Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Арт-графика

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Работы пациентов психиатрических клиник.

Часть 2.

1.

 

2.

еще 4 рисунка

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Антонио Каналь родился 7 октября 1697 г. в Венеции. Учился живописи у своего отца Бернардо Каналя, театрального художника. В 1719 г. посетил Рим, где познакомился с творчество знаменитого ведутиста Джованни Паоло Паннини. После этого начал писать свои знаменитые виды Венеции. Первой известной исследователям работой Каналя с авторской подписью является «Архитектурное каприччо» (1723). В отличие от большинства художников того времени Каналетто на раннем этапе своего творчества писал свои виды (ведуты) сразу с натуры, не делая предварительных набросков и эскизов. Впоследствии стал писать в студии, пользуясь камерой обскурой.

Многие работы Каналетто были с успехом проданы англичанам, приезжавшим в Венецию для обучения. В 1740 г. этот источник дохода исчез: началась война за австрийское наследство, и британцы стали реже приезжать на континент. В 1746 г. Каналетто едет в Лондон, чтобы быть ближе к каналам сбыта своих картин. В течение девяти лет он живет в Англии, пишет виды местных дворцов и домов. В этот период в его творчестве появляется вторичность, техника перестает нравиться заказчикам.

В 1755 г. художник возвращается в Венецию. В 1763 г. его избирают в Венецианскую академию художеств. Каналетто умер 19 апреля 1768 г. в родной Венеции.

1.

Лондон. Вестминстерское аббатство и процессия рыцарей

1749 г., Вестминстерское аббатство

2.

Лондон. Темза и дома пригорода Ричмонда1747, Частное собрание

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Дега родился в 19 июля 1834 г. в Париже, в обеспеченной семье аристократического происхождения Огюста де Га и Селестины Мюссон. Он был старшим из пятерых детей. В возрасте 13 лет Эдгар потерял мать, что явилось для него серьёзнейшим ударом. Позже, в молодости, под влиянием новых социальных идей, Эдгар изменил свою фамилию с де Га на менее «аристократическую» Дега.

Желание рисовать начало проявляться у Дега уже в детстве. Впрочем, отец ему прочил карьеру юриста, однако у Эдгара не было большого желания и способностей к юриспруденции, а обеспеченность семьи позволяла ему заниматься живописью не особо заботясь о пропитании.В 20 лет (1854 год) Дега поступает в ученичество в мастерскую известного в свое время художника Ламота, бывшего в свою очередь учеником великого Энгра.Курбе и Делакруа, оказали определенное влияние на творчество Дега, однако действительным, признаваемым им авторитетом до конца жизни для художника оставался Энгр. Эдгар изучал творения великих мастеров живописи в Лувре, за время своей жизни несколько раз посещал Италию (где проживали его родственники по линии отца), где имел возможность знакомиться с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения. Особый интерес у живописца вызывали такие старые итальянские мастера как Мантенья, Беллини, Гирландайо и Джотто.

На рубеже 60-х годов XIX века Эдгар Дега открывает собственную мастерскую в Париже. Основой его творчества являлась портретная живопись, много внимания Дега уделал историческим полотнам. К этому периоду относится и знаменитый автопортрет Дега с цилиндром и перчатками. В начале 60-х, во время поездки в Нормандию (которую он позже навещал не один раз), Дега был очарован лошадьми, которые с тех пор стали одним из любимейших сюжетов его живописи, и наряду с балетом стали своего рода визитной карточкой его искусства.

В 1861 году Дега знакомится с Эдуаром Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего. Будучи человеком весьма авторитетным в среде молодых художников, неформальным главой Батиньольской группы, Мане познакомил Дега с молодыми живописцами, ставшими впоследствии известными как импрессионисты.

К 1882 году у художника начинает резко ухудшаться зрение (проблемы со зрением были выявлены еще в армии, поэтому он был переведен из пехоты в артиллерию), и Дега начал обращаться к пастельной технике, а затем и к скульптуре. Стоит отметить, что Эдгар Дега был практически универсальным художником не только в плане жанров, но и в плане техники, в которой он выполнял свои работы.

Почти за десять лет до своей смерти Дега практически перестал писать. Однако к 80 годам он был уже признанным художником, его картины продавались по баснословным для того времени ценам.

Эдгар Дега скончался 27 сентября 1917 г. в Париже в возрасте 83 лет, будучи признанным мастером и авторитетным живописцем, по праву считавшимся одним из ярчайших представителей импрессионизма, оригинальным творцом.

1.

Жокеи перед трибунами

Около 1866—68, Бумага на картоне. 46 х 61 Музей Орсе, Париж

2.

Репетиция1873—78 г., Холст, масло. 41 x 61,7 Художественный музей Фогг, Гарвард

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора ...

