Не_ручная (Work_of_art) все записи автора

Львиное Сердце... Такое прозвище дали девятилетнему иракскому мальчику пораженные его мужеством врачи. Во время взрыва бомбы неподалеку от своего дома Салех Халаф потерял правую руку и лишился одного глаза. Отец тут же доставил его в детский госпиталь, где врачи оказали Салеху первую помощь. Через несколько часов в госпиталь приехали журналист Мередит Мэй и фотограф Диан Фитсморайз. Они оставались с мальчиком и его семьей более года, фиксируя борьбу врачей за жизнь Салеха, все основные этапы его выздоровления, его воссоединение с семьей…

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Валентин Серов родился 7 (19) января 1865 г. в Петербурге, в семье композиторoв А. Н. Серова и пианистки Валентины Бергман. Валентина Бергман родилась в 1846 году, в московской еврейской семье ^[1]. Начал своё образование в классической гимназии, но пройдя в ней только три низшие класса, покинул её с намерением посвятить себя всецело искусству. С 1871 года Бергман с сыном живет в Мюнхене, а с 1874 года — в Париже.

С 1878 по 1879 г. в Москве брал уроки рисунка и живописи у И. Е. Репина, в семье которого жил в 1879 г. Серов бывал с Репиным в доме Мамонтовых на Садовой-Спасской улице и в Абрамцеве, участвовал в их домашних спектаклях.

В 1880 г. поступил в Императорскую Академию Художеств. Здесь его главным наставником был П. П. Чистяков. Получив от Академии малую серебряную медаль за этюд с натуры, оставил это заведение в 1884 г. и с того времени начал работать самостоятельно, все более и более совершенствуясь в живописи, преимущественно портретной. В 1884 в Абрамцеве создал одно из первых своих значительных произведений — портрет Л. А. Мамонтовой (Новгородский музей-заповедник). В 1888 г. написал знаменитый портрет В. С. Мамонтовой («Девочка с персиками»; Третьяковская галерея).

С 1894 г. Серов состоял членом Товарищества передвижных художественных выставок. С 1897 г. преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его учениками были П. В. Кузнецов, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, К. С. Петров-Водкин, Н. П. Ульянов, К. Ф. Юон. Скончался Серов 22 ноября (5 декабря) 1911 г. в Москве. Похоронен на столичном Новодевичьем кладбище. Именем художника в 1922 г. названа улица в посёлке художников «Сокол» в Москве.

"Девочка с персиками
(Вера Мамонтова)" 1887

"Заброшенный пруд. Домотканово"
1888, Третьяковская галерея

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Этти (William Etty) Уильям (1787-1849), английский живописец. Родился в Йорке, 10 марта 1787. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.
Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди Уильяма Этти, помогли его становлению, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и проч. - все это было его первой академией. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 студентом академической школы в Сомерсет Наус.
Среди студентов были те, кто в будущем добился известности и признания в искусстве, - Уилки, Хэйдон, Коллинз, Констебль. Его дядя великодушно заплатил необходимую сумму в сто гиней и летом 1807 Этти стал учеником сэра Томаса Лоуренса. Хотя Этти во время обучения делал большие успехи в искусстве, ему обязательно был нужен "мимолетный луч успеха". В 1811 году после многих попыток на стене талантливых учеников Академии появилась картина молодого Уильяма Этти «Телемах, спасающий Антиопу».В течение следующих пяти лет он продолжал упорно заниматься с тихой и постоянной энергией преодоления недостатков своего обучения в юности. В 1816 Этти оставил студию сэра Томаса, однако влияние его знаменитого наставника оставило заметный след в работах Уильяма Этти. В 1816 Этти решил улучшить свои познания в живописи, совершив поездку в Италию. Однако по истечении трех месяцев был вынужден вернуться в Англию. В 1820 его «Искатели кораллов», показанные в Королевской Академии, привлекли большое внимание. Еще больший успех был у картины «Прибытие Клеопатры в Киликию», показанной в следующем году.
В 1822 он снова отправляется в турне по Италии. Хотя Этти был должным образом впечатлен великими шедеврами Рафаэля и Микеланджело в Риме, он без сожаления покинул Рим и уехал в Венецию, которую всегда считал истинным городом-музеем искусства в Италии.
В начале 1824 Этти возвратился в Англию. В этом же году он стал партнером Королевской Академии, а в 1828 Этти становится действительным членом лондонской Академии художеств.
В интервале между этими датами Этти пишет «Битву» (Женщина, ходатайствующая о побежденном), это первая из трех картин о Юдифь, которые в конечном счете вошли в коллекцию шотландской Академии.В 1830 Этти посетил Францию. Он был потрясен достопримечательностями Парижа, однако в связи с революционным восстанием во Франции был вынужден вернуться. В 1840 и в 1841 Этти предпринял паломничество в Нидерланды для изучения шедевров Рубенса и других художников в церквях и общественных галереях этой страны. Два года спустя он еще раз посетил Францию в целях сбора материалов для картины «Жанна д'Арк». В 1848 после завершения этой работы он удалился в родной Йорк.
Одно желание оставалось для него неисполненным. Этти хотел устроить выставку-экспозицию своих картин. С большим трудом ему удалось собрать значительное количество своих работ в различных частях Британских островов. Они были столь многочисленны, что стены большого зала, который он нанял в Лондоне для выставки, были полностью скрыты полотнами. Это произошло летом 1849; 13 ноября того того же самого года Этти скончался. Уильям Этти занимает свое достойное место среди английских художников. Его рисунок был часто неправилен, но в чувстве и навыке колориста ему не было равных в Англии в первой половине 19 века.

"Геро и Леандр"
1828-1829, Частная коллекция

Купидон
1820-е

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 г. в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения. Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.

В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ — картину «Принесение Исаака в жертву».

В 1717 г. молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. В 1719 г. он женился на Марии Чечилии Гуарди, сестре известных художников Гуарди (Гварди) — Франческо и Джованни Антонио. От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.

С 1726 по 1728 г. Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы — Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо.

К 1750 г. к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 по 1753 г. он работал по приглашению в немецком Вюрцбурге. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран Президентом Академии Падуи.

В 1761 г. испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 г.

