Н. Н. Черепнина <Нарцисс>. 1911. Акварель, карандаш

Ужин. 1902. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Раннее детство Ю. П. Анненкова прошло на далекой Камчатке, куда был отправлен на поселение его отец, бывший член организации "Народная воля". В 1893 г. семья вернулась в Петербург. Дача Анненковых в Куок-кале, местечке под Петербургом, находилась недалеко от имения И. Е. Репина. С детства окруженный творческими людьми, будущий художник рано увлекся рисованием. В 1906 г. Анне'нкова исключили из казенной гимназии за "политическую неблагонадежность", выразившуюся в карикатурах для ученического нелегального журнала. Это, правда, не помешало ему получить аттестат зрелости и в 1908 г. поступить на юридический факультет Петербургского университета. Художественное образование Анненкова не было систематическим. Еще в гимназические годы он посещал занятия в ЦУТР. В 1908 г. занимался в студии С. М. Зейденберга, где его соучеником был М. 3. Шагал. Однако вступительные экзамены в АХ Анненков не сдал и поступил в студию Я. Ф. Ционглип-ского. По совету своего учителя в 1911 г. он уехал в Париж, где продолжил обучение в мастерских М. Дени и Ф. В>ллоттона - художников знаменитой группы "Наби". В 1913 г. Анненков дебютировал двумя картинами на выставке Салона Независимых в Париже.

Ранний период творчества художника связан главным образом с занятиями живописью ("Желтый траур", "Адам и Ева", "Купальщики", "Автопортрет", все 1910-е). Вернувшись в 1913 г. в Россию, Анненков увлекся графикой. Его рисунки стали появляться на страницах журналов "Аргус", "Лукоморье", "Отечество", "Сатирикон", "Театр и искусство". Другим увлечением художника был театр. В его декорациях шли спектакли на сцене Театра В. Ф. Комиссар-жевской, много работал он и для театра Н. Н. Евреинова "Кривое зеркало".

Самым значительным периодом в творчестве Анненкова были послереволюционные годы. Он принимал участие во всех художественных начинаниях тех лет. Художник входил в правление петроградского Дома искусств, был одним из организаторов ОСТа в 1921 г., заведовал художественной частью театра политической сатиры "Вольная комедия", публиковал статьи и эссе в журнале "Жизнь искусства". В 1920 г. оформлял грандиозные народные зрелища "Взятие Зимнего дворца" на Дворцовой площади и "Гимн освобожденному труду" (совместно с М. В. Добужинским и В. А. Щу-ко) возле здания Биржи в Петрограде. В том же году Анненков был избран профессором АХ. Занимаясь графикой, художник сотрудничал с издательствами "Радуга", "Всемирная литература", "Красная новь", иллюстрировал произведения Дж. Лондона, К. И. Чуковского, Н. Н. Евреинова, рисовал для сатирических журналов. Вершиной его графического искусства стали иллюстрации к третьему изданию поэмы А. А. Блока "Двенадцать" (1918). Сам Блок высоко ценил рисунки Анненкова и видел в них "параллельный графический текст". В гибкой графической манере, используя принцип монтажа, свободного соединения отдельных реалий быта, деталей и частей изображения, Анненков показал распадающийся старый мир, стихию революции.

В 1921 г. художник выступил как реформатор традиционного театра, опубликовав в журнале "Дом искусств" статью "Театр до конца", по сути - манифест абстрактного театра. Вскоре Анненков осуществил свои идеи на практике. Для постановки пьесы Г. Кайзера "Газ" в петроградском ГБДТ (1923) он, стремясь избавиться от статики на сцене, впервые использовал "динамические", движущиеся декорации и меняющееся освещение.

Анненковым была создана целая галерея живописных и графических портретов деятелей русской культуры 1910-20-х гг. Он запечатлел А. М. Горького, В. Ф. Ходасевича, В. Б. Шкловского, М. А Кузмина, А А Ахматову, В. В. Хлебникова и др. Особое место в его творчестве занимают портреты государственных и политических деятелей тех лет:

В. И. Ленина, Л. Д. Троцкого, Г. Е. Зиновьева, Л. Б. Каменева, К. Радека и др. В них наиболее полно выразился парадоксальный стиль Анненкова. Например, в живописном портрете М. А. Шерлинга (1918) он использовал кубистические сдвиги, сочетая их с превосходным, почти академическим рисунком. В графических портретах художник демонстрировал виртуозное владение техникой, применяя то послушную линию, то мастерскую штриховку, то сплошное пятно, всегда подмечая самое яркое и характерное в облике своих героев. Эти изображения, порой крайне лаконичные, предлагают как бы "формулу" лица.

Летом 1924 г. Анненков поехал в Италию на открытие советского павильона на Международной выставке в Венеции. В Россию он больше не вернулся. Анненков поселился в Париже и приобрел широкую известность как художник театра и кино. Он сотрудничал с Н. Ф. Балиевым, Б. Ф. Нижинской, М. А. Чеховым, С. М. Лифарем, оформил свыше 60 спектаклей и создал эскизы костюмов и декораций к более чем 50 кинофильмам. В 1954 г. за свои костюмы Анненков был удостоен премии "Оскар". Он пользовался популярностью и как портретист. К этому времени относятся его портреты И. Э. Бабеля, И. Г. Эренбурга, Ж. Кокто, М. Равеля, О. А. Спесивцевой и др. За рубежом раскрылся литературный дар Анненкова. Его мемуары "Дневник моих встреч" представляют серию ярких литературных портретов русских писателей, художников, музыкантов. Под псевдонимом Б. Темирязев он написал книги "Повесть о пустяках" и "Рваная эпопея".

Портрет фотографа-художника М. А. Шерлинга. 1918. Масло

Портрет И. А. Кузмина. 1919. Акварель, цветной и графитный карандаш

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря cт. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта. В детстве жил в Одессе. Изучал в Московском университете экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, участвовал в этнографической экспедиции в Вологодской губернии. В 1893 г. окончил юридический факультет. Работал художественным директором Кушнерёвской типографии в Москве (1895).

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе. В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нем школу, в которой сам же и преподавал. С 1900 г. участвовал в выставках Московского товарищества художников. В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1910 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник». Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами. После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой. В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918). В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он не вернулся. В Берлине начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе. В 1939 г. получил французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.

Амазонка в горах. 1917-18. Стекло, фольга, бронза, масло

Синий гребень. 1917. Масло