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Винсент Виллем ван Гог (Vincent Villem van Gogh, 1853—1890) — всемирно известный нидерландский и французский художник-постимпрессионист.
Ван Гог, не признанный современниками, у потомков снискал невиданную популярность. Полотна его кисти, спустя сто лет после появления на свет, стали не только одними из самых дорогих произведений современного искусства, они, наконец, были по достоинству оценены знатоками и ценителями подлинных шедевров. Сейчас его произведения украшают собрания самых знаменитых галерей и музеев мира. Ван Гог, чье творчество сейчас искусствоведы называют характерным примером постимпрессионистической живописи, в свое время не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, несмотря на это, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

1.

12 подсолнухов в вазе

1888 г., х., м., 91 x 72 см. новая Пинакотека, Мюнхен

2.

Звездная ночь1889, Холст, масло. 73,5 х 92 см., Музей современного искусства, Нью-Йорк

 

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Иван Константинович родился 17(29).7.1817 в городе Феодосия, умер 19.4(2.5).1900, там же. Российский живописец, мастер морского пейзажа. Сын мелкого торговца-армянина. В 1833 - 37 учился в петербургской Академии художеств у М.Н. Воробьева и французского мариниста Ф. Таннера. С 1845 года академик, с 1847 года профессор академии, с 1887 года почётный член Академии художеств. Член ряда европейских академий. Много путешествовал, с 1845 жил в Феодосии. А. уже в 1840-х гг. завоевал мировую славу эмоциональной приподнятостью своих картин, с их тяготением к пафосу и героике, точностью и быстротой кисти. Неповторимая особенность творчества Айвазовского - в романтическом изображении необъятного величия и буйной мощи морской стихии, огненных закатов, играющего на волнах лунного света, отваги борющихся с морем людей ("Девятый вал", 1850, Русский музей, Ленинград). Очевидец военных манёвров Черноморского флота, Иван Константинович посвятил многие картины подвигам русских моряков ("Чесменский бой", "Наварринский бой", обе - 1848, Феодосийская картинная галерея им. А.). Повышенная яркость цветовой гаммы постепенно сменяется в картинах художника стремлением к тональному единству. В лучших поздних работах ("Чёрное море", 1881 г., Третьяковская галерея), сдержанных по цвету, он пользуется тонкими градациями светотени для более точной и естественной передачи морской шири, движения воды и света. Айвазовский создал около 6 тыс. картин (неравноценных по художественному качеству), много рисунков и акварелей.

1.

Девятый вал

1850 г., 221 х 332 см., х., м., Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

2.

Вид на Тифлис

1868 г., 36 х 47 см., х.,м., Государственный музей искусств Грузии

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Чёрно-белые фото...

Лично я хотела бы сняться в роли каждой из этих моделей...)))

 

--stifle-- (Work_of_art) все записи автора

Картина Мона Лиза (Джоконда). 1503-04

«Как хорошо прожитый день даёт спокойный сон, так с пользой прожитая жизнь даёт спокойную смерть»

Леонардо да Винчи

 

Живописец, скульптор, архитектор, инженер, ученый всё это Леонардо да Винчи. Куда бы такой человек ни обращался, каждое его действие божественно настолько, что, оставляя позади себя всех прочих людей, он являет собою нечто дарованное нам Богом, а не приобретенное человеческим искусством. Леонардо да Винчи. Великий, загадочный, притягивающий. Такой далекий и такой современный. Подобно радуге, ярка, мозаична, разноцветна судьба мастера. Его жизнь полна скитаний, встреч с поразительными людьми, событиями. Сколько о нем написано, сколько издано, но никогда не будет достаточно.

Загадка Леонардо начинается ещё с его рождения, в 1452 году 15 апреля в городке к западу от Флоренции. Он был незаконно рожденным сыном женщины, о которой почти ничего не известно.  

Мы не знаем ни ее фамилии, ни возраста, ни внешности, не знаем, была ли она умна или глупа, училась ли чему или нет. Биографы называют   молодой крестьянкой. Пусть это так и будет. Об отце Леонардо, Пьеро да Винчи, известно гораздо больше, но тоже недостаточно. Он был нотариусом и происходил из семьи, которая обосновалась в Винчи, по крайней, мере, в XIII столетии. Воспитывался Леонардо в доме отца. Его образование, очевидно, было таким, как у всякого живущего в маленьком городке мальчика из хорошей семьи: чтение, письмо, начало математики, латынь. Его почерк удивителен, Он пишет справа налево, буквы перевернуты так, что текст легче читать с помощью зеркала. В более поздние годы он увлекался ботаникой, геологией, наблюдениями за полетом птиц, игрой солнечного света и тени, движением воды. Все это свидетельствует о его любознательности и еще о том, что в молодости он много времени проводил на свежем воздухе, прогуливаясь по окрестностям городка. Эти окрестности, которые мало изменились за последние пятьсот лет, и сейчас чуть ли не самые живописные в Италии. Отец  заметил и приняв во внимание высокий полет дарования сына в искусстве, отобрал в один прекрасный день несколько его рисунков, отнес их Андреа Верроккио, который был его большим другом, и настоятельно попросил его сказать, достигнет ли Леонардо, занявшись рисунком, каких-либо успехов. Пораженный теми огромнейшими задатками, которые он увидел в рисунках начинающего Леонардо, Андреа поддержал сера Пьеро в его решении посвятить его этому делу и тут же договорился с ним о том, чтобы Леонардо поступил к нему в мастерскую, что Леонардо сделал более чем охотно и стал упражняться не в одной только области, а во всех тех, куда входит рисунок.