"Cвятая, спасающая город
от чумы" (фрагм) 1759,
Дуомо, Уесте, Италия

"Явление трех ангелов Аврааму" 1726-1729

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Рени Гвидо (4 ноября 1575, Болонья — 18 августа 1642, там же), итальянский живописец, мастер барокко.
Рени был выпускником Болонской академии художеств, проводником и наследником ее живописной традиции и педагогической системы. Непосредственно он учился у Аннибале Карраччи, был, как и он, поклонником античности и Рафаэля. Работы раннего периода (до 1600) носят, скорее, ученический характер и демонстрируют большую зависимость от стиля учителя.
После переезда в Рим открывается блестящий период его деятельности. Сначала он помогает А. Карраччи в росписях Галереи Фарнезе, постигая иные пути соединения идеала и реальности, изучает живопись Караваджо в церквях «вечного города», наслаждается его великим классическим наследием. После смерти учителя (1609), Рени, завоевав уже известность, станет фактически главой классицистической живописной школы Рима, центральной фигурой в кругу работающих здесь болонских мастеров.
В своих алтарных образах и станковых полотнах, исполненных на заказ, Рени пытается примирить принципы болонцев и нововведения Караваджо. Об этом свидетельствуют, например, большой алтарный образ «Распятие Св. Петра» (1604-1605, Рим, Ватиканская пинакотека) и полотна на мифологический сюжет «Давид с головой Голиафа» (1605, Лувр) и «Самсон-Победитель» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека).В первом Рени почти повторяет композицию Караваджо из римской церкви Санта Мария дель Пополо. В этих работах он прежде всего акцентирует нравственные принципы, лежащие в основе поступков героев, эффектно подчеркивает характерные детали, использует сильный контраст света и тени. И вместе с тем, спокойная поза, например, Давида, задумчиво стоящего между колонной и пилястрой, далекая от выражения трагической смерти, как у Караваджо, голова Голиафа, переданы в манере болонской школы. Верность увлечению традицией Караваджо проявилась и в известном полотне Рени «Избиение младенцев» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека). Динамичная композиция картины подчинена действию, объединяющему всех персонажей. Попытка драматизации действия в духе Караваджо, приобрела у Рени, как и у болонцев, театральную аффектацию. Особенно выразительна фигура матери с младенцем на руках, с криком убегающей от убийцы, с занесенном ножом. Фон картины напоминает красивую сценическую декорацию. В некоторых работах этого времени появляется больше повествовательности, обилие бытовых деталей («Моисей и сбор манны небесной», 1614-15, Равенна, собор), но фигуры главных персонажей по-прежнему хорошо смотрятся издали.
Глубокий пиетет Гвидо Рени к изучению наследия античности и Рафаэля проявился в росписи плафона палаццо Роспильози («Аврора», 1613-14). Грация легких, словно парящих фигур, гармония ритма композиционного строя, чистые светлые тона красок придают изысканную красоту этой фреске, пополнившей галерею шедевров, созданных в Риме болонскими мастерами. Богатая палитра цвета, динамика, присущи известному полотну Рени — «Аталанта и Гиппоменей» (1622-1625. Неаполь, Нац. Галереи Каподимонте). Скрещенные и ярко освещенные холодным светом фигуры переданы в резких движениях, эффектно выделяются на коричнево-голубом фоне земли и неба. Развевающиеся края их пеплосов тоже привносят острую динамику в композицию.
На протяжении всего творчества Рени будет сохранять верность своей стилистике, основанной на богатой палитре ярких холодных цветов и динамичной композиции. Хотя в этот период его живописная манера приобретет большую утонченность: краски станут более прозрачными, образы более печальными и нежными. Лучшие свои произведения художник отсылал в церкви Болоньи и другие города Эмилии, что способствовало распространению влияния его манеры. Кроме того, работы Рени много копировали его многочисленные ученики. Характерным примером поздней манеры Рени может служить полотно «Похищение Елены» (1631, Лувр), исполненное для Болоньи. Композиция приобретает в нем большую статику: она обрела строгую выверенность и совершенное равновесие всех элементов — цвета, света, рисунка, что свидетельствует об усилении классицистического начала. Образы наделены благородной красотой и изнеженной грацией. Кажется, что они движутся под звучащую музыку барочных театральных мелодрам.
Гвидо Рени был ярким мастером болонской школы живописи. Он стал одним из образцов для подражания в системе европейского академического обучения в 17-19 вв., как самый верный последователь классицистического принципа соединения идеализации и натурности. Его искусство оказало большое влияние на мастеров академического направления в европейском искусстве.
Е. Д. Федотова.

"Фортуна, возвращающая любовь"
1610, Картинная галерея, Ватикан

"Похищение Деяниры
кентавром Нессом", 1621
Лувр, Париж

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Энгр (Ingres) Жан Огюст Доминик (1780-1867), французский живописец и рисовальщик. С 1796 учился у Ж.Л.Давида в Париже. в 1806-1824 работал в Италии, где изучал искусство Возрождения и особенно творчество Рафаэля; в 1834-1841 был директором Французской академии в Риме. Энгр писал картины на литературные, мифологические, исторические сюжеты (“Юпитер и Фетида”, 1811, Музей Гране, Экс-ан-Прованс; “Обет Людовика XIII”, 1824, собор в Монтобане; “Апофеоз Гомера”, 1827, Лувр, Париж), портреты, отличающиеся точностью наблюдений и предельной правдивостью психологической характеристики (портрет Л.Ф.Бертена, 1832, Лувр, Париж), идеализированные и вместе с тем полные острого чувства реальной красоты ню (“Купальщица Вольпенсон”, 1808, “Большая одалиска”, 1814, - оба в Лувре, Париж). Произведения Энгра, особенно ранние, отмечены классической стройностью композиции, тонким чувством цвета, гармоничностью ясного, светлого колорита, но главную роль в его творчестве играл гибкий, пластически выразительный линейный рисунок. Энгр – автор блестящих карандашных портретов и натурных штудий (большинство - в Музее Энгра в Монтобане). Сам Энгр считал себя историческим живописцем, последователем Давида. Однако в своих программных мифологических и исторических композициях он отступал от требований учителя, внося больше живых наблюдений натуры, религиозного чувства, расширив тематику, обратившись, в частности, подобно романтикам, к эпохе средневековья. («Обет Людовика XIII», 1824, Собор Монтобан, «Апофеоз Гомера», 1827, Париж, Лувр). Если историческая живопись Энгра представляется традиционной, то его великолепные портреты и зарисовки с натуры составляют ценную часть французской художественной культуры 19 в. Одним из первых Энгр сумел почувствовать и передать не только своеобразный облик многих людей того времени, но и черты  их характеров - эгоистический расчет, черствость, прозаизм  личности у одних, и доброту и одухотворенность у других. Чеканная форма, безупречный рисунок, красота силуэтов определяют стиль портретов Энгра. Меткость наблюдения позволяет художнику передать манеру держаться и специфический жест каждого человека (портрет Ф. Ривьера, 1805, Париж, Лувр, портрет госпожи Ривьер 1805, Париж, Лувр или госпожи Девосе (1807, Шантильи, Музей Конде). Сам Энгр не считал портретный жанр достойным настоящего художника, хотя именно в области портрета создал самые значительные свои произведения. С тщательным наблюдением натуры и восхищением ее совершенными формами связаны удачи художника при создании ряда поэтических женских образов в картинах «Большая одалиска» (1814, Париж, Лувр), «Источник» (1820—1856, Париж, Лувр); в последней воплощен идеал «вечной красоты».С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. Скончался 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

"Венера Анадиомена"
1808-1848

"Жанна д'Арк на коронации
Карла VII" 1854

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сначала его отдали в ученье к некоему Боттичелли, отличному золотых дел мастеру; от него он и получил свою фамилию. Но скоро обнаружилось в нем неодолимое влечение к живописи, и он стал учиться ей у монаха Филиппо Липпи.

