CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Еще немного этого потрясающего сюрреализма

 

еще 3 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Васильевич Верещагин родился 26 октября 1842 г. в Череповце (Новгородская губерния) в семье помещика. Имел троих братьев; все были определены в военно-учебные заведения. Младшие, Сергей и Александр, стали профессиональными военными; старший, Николай - общественным деятелем. Василий в возрасте девяти лет поступил в морской кадетский корпус. По окончании этого заведения после короткого периода службы вышел в отставку и поступил в петербургскую Академию художеств, где учился с 1860 по 1863 у А. Т. Маркова, Ф. А. Моллера и А. Е. Бейдемана. Оставив Академию, уехал на Кавказ, где пробыл около года. Затем уехал в Париж, где учился и работал под руководством Жерома (1864—1865)

В марте 1865 Верещагин вернулся на Кавказ и продолжил писать с натуры.

Осенью 1865 г. Верещагин посетил Петербург, а затем вновь вернулся в Париж, чтобы продолжить учёбу. Зиму 1865—1866 г. он провёл, обучаясь в Парижской академии. Весной 1866 художник вернулся на родину, завершив своё официальное обучение.

В 1867 г. К. П. Кауфман, генерал-губернатор Туркестана и командующий русскими войсками в Средней Азии, приглашает художника к себе на службу — тот должен состоять при генерале в чине прапорщика. В августе 1867 г. Верещагин отправляется в Ташкент и Самарканд. Участвовал в обороне осаждённого Самарканда, был ранен и получил Георгиевский крест 4-го кл

В конце 1868 г. художник едет в Петербург, оттуда в Париж, а затем снова в Петербург. В 1869 г. он при содействии Кауфмана организует в столице «туркестанскую выставку», где демонстрирует свои работы. После окончания выставки Верещагин снова едет в Туркестан, на этот раз через Сибирь.

В 1871 г. Верещагин переезжает в Мюнхен и начинает работать над картинами по восточным сюжетам. В 1873 г. он устроил персональную выставку своих туркестанских произведений в Хрустальном дворце в Лондоне. Весной 1874 г. состоится выставка в Петербурге. Затем он почти два года живёт в Индии, выезжая также в Тибет. Весной 1876 г. художник возвращается в Париж.

Узнав весной 1877 г. о начале русско-турецкой войны, он тотчас же отправляется в действующую армию, оставив в Париже свою мастерскую. Командование причисляет его к составу адъютантов главнокомандующего Дунайской армией с правом свободного передвижения по войскам, но без казённого содержания. Художник участвует в некоторых сражениях. В июне 1877 г. он получает тяжёлое ранение.

В 1882—1883 г. он снова путешествует по Индии. В 1884 г. едет в Сирию и Палестину, после чего пишет картины на евангельские сюжеты.

В 1901 г. художник посетил Филиппинские острова, в 1902 г. — США и Кубу, в 1903 г. — Японию.

Когда началась русско-японская война, Верещагин поехал на фронт. Он погиб в сражении при Порт-Артуре в результате взрыва на броненосце «Петропавловск» 31 марта 1904 г.

Апофеоз войны. 1871. Масло

О войне (1873)

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родившийся в семье вятского священника, Ю. А. Васнецов состоял в отдаленном родстве с Виктором и Аполлинарием Васнецовыми. Одержимый желанием стать художником, он в 1921 г. приехал в Петроград и поступил на живописный факультет ГСХМ (позднее Вхутемас) успешно закончил учебу в 1926 г. В поисках заработка молодой художник начал сотрудничать с отделом детской и юношеской литературы Государственного издательства, где под художественным руководством В. В. Лебедева счастливо обрел себя в интерпретации тем и образов русского фольклора - сказок и главным образом гю-тешек, в которых лучше всего удовлетворялась его природная тяга к юмору, гротеску и доброй иронии. В 1930-х гг. ему принесли известность иллюстрации к книжкам "Болото", "Конек-Горбунок" П. II. Криижа, "Пятьдесят поросят" К. И. Чуковского, "Три медведя" Л. И. Толстого. Тогда же он делал отличные - нарядные и увлекательные - литографские эстампы для детей, основанные на тех же сюжетных мотивах. В годы войны, проведенные сначала в Молотове (Пермь), потом в Загорске (Сергиев Посад), где он состоял главным художником Института игрушки, Васнецов исполнил поэтичные иллюстрации к "Английским народным песенкам" С. Я. Маршака (1943), а затем к его же книжке "Кошкин дом" (1947). Новый успех принесли ему иллюстрации к фольклорным сборникам "Чудодейное колечко" (1947) и "Небылицы в лицах" (1948). Васнецов трудился необычайно интенсивно, по многу раз варьируя дорогие ему темы и образы. Своеобразным итогом его многолетней деятельности стали широко известные сборники "Ладушки" (1964) и "Радуга-дуга" (1969). В ярких, занимательных и остроумных рисунках Васнецова русский фольклор нашел едва ли не самое органичное воплощение, на них выросло не одно поколение юных читателей, а сам он уже при жизни был признан классиком в области детской книги.

Между тем книжная графика составляла лишь одну сторону его творчества. Главной целью жизни Васнецова всегда были занятия живописью, и к этой цели он шел с фанатическим упорством: работал самостоятельно, занимался иод руководством К. С. Малевича в Гинхуке, обучался и аспирантуре при Всероссийской АХ. В 1932- 34 гг. он создал наконец несколько произведений ("Дама с мышкой", "Натюрморт со шляпой и бутылкой" и др.), в которых проявил себя как очень крупный мастер, успешно соединивший утонченную живописную культуру своего времени с традицией народного "базарного" искусства, которое он ценил и любил. Но это позднее обретение себя совпало с начавшейся тогда кампанией борьбы с формализмом. Опасаясь идеологических преследований (уже успевших коснуться его книжной графики), Васнецов сделал живопись тайным занятием и показывал ее только близким людям. В своих пейзажах и натюрмортах, подчеркнуто незатейливых по их мотивам и на редкость изощренных по живописной форме, он достигал впечатляющих результатов, своеобразно возрождая традиции русского примитивизма. Но эти работы практически не были никому известны. Лишь несколько лет спустя после смерти художника его картины были показаны зрителям на выставке в ГРМ (1979), и стало ясно, что Васнецов был не только прекрасным книжным графиком, но и одним из выдающихся русских живописцев XX в.

Иллюстрация к книге <Радуга-дуга. Русские народные песенки, потешки, прибаутки>. 1969

Иллюстрация к сказке П. П. Ершова <Конек-Горбунок>. 1935

Натюрморт с шахматной доской

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Картинная галерея

1956. Литография.32х32 см Вариант темы литографии «Балкон»: увеличение в центральной части то есть растяжение пространства, изгибающегося по часовой стрелке вокруг незаполненного центра. Вход справа внузу ведет нас на выставку – в галерею с экспозицией гравюр на стенах и в застекленных витринах. Мы минуем посетителя, заложившего руки за спину, а за тем – юношу (слева внизу), который по крайней мере в четыре раза крупнее того, первого. Даже голова у него увеличена в обьеме по сравнению с его правой рукой. На стене перед ним – последний лист графической серии, и он пристально разглядывает пароход, лодки, волу канала и дома на заднем плане. Затем его взгляд переходит слева направо, к многоярусному жилому массиву. Открытое окно, из которого выглядывает женщина, выходит прямо на покатую крышу выставочной галерее, и это возвращает нас к месту, откуда началось путешествие. Юноша воспринимает все это как двухмерные детали рассматриваемой литографии. Если же глаза захватят еще больше пространства, ему покажется, что он вошел в мир графического листа.

 

 

 

 

 

Лента Мебиуса 2

1963.продольная гравюра (три доски). 45х20 см

Замкнутая кольцеобразная полоса

 на первый взгляд имеет две поверхности – внешнюю и внутреннюю.

Вы видите,как девять красных муравьев один за другим ползут и по той, и по другой.

 Тем не менее это полоса с односторонней поверхностью.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Исаак Бродский родился 25 декабря 1883 (6 января 1884) в селе Софиевка (в то время — Таврическая губерния, ныне — Запорожская область Украины), в семье мелкого торговца и землевладельца. С детства проявил талант к живописи. С 1896 по 1902 г. учился в Одесском художественном училище у Л. Д. Иорини, К. К. Костанди и Г. А. Ладыженского. Затем переехал в Петербург и продолжил обучение в столичной Академии художеств. В течение пяти лет учился в Академии у И. Е. Репина. В 1909—1911 г. на деньги Академии ездил по Германии, Франции, Испании и Италии, в частности посетил на острове Капри М. Горького.