читать дальше

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Японские театральные фотографии...

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Рене Франсуа Гислен Магритт ( 1898—1967) — бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин.

Магритт родился 21 ноября 1898 г. в маленьком городке Лессине, в Бельгии. Детство и юность провёл в небольшом промышленном городе Шарлеруа. Жизнь была весьма тяжёлой.

В 1912 году его мать утопилась в реке Самбре, что, видимо, оказало большое впечатление на бывшего тогда ещё подростком будущего художника, однако, вопреки расхожему мнению, не стоит переоценивать его влияние на творчество автора. Магритт вынес из детства ряд других, не столь трагичных, но не менее загадочных воспоминаний, про которые сам говорил, что они нашли отражение в его творчестве (лекция 1938 года).

В 1926 году Магритт создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода. В 1927 году устраивает свою первую выставку. Критики признают её неудачной, и Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. Художник не боялся спорить с другими сюрреалистами: например, Магритт отрицательно относился к психоанализу и особенно к его проявлениям в искусстве. Действительно, природа его творчества не столько психологическая, сколько философски-поэтическая, даже интеллектуальная.

Магритт умер от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года, оставив недописанной новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света».

1.

2.

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Бексински родился в Саноке (Sanok) на юге Польши. После завершения обучения архитектуре в Кракове в 1955 году, он вернулся в Санок. Несколько лет после этого Бексински работал бригадиром на стройке. Эту работу он ненавидел. В этот период Бексински заинтересовался художественной фотографией, фотомонтажем, скульптурой и живописью. Он оказался очень новаторским художником, особенно для коммунистической страны. Он создавал скульптуры из гипса, металла и проволоки. Фотографии Бексинского стилистически были похожи на его будущие работы в живописи, представляя собой изображения морщинистых лиц, неровных ландшафтов, объектов с очень бугристой поверхностью, эффект от которых усиливался игрой с источниками света и тенями. Среди его фоторабот также можно встретить различные тяжёлые образы, такие как изуродованная кукла с разодранным лицом, портреты людей без лиц или с полностью забинтованными лицами.Позднее Бексински сконцентрировал свои творческие усилия на живописи. Его первые картины относились к абстрактному искусству, но на протяжении шестидесятых годов он всё более склонялся к сюрреализму.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексинского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома, который позднее был признан виновным, и его друг. Известно, что незадолго до своей смерти Бексински отказался дать в долг этому юноше.

1.

2.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Морис Корнелис Эшер (Maurits Cornelis Escher; 1898—1972) — нидерландский художник-график. Известен прежде всего своими концептуальными литографиями, гравюрами на дереве и металле, в которых он мастерски исследовал пластические аспекты понятий бесконечности и симметрии, а также особенности психологического восприятия сложных трёхмерных объектов.

Морис Эшер родился 17 июня 1898 года в городе Лёвардене, административном центре нидерландской провинции Фрисландия, в семье инженера. В 1903 году семья переехала в Арнем, где мальчик некоторое время учился столярному делу и музыке. С 1912 по 1918 годы Морис учился в средней школе. Хотя с раннего возраста он проявлял способности к рисованию, его успехи в школе были весьма посредственными.

В 1919 году Эшер поступает в Школу архитектуры и декоративных искусств в городе Гарлеме. Его учителем там был художник Самуэль де Мескита, оказавший на молодого человека огромное влияние (Эшер поддерживал дружеские отношения с Мескитой вплоть до 1944 года, когда Мескита, еврей по происхождению, был вместе с семьёй уничтожен нацистами).

В начале 1920-х Эшер часто путешествует в Италию. Именно там он впервые встречается с Джеттой Умикер, которая в 1924 году становится его женой. Чета жила в Риме до 1935 года, когда пребывание в Италии, под контролем режима Муссолини, стало для них трудновыносимым. Затем Эшеры перехали в Шато-д’О (Швейцария).

В январе 1941 года, после начала Второй мировой войны, Эшеры возвращаются в Нидерланды. С 1940-х по 1970-е они жили в голландском городе Барн (Baarn). В июле 1969 года Эшер создает свою последнюю гравюру на дереве — «Змеи».