У него перенял Боттичелли ту страстность в изображении трогательных мотивов, которою отличаются исторические картины Липпи. Оригинальная же черта собственного таланта его состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами, особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине; боги ветров осыпают ее дождем роз и гонят к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатую им в 1474 г. стенную живопись в Сикстинской капелле Ватикана. Боттичелли, говорят, был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. Несмотря на то, что позднее папа римский отлучил Савонаролу от церкви, Боттичелли больше не изображал обнажённую женскую натуру. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 г. изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от Виллы в Бельсгуардо. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни он не писал картин, но в 1504 году, согласно его мнению в комиссии, в которой участвовал и Леонардо да Винчи было принято решение установить статую Давида Микеланджело на цоколе перед Паллаццо делла Синьория. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти.

"Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

"Аллегория Добродетели"
1495

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

"Звезда"
1877, Музей д'Орсе, Париж

"Ванная"
1885, Музей Хилл Стид, Фармингтон

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Ренуар (Renoir) Пьер Oгюст (1841-1919), французский живописец, график и скульптор. В юности работал живописцем по фарфору, расписывал шторы и веера. В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму - К.Моне и А.Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Г.Курбе и произведений молодого Э.Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866, Национальный музей, Стокгольм). На рубеже 1860-70-х годов он переходит к живописи на пленэре , органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”. 1869, ГМИИ, Москва). Его палитра светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874, Институт Кортолда, Лондон). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни - балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876, Музей Орсе, Париж).Особое место в его творчестве занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, Штеделевский художественный институт, “Зонтики”, 1876, Национальная галерея, Лондон; портрет актрисы Жанны Самари, 1878, Эрмитаж).В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций , построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, он часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883, ГМИИ, Москва).С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887, собрание Тайсон, Филадельфия). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.

"Жанна Самари"
1877, Музей им. А.С.Пушкина

"Зонтики" 1881-1886
Национальная галерея, Лондон

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сезанн (Сezanne) Поль (1839-1906), французский живописец. Учился в частной академии Сюиса в Париже (1861-1865); работал в Париже и Экс-ан-Провансе. В ранних работах Сезанна, имеющих характер экспрессивных, фантасмагорических сцен (“Оргия”, 1864-1868), заметно воздействие на него живописи старых мастеров (П.Веронезе, Тинторетто), а также Э.Делакруа и О.Домье. Рано сблизившись с К.Писсарро, Э.Мане, К.Моне, Сезанн в 1874 и 1877 участвовал в выставках импрессионистов , но уже в этот период складывается его собственная живописная система. Принципиально расходясь с этого времени с методом импрессионизма, Сезанн интересовался не динамикой световоздушной среды и изменчивостью цвета в атмосфере, а устойчивыми закономерностями цветовых сочетаний и форм, материальностью предметного и природного миров (“Дом повешенного в Овере”, 1872-1873, Музей Орсе, Париж). Упорно  постигая эти законы, Сезанн подолгу разрабатывал один и тот же мотив в поисках структурной конструктивности природных форм (многочисленные изображения горы Сент-Виктуар, в том числе в Институте Кортолда, Лондон, 1887; в Эрмитаже, Санкт-Петербург, около 1900; и в других собраниях). Оперируя преимущественно градациями трех основных цветов (зеленого, голубого и желтого), то тонкими и прозрачными, то резко контрастными, нанесенными плотными корпусными мазками, он обозначал с их помощью пространственные планы и степень освещенности. Материальная весомость красочной фактуры гармонично сочетается в произведениях Сезанна со смелым лаконичным рисунком, конструктивно четкой, пластически обобщенной лепкой формы и ясной уравновешенностью композиции (автопортрет, 1879-1885, “Пьеро и Арлекин”, 1888, “Персики и груши”, 1888-1890, - все в ГМИИ, Москва). В пейзажах с их широким, панорамным охватом наполненного светом ландшафта Сезанн достигает величественной эпичности (“Берега Марны”, 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). В натюрмортах, подчеркивая структуру предмета, как бы утяжеляя его с помощью красочной фактуры и использования чистого цвета, художник выявляет материальную вещественность и строгую пластичность предметного мира (“Горшок с геранью и фрукты”, 1890-1894, Метрополитен-музей; “Натюрморт с драпировкой”, 1898-1899, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Творчество Сезанна, одного из главных мастеров постимпрессионизма , стремившегося к созданию своего рода классического искусства, лишенного всего преходящего и мимолетного, к раскрытию неизменного величия и гармоничной уравновешенности природы, органического единства ее форм, оказало громадное влияние как на многих художников ХХ века, так и на целые направления изобразительного искусства, разрабатывавшие, как правило, отдельные стороны сезанновского наследия (кубизм, лучизм, так называемая симультанная живопись и др.).

"Натюрморт с черепами" 1900
Частное собрание, Швейцария

"Картежники"
1893, Частное собрание

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев, основоположников искусства Возрождения в Венеции. Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71) при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики (“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан). В его рисунках, полных живых наблюдений (зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии), отразился интерес к проблемам перспективы , влияние А.Мантеньи и П.Уччелло. С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини, связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины, (“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, – обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516), второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы , заложивший основы искусства Высокого Возрождения в Венеции. Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини (“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х годов под воздействием живописи Пьеро делла Франческа и Антонелло да Мессина сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам созвучен одухотворённый пейзаж 
(так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици; “Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны” (“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488, Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных, словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций, спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов. В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505, церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку гуманистический портрет (портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон; портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

"Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

"Распятие"
1501-1503

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Ван Эйк (van Eyck) Ян (около 1390–1441), нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах, ван Эйк в 1422–1424 работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго, в 1427 посетил Испанию, в 1428–1429 – Португалию. Около 1430 ван Эйк поселился в Брюгге. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом (работал в 1420-х годах в Генте, умер около 1426) и законченный Яном в 1432.  Ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета . выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка (“Тимофей”, 1432, “Человек в красном головном уборе”, 1433, – оба в Национальной галерее, Лондон; портрет жены художника Маргареты, 1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Дж.Арнольфини с женой.