До октябрьской революции 1917 года Бродский участвовал в выставках в Академии художеств, а также Товарищества южнорусских художников, Товарищества передвижных художественных выставок.

После революции Бродский стал официальным художником новой власти, подобно тому как Ж. Л. Давид был официальным художником первой французской республики. Бродский много работал над созданием образов советских вождей, в первую очередь В. И. Ленина и И. В. Сталина. Кроме того, Бродский занимался реорганизацией художественного образования в СССР. С 1932 г. был профессором, а с 1934 г . — директором Всероссийской Академии художеств в Ленинграде. Его учениками были А. И. Лактионов, В. А. Серов, Ю. М. Неприпцев.

Умер Бродский 14 августа 1939 г. в Ленинграде. В центре Ленинграда (пл. Искусств, 3) был создан музей художника, в его честь в сентябре 1940 была переименована Михайловская улица близ Невского проспекта (после Перестройки ей было возвращено прежнее имя).

В. И. Ленин на фоне Смольного. Не позднее 1925. Масло

Летний сад. 1928. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Л. А. Бруни происходил из семьи с давними художественными традициями: его прадедом был известный акварелист прошлого века П. Ф. Соколов, среди родных был знаменитый живописец-академист Ф. А. Бруни, в родстве он был и с семьей Брюлловых. "В моих жилах течет не кровь, а акварель", - шутил художник. И в самом деле, он был прирожденным акварелистом, виртуозно владел всеми секретами этой изящной и трудной техники.

Учился Бруни в Петербурге - в частной школе княгини М. К. Тенишевой, в Высшем художественном училище при АХ (1910- 11) - у знаменитых баталистов Ф. А. Рубо и Н. С. Самокиша, а в 1911 г. - в мастерской Я. Ф. Ционглинского затем в Париже, в академии Р. Жюлиана и у Ж.-П. Лоранса(1912).

Он начинал с живописи. Картина "Радуга" (1915) создавалась под влиянием древнерусских икон и одновременно одного из новейших течений европейского искусства - кубизма. Крепкие, простые объемы, строго уравновешенная композиция, сильные контрасты глубоких, насыщенных красок - красной и зеленой, синей и желтой - все говорит о стремлении художника не столько передать определенную живую натуру (молодую крестьянку в поле), сколько найти обобщенный образ спокойного величия и мощи.

Но в те же и последующие годы Бруни неутомимо рисует легким, точным карандашом близких ему людей в непринужденных позах, изображает репетирующих балерин (серия "Балет", 1925), пишет нежной, прозрачной акварелью природу, артистически передавая ее подвижность, трепет ветвей и листьев на ветру. Его кисть часто наносит для этого на бумагу быстрые вибрирующие штрихи, в которых отчетливо видно точное и свободное движение руки художника. Такие работы, наиболее соответствующие порывистой натуре Бруни, и определяли, при всей их кажущейся скромности, его дальнейшее развитие.

В 1923 г. художник переезжает в Москву. Здесь он преподает в художественных институтах, занимается иллюстрированием изданий. Его легкими, трепетными рисунками украшены книги "Дон-Кихот" М. Сервантеса (1924), "Исповедь сына века" А. Мюссе (1932), "Шахнаме" Фирдоуси (1934), "Лирика" Низами (1947) и др.

Особое место в творчестве Бруни занимает монументальное искусство. С 1935 г. и до конца жизни художник руководил мастерской монументальной живописи, созданной с его участием при Академии архитектуры СССР. В самой удачной из его собственных монументальных работ художнику удалось сохранить, переведя в громадный масштаб, подвижное изящество своей акварельной техники. Населенные зверьем романтические джунгли написал он акварелью по шелку на стенах зимнего сада в Центральном доме пионеров в Москве (1935-36). Им же созданы фрески для столичного Музея охраны материнства и младенчества (1933, совместно с В. А. Фаворским), для текстильного комбината в Ташкенте (1936), павильонов Всесоюзной сельскохозяйственной выставки (1939). Бруни принадлежит и роспись плафона в зрительном зале Центрального театра Советской Армии.

В мертвящей атмосфере официального "реализма" 1930-40-х гг. подвижное, легкое искусство Бруни оставалось живым островком эмоционального поэтического творчества.

Сумерки. Золотая рыбка. 1926. Акварель

Харчевня веселых мертвецов. 1917. Клеевые краски

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

М. К. Башкирцева родилась в знатной и богатой семье. Девочка была очень болезненна, и в десятилетнем возрасте мать увезла ее в Ниццу. С тех пор она лишь три раза ненадолго приезжала в Россию, живя постоянно за границей и много путешествуя по Европе. В 1877 г. она стала посещать академию Р. Жюлиана в Париже. В 1879 г. получила золотую медаль на конкурсе ученических работ и с этого времени регулярно выставляла свои картины, неизменно встречавшие теплые отзывы французских газет и журналов.

Ее работ сохранилось немного, почти все они погибли в годы Первой мировой войны. Демократические настроения эпохи нашли отражение в ее картинах "Жан и Жак" (1883), "Митинг" (1884), которая была приобретена Люксембургским национальным музеем. Среди наиболее известных полотен - "Дождевой зонтик", "Три улыбки", "Осень" (все 1883), находящиеся ныне в ГРМ. В их мастерской живописи ощутимо влияние учителя Башкирцевой - французского художника Ж. Бастьен-Ленажа, но выбор сюжетов и мотивов изображения демонстрирует индивидуальность художницы. В то время как ее работы высоко оценивали Э. Золя и А. Франс, на родине творчество Башкирцевой получило очень противоречивые оценки.

Башкирцева относится к художникам, судьба которых привлекает едва ли не больше, чем их творчество. Ке с юных лет отличало стремление к славе и успеху. Она была очень красива, знала шесть европейских языков, играла на рояле, гитаре, арфе и мандолине, обладала превосходным сопрано. С тринадцати лет и до самой смерти Башкирцева вела дневник, куда с поразительной откровенностью заносила все события своей жизни, свои мысли и чувства. "Я говорю все, все, все", - писала она, предназначая свой дневник для печати. "Дневник Марии Башкирцевой" впервые был опубликован во Франции в 1887 г., а в 1893 г., выдержав уже несколько изданий на французском языке, вышел в свет и в России. Он запечатлел образ женщины-художницы, стремившейся к счастью, свободе и творчеству, имевшей для этого, казалось бы, все возможности, но так и не успевшей реализовать себя.

Скончалась эта одаренная художница от туберкулеза, не дожив до двадцати четырех лет. Первая выставка работ Башкирцевой состоялась в Париже в 1885 г., и с тех пор интерес к ее творчеству и личности не угасает.

Осень. 1883. Масло

Дождевой зонтик. 1883. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Лев Розенберг родился 10 мая 1866 г. в Гродно (в настоящее время Белоруссия) в небогатой еврейской семье учёного-талмудиста. После окончания гимназии учился вольнослушателем в Академии Художеств, подрабатывая иллюстраций книг.

На первой своей выставке (1889) принимает псевдоним Бакст — укороченную фамилию бабушки (Бакстер). В начале 90-х выставляется в Обществе акварелистов. В 1893—1897 живёт в Париже, часто возвращаясь в Санкт-Петербург. С середины 90-х примыкает к кружку писателей и художников, формирующемуся вокруг Дягилева и Александра Бенуа, который позднее превратится в объединение «Мир Искусства». В 1898 совместно с Дягилевым принимает участие в основании одноименного издания. Графика, изданная в этом журнале, приносит ему славу.

Он продолжает заниматься станковой живописью, рисуя портреты Малявина (1899), Розанова(1901), Андрея Белого(1905), Зинаиды Гиппиус(1906). Также преподаёт живопись детям великого князя Владимира. В 1902 в Париже получает заказ от Николая II на Встречу русских моряков.

В 1898 г. Бакст показывает работы на организованной Дягилевым «Первой выставке российских и финских художников»; на выставках «Мира Искусства», на выставке «Secession» в Мюнхене, выставках Артели русских художников, и проч.