Эшер скончался 27 марта 1972 года в своем доме в Ларене, на севере Нидерландов.

Бельведер.
1958

Слева на переднем плане лежит лист бумаги с чертежом куба. Места пересечения граней отмечены двумя кружками. Какая грань впереди, какая позади? В трехмерном мире невозможно увидеть переднюю и заднюю стороны одновременно, поэтому их не возможно изобразить. Однако есть возможность нарисовать предмет. Передающий иную реальность, если смотреть на него сверху и снизу. Сидящий на скамейке юноша держит в руках именно такое абсурдное подобие куба. Он задумчиво разглядывает этот непостижимый предмет, оставаясь безразличным к тому, что бельведер за его спиной выстроен в том же невероятном, абсурдном стиле.На полу нижней площадки,то есть внутри, стоит лестница, по которой взбираются двое. Однако, достигнув верхней площадки, они снова окажутся снаружи, под открытым небом, и снова им придется входить внутрь бельведера.Удивительно ли что никому из присутствующих нет дела до заключенного, который просовывает голову между прутьями тюремной решетки и оплакивает свою судьбу?

больше работ тут

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сегодня Анна Геддес является одним из наиболее уважаемых и успешных профессиональных фотографов в мире. Коллекции открыток с ее работами становятся бестселлерами с момента их выпуска, и в настоящее время пользуются большой популярностью более чем в 50 странах мира, в том числе и в России.

Анна Геддес родилась и выросла в Квинсленде (Австралия).

В двадцать лет она начала экспериментировать с камерой, развивая свой собственный стиль визуального воздействия на зрителя.

Воображение и сердца людей Анна Геддес впервые покорила одиннадцать лет назад. Ее характерные, индивидуальные фотографии малышей, выпущенные сначала в Новой Зеландии и Австралии, признаны теперь классическими детскими изображениями. Они печатаются в книгах, на бумаге для печатающих устройств, на альбомах для фотографий. А в России и странах СНГ фотодизайны Анны Геддес можно увидеть на открытках и календарях.

В 1998 году на Всемирном совете профессиональных фотографов Анна Геддес была награждена особым почетным призом за ее вклад в искусство фотографии.

Геддес является пожизненным членом Союза профессиональных фотографов Америки.
Оценив уникальный стиль ее дизайнов, в марте 1997 года ей предложили вступить в Почетное товарищество Института профессиональных фотографов Новой Зеландии. Надо заметить, что Анна Геддес стала первой женщиной-фотографом, принятой в это товарищество.

Причина успеха кроется в глубокой и прочной любви к детям. Благодаря уникальному художественному дару она смогла не только рассказать о детях мира на языке, понятном всем, но и найти отклик в человеческих сердцах.

Анна и ее муж, Кел Геддес, являются совладельцами двух компаний — «Especially Rids Company Limited» и «Kel Geddes Management Limited». Первая из названных компаний основана в 1991 году, она же включает в себя фотостудию и является держателем авторских прав. Вторая компания выполняет административно-хозяйственные функции, занимается маркетингом, менеджментом, производством книг, календарей и других изданий, оформленных дизайнами Анны Геддес.

Сейчас Анна и Кел Геддес живут в Новой Зеландии с двумя дочерьми.

загляните сюда

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Потрясающие фотографии!!!

Очень советую посмотреть!!!

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

И ярче краски у слепца

На вопрос, что он дает людям своим творчеством, слепой словенский фотограф Эвген Бавчар отвечает: «Свет, который создаю, он для того, чтобы провести вас, зрителей, по темным коридорам своей души, постоянно открывая самые заветные ее уголки». А на вопрос, не обучает ли он своему мастерству слепых детей, говорит, что во Франции - нет. Однако один из чешских коллег, следуя его примеру, делает это и уже несколько таких детей сейчас успешно занимаются фотографией...