"Портрет супругов Арнольфини" 1434

Национальная галерея,
Лондон

"Гентский Алтарь", полиптих, 1426-1432
Кафедральный собор св.Бавона, Гент

Проблема участия Хуберта ван Эйка в работе над алтарем остается открытой: по мнению большинства исследователей он мог лишь начать работу над центральной частью алтаря, но в целом произведение исполнено Яном ван Эйком. Несмотря на наличие в ряде сцен алтаря архаических, готических черт, “Гентский алтарь” открыл новую эпоху в развитии искусства Нидерландов.Сложная религиозная символика претворена в нем в конкретные, жизненно убедительные и осязаемые образы. С исключительным реализмом, неприкрашенной выразительностью изображены на внешних створках алтаря обнаженные фигуры Адама и Евы. Фигуры, поющих и музицирующих ангелов на боковых створках, отличаются убедительной пластической осязаемостью.

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Штук (Franz von Stuck) Франц фон (1863-1928), немецкий живописец и скульптор, один из лидеров символизма в изобразительном искусстве.
Родился в Теттенвейсе (Бавария) 23 февраля 1863 в крестьянской семье. Приехав в Мюнхен, занимался в здешней художественно-ремесленной школе и Политехникуме (1881-1884). В 1885 посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина.
В молодости много работал как художник прессы (для журналов "Югенд", "Пан" и других изданий). Один из основателей (1892) и президент Мюнхенского сецессиона", рисовал афиши для его выставок; композиция с Афиной-Палладой (1889) стала популярным символом этого объединения. Завоевал известность своими аллегорико-мифологическими картинами, где характерные для символизма темы "рокового" эротического влечения и разгула иррациональных, "демонических" стихий получили особенно броское, нередко брутальное выражение («Борющиеся фавны», 1889, Новая пинакотека, Мюнхен; «Люцифер», 1890, Национальная галерея, София; «Поцелуй сфинкса», 1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Вакханалия», 1905, Кунстхалле, Бремен). Архетипическими стали созданные им образы женщин-вамп («Грех», 1893, Новая пинакотека; «Саломея», 1906, Дом-музей Ф.фон Ленбаха) и военного насилия («Война», 1889, Новая пинакотека).
Франц фон Штук воспринял многие черты переходной художественной эпохи, какой в историческом плане был модерн.
Сознательно оказавшись в стороне от проблем, увлекавших таких известных представителей искусства конца XIX - начала XX века, как Врубель, Гоген, Мунк, - поисков смысла жизни, разгадки будущего человечества, обнажение одиночества личности на фоне мирового универса, он пытался вдуматься в пересечение духовного и телесного, красоты и зримой реальности человеческого облика. Не все убедительно сопрягалось в творческих исканиях Штука. В них можно найти примеры сосуществования чуждых друг другу эстетических установок и стилистических приемов. Он сочетал в своих картинах черты академического натурализма и стиля модерн. Под влиянием Фридриха Ницше создавал фантастико-аллегорические произведения, проникнутые нарочито брутальной символикой. Но в моменты прозрений у этого художника рождались столь оригинальные соединения поэзии и разоблачительного исследования, романтизма и натурализма, которые, свидетельствуя о новом понимании возможностей изобразительного искусства, являли собой настоящие структурные открытия. Такие произведения шокировали зрителя, вызывая нередко оторопь и скандалы среди публики, но позже получали высокую оценку своей поэтической интонацией и новизной мысли.
Франц фон Штук известен также как портретист («Автопортрет с женой», 1907, Вилла Штука; «Мэри в красной шляпке», 1902, частное собрание; все работы - в Мюнхене). Изготовлял эффектные декоративные рамы для своих картин. Его дар дизайнера-декоратора развернулся при постройке и оформлении собственного дома - Виллы Штука, для которой он исполнил ряд бронзовых скульптур («Атлет», «Амазонка», 1890-е и др.) и декоративных панно (Помпеянская стена и др.). Преподавал в мюнхенской Академии художеств.
Умер Штук в Мюнхене 30 августа 1928.

"Мэри в красной шляпке" 1902

"Юный Бахус" 1901

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Кауфман (Kauffmann) Ангелика (1741-1807), швейцарский живописец и график. Ангелика Кауфман родилась в Швейцарии и уже в одиннадцать лет начала писать портреты итальянских знаменитостей. Училась у отца, австрийского живописца Йозефа Иоганна Кауфмана. Жила в Италии (1742-1757). По совету прославленного английского живописца сэра Джошуа Рейнольдса она переехала в Лондон (1766-1781). С 1762 - член флорентийской Академии художеств. Заняв видное место среди немецких художников-классицистов, работавших в Риме, Кауфман писала сцены на исторические и литературные сюжеты (“Прощание Абеляра и Элоизы”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), отличавшиеся гладкой, “сплавленной” манерой письма, тщательной отделкой деталей, а также портреты современников (“Иоганн Вольфганг Гёте”, 1787, Национальный музей Гёте, Веймар). Необычный для своего времени, портрет Давида Гаррика передает тонкую и чувствительную натуру великого английского актера. Непринужденная поза Гаррика, его взгляд - мягкий и проникновенный - разительно отличаются от общепринятой манеры изображения актера в трагическом амплуа. В 1780-е годы Ангелика Кауфман стала очень известна в Европе благодаря многочисленным портретам, а также своим историческим и мифологическим композициям. Ангелика Кауфман выполняла заказы на росписи особняков, построенных по проектам братьев Адамс; нежный колорит и классический стиль этих сооружений вполне отвечали духу ее творчества. Идиллические сцены из классической мифологии переводились в гравюры, использовались в художественной промышленности - благодаря этому искусство Ангелики Кауфман было очень популярно.