Во время революции 1905 года Бакст работает для журналов «Жупел», «Адская почта», «Сатирикон», позднее в художественном журнале «Аполлон».

С 1907 г. Бакст живёт в основном в Париже и работает над театральными декорациями, в которых производит настоящую революцию. Он создаёт декорации для греческих трагедий, а с 1908 входит в историю как автор декораций для дягилевских Ballets Russes — («Клеопатра» 1909, «Шахерезада» 1910, «Карнавал» 1910, «Нарцисс» 1911, «Дафнис и Хлоя» 1912). Всё это время живёт в Европе, поскольку как еврей не имеет вида на жительство вне черты оседлости.

Во время визитов в Санкт-Петербург преподаёт в школе Званцевой. Одним из его учеников был Марк Шагал (1908—1910), но в 1910 г. они разрывают отношения. Бакст запрещает Шагалу ехать в Париж, поскольку, по его мнению, это пойдёт во вред искусству Шагала, а в финансовом отношении приведёт молодого художника к голодной смерти (Шагал не рисовал театральных декораций). Шагал тем не менее поехал, не умер с голоду и нашёл свой стиль живописи.

В 1914 г. Бакст избирается членом Академии Художеств.

В 1918 г. Бакст окончательно разрывает отношения с Дягилевым и Ballets Russes. 27 декабря 1924 г. он умирает в Париже от отёка лёгких.

Молодой беотиец. Эскиз костюма к балету Н. Н. Черепнина <Нарцисс>. 1911. Акварель, карандаш

Ужин. 1902. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Раннее детство Ю. П. Анненкова прошло на далекой Камчатке, куда был отправлен на поселение его отец, бывший член организации "Народная воля". В 1893 г. семья вернулась в Петербург. Дача Анненковых в Куок-кале, местечке под Петербургом, находилась недалеко от имения И. Е. Репина. С детства окруженный творческими людьми, будущий художник рано увлекся рисованием. В 1906 г. Анне'нкова исключили из казенной гимназии за "политическую неблагонадежность", выразившуюся в карикатурах для ученического нелегального журнала. Это, правда, не помешало ему получить аттестат зрелости и в 1908 г. поступить на юридический факультет Петербургского университета. Художественное образование Анненкова не было систематическим. Еще в гимназические годы он посещал занятия в ЦУТР. В 1908 г. занимался в студии С. М. Зейденберга, где его соучеником был М. 3. Шагал. Однако вступительные экзамены в АХ Анненков не сдал и поступил в студию Я. Ф. Ционглип-ского. По совету своего учителя в 1911 г. он уехал в Париж, где продолжил обучение в мастерских М. Дени и Ф. В>ллоттона - художников знаменитой группы "Наби". В 1913 г. Анненков дебютировал двумя картинами на выставке Салона Независимых в Париже.

Ранний период творчества художника связан главным образом с занятиями живописью ("Желтый траур", "Адам и Ева", "Купальщики", "Автопортрет", все 1910-е). Вернувшись в 1913 г. в Россию, Анненков увлекся графикой. Его рисунки стали появляться на страницах журналов "Аргус", "Лукоморье", "Отечество", "Сатирикон", "Театр и искусство". Другим увлечением художника был театр. В его декорациях шли спектакли на сцене Театра В. Ф. Комиссар-жевской, много работал он и для театра Н. Н. Евреинова "Кривое зеркало".

Самым значительным периодом в творчестве Анненкова были послереволюционные годы. Он принимал участие во всех художественных начинаниях тех лет. Художник входил в правление петроградского Дома искусств, был одним из организаторов ОСТа в 1921 г., заведовал художественной частью театра политической сатиры "Вольная комедия", публиковал статьи и эссе в журнале "Жизнь искусства". В 1920 г. оформлял грандиозные народные зрелища "Взятие Зимнего дворца" на Дворцовой площади и "Гимн освобожденному труду" (совместно с М. В. Добужинским и В. А. Щу-ко) возле здания Биржи в Петрограде. В том же году Анненков был избран профессором АХ. Занимаясь графикой, художник сотрудничал с издательствами "Радуга", "Всемирная литература", "Красная новь", иллюстрировал произведения Дж. Лондона, К. И. Чуковского, Н. Н. Евреинова, рисовал для сатирических журналов. Вершиной его графического искусства стали иллюстрации к третьему изданию поэмы А. А. Блока "Двенадцать" (1918). Сам Блок высоко ценил рисунки Анненкова и видел в них "параллельный графический текст". В гибкой графической манере, используя принцип монтажа, свободного соединения отдельных реалий быта, деталей и частей изображения, Анненков показал распадающийся старый мир, стихию революции.

В 1921 г. художник выступил как реформатор традиционного театра, опубликовав в журнале "Дом искусств" статью "Театр до конца", по сути - манифест абстрактного театра. Вскоре Анненков осуществил свои идеи на практике. Для постановки пьесы Г. Кайзера "Газ" в петроградском ГБДТ (1923) он, стремясь избавиться от статики на сцене, впервые использовал "динамические", движущиеся декорации и меняющееся освещение.

Анненковым была создана целая галерея живописных и графических портретов деятелей русской культуры 1910-20-х гг. Он запечатлел А. М. Горького, В. Ф. Ходасевича, В. Б. Шкловского, М. А Кузмина, А А Ахматову, В. В. Хлебникова и др. Особое место в его творчестве занимают портреты государственных и политических деятелей тех лет:

В. И. Ленина, Л. Д. Троцкого, Г. Е. Зиновьева, Л. Б. Каменева, К. Радека и др. В них наиболее полно выразился парадоксальный стиль Анненкова. Например, в живописном портрете М. А. Шерлинга (1918) он использовал кубистические сдвиги, сочетая их с превосходным, почти академическим рисунком. В графических портретах художник демонстрировал виртуозное владение техникой, применяя то послушную линию, то мастерскую штриховку, то сплошное пятно, всегда подмечая самое яркое и характерное в облике своих героев. Эти изображения, порой крайне лаконичные, предлагают как бы "формулу" лица.

Летом 1924 г. Анненков поехал в Италию на открытие советского павильона на Международной выставке в Венеции. В Россию он больше не вернулся. Анненков поселился в Париже и приобрел широкую известность как художник театра и кино. Он сотрудничал с Н. Ф. Балиевым, Б. Ф. Нижинской, М. А. Чеховым, С. М. Лифарем, оформил свыше 60 спектаклей и создал эскизы костюмов и декораций к более чем 50 кинофильмам. В 1954 г. за свои костюмы Анненков был удостоен премии "Оскар". Он пользовался популярностью и как портретист. К этому времени относятся его портреты И. Э. Бабеля, И. Г. Эренбурга, Ж. Кокто, М. Равеля, О. А. Спесивцевой и др. За рубежом раскрылся литературный дар Анненкова. Его мемуары "Дневник моих встреч" представляют серию ярких литературных портретов русских писателей, художников, музыкантов. Под псевдонимом Б. Темирязев он написал книги "Повесть о пустяках" и "Рваная эпопея".

Портрет фотографа-художника М. А. Шерлинга. 1918. Масло

Портрет И. А. Кузмина. 1919. Акварель, цветной и графитный карандаш

еще 3 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Уорхол родился в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США), в семье эмигрантов — русинов из деревни Микова, тогда находившейся в Австро-Венгрии, а сейчас — в Медзилаборецком районе северо-восточной Словакии. Он стал рано проявлять таланты в искусстве и изучал коммерческое искусство в Институте технологии Карнеги (сейчас — «Carnegie Mellon University») в Питтсбурге. Он не всегда хорошо учился в колледже и часто оставался непонятым своими сверстниками и руководителями. После окончания образования в 1949 году он переехал в Нью-Йорк и начал успешную карьеру в иллюстрировании журналов и в рекламе. Он стал хорошо известен благодаря своим эксцентричным чернильным рисункам обуви, выполненными в свободном стиле, с намеренными пятнами.

В 1962 году Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки консервов и кока-колы. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления. Впоследствии Уорхол стал создавать более эпатажные произведения, такие как выполненные в кислотной манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Мика Джаггера, Мао Цзедуна. Поговоривали, что в качестве «последнего штриха» Уорхол просил своих любовников помочиться на подобное «произведение искусства». Скандальная репутация Уорхола способствовала росту цен на работы из этой серии. В настоящее время рыночная стоимость картин Уорхола нередко измеряется десятками миллионов долларов.