ЭВГЕН БАВЧАР

Полностью слепой, всемирно известный фотомастер Евгений Бавчар родился в Словении в 1946 году. Рос мальчик любознательным и в игры играл соответствующие: мины, детонаторы, другие военные штучки. Одна из таких «штучек» и лишила зрения 11-летнего Женю... Дитя послевоенного времени, несовершеннолетний инвалид, находит в себе душевные силы, чтобы доказать - он не хуже других. Именно тогда, в начале 60-х годов в Центре для слепых детей в Любляне, а потом и в лицее, делает первые свои фотоснимки. Судьба забрасывает его в Париж, где в 1981 году он получает французское гражданство и становится стипендиатом французского правительства. Первая официальная фотовыставка работ Евгения Бавчара состоялась в 1987 году и сразу привлекла внимание публики. После этого он экспонируется во многих странах мира: Австрии, Италии, Германии, Швейцарии, Испании, Бразилии. Начинают выходить его фотоальбомы, а потом книги - слепой фотограф становится еще и писателем, доктором философии, увлекается творчеством Оноре де Бальзака. В июле 1999 мастер посетил Украину. В столичном Французском культурном центре прошла его фотовыставка, посвященная 200-летию со дня рождения Бальзака. Фотовыставку открыл сам автор.
Все 20 художественных снимков сняты исключительно ночью при специальном освещении в Музее Бальзака в Париже и в замке Саше (поблизости от Тура), где жил и творил великий писатель. Кроме того, Евгений Бавчар ознакомился с бальзаковскими местами в Украине, посетив Верховню на Житомирщине и запечатлел на фотопленке имение возлюбленной прославленного французского писателя Бальзака – Эвелины Ганской.
Учёба Эвгена Бавчара, цель кото рой — жить без зрения, началась в Словении, в лицее для слепых городе Любляна. Это была жизнь, напол ненная звуками, запахами и невидимой геометрией. По окончании Эвген Бавчар самостоятельно уезжает в Париж, где в 1976 году, прослушав курс лекций по философии в Сорбонне, защищает докторскую диссертацию на тему «Эстетика Теодора Адорно и Эрнеста Блоха».

Найдёшь и у пророка слово,
Но лучше слово - у немого,
И ярче краски у слепца:
Когда отыскан угол зренья,
И ты при вспышке озаренья
Собой угадан до конца.
Арсений Тарковский

Беседовать с ним коротко невозможно — он захватывает вас энтузиаз мом и увлекает своими рассуждениями. Вы забываете, что перед вами слепой че ловек, и видите философа, писателя, опубликовавшего не одну книгу, и фото графа. Но кого в нем больше?

«Стараясь соединить в себе три измерения, я прежде хочу оставаться самим собой. Я тот, кем являюсь. Я видящий слепой, и в этом контексте я — философ, писатель и фотограф. Называя себя философом, я подразумеваю, что меня влечет мысль о мироздании. Я стараюсь самостоятельно, в меру своих скромных возможностей, самым естественным путем постичь мир и описать его светом, так как, будучи фотографом, я, разумеется, работаю со светом. Как писатель я стараюсь выразить то, что под силу словам... глаголам. Я связываю воедино глагол и изображение в своем миропонимании и самовыражении. Эти два аспекта непроизвольно дополняют друг друга. Я занимаюсь осмыслением изображения. В значительной мере я вынужден прибегать к его осмыслению, поскольку мы живем в мире изображения. Одновременно я не слишком задумываюсь об этом в момент, когда я сам создаю изображение, следуя своей собственной интуиции, где я не должен заниматься теорией, потому что являюсь в полной мере изобретателем».
Его душа и на Западе, и на Востоке. Будучи по происхождению словенцем и любя Словению как единственную страну, которую он видел — «она дала мне свет» — Эвген Бавчар, живя в Париже, ощущает себя прежде всего человеком Центральной Европы, в синтезе культур и изображения, так как в лингвистическом и культурном плане Словения находится на стыке Запада и Востока. «Я обожаю западноевропейскую культуру, равно как и культуру Восточной Европы и, в частности, русскую литературу. Одна моя подруга часто читает мне по-русски, и при медлен" ном прочтении текста я понимаю. Я стараюсь ощущать в себе связь двух культур так же, как я ощущаю связь ночи и дня, все разнообразие существующих в мире противоречий».
Недавно он начал работать над циклом «Все дети». «Ребенок приходит в мир из темноты и свое восприятие начинает с различения света и мрака. Я не очень хорошо помню это состояние, как оно воспринималось в детстве. Но когда я обнаружил цвета, узнал их названия: красный, голубой, желтый, — тогда начал «собирать» изображения. Затем, уже несколько позднее, будучи крайне любопытным, я хотел наблюдать мир, узнать о нем как можно больше и, полагаю, был едва ли не самым любопытствующим. У меня был «зверский» аппетит на изображение, я чувствовал себя кем-то, кто может взять необычайно много, но не хватает рук, корзин, грузовиков, вагонов, чтобы все это привезти в мир темноты. Я испытывал особую жажду. Я так много хотел взять для себя из этого мира... и иногда сожалею, что не смог унести больше».