"Иоганн Вольфганг Гёте" 1787

"Поэзия и Живопись" 1782

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Гойя-и-Лусьентес (Goya y Lucientes) Франсиско Хосе де (1746–1828), испанский живописец, гравер, рисовальщик. С 1760 учился в Сарагосе у Х.Лусана-и-Мартинеса. Около 1769 Гойя отправился в Италию, в 1771 вернулся в Сарагосу, где писал фрески в духе итальянского барокко (росписи бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771–1772). С 1773 художник работал в Мадриде, в 1776–1791 выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений (“Зонтик”, 1777, “Игра в пелоту”, 1779, “Игра в жмурки”, 1791, – все в Прадо, Мадрид). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (“Семья герцога Осуна”, 1787, Прадо, Мадрид; портрет маркизы А.Понтехос, около 1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 вице-директор, с 1795 - директор ее живописного отделения), в 1799 - “первый живописец короля”. Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании “старого порядка”. Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов “Капричос” (80 листов с комментариями художника, 1797–1798); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий  и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде, 1798, Лувр, Париж), аромат тайны и скрытой чувственности (“Маха одетая” и “Маха обнаженная”, обе - Прадо, Мадрид).С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла IV” (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”, обе –около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810–1820).

"Лампа дьявола" 1798

"Сатурн, пожирающий своих детей" 1823

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сера (Seurat) Жорж Пьер (2.12.1859 - 29.3.1891), французский живописец и график. Учился в парижской Школе изящных искусств (1878-1879); работал в основном в Париже. Основатель течения неоимпрессионизма (дивизионизма, пуантилизма). Писал большие фигурные композиции и пейзажи. Изучая законы цвета и света, оптические эффекты, Сера пытался создать научную основу для решения колористических, световоздушных и пространственных задач. Изящная по рисунку, тонкая по цветовым сочетаниям, живопись Сера, с её мозаически-дробной структурой, в целом носит несколько рассудочный, отвлечённый характер. Сёра изучал научные аспекты восприятия света и цвета и разработал на их основе живописную технику дивизионизма , письма мелкими точечными мазками чистого цвета. Для его пейзажей ("Закат солнца. Гранкан", 1885, собрание Д.М.Леви, Нью-Йорк; "Рыбачьи лодки в Порт-ан-Бессен", 1888, Музей современного искусства, Нью-Йорк), многофигурных картин-панно со сценами парижской жизни ("Воскресная прогулка на острове Гранд-Жат", 1884-1886, Институт искусств, Чикаго) характерны четкое, рационалистическое построение композиции, светлая, мерцающая цветовая гамма, орнаментальная плоскостность, близкая стилю модерн.

"Воскресная прогулка на острове Гранд Жатт" 1884-1886

"Натурщицы" 1886 - 1888

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В его мастерской появляются ученики из разных стран. В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов. В связи с установкой панно Матисс посетил Москву, дал несколько интервью для газет и высказал восхищение древнерусской живописью. В картине «Красные рыбки» (1911, Музей изобразительных искусств, Москва), используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде. В зимние месяцы с 1911 по 1913 художник посещает Танжер (Марокко), создает марокканский триптих «Вид из окна в Танжере», «Зора на террасе» и «Вход в казба» (1912, там же), приобретенные И. А. Морозовым. Мастерски переданы эффекты голубых теней и ослепляющих лучей солнца.

"Радость жизни"
1905-1906

"Красные рыбки"
1911, Музей им.А.С.Пушкина

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Учился у Симоне Петерцано в Милане. В 1592-1594 гг. переехал в Рим, где приобрел покровительство кардинала дель Монте. В мае 1606, после ссоры во время игры в мяч и убийства на дуэли участника ссоры, был вынужден бежать из Рима в Неаполь, откуда в 1607 перебрался на остров Мальта. Здесь, вступив в конфликт с могущественным вельможей, был брошен в тюрьму, бежал на Сицилию. В 1608—1609, преследуемый наёмными убийцами, подосланными тем же вельможей, скитался по городам Сицилии и южной Италии, в 1610, рассчитывая на помощь римских покровителей и прощение папы, отправился в Рим. По дороге был по ошибке арестован испанскими таможенниками, затем продолжил путь и в городке Порто д’Эрколе умер от лихорадки в возрасте 39 лет.

"Св.Иероним"
1605, Галерея Боргезе,
Рим, Италия

"Голова медузы"
1598

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Эрнст (Ernst) Макс, немецкий живописец, график, мастер коллажа и фроттажа, один из наиболее ярких представителей сюрреализма.  Родился 2 апреля 1891, в Брюле, Германии. С 1909 он изучал философию в университете Бонна, но вскоре оставил это занятие, чтобы полностью посвятить себя искусству. Во время учебы он основательно изучал психологию и интересовался искусством психически больных. Первые работы Эрнста были показаны в 1912 в галерее Фельдмана в Кельне. На выставке Sonderbund  того же года в Кельне он познакомился с работами Поля Сезанна, Эдварда Мунка, Пабло Пикассо и Винсента ван Гога, которые оказали влияние на формирование его творческих взглядов. В 1913 году Эрнст предпринял поездку в Париж. Несмотря на участие в первой мировой войне, Эрнст продолжал писать картины и даже смог устроить выставку своих работ в Берлине в 1916 году. В 1919 году он создал свои первые коллажи и с Джохэйннсом Барджелдом основал движение кельнского дадаизма; к ним присоединились Жан Арп и другие. В 1921 в Париже прошла первая выставка работ Эрнста. В начале двадцатых годов ХХ века по приглашению Поля Элюара и Андре Бретона он становится участником движения французских сюрреалистов. В конце двадцатых годов Эрнст работал с Миро в проектах для театральных, балетных постановок Сергея Дягилева. В 1930 художник сотрудничал с Сальвадором Дали и Луисом Бунюэлем в фильме "Андалузский пес". Первая американская выставка работ Эрнста прошла в Нью-Йорке в 1932 году. В 1936 работы Эрнста были представлены в галерее дадаизма и сюрреализма в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1939 он был интернирован во Франции как немецкий подданный. Два года спустя Эрнст бежал в Соединенные Штаты с Пэгги Гуггенхайм, на которой он женился в начале 1942. После развода с Пегги Гуггенхайм он женится на Дороти Таннинг и в 1953 переселяется во Францию. Эрнст получил главный приз за оформление Биенале в Венеции в 1954, а в 1975 музей Соломона Р. Гуггенхайма представил практически полную ретроспективу его работ.
Макс Эрнст умер 1 апреля 1976 в Париже.

"Женщина, старик и цветок" 1924

"Кастор и Поллукс" 1923

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Сальвадор Дали родился 11 мая 1904 г. в городе Фигерасе (Figueras(исп.)провинция Жерона на севере Испании), в семье зажиточного нотариуса. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 г. воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе.