Во второй половине 1960-х Уорхол стал проявлять интерес к кино. Фильмы, снятые им вместе с Полом Морисси, — первая ласточка сексуальной революции. Самая ранняя короткометражка Уорхола изображает фелляцию двух мужчин. Большинство из его киноработ — более или менее бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране бродят нагие участники Уорхоловой «фабрики», вроде Джо Далессандро и Эди Седжуик. Параллельно с экспериментами с любительским кино Уорхол создаёт и продюсирует первую альтернативную рок-группу — «Velvet Underground». Он также выступил дизайнером обложек ряда концептуальных альбомов, например, «Sticky Fingers» группы «Rolling Stones». Вокруг Уорхола сложилась особая субкультура молодежи, одна из участниц которой — феминистка Валери Соланас — в 1968 г. выстрелила в «учителя», тяжело ранив его. Хотя жизнь Уорхола удалось спасти, в течение двух последующих лет он оставался инвалидом и умер от последствий этого раненияю

       

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Василий Кандинский родился 16 декабря (4 декабря cт. ст.) 1866 г. в Москве, в семье коммерсанта. В детстве жил в Одессе. Изучал в Московском университете экономику и право. В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, участвовал в этнографической экспедиции в Вологодской губернии. В 1893 г. окончил юридический факультет. Работал художественным директором Кушнерёвской типографии в Москве (1895).

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе. В 1900 г. поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нем школу, в которой сам же и преподавал. С 1900 г. участвовал в выставках Московского товарищества художников. В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.

В 1910 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник». Тогда же у него прошла первая персональная выставка.

В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами. После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой. В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал свою автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918). В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах» (1919).

В декабре 1921 г. Кандинский выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Россию он не вернулся. В Берлине начал преподавать живопись и стал видным теоретиком школы «Баухауз». Вскоре получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 г. художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 г. к власти пришли нацисты, эмигрировал во Францию.

С 1933 по 1944 г. жил в Париже, активно участвуя в интернациональном художественном процессе. В 1939 г. получил французское гражданство. Умер Кандинский 13 декабря 1944 г. в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен.

Амазонка в горах. 1917-18. Стекло, фольга, бронза, масло

Синий гребень. 1917. Масло

еще 2

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

А. В. Бенуа родился в семье известного архитектора и рос в атмосфере почитания искусства, однако художественного образования не получил. Обучался он на юридическом факультете Петербургского университета (1890-94), но при этом самостоятельно изучал историю искусства и занимался рисованием и живописью (главным образом акварельной). Делал он это настолько основательно, что сумел написать главу о русском искусстве для третьего тома "Истории живописи в XIX веке" Р. Мутера, вышедшего в 1894 г. О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства. В 1897 г. по впечатлениям от поездок во Францию он создал первую серьезную работу - серию акварелей "Последние прогулки Людовика XIV", - показав себя в ней самобытным художником.

Сразу же заявив о себе как о практике и теоретике искусства одновременно, Бенуа сохранял это двуединство и в последующие годы, его таланта и энергии хватало на все. Он активно участвовал в художественной жизни - прежде всего в деятельности объединения "Мир искусства", идеологом и теоретиком которого был, а также в издании журнала "Мир искусства", ставшего основой этого объединения часто выступал в печати и каждую неделю публиковал свои "Художественные письма" (1908-16) в газете "Речь". Не менее плодотворно работал он и как историк искусства: издал в двух выпусках (1901, 1902) получившую широкую известность книгу "Русская живопись в XIX веке", существенно переработав для нее свой ранний очерк начал выпускать серийные издания "Русская школа живописи" и "История живописи всех времен и народов" (1910-17 издание прервалось с началом революции) и журнал "Художественные сокровища России" создал прекрасный "Путеводитель по картинной галерее Эрмитажа" (1911). После революции 1917 г. Бенуа принимал деятельное участие в работе всевозможных организаций, связанных главным образом с охраной памятников искусства и старины, а с 1918 г. занялся еще и му зейным делом - стал заведовать Картинной галереей Эрмитажа. Им был разработан и успешно реализован совершенно новый план общей, экспозиции музея, способствовавший наиболее выразительной демонстрации каждого произведения.

В творчестве Бенуа-художника решительно преобладала история. Две темы неизменно пользовались его вниманием: "Петербург XVIII - начала XIX в." и "Франция Людовика XIV". К ним он обращался в первую очередь в своих исторических композициях - в двух "версальских сериях" (1897, 1905-06), в широко известных картинах "Парад при Павле I" (1907), "Выход Екатерины II в Царскосельском дворце" (1907) и др., воспроизводя давно ушедшую жизнь с глубоким знанием и тонким ощущением стиля. Тем же темам, в сущности, были посвящены и его многочисленные натурные пейзажи, которые он обычно исполнял то в Петербурге и его пригородах, то в Версале (Бенуа регулярно ездил во Францию и подолгу жил там). Эти же темы господствовали в его книжных и театральных работах, которым он, как большинство "мирискусников", уделял не меньше, если не больше, внимания, чем станковому творчеству. В историю русской книжной графики художник вошел своей книжкой "Азбука в картинах Александра Бенуа" (1905) и иллюстрациями к "Пиковой даме" А. С. Пушкина, исполненными в двух вариантах (1899, 1910), а также замечательными иллюстрациями к "Медному всаднику", трем вариантам которых посвятил почти двадцать лет труда (1903-22).

К работе в театре он впервые обратился в 1902 г., оформив оперу Р. Вагнера "Гибель богов" на сцене Мариинского театра и вслед за тем исполнив эскизы декораций к балету Н. Н. Черепнина "Павильон Армиды" (1903), либретто которого сочинил сам. Увлечение балетом оказалось настолько сильным, что по инициативе Бенуа и при его непосредственном участии была организована частная балетная труппа, начавшая в 1909 г. триумфальные выступления в Париже - "Русские сезоны". Бенуа, занявший в труппе пост директора по художественной части, исполнил оформление к нескольким спектаклям.

Одним из пысшпх его достижений были декорации к балету И. Ф. Стравинского "Петрушка" (1911) этот балет создан по идее самого Бону) и по написанному им же либретто. Вскоре после того зародилось сотрудничество художника с МХТ, где он удачно оформил два спектакля по пьесам Ж.-Б. Мольера (1913) и некоторое время даже участвовал в руководстве театром наряду с К. С. Станиславским и В. И. Немировичем-Данченко.

В 1926 г. Бенуа, сделав вынужденный выбор между трудностями эмигрантского существования и все более пугающей перспективой жизни в советской стране, уехал во Францию. Там он работал главным образом в театрах: сначала в "Гранд-опера" в Париже, а после Второй мировой войны - в "Ла Скала" в Милане. Работал на прежнем профессиональном уровне, но ничего принципиально нового и интересного создать уже ,ie смог, часто довольствуясь варьированием старого (одних вариантов ставшего легендарным балета "Петрушка" было исполнено не менее восьми). Главным же трудом последних (с 1934 г.) лет были его воспоминания, на страницах которых он подробно и увлекательно воскрешает годы своего детства и юности.

Прогулка короля. 1906. Гуашь, акварель, бронза, серебро

Итальянская комедия. Любовная записка. 1905. Гуашь

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Судьба всячески благоволила К. Ф. Юону. Он прожил долгую жизнь. У него был на редкость счастливый брак. Окружающие любили его. Ему никогда не приходилось бороться с нуждой. Успех пришел к нему очень рано и всегда ему сопутствовал. После революции почести, высокие награды, звания, руководящие должности как бы искали его сами. Невзгод было меньше - это размолвка в течение нескольких лет с отцом (служащим банка) из-за женитьбы Юона на крестьянке и ранняя смерть одного из сыновей.