ЦВЕТ

«Я видел цвета, только когда был маленьким, и с тех пор я раскрашиваю мир. У меня в руках палитра основных красок, которую я взял с собой из своей родной страны вместе с воспоминаниями о людях, о траве, деревьях, солнце, небе. Это моя волшебная палитра. Для меня цвет — это материнство мира. Цвет также — эротический аспект восприятия мира, аспект мира живого. Мир без цвета не мог бы существовать. Моим, пожалуй, самым любимым стал голубой — цвет лазури и еще красный. Красный и желтый ушли от меня позже всех остальных цветов. Последнее, что мне удалось увидеть, была юбка подошедшей ко мне девочки — она была ярко-красной. И этот цвет стал моим самым последним воспоминанием... Но у меня много и других красок. Цвет для меня становится одной из форм внутреннего видения. Я вижу сны не только черно-белые, но и в цвете, и стараюсь увидеть в своих внутренних видениях как можно больше красок, так чтобы мир не представлялся мне монохромным или одноцветным. Нужно всегда стремиться наполнить мир красками».
Учителей фотографии у него не было, поскольку преподавание фотографии как таковое практически отсутствует, тем более — школы для слепых фотографов. Пользоваться фотоаппаратом он научился с помощью друзей. «Изображение, которое я навсегда запомнил и которое стало едва ли не самой прекрасной картиной жизни в моей памяти, — это долина моего родного края, г де ветер поет ей колыбельную, укачивает, треплет шевелюру деревьев, беспокоит лица случайных путников на дороге, вносит сумятицу в определенный порядок на земле — в ее организованное пространство. Но сколь чудесна эта сумятица, этот беспорядок, магия, волшебство, очарование! Для меня это крайне существенно, я очень люблю мир в беспорядке, запутанный, не похожий на большое тихое кладбище. Именно таким представляется мне «порог» рая, та самая картина долины моего детства, подчиненная ветру...»
По собственному признанию, Эвген Бавчар не владеет техникой фотографии в совершенстве. Присутствие человека он определяет на слух, осязает расстояние, пространство, просит описать ему «контакты» с пленки, чтобы знать, соответствуют ли кадры его внутреннему ощущению. «Для каждой фотографии я стараюсь создать мысленно свой образ, который стремлюсь реализовать, проверяю взглядом других людей, дающих мне свое описание им увиденного — насколько это соответствует тому образу, изображению, которое я хотел дать. Думаю, если бы художник мог быть абсолютным в создании своих образов или исключительным в техническом отношении, искусство бы умерло».
О нем вполне можно говорить как об основателе нового жанра фотографии, так как он работает не столько светом, сколько тенью. В его ню видят сходство с работами Гойи. Игру света и тени кто-то воспринимает как сновидения. «Мои работы существуют через восприятие другими. Они становятся для меня своего рода способом общения с окружающими меня людьми. Таким образом, я не просто делаю фотографию, я показываю ее другим. Я думаю, нет людей, которые не видят. Есть люди, которые по-иному смотрят на мир. Я не думаю, что слепой от рождения ничего не видит. У него просто есть свои образы, он видит и смотрит по-своему. Может быть, экспрессия и выразительность в моей фотографии объясняется тем, что она идет от моего внутреннего ощущения. Даже те снимки, где я просто откликаюсь на какие-то характерные шумы и звуки улицы, либо на определенные голоса людей, при всей степени случайности все же являются отражением моего внутреннего состояния».
«Все возникает вследствие моих размышлений. Темы могут быть спровоцированы внешним миром, поездками. Существуют такие грода, которые меня влекут к себе — Женева, Неаполь, Вена. Иногда я встречаю человека, чья манера поведения, место в пространстве и наконец его глубинная сущность вызывают мой особый интерес к нему, в результате чего я непременно должен сделать его портрет. Портрет Ханны Шигулы я делал с особыми чувствами к ней, так как перед собой видел необыкновенно мудрую женщину-«сову», актрису, наделенную особой творческой интуицией, глубокой мудростью подсознания. Эта женщина хорошо понимает невидимый мир. Именно поэтому ей удается быть столь органичной в фильмах Фасбиндера. В моем восприятии ее внутренняя мудрость поднимается до высот древнегреческой трагедии, символом которой стала «Сова Минервы». Именно эти чувства я стремился передать в ее портрете. Однажды я делал портрет молодой девушки-музыканта. Ее игра на арфе придавала ей нечто ангельское. Незаметно для нее самой, уже в момент съемки я поставил рядом с ней изображение ангела. Ведь именно ангела я почувствовал в звуках музыки, которая рождалась на струнах ее арфы от ее «осязательного» прикосновения к ним, и в той телесной нежности к своему инструменту».
В его доме много зеркал. Они и в его работах. Для него зеркало — это иллюзия, саркофаг Нарцисса, его могила. Нарцисс нашел смерть в своем зеркальном отражении. «Я себя мертвым не чувствую, — говорит Эвген. — Я живой. Может, самым трагическим моментом в жизни человека и становится позиция, когда он воспринимает свое «я» в абсолюте как главное действующее лицо, как основную данность в этой жизни. Зеркало представляется мне ненужным предметом. Именно поэтому у меня так много кругом зеркал. Я даже ношу зеркало в своей петлице для того, чтобы отвечать женщинам, которые постоянно спрашивают меня: хороши ли они собой. Чтобы их не огорчать, я предлагаю им посмотреть на себя в мое зеркальце, поскольку никогда не могу дать быстрый и прямой ответ. Иногда моим ответом становится фотография, иногда я отвечаю поэмой, текстом. Зеркало для меня также и место сосредоточения света.
Оно раздвигает границы моего жилища, оно удлиняется, стремясь к бесконечности, открывая передо мной новые ощущения в видениях. Оно — это нечто, что напоминает мне о бренной стороне нашей жизни, о нашей смертности. Когда смотришь в зеркало, то начинаешь понимать, что и ты однажды умрешь. Как хорошо об этом у одного русского писателя. Будучи в театре, он увидел в зеркале лицо женщины и понял, что однажды ему придется умереть. Зеркало — это нечто фатальное, это не просто предмет быта, это вопрос: откуда мы пришли и куда мы уйдем?! Я сам задаю этот вопрос своим зеркалам, часто расколотым, с трещинами или уже потускневшим.
У меня ведь в детстве тоже было свое «зеркальце нарцисса», которое разбилось, а девочки, которые, увы, далеко не всегда были ко мне добры, от меня скрывали мою красоту, мне пришлось заново собирать и склеивать зеркало, чтобы узнать правду о себе, но я до сих не закончил эту долгую и трудную для себя работу...»