В 1916 г. отправился на каникулы в город Кадакес, где впервые познакомился с модернистским искусством. Первая персональная выставка Дали состоялась в 1919 г. В 1921 г. отец решает послать Сальвадора для учёбы в Мадрид, в Академию художеств Сан-Фернандо, где он знакомится с такими деятелями испанской культуры, как Луис Буньюэль, Федерико Гарсиа Лорка и Педро Гарфиас.

Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма. В 1926 г. его выгоняют из Академии за высокомерное и пренебрежительное отношение к преподавателям. В том же году впервые едет в Париж, где знакомится с Пикассо. Пытаясь найти собственный стиль, в конце 1920-х создает ряд работ под влиянием Пикассо и Хуана Миро. В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс». Тогда же он впервые встречает свою будущую жену Галу (Елену Дмитриевну Дьяконову), бывшую тогда женой поэта Поля Элюара.

Работы Дали демонстрируются на выставках, он завоевывает популярность. В 1929 г. примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном.

В 1934 г. официально вступает в брак с Галой. В том же году впервые посещает США.

После прихода к власти каудильо Франко Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы. В ответ Дали не без оснований заявляет: «Сюрреализм — это я».

С началом второй мировой войны Дали вместе с Галой уезжает в США, где они живут с 1940 по 1948 г. В 1942 г. выпускает свою беллетризованную автобиографию «Тайная жизнь Сальвадора Дали». Его литературные опыты, как и художественные произведения, как правило, оказываются коммерчески успешными.

После возвращения в Испанию живёт преимущественно в своей любимой Каталонии. В 1981 г. у него развивается болезнь Паркинсона. В 1982 г. умирает Гала.

Дали скончался 23 января 1989 г. от сердечного приступа. Тело художника замурованно в стене в музее Дали в г. Фигерас. В этой комнате запрещено фотографировать со вспышкой.

"Искушение св. Антония"
1946

"Христос святого Хуана де ла Крус" 1951

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Родилась в г. Белостоке Гродненской губернии в семье коллежского асессора.

Обучалась в Киеве в гимназии Св. Ольги, которую закончила 1899 г.

C 1901 по 1903, а также, как вольнослушатель, с 1906 по 1908 занималась в Киевском художественном училище.

В 1903 г. вышла замуж за адвоката Николая Евгеньевича Экстера.

В эти же годы организовала в своем доме салон-мастерскую, ставшим местом встреч представителей киевского авангардного искусства.

В 1907 г. уезжает в Париж, где начинает заниматься в парижской академии Гран-Шомьер, где посещает класс портретиста Карло Дельваля. Во время этой поездки у нее складываются дружеские отношения с П. Пикассо, Г. Аполлинером.

С 1908 по 1914 живет в разных городах России (Москва, Киев, Одесса, Петербург), активно путешествуя по Европе.

В 1908 организовала в Киеве вместе с Д. Д. Бурлюком выставку «Звено»;

В 1912 г. в Италии знакомится с художником-футуристом Арденго Соффичи, а через него с ведущими авангардистами этой страны и принимает участие в их выставках.

Принимала участие в большинстве наиболее значительных выставок авангардного искусства в России (выставки «Бубнового валета» — февраль 1912, «Союза молодежи», «Трамвай В» и др.), Франции («Салон Независимых» — март 1912 и др.), Италии .

В 1915 г. вступает в группу К.Малевича

В 1921 г. принмает участие в концептуальной выставке конструктивистов «5х5=25».

Экстер преподавала в Одесской детской художественной школе, затем в собственной студии в Киеве (1918). С 1921 по 1922 вела курс в ВХУТЕМАСе.

С 1924 жила за границей.

Умерла 17 марта 1949 в Фонтене-о-Роз под Парижем.

Город ночью. 1919. Масло

Конструктивный натюрморт. 1917. Масло

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Александр Дейнека родился 8 (20) мая 1899 г. в Курске. С 1920 по 1925 г. учился изобразительному искусству в московском ВХУТЕМАСе. Вместе с другими выпускниками этого заведения в 1925 г. основал Общество художников-станковистов, пропагандировавшее новую изобразительную стилистику.

Важное место в творчестве Дейнеки занимают монументально-декоративные работы — он оформлял росписями и панно ВСХВ (1938—1939), ЦТСА (1940), павильоны СССР на Всемирных выставках в Париже (1937) и Брюсселе (1958). Мозаики Дейнеки украшают станции московского метро «Маяковская» (1938) и «Новокузнецкая» (1943), главное здание МГУ (1951—1953), Дворец съездов в Кремле (ныне Государственный Кремлёвский дворец; 1960—1961). Живописная манера художника отличается скульптурной обобщенностью графической формы и стремительностью линий.

На протяжении всей карьеры Дейнека также активно занимался преподаванием — в 1928—1930 г. он преподавал в московском Вхутеине, с 1928 по 1934 г. — в Московском полиграфическом институте, с 1934 по 1963 г. (с перерывами) — в Московском художественном институте имени В. И. Сурикова, с 1945 по 1952 г. — в Московском институте прикладного и декоративного искусства, с 1953 по 1957 г. — в Московском архитектурном институте.

В 1964 г. Дейнеке была присвоена Ленинская премия.

Художник умер 12 июня 1969 г. в Москве. Похоронен на московском Новодевичьем кладбище. На доме, где он жил и работал, установлена мемориальная доска.

«Мать», 1932

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Краткий обзор направлений в живописи. Со временем будет предсталено подробное описание каждого направления.

Абстрактный экспрессионизм
Направление американской живописи, возникшее в Нью-Йорке в 1940-х годах. Большинство абстрактных экспрессионистов исповедовали принцип энергетического письма (или живо- пись жеста). Они использовали большие холсты, накладывая краску быстро и энергично с помощью широкой кисти, иногда расплескивая ее или бросая прямо на холст. Этот экс- прессивный метод письма считался не менее важным, чем само произведение. Другие представители направления стремились придать абстрактным образам безмятежность и за- гадочный смысл. Не все их произведения были чисто абстрактными (Биллем де Кунинг, Филип Гастон) или экспрессивными (Барнет Ньюмен, Марк Ротко), но все они разделяли убеждение, что спонтанность живописного метода поможет освободить и запечатлеть творческие силы подсознания. см. Гастон, Клайн, Де Кунинг, Мазервел, Ньюмен, Поллок, Ротко, Стил, Франкенталер, Фрэнсис, Хофман