В 1892 г. Юон поступил в МУЖВЗ, где занимался у К. А. Савицкого, Н. А. Касаткина, А. Е. Архипова, В. А. Серова. Публика заметила его картины еще на ученических выставках и раскупала их так охотно, что студент Юон смог предпринять путешествие по России и по Европе. Впоследствии его картины были всегда желанны и на выставках передвижников, и на выставках "Мира искусства" и СРХ (членом которого он был). О нем писали ведущие критики и искусствоведы его времени -АН. Бенуа, И. Э. Грабарь, П. П. Муратов, потом А М. Эфрос, Д. Е. Аркин... Он и сам выступал как искусствовед с работами о творчестве русских художников, о технике живописи, о художественном воспитании. Вскоре после окончания училища Юон начал преподавательскую деятельность и занимался ею всю жизнь, заслужив великую признательность своих учеников, среди которых были В. И. Мухина, скульптор-анималист В. А. Ватагин и др.

Юон оставил много работ разного уровня. Он был живописцем, графиком и театральным художником. Пробовал себя в тематической картине, писал портреты своих современников, но истинным его призванием оказалась пейзажная живопись.

Как и другие мастера СРХ, Юон усвоил некоторые принципы французских импрессионистов, не порывая при этом с традициями русского реализма второй половины XIX в., то есть не "растворяя" форму предметов в среде. Подобно А. П. Рябушкину и Б. М. Кустодиеву, он любил русскую старину, ее декоративность и красочность. На его памяти произошло открытие древнерусской иконописи. Реставраторы стали расчищать иконы и обнаружили яркие, чистые цвета. Все это повлияло на формирование манеры Юона.

Он любил радость и красоту в природе и жизни охотнее всего изображал солнце, снег, яркие народные одежды, памятники древнерусской архитектуры ("Троицкая лавра зимой", "Весенний солнечный день", обе 1910 "Мартовское солнце", 1915). Большой известностью пользуется его картина "Купола и ласточки. Успенский собор Троице-Сергиевой лавры" (1921). Это панорамный пейзаж, написанный с колокольни собора ясным летним вечером, на закате. Под ласковым небом благоденствует земля, и на переднем плане сияют освещенные солнцем купола с золотыми узорчатыми крестами. Сам мотив не только очень красив, но и смел для эпохи беспощадной борьбы новой власти с церковью.

К историческим темам - революции и Отечественной войны - Юон также подходит через пейзаж, причем, обобщая, стремится быть предельно достоверным ("Перед вступлением в Кремль. Никольские ворота 2(15) ноября 1917 года", 1926 "Парад на Красной площади в Москве 7 ноября 1941 года", 1942).

Среди поздних произведений Юона выделяются те, что написаны в деревне Лигачево под Москвой, где у художника был дом и где он работал с 1908 по 1958 г. ("Конец зимы. Полдень", 1929 "Русская зима. Лигачево", "Раскрытое окно. Лигачево", оба 1947), и те, что написаны по воспоминаниям юности и связаны с поэтической стороной жизни и быта старой Москвы, воспитавшей художника ("Кормление голубей на Красной площади в 1890-1900 годах", 1946).

На московском доме, где он жил и работал (улица Земляной вал, 14—16), установлена мемориальная доска.

Новая планета. 1921. Темпера

Комсомолки. Подмосковный молодняк. 1926. Масло

еще 1

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

К. С. Малевич не получил систематического художественного образования: занимался понемногу в разных студиях, школах и училищах, а больше всего полагался на творческую практику. Этап за этапом он изучал развитие живописи за предшествующие тридцать-сорок лет, овладевая новыми методами и приемами. Постоянно живя в Москве с 1905 г., Малевич сблизился со своими ровесниками, ищущими новые пути в искусстве, и быстро стал одной из центральных фигур в художественной жизни не только

Москвы, но и Петербурга. К концу 1900-х гг. художник уже освоил все открытое в европейской живописи начала XX в. и готов был к собственным открытиям.

Общение с Н. С. Гончаровой и М. Ф. Ларионовым, товарищами по объединению "Бубновый валет", и логика его собственного развития в живописи привели Малевича к неопримитивизму, принципы которого он претворял в простых сценах крестьянской жизни. Одновременно художник разрабатывал в разных вариантах (в том числе и своем) мотивы и приемы живописи кубизма. В 1913-14 гг. он применил усвоенное и достигнутое в книжной графике, проиллюстрировав несколько книг, а в 1913 г. создал эскизы декораций и костюмов к постановке оперы "Победа над солнцем" (текст А- Е. Крученых, музыка М. В. Матюшина). Исполненный в конце того же года в Петербурге, этот спектакль стал важнейшей вехой в развитии русского авангарда. Максимальное упрощение и геометризация форм в эскизах оформления подвели Малевича к открытию нового художественного направления - супрематизма.

В супрематизме, оперирующем сочетаниями геометрических фигур на нейтральной плоскости фона, Малевич совершил шаг, на который до него никто в мировой живописи не мог решиться, - на полный отказ от изобразительности, даже от тех ее раздробленных и перетасованных элементов, которые сохранялись в крайних течениях того времени - кубизме и футуризме. Первые 49 беспредметных полотей он показал на футуристической выставке "0,10" в Петрограде в 1915 г., повесив под ними табличку: "Супрематизм живописи". Среди них был знаменитый "Черный квадрат" (1914?), вызвавший яростные нападки критики. На следующий год Малевич выпустил брошюру "От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм", в которой обосновывал свое открытие. Супрематизм оказал громадное воздействие не только на живопись, но и на архитектуру и прикладные искусства России и Запада, а его создателю принес поистине мировую славу.

В годы революции Малевич, как и все другие художники "левого" направления, вел активную деятельность. Он был членом коллегии изобразительных искусств Наркомпроса, заведовал Художественным отделом Московского совета, преподавал в 1-х ГСХМ в Москве, ас 1918 г. - в петроградских ГСХМ. Он делал декорации для первой постановки пьесы В. В. Маяковского "Мистерия-буфф" (1918). Осенью 1919 г. он отправился в Витебск, чтобы преподавать в Народной художественной школе, организованной М. 3. Шагалом и вскоре преобразованной в Художественно-практический институт. Там он вместе со своими последователями учредил Уновис - организацию, призванную обучать художников и даже шире - обновить весь мир на основе супрематизма. Однако в 1922 г. ему пришлось покинуть Витебск и вместе с группой учеников вернуться в Петроград.

Здесь он работал на фарфоровом заводе, создавая новые формы и эскизы росписей, изучал возможности применения супрематизма в архитектуре и предпринимал усилия для продолжения лабораторных исследований живописи, начатых еще в Витебске. Базой для этого стал петроградский Инхук, организованный при активном участии Малевича в 1923 г., а в начале следующего года получивший статут государственного (Гинхук). Малевич был его директором и руководителем крупного отдела - формально-творческого. В Гинхуке он разработал теорию "прибавочного элемента в живописи", идею которой выдвинул раньше. Но под возрастающим идеологическим нажимом в начале 1926 г. он был снят с поста директора, а в конце того же года и Гинхук прекратил существование - он был присоединен к Государственному институту истории искусств. Но в 1929 г. Малевичу пришлось уйти и оттуда. Лишь три года спустя Русский музей предоставил художнику экспериментальную лабораторию, где он смог продолжать свои исследования.

Живопись его к тому времени сильно изменилась. Словно демонстрируя гибкую универсальность своей системы как высшей ступени живописной культуры, Малевич вернулся к изобразительности. Он как бы заново проходил этапы своего развития: то создавал картины, носящие отпечаток супрематизма, то возобновлял собственные кубистские, неопримитивистские, даже постимпрессионистские опыты. В 1932-33 гг. он обратился и к формам традиционного реализма возможно, это было уступкой, пусть даже искренней, желанию оставаться созвучным времени, каково бы оно ни было.

Супрематизм в контуре спортсменов. Б. г. Масло

Женский портрет. 1919. Масло

еще 3 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

 Материальный подбор. 1920. Масло, эмаль, штукатурка

Родившийся в провинции и рано лишившийся отца, Н. И. Альтман всего достиг собственными силами и благодаря таланту. Учился он в Одесском художественном училище (1902-07), но оставил его, не удовлетворенный преподаванием, и вернулся в Винницу, где начал работать самостоятельно. В конце 1910 г. он сумел съездить в Париж и пробыл там всего одиннадцать месяцев, но полученных впечатлений ему оказалось достаточно, чтобы завершить профессиональное становление и определить свой путь в искусстве. Феноменальная природная чуткость позволяла Альтману быстро подхватывать и органично усваивать актуальные художественные идеи своего времени, а редко встречающийся врожденный профессионализм - тотчас воплощать эти идеи в безукоризненно артистичной и элегантной, легко воспринимаемой форме, к какой бы области творчества он ни обращался. В конце 1912 г. молодой художник перебрался в Петербург, где, своеобразно применяя приемы недавно зародившегося во Франции кубизма, за короткое время стал одним и:( наиболее заметных живописцев. Знаменитый "Портрет поэтессы Анны Андреевны Ахматовой" (1914) упрочил его известность. Столь же успешными были его опыты в скульптуре ("Автопортрет", 1916), графике (цикл "Еврейская графика" по мотивам надгробных рельефов, 1914) и сценографии (пьеса "Чудо святого Антония" М. Метер-линка в петроградском литературно-артистическом клубе-кафе "Привал комедиантов", 1916).