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Ещё одна серия портретов...

Как я люблю морщинистые лица...))

KlaraKarla (Work_of_art) все записи автора

работа моего любимого художника-импрессиониста

Импрессия: восход солнца,
1872

 

Клод Оскар Моне (1840-1926).

     Был одним из создателей импрессионизма, направления изменившего историю искусства. Это именно от названия картины художника "Импрессия - восход солнца" получил свое название этот стиль живописи. Согласно принципам нового направления, живописца интересовала прежде всего игра солнечного света, меняющаяся с часу на час. Моне наблюдал ее, работая на натуре, с одинаковым увлечением рисуя изменяющиеся в лучах солнца стоги сена, кувшинки в в своем саду в Живерни или фасад собора в Руане. Но самые прекрасные полотна художник создал в Лондоне, который обожал за окутывающий все вокруг туман. Картины Моне поражают игрой цветов и лучезарностью.Но талант художника не сразу оценено должным образом. Много лет он испытывал финансовые трудности, которые, однако, не отразились в его солнечных и полных солнца полотнах. Сегодня, восхищаясь выставляемые в наилучших музеях мира шедевры художника, нельзя не согласиться с мнением Поля Сезанна, который сказал: „Моне это только глаз, но, Боже, что это за глаз!”

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Пациенты психиатрических клиник (часть 1 )

 1.

2.

еще 5 рисунков

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сикстинская Мадонна 1512—1513

Холст, масло 256 × 196

Галерея старых мастеров, Дрезден

 

Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области.

На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, и Святой Варвары (мощи этих святых находятся в церкви св. Сикста). Фигуры образуют треугольник, поднятые занавеси лишь подчеркивают геометрическое построение композиции.

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчеркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа.

Изобразительное мастерство художника обманывает наблюдателя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.

Поскольку имя св. Сикста происходит от латинского «шесть», Рафаэль изобразил его с шестью пальцами на правой руке. На картине также шесть фигур.

Интересные факты:

1. Два ангелочка, изображенные на картине, являются мотивом многочисленных открыток и постеров.
2. После Великой Отечественной войны картина находилась на реставрации в Москве и в 1955 году была возвращена вместе с другими картинами в Дрезден.

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Кто разделяет мою любовь к портретам-прошу в комменты...

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Крылья...

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

остальное в комментах

советую посмотреть

...

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Арнольд Ньюман родился в Нью-Йорке в 1918 году. Умер там же в возрасте 88 лет. Наибольшую известность ему принесли снимки знаменитостей - Пабло Пикассо, Игоря Стравинского, Мерилин Монро, Джона Кеннеди. Ньюман разработал и довел до совершенства особый жанр портретной фотографии, который по-английски называется "environmental portraiture" (что-то вроде "портрета в окружении" или "жанрового портрета"). Своих моделей Ньюман помещал в обстановку, которая соответствовала бы их роду занятий: так, Игоря Стравинского он снимал у рояля, художника Пита Мондриана - у мольберта на фоне одной из работ, президента Кеннеди - на лужайке возле Белого дома.

Pablo Picasso, Cannes, 1956

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сон

1937 г., х., м., 51 x 78 см., частная коллекция

В картине <сон> Дали вновь использует образ огромной мягкой головы с практически отсутствующим телом, который так часто появлялся в его работах, созданных около 1929 года. Однако здесь это явно не автопортрет. Сон и сновидения — важнейшая область бессознательного и, следовательно, сфера повышенного интереса для психоаналитиков и сюрреалистов. Спящий — или персонификация сна — у Дали выглядит неспокойным, и требуется огромное количество подпорок, чтобы поддерживать эту голову и сохранять черты ее лица в правильном положении. Подпорки — один из постоянных образов Дали, наводящий на мысль о хрупкости основ того, что составляет реальность; однако на этой картине буквально ничто не выглядит стабильным, и даже собака нуждается в опоре, чтобы не упасть! Вся сцена, кроме спящей головы, купается в бледно-голубом свете, усиливающем чувство отъединенности от дневного рационального мира.

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

 Жизнь

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Небольшой пантеон театралов

1860 г., карандаш., бумага., частная коллекцияранние работы Моне

Клод Моне родился 14 февраля 1840 г. в Париже. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и присоединился к семейному бизнесу, но сын с детства увлекался изобразительным искусством, в частности с удовольствием рисовал карикатуры. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры.Первой значительной работой, подводящей итоги творческих поисков этого периода, стал для К. Моне "Завтрак на траве" (1865-1866), написанный им вслед за одноименной программной работой Эдуарда Мане. Сама работа до нас не дошла: художник оставил ее в счет уплаты за жилье в деревушке Шайи, в окрестностях которой он работал. Но сохранилась ее уменьшенная копия, позволяющая составить общее представление о картине. По возвращении оттуда начинается самый плодотворный период в его творчестве, в 1872-1873 гг. он создает одни из самых лучших картин - "Сирень на солнце" (1873, ГМИИ, Москва), "Бульвар Капуцинок" (1873, ГМИИ, Москва), "Поле маков у Аржантёя" (1873, Музей Орсэ, Париж), "Впечатление. Восход солнца" (1872, Музей Мармоттан, Париж) и др. В 1874 г. некоторые из этих картин были выставлены на знаменитой выставке, организованной "Анонимным обществом живописцев, художников и граверов", руководителем которого являлся Клод Моне. После этой выставки, названной по имени картины Моне "Впечатление. Восход солнца", художники-устроители и получили название "импрессионисты" (от франц. impression - впечатление). Это были годы расцвета импрессионизма. Моне участвует в выставках 1874, 1876, 1877, 1879 и 1882 годов. Однако произведения Моне почти не продаются. Гонимый нуждой, художник живет там, где жизнь более дешева: в Аржантее (1873 - 1878), в Ветее (1879 - 1881), в Пуасси (1882) и с 1883 до конца жизни - в Живерни.
В конце 1880-х годов его искусство все более привлекает публику и критиков. Признание приносит материальный достаток. Вскоре материальное положение художника поправилось настолько, что он покупает собственный дом в Живерни, где и протекает поздний период его творчества. В этот период художник всецело поглощен работой над сериями пейзажей, в которых разрабатывает тончайшие световые эффекты.В Живерни К. Моне много времени проводит в саду, занимаясь его живописной организацией. Эта работа привела к тому, что на смену обыденному миру, населенному людьми, пришел таинственный декоративный мир воды и растений ("Ирисы в Живерни", Музей Мармоттан, Париж; "Плакучие ивы", 1923, частное собрание). Поэтому неслучайно в самой знаменитой серии его поздних панно представлены виды прудов с плавающими в них кувшинками ("Белые кувшинки. Гармония синего и фиолетового", 1918-1921, Музей Мармоттан, Париж).

В начале 1920-х у Моне развивается катаракта, из-за чего ему пришлось перенести две операции. Художник скончался 6 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Удаление камней глупости

Дерево, масло

На первый взгляд здесь изображена обычная, правда, опасная операция, которую хирург почему-то проводит под открытым небом, водрузив себе на голову воронку. Орнаментальная надпись вверху и внизу гласит: "Мастер, удали камень. Меня зовут Лубберт Дас". Во времена Босха существовало поверье: сумасшедшего можно исцелить, если извлечь из его головы камни глупости. Лубберт - имя нарицательное, обозначающее слабоумного. На картине вопреки ожиданиям извлекается не камень, а цветок, еще один цветок лежит на столе. Установлено, что это тюльпаны, а в средневековой символике тюльпан подразумевал глупую доверчивость. Присутствие священника и монахини не получило должного объяснения, хотя закрытая книга на голове монахини и воронка хирурга соответственно символизируют, что знание бесполезно, когда имеешь дело с глупостью, и что врачевание подобного рода - шарлатанство. В авторстве Босха можно было бы усомниться, если бы не характерный пейзаж на заднем плане.

Это сообщество создано для любителей и ценителей искусства в целом. Искусства живописи, фотографии. Здесь будут выкладываться работы великих художников, фотографии профессионалов, работы, получившие уважение и восхищения по всему миру. Так же будут обсуждения тех или иных тонкостей каждой работы, возможность узнать о том или ином художнике больше информации.