Art Informel
Французское слово informel обозначает бесформенный, а вовсе не <неформальный>. В 1950-е годы художники направле-ни Art Informel были заняты поиском новых путей соз- дания образов, не прибегая к узнаваемым формам, которыми пользовались их предшест- венники (см. кубизм, экспрессионизм). Их целью было открытие нового художественного языка в результате отказа от геометрических и фигуративных форм. Формы и методы воз- никали в процессе импровизации. Творчество представителей Art Informel крайне разно- образно, их объединяет свободный живописный мазок и густое наложение краски. Подобно абстрактному экспрессионизму, существовавшему параллельно в США, Art Informel явля- ется очень широким движением и включает в себя живописцев как фигуративной (Жан Фот- рие), так и абстрактной (Ханс Хартунг) ориентации. Хотя центром этого направления был Париж, оно получило распространение и в других странах Европы, особенно в Испа- нии, Италии и Германии. см. Бурри, Дюб.юффе, Риопель, Де Сталь, Сулаж, Тапиес, Фотрие, Хартунг

Arte Povera
см. Концептуальное искусство

Барбизонская школа
В первой половине XIX века группа французских художников часто работала близ неболь- шой деревни Барбизон в шестидесяти километрах к юго-западу от Парижа у окраины леса Фонтенбло. Удалясь от шума городской жизни, художники ставили мольберты на открытом воздухе и писали с натуры. Они изображали неброские пейзажи и работающих в полях крестьян, изучая эффекты скользящего света и атмосферных явлений в окружающей приро- де. Многие из художников бар-бизонской школы были незаслуженно забыты, а их открытия приписаны импрессионистам, использовавшим впоследствии новаторскую технику их живо- писи. см. Добиньи, Коро, Курбе, Милле, Теодор Руссо

Барокко
Своего наивысшего расцвета стиль барокко достиг в начале XVII века в Риме, откуда он затем распространился по всей Европе и просуществовал вплоть до XVIII столетия. Наз- вание стиля происходит от итальянского слова barocco - причудливый или потешный. Ис- кусство барокко легко отличить по его избыточному драматизму и открытому эмоциональ- ному обращению к зрителю. Типичная для барокко религиозная композиция показывает святых или Мадонну в окружении ангелов в вихре взметнувшихся драпировок и курчавых облаков. Популярные в эту эпоху сюжеты из классической мифологии изображались в столь же преувеличенной манере. Не все искусство барокко было, однако, пышным и лу- чезарным - мрачный драматизм художников, подобных Каравад-жо, также принадлежит это- му стилю. см. Бернини, Веласкес, Гверчино, Джентилески, Кальф, Караваджо, Кейп, Рембрандт, Рени, Рубенс, Санчес-Котан, Сурбаран

Баухауз
Художественная мастерская Баухауз была основана архитектором Вальтером Гропиусом в Веймаре в 1919 году и стала центром современного дизайна в Германии 1920-х годов. Отражая взгляды социалистических учений своего времени, Гропиус стремился сделать искусство и дизайн частью повседневной жизни. Он считал, что художники и архитекторы должны сделаться ремесленниками, а их произведения быть практичными и доступными. Живописцы, архитекторы, гончары, ткачи, скульпторы и дизайнеры обучались вместе в мастерских Баухауза, как некогда художники и ремесленники эпохи Возрождения. Стиль Баухауза отличался простотой, геометрическими формами и тонким вкусом. В 1933 году художественная школа была закрыта нацистами под предлогом распространения коммунис- тических идей. Хотя физически Баухауз прекратил свое существование, его члены, поки- нув Германию и рассеявшись по всему миру, продолжали проповедовать его идеалы. см. Алберс, Кандинский, Клее, Мохой-Надь

Братство прерафаэлитов
Объединение молодых английских художников, основанное в 1848 году. Неудовлетворенные состоянием упадка, в котором находилась современная британская живопись, прерафаэли- ты поставили своей целью возродить искренность раннего итальянского искусства до Ра- фаэля и Высокого Возрождения. Их кумирами были Сандро Боттичелли и Филиппе Липпи. Прерафаэлиты часто изображали литературные, исторические и религиозные сюжеты, а в сценах из современной жизни всегда стремились дать моральный комментарий социальным отношениям. Картины прерафаэлитов демонстрируют все богатство фактуры и красоту де- коративных деталей. среди которых их особенно привлекали ткани и цветы. см. Берн-Джонс, Браун, Миллес, Россетти, Уотерхаус, Хант

Вортицизм
Направление английского авангарда, основанное Уиндемом Льюисом в 1914 году. Название вортицизм обязано своим происхождением замечанию итальянского футуриста Умберто Боч- чони о том, что любое творчество рождается из вихря чувств (по-итальянски <вихрь> - vortizto). Подобно футуризму, вортицизм - резкий, угловатый и очень динамичный стиль, распространившийся как в живописи, так и в скульптуре, - стремился передать процесс движения. Хотя вортицизм не дожил даже до окончания Первой мировой войны, он сыграл важную роль как этап в процессе формирования абстрактного искусства в Англии. см. Бомберг, Льюис

Готика
Господствующий стиль средневековья (в период приблизительно с 1150 по 1500 год), го- тика была стилем великих соборов Европы. Созданные в эту эпоху алтарные композиции украшались изысканными зубчатыми завершениями, которые повторяли архитектуру собо- ров. Готическая живопись и скульптура отличаются удлиненными пропорциями фигур и подчиняется строгому канону. Попытки изображения трехмерного пространства в живописи крайне редки, перспектива случайна и неубедительна. В конце XIV века заметно стрем- ление к большей утонченности и элегантности, а также интерес к сюжетам повседневной жизни. Изображенные в мельчайших подробностях растения и животные становятся посто- янной деталью произведений живописи. Стиль позднего средневековья, не связанный с одной страной, получил название интернациональной готики. см. Боневе, Гадди, Джентиле да Фабриано, Дуччо, Делла Кверча, Лимбурги, Лоренцо Монако, Мартини, Фуке, Чимабуэ

Дада (дадаизм)
Название Дядя сознательно бессмысленно и обозначает движение-протест против всего предшествующего искусства. Дадаизм просуществовал с 1915 по 1922 год. Центром дея- тельности дадаистов было Кабаре Вальтер в Цюрихе, где поэты, художники и писате- ли-единомышленники собирались для творческих экспериментов в области бессмысленной поэзии, <шумовой> музыки и автоматического рисунка. Дадаизм бьи резкой реакцией на снобизм и консервативность художественного истеблишмента: дадисты использовали все возможности своего воображения, чтобы вызвать возмущение буржуазии. Типичное произ- ведение дадаизма -ready-made - тривиальный предмет, изъятый из среды своего естест- венного существования и выставленный как объект искусства. Движение Дада с его куль- том иррационального сыграло важную роль в подготовке почвы для сюрреализма, возник- шего в 1920-е годы. см. Арп, Дюшан, Ман Рэй, Пикабиа, Хаусман, Швиттерс