После Октябрьской революции Альтман, как большинство художников "левого" направления, развил кипучую общественную деятельность и сам продуктивно трудился:

исполнил ряд скульптурных работ, занимался промышленной графикой (эскизы почтовых марок), создал получивший известность проект праздничного оформления площади Урицкого (Дворцовой) в Петрограде к 7 ноября 1918 г., сделал серию выразительных портретных зарисовок В. И. Ленина, изданных тогда же альбомом и ставших популярными. Приемы внимательно изученного и мастерски примененного супрематизма он использовал в цикле беспредметных картин: "Петрокоммуна", "Материальный подбор", "Россия. Труд" и др. (1919-21). Но в последующие годы он сосредоточил свои усилия на графике - станковой (серия портретов современных писателей, 1926-27) и книжной, в которой быстро сумел выработать собственный острый, запоминающийся стиль. Особенно же плодотворной была его деятельность в театре. Работа с выдающимся режиссером Е. Б. Вахтанговым над историческим спектаклем по пьесе Ан-ского "Гадибук" (театр-студия "Габима", 1921) и затем сотрудничество с ГОСЕТом ("Уриэль Акоста" К. Гуцкова, 1922 "Женитьба Труадека" по пьесе Ж. Ромена, 1927, и др.) создали ему репутацию крупного театрального художника.

Весной 1928 г. Альтман выехал с театром на гастроли в Европу и после окончания гастролей остался во Франции. Ознакомление с процессами, происходившими в современном французском искусстве, побудило его вернуться к живописи. Художник написал большое количество пейзажей и натюрмортов, в которых он тонко и своеобразно возрождал традицию импрессионизма. При этом Альтман по-прежнему был мастером на все руки: отлично оформил несколько детских книг, подготовил очень интересные иллюстрации к "Петербургским повестям" Н. В. Гоголя (1933-34, изданы в 1937) и серию литографий на темы Ветхого Завета, а также занимался дизайном и оформлением интерьеров. Вернувшись на родину в 1935 г., Альтман попал в тяжелую политическую обстановку идеологического давления и разворачивающегося террора. Его живопись настолько не отвечала критериям внедряемого социалистического реализма, что он был вынужден вообще оставить ее и заниматься только сценографией и книжной графикой, где определенная специфика работы в какой-то мере позволяла избегать идеологических придирок и быть менее заметным. Среди его созданий той поры выделялись декорации к известным шекспировским пьесам, поставленным ленинградскими театрами (ГБДТ - "Король Лир", 1941 Театр драмы им. А С. Пушкина - "Отелло", 1944, "Гамлет", 1954), эскизы костюмов к кинофильму "Дон-Кихот" (1955), иллюстрации к произведениям Шолом-Алейхема, В. Бласко Ибаньеса, Э. Кастро, Э. Золя и др. В последние годы жизни Альтман создал несколько станковых живописных композиций по мотивам прежних театральных эскизов. Натан Альтман скончался в Ленинграде 12 декабря 1970

 

Натюрморт. Цветовые объемы и плоскости. 1918. Масло,             Портрет поэтессы А. А. Ахматовой. 1914. Масло

гипсовая крошка

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Пациенты психиатрических клиник.

Часть 4.

 1.

2.

еще 3 работы

YABORSH (Work_of_art) все записи автора Питер Брейгель "Триумф смерти".

KlaraKarla (Work_of_art) все записи автора

Уникальные работы художника Джулиана Бивера (Julian Beever) на тротуарах известны по всему миру.

Рисунки Бивера выполнены мелками с использованием специальной техники искажения и наклона, которая позволяет создать иллюзию объемной картины.
Джулиан Бивер получил художественное образование в Англии и использует для работы именно английские мелки. Однако сама техника разработана им самим, а нашедшие признание работы стали частью его стиля жизни.

 

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

 

Матрос. 1911. Темпера

В. Е. Татлин - одна из самых ярких фигур нового искусства 1910-20-х гг., родоначальник конструктивизма вообще уникальный человек русского авангарда. Жизнь его была жизнью фанатика и подвижника, творчество заполнило ее целиком.

В искусство он пришел как самородок - почти без серьезной школы. В Пензенском художественном училище (1905-10) получил основы профессиональных знаний, а в авангардных студиях Москвы и Петербурга (у И. И. Машкова, Я. Ф. Ционглинского, М. Д. Бернштейна, М. Ф. Ларионова - у него особенно) набрал мастерства. Не учился за границей, хотя полмира объездил матросом (еще мальчиком сбежав из дому, уплыл юнгой в Турцию) и отразил этот факт биографии в "Автопортрете" (1911) но, впервые попав в Париж (1914) и посетив там П. Пикассо, отнесся к нему как равный к равному.

Возможно, с этим слегка курьезным визитом (Татлин приехал в Париж из Берлина, где на выставке русского народного искусства исполнял роль слепого бандуриста он и для Пикассо сыграл на бандуре) косвенно связан переход художника от живописи, сочетавшей ларионовское влияние с элементами кубизма, к "живописным рельефам" (они же "контррельефы", или "материальные подборы"). Эти объемно-пространственные абстракции из железа и дерева, с использованием стекла, штукатурки, обоев, фрагментов готовых вещей и отчасти обработанные живописными средствами, впервые были показаны им на выставке в собственной студии (1914 тогда они назывались "синтезо-статичными композициями"), затем на выставках "Трамвай Б", "1915 год", "Магазин". С них началась конструктивистская линия в русском авангарде, линия материаловедения, противопоставляемая - во всяком случае, автором - отвлеченно-знаковому супрематизму К. С. Малевича.

Однако победивший конструктивизм 1920-х гг. - и в утилитарно-производственном его варианте, и в варианте техницист-ском - далек от стремления вслушиваться в органику материала. В соответствии с общей программой Татлин делает эскизы посуды, одежды и даже печей, но его модели, как правило, утопичны, это проекты идей, а не вещей. Таков "Памятник III Интернационала" ("Башня Татлина", 1919-20) - символическое воплощение революционной эпохи, впечатляющий, но вряд ли рассчитанный на реализацию синтез скульптуры, архитектуры и техники. Таков "махолет" "Летатлин", сборкой которого художник занимался в течение трех лет (1929-32) в башне Новодевичьего монастыря (образ башни сродни Татлину - его первая студия в Москве тоже звалась "Башней"), - конструкция абсолютно природная и эстетически поразительная, напоминающая чертежи Леонардо да Винчи художник не сомневался в ее воздухоплавательных возможностях и первое испытание планировал провести со своим маленьким сыном.

В 1920-х гг. Татлин активно работает в Наркомпросе (1919-23 инициатор "музеев художественной культуры", член Отдела музеев, куратор реформы художественного образования и монументальной пропаганды) и в Инхуке (1923-24 руководитель Отдела материальной культуры), преподает в Киевском художественном институте (фото-кинотеатральное отделение, 1925-27) и во Вхутеине (отделение обработки дерева и керамики, 1927-30). Общественные обязанности не являются для него чем-то внешним, но как бы составляют часть занятий искусством. Художник тотального и экзистенциального склада, Татлин не разделяет искусство на виды и жанры - он занимается конструированием новых форм во всем сразу, от архитектуры до книжного дела и от дизайна до сценографии.

Десятилетие спустя именно сценография вынужденно выделится из общего ряда его занятий, - после разгрома авангарда эта область деятельности останется для Татлина единственно возможной. Его поздние театральные работы ("Не сдадимся", Камерный театр, 1935 "Дело", Центральный театр Красной Армии, 1939-40, и др.), уступая ранним ("Царь Максимилиан", Московский литературно-художественный кружок, 1911 неосуществленные постановки опер М. И. Глинки "Жизнь за царя" и Р. Вагнера "Летучий голландец", 1913-18 драма "Зан-гези" В. Хлебникова, Инхук, 1923) в размахе сценических идей, сохраняют высокий уровень мастерства и художественного мышления. Этот уровень сохраняет и его поздняя живопись - камерная, тонкая исполняемые "для себя" натюрморты чужды какому бы то ни было насилию над натурой.

Чем дальше, тем меньше было возможностей для работы. Панно Татлина для Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в 1938 г. были уничтожены как "политически вредные". В конце жизни он для заработка консультировал студентов Московского архитектурного института и делал наглядные пособия для Московского университета. Новое открытие его творчества произошло в 1970-х, тогда же стало ясно, сколь многое в современном искусстве он предвосхитил.

2.

 Портрет художника 1912

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Эдвард Мунк родился в усадьбе Энгелауг Остре в Лёйтен 12 декабря 1863 года.

Он был вторым ребенком из пяти. Его отец был армейским доктором, а позже окружным врачом в Осло. Перед свадьбой отец Мунка провел несколько лет на море в качестве доктора. Он происходил из старой норвежской семьи, которая могла похвастаться такими именами, как Якоб Мунк — хорошо известный норвежский живописец, епископ Джохан Сторм Мунк, поэт Андреас Мунк, а также Питер Андреас Мунк — автор известной истории норвежского народа, который приходился Эдварду дядей. Семья матери состояла из фермеров и мореходцев, а её отец был купцом, поговаривали, что он был силен, как медведь. У её отца было 20 детей, однако дочь не унаследовала его физической силы, поскольку умерла от туберкулеза, когда Эдварду было только 5 лет. Отец Мунка был дружелюбен, но робок, любил читать, любил животных, был религиозным человеком с сильными убеждениями — он часто безвозмездно помогал людям из районов, охваченных бедностью, куда семья переехала, когда Эдварду был один год. После смерти жены он стал подавленным, и с тех пор вел уединённую жизнь. Его склонность к религии переросла все границы.

Доктор Шринер, врач Эдварда Мунка, вспоминает слова Эдварда о том, что у отца был сложный характер с периодами религиозного беспокойства, которое иногда граничило с безумием. "Болезнь, безумие и смерть были ангелами, посещающими мою колыбель, и с тех пор преследовавшие меня на протяжении всей жизни. Я рано научился страданиям и опасностям жизни…Когда тревога не овладевала им (отцом), он мог шутить и играть с нами как ребенок. Когда же он наказывал нас…он мог быть почти безумцем в своей жестокости… В своем детстве я всегда чувствовал, что ко мне относились несправедливо… "

Страдал от маниакально-депрессивного психоза.

Самая известная работа Мунка — картина «Крик», точнее, это была серия схожих картин. Изначально картина называлась «Отчаяние». Образ ужаса с этой картины, который Мунк оттачивал до конца своей жизни, сейчас служит одним из символов концептуального искусства вообще.

 

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

.

rest

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

...

продолжение

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Работы пациентов психиатрических клиник.

Часть 3.

1.

2.

еще 2 работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

К сожалению информации о художнике найти пока что не смогла, но мне ОЧЕНЬ понравились его работы.

1.

2.

еще некоторые работы

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Балкон.
1945

Трехмерность этих домов – абсолютная функция.Невозможно нарушить двухмерную природу листа бумаги, на которой они изображены (если только не щелкнуть по нему с обратной стороны).Однако в центре наблюдается некое вздутие, этакий протуберанец, который тоже не боле чем иллюзия: лист остается плоским. Достигнуто лишь растяжение, четырехкратное увеличение в центральной части композиции.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Рептилии.
1943

На раскрытой странице альбома – мозаика из зооморфных форм. Одной из рептилий надоело лежать рядом с неподвижными сотоварищами, поэтому она спускает переднюю ногу с края книги и вступает в реальную жизнь. Вползает на толстый переплет книжки по зоологии и проделывает трудный путь наверх. Коротко чихнув, усталое, но довольное, она переползает через пепельницу, спускается на прежнее место, становясь вновь элементом мазаики.

Глаз.
1946

Художник рисует свой глаз, очень сильно увеличенный с помощью вогнутого зеркала для бритья. В зрачке отражается череп, всегда напоминающий нам: memento mori

 

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Загадка желания: Мою мать, мою мать, мою мать

1929 г., х., м., 30 x 52 см. Музей Фолькванг, Эссен

Как и в 'Траурной игре' и 'Большом мастурбатаре', в этой картине присутствует мертвенно бледная и явно мягкая голова Дали, спящего и, по-видимому, видящего сны. Выдвигалось правдоподобное предположение, что форма этой головы происходит от очертаний необычного утеса в Кадаке, где Дали построил свой дом. Однако здесь голова и ее уже знакомое сопровождение в виде спиральных волн изображены небольшими. Главным в картине является разделенный на ячейки и пронизанный отверстиями предмет, вызывающий ассоциации с человеческим мозгом; многие, однако не все, клеточки заполнены надписью ma mere (моя мать),- очевидно, Дали оставляет место и для других своих навязчивых идей! Мы видим муравьев, львиные головы, кузнечика, морского обитателеля в его раковине и другие аксессуары из интимного мира Дали, а наряду с ними — два более откровенно фрейдистских образа: руку, держащую (кастрирующий?) нож, и раненый женский торс.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Иван Иванович Шишкин (1832—1898) — российский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист. Академик (1865), профессор (1873), руководитель пейзажной мастерской (1894—1895) Академии Художеств. Член-учредитель Товарищества передвижных художественных выставок.

Иван Иванович Шишкин , родился 25 января в Елабуге (Вятской губ.) в купеческой семье. В 1832 г., двенадцати лет от роду был определен в ученики 1-ой казанской гимназии, но, дойдя в ней до 5-го класса, оставил ее и поступил в московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Окончив курс этого заведения, он с 1857 г. продолжал свое образование в академии художеств, где числился учеником проф. С. М. Воробьева. Не довольствуясь занятиями в стенах академии, Шишкин в это время усердно рисовал и писал этюды с натуры в окрестностях Санкт-Петербурга, и на о-ве Валааме, чрез что приобретал все большее и большее знакомство с ее формами и уменье точно передавать ее карандашом и кистью. Уже в первый год пребывания его в академии были присуждены ему две малые серебряные медали за классный рисунок и за вид в окрестностях Санкт-Петербурга.
В 1858 г. он получил большую серебряную медаль за вид на Валааме, в 1859 г. - малую золотую медаль за пейзаж из окрестностей Санкт-Петербурга. и, наконец, в 1860 г. - большую золотую медаль за два вида местности Кукко, на Валааме. Приобретя, вместе с этою последнею наградою, право на поездку за границу в качестве пенсионера академии, он отправился в 1861 г. в Мюнхен, посещал там мастерские известных художников, между прочим мастерские Бено и Франца Адамов, пользовавшихся большою популярностью, а затем, в 1863 г., перебрался в Цюрих, где, под руководством проф. Коллера, считавшегося тогда одним из лучших изобразителей животных, срисовывал иписал последних с натуры. В Цюрихе Шишкин попробовал впервые гравировать крепкою водкою. Отсюда он сделал экскурсию в Женеву с целью ознакомиться с работами Диде и Калама, а потом переехал в Дюссельдорф и написал тампо заказу Н. Быкова "Вид в окрестностях этого города" - картину, которая, будучи прислана в Санкт-Петербург., доставила художнику звание академика.
За границей, помимо живописи, он много занимался рисунками пером; произведения его в этом роде приводили в удивление иностранцев, и некоторые были помещены в дюссельдорфском музее рядом с рисунками первоклассных европейских мастеров. Затосковав по отечеству, Шишкин, в 1866 г., возвратился в Санкт-Петербург. до истечения срока своего пенсионерства. С той поры он нередко предпринимал путешествия с художественного целью по России, почти ежегодно выставлял свои произведения сначала в академии, а, потом, после того, как учредилось товарищество передвижных выставок, на этих выставках производил рисунки пером, и с 1870 г., примкнув к образовавшемуся в Санкт-Петербурге. кружку аквафортистов, принялся снова за гравирование крепкою водкою, которое уже не покидал до конца своей жизни, посвящая ему почти столько же времени, сколько и живописи.
Все эти работы с каждым годом увеличивали за ним репутацию одного из лучших русских живописцев пейзажа и бесподобного, в своем роде, аквафортиста. В 1873 г. академия возвела его в звание профессора за приобретенную ею картину "Лесная глушь".
Среди русских пейзажистов Шишкин бесспорно принадлежит место самого сильного рисовальщика.
Во всех своих произведениях он является удивительным знатоком растительных форм, воспроизводящим их с тонким пониманием как общего характера, так и мельчайших отличительных черт всякой породы деревьев, кустов и трав. Брался ли он за изображение соснового или елового леса, отдельные сосны и ели, точно так же, как и их совокупность, получали у него свою истинную физиономию, без всяких прикрас или убавок, - тот вид и с теми частностями, которые вполне объясняются и обусловливаются почвою и климатом, где художник заставлял их расти. Изображал ли он дубы или березы, они принимали у него донельзя правдивые формы в листве, ветвях, стволах, кореньях и во всех подробностях. Самая местность под деревьями - камни, песок или глина, неровности почвы, поросшие папоротниками и другими лесными травами, сухие листья, хворост, валежник и пр. - получала в картинах и рисунках Шишкина вид совершенной действительности. Но эта реалистичность нередко вредила его пейзажам: во многих из них она заслоняла собою общее настроение, сообщала им характер картин, задуманных не с целью возбуждать в зрителе то или другое чувство, а случайных, хотя и превосходных этюдов.
Должно также заметить, что с Шишкиным повторилось то, что бывает почти со всяким особенно сильным рисовальщиком: наука форм далась ему в ущерб для колорита, который, не будучи у него слабым и не гармоничным, все-таки не стоит на одном уровне с мастерским рисунком. Поэтому талант Шишкина иногда гораздо ярче выказывается в одноцветных рисунках и офортах, чем в таких работах, в которых он пользовался многими красками. Картины и рисунки его столь многочисленны, что указание даже на важнейшие из них заняло бы слишком много места; особенно много разошлось их между любителями искусства после устроенной в 1891 г. ретроспективной выставки работ художника за сорок лет его деятельности и распродажи после его смерти того, что осталось в его мастерской.
Достаточно будет упомянуть о произведениях художника, находящихся в публичных коллекциях. Всего богаче ими московская Третьяковская галерея. В ней имеются картины: "Рубка леса", "Полдень в окрестности Москвы", "Сосновый лес", "Горелый лес", "Рожь", "Дебри", "Пасека", "Еловый лес" и "Утро в сосновом лесу", и, кроме того, семнадцать мастерских рисунков. Всех исполненных Шишкиным офортов Д. Ровинский насчитывает до сотни; он указывает, сверх того, на 68 оригинальных литографий и на 15 цинкографических опытов этого мастера.
А. Беггров, в 1884 - 85 гг., издал в двух сериях сборник 24-х фототипических снимков с угольных рисунков, исполненных для него Шишкиным. В 1886 г. сам художник выпустил в свет альбом своих избранных гравюр в числе 25-ти.
Шишкин много ездил по России: писал этюды в Крыму, в Беловежской пуще, на Волге, на Балтийском побережье, в нынешней Карелии. Постоянно выставлялся на академических, передвижных, персональных, торгово-промышленных выставках.
В 1894-95 годах возглавлял пейзажную мастерскую в Академии, снискав к себе любовь учеников и прослыв «толерантным» педагогом, ставя на первое место талант человека, а не верность тому или иному направлению.
Шишкин умер за работой. 8 марта ( 20 по новому стилю ) 1898 года он с утра рисовал в мастерской. Потом навестил родных. Потом, пожаловавшись на недомогание, вернулся в мастерскую и умер.

1.

Утро в сосновом лесу

1889 г., х.м., 139 х 213 см., Государственная Третьяковская галерея, Москва

2.

Лесная поляна (Полянка)

1897 г., 81,5 х 109 см., Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

P.s - ох как я в детстве любила конфеты с этими его мишками)

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сислей родился 30 октября 1839 г. в Париже, его отцом был британский коммерсант Уильям Сислей (Сисли). В 1857 г. родители отправили Альфреда в Лондон для обучения коммерции, но юноша предпочел заниматься живописью и в 1862 г. вернулся в Париж. По возвращении он поступил в мастерскую Шарля Глейра, где сблизился с К. Моне, О. Ренуаром и Ф. Базилем, вместе с которыми он вскоре образовал товарищество импрессионистов. Наибольшее влияние на Сислея как на художника оказали британские мастера Уильям Тёрнер, Джон Констебл и Ричард Парк Бонингтон, а также французы Камиль Коро и Гюстав Курбе.

В 1866 г. Сислей женился на Мари Эжени Лекуэзек — от этого брака родилось двое детей. Семейный портрет Сислеев в 1868 г. написал друг семьи, Огюст Ренуар.

Студенческие работы Сислея не сохранились. Ранний период творчества характеризуется гармоничными и воздушными пейзажами, роднящими художника с другими импрессионистами. С середины 1880-х г. в манере Сислея стали усиливаться элементы декоративизма.

Сислей умер 29 января 1899 г. в местечке Море-сюр-Луэн, близ Фонтенбло, на несколько месяцев пережив свою жену.

1.

Наводнение в Марли

1876 г., х., м. 50.5x61 см., Музей д'Орсэ, Париж.

2.

Мост в Вильнев-ла-Гаренн

1872 г., х., м., 49.5x65.4 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Bobby Neel Adams в серии Age-Maps соединяет две фотографии в одну - ребенка и взрослого человека. Получилось чрезвычайно интересно.

остальное тут

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Репин родился 24 июля (5 августа) 1844 г. в семье военного поселенца в городе Чугуев Харьковской губернии. С 13 лет обучался живописи в Чугуеве у И. Бунакова; в 1863 г. поступил в Академию Художеств в Петербурге. Учился успешно, в 1869 г. был награждён малой золотой медалью за картину «Иов и его друзья». В 1872 г. получил большую золотую медаль за программу «Воскрешение дочери Ипира».Во время своего путешествия по Волге в 1870 г. написал много этюдов и эскизов, по некоторым из них написал для великого князя Владимира Александровича картину «Бурлаки на Волге», оконченную в 1873 г. Эта картина, изображающая тяжкий труд бурлаков, тянущих баржу, произвела сильное впечатление на публику и критиков.С начала 1890-х годов Репин подолгу работал в приобретённом им имении Здравневе Витебской губернии. В 1894—1907 годах он — профессор-руководитель мастерской в Академии художеств.

С 1873 г. Репин путешествует за границей, где корифеи старинной живописи произвели на него отрицательное впечатление. В Париже он пишет «Парижское кафе» и сказочного «Садко». По возвращении в Петербург Репин становится деятельным членом Товарищества передвижных художественных выставок, к которому он примкнул с 1874 г. На выставках товарищества появляются его картины: «Правительница Софья Алексеевна в монастыре» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иоанн Грозный и его сын Иван» (1885).

В этот же период созданы картины: «Дуэль», «Поприщин» (1882), портреты Ференца Листа и Михаила Глинки (1887), а также портреты Стрепетовой, Н. И. Пирогова , П. М. Третьякова, И. Н. Крамского, И. С. Тургенева, В. М. Гаршина , В. В. Самойлова, М. С. Щепкина, баронессы Искуль и многих других.

В 1893 г. Репин стал действительным членом Петербургской Академии художеств. Жил в своей усадьбе «Пенаты» в посёлке Куоккала, который после Октябрьской революции оказался за границей, в составе независимой Финляндии. Попытки Советского правительства вернуть Репина в СССР не удались. Художник скончался 29 сентября 1930 г. в Куоккале, где и был похоронен.В 1940 г., когда Куоккала уже принадлежала Советскому Союзу, там был открыт мемориальный музей. Мемориальный музей Репина есть также в его родном Чугуеве. В 1958 году в Москве на Болотной площади был открыт памятник Репину (скульптор М. Г. Манизер, архитектор И. Е. Рожин).

1.

Иван Грозный над убитым сыном, 16 нобяря 15811885 г., х, м, Государственная Третьяковская галерея

2.

Подготовка к экзаменам

[ жанровая живопись на картине Репина, романтический сюжет ]