Де Стейл
Журнал и художественное направление под тем же названием были основаны Тео ван Дус- бургом и Питом Мондрианом в 1917 году в Голландии. Художники считали, что искусство должно стремиться к абсолютной гармонии, ясности и порядку, достижимым в результате полного очищения. Произведения группы Де Стейл отличаются строгими геометрическими формами, по преимуществу квадратными. Они составлены из простейших элементов: прямых линий и основных цветов. Направление ставило перед собой глубоко философские задачи и основывалось на мысли, что искусство должно в какой-то мере отражать тайну Вселен- ной и ее универсальную гармонию. Движение прекратило свое существование в 1931 году после смерти Ван Дусбурга. Оно оказало огромное влияние на архитектуру и прикладное искусство Европы. см. Ван Дусбург, Мондриан

Импрессионизм
Направление в живописи, возникшее во Франции в 1860-х годах. Художники-импрессионис- ты воспевали красоту природы, увиденной во всем великолепии естественного освещения - будь то рассвет, яркий полдень или вечерние сумерки. Их чрезвычайно занимала проб- лема взаимоотношения света и цвета, свои картины они писали открытыми мазками чисто- го красочного пигмента. Они совершили также переворот в выборе сюжетов, отказавшись от традиционных исторических, религиозных или литературных тем, и обратились к сце- нам повседневной жизни. Название направления, данное вначале в насмешку неким журна- листом, обязано своим происхождением картине Клода Моне Впечатление. Восход солнца (от французского impession - впечатление). см. Дега, Кайбот, Кэссет, Мане, Моне, Моризо, Писсарро, Ренуар, Сислей

Кемден-Таунская группа
Группа английских художников, объединившихся в 1911 году. часто собиралась в мас- терской Уолтера Сикерта в северной части Лондона. Художники группы черпали свои сю- жеты из жизни рабочих слоев города. Отношение к форме и колорит их произведений от- разили влияние искусства Ван Гога и Поля Гогена. В 1913 году члены группы объедини- лись с представителями другого направления, вортицизма, и образовали так называемую Лондонскую группу. см. Гилмен. Сикерт

Кинетическое искусство
Этот термин используется для обозначения произведений, заключающих в себе реальное или видимое движение. Впервые идея подобного творчества была сформулирована в 1920-х годах, но своего последовательного развития она достигла лишь в 1950-1960-е годы. Кинетическое искусство может быть простым (как, например, движимые воздушными пото- ками мобили Александра Колдера) или более сложным (приводимые в движение мотором скульптуры Жана Тинге-ли). Термин применяется также по отношению к произведениям, в которых иллюзия движения создается с помощью световых эффектов. см. Колдер, Тингели

Кобра
Международное объединение художников, существовавшее с 1948 по 1951 год. Слово Кобра было образовано по начальным буквам названий городов, в которых жили учредители объ- единения (Копенгаген, Брюссель, Амстердам). Целью движения Кобра было открытое выра- жение в живописи подсознательных инстинктов. Чтобы придать своим произведениям жиз- ненную силу, художники использовали метод пастозного наложения краски и кричащие то- на. В отличие от представителей чисто абстрактного искусства, они уделяли особое внимание разработке фантастических образов, навеянных фольклором и мистическими представлениями Севера. см. Апель

Конструктивизм
Направление абстрактного искусства, зародившееся в России в 1913 году. Конструкти- визм отбросил традиционные представления об искусстве во имя имитации форм и методов современного технологического процесса. Наиболее ярко это проявилось в скульптуре, где конструкция создавалась непосредственно из продуктов промышленного производства. В живописи те же принципы осуществлялись в двухмерном пространстве: абстрактные фор- мы и структуры располагались на плоскости наподобие архитектурного чертежа, напоми- ная элементы машинной технологии. Хотя <чистый> конструктивизм существовал в России только в первые послереволюционные годы, его влияние ощутимо на протяжении всего XX столетия. см. Габо, Лисицкий, Мохой-Надь, Попова, Родченко, Татлин

Концептуальное искусство (концептуализм)
В концептуальном искусстве стоящая за произведением идея (концепция) оказывается важнее технического совершенства исполнения. Концептуализм стал ведущим направлением в международном искусстве 1960-х годов и осуществился во множестве разнообразных проявлений. Концепция может передаваться различными способами, в том числе с помощью текстов, карт, видеофильмов, фотографий и перформан-сов, а произведение может де- монстрироваться в галерее или быть созданным специально для определенной местности. В некотрых случаях сам пейзаж становится составной частью произведения - как, напри- мер, в лэнд-арте Ричарда Лонга или скульптурах Кристо. Концептуализм заимствует свои идеи из философии, феминизма, психоанализа, кино и политики. Образ художника как создателя в первую очередь идей подрывает традиционные представления о статусе авто- ра и произведения, делает конечный результат творения несущественным. Arte Povera - одно из направлений концептуализма, возникшее первоначально в Италии, - развивало эту идею, используя банальные материалы и мусор (например, в творчестве Йозефа Бойса и Марио Мерца). см. Бойс, Бюрен, Виола, Кристо, Лонг, Мерц, Науман

Кубизм
Этот новаторский метод создания живописного образа был изобретен Пабло Пикассо и Жоржем Браком в первом десятилетии XX века. На первый взгляд абстрактное и геомет- рич-ное, искусство кубизма передает реальные объекты. Они лишь <расплющены> на холс- те так, что разные грани одного и того же предмета видятся одновременно с разных то- чек зрения. Вместо того, чтобы создавать иллюзию предмета в пространстве, как это пытались делать художники, начиная с периода Возрождения, кубизм воспроизводит объ- екты в категориях двухмерного холста. Создание кубизма привело к радикальному пере- осмыслению взаимоотношений формы и пространства и навсегда изменило развитие запад- ного искусства. см. Архипенко, Брак, Грис, Леже, Пикассо

Маньеризм
Маньеризм - дальнейшее развитие стиля Возрождения -считается обычно ответной реакци- ей на гармонию, порядок и совершенство искусства XV и начала XVI века. Этот стиль, распространенный в Италии между 1520 и 1600 годом, характеризуется ярким, почти кри- чащим колоритом, изысканным построением композиции, преувеличенными формами и драма- тическим движением. Название происходит от итальянского слова manien. (манера, стиль) и призвано указывать на грацию, уравновешенность и гармонию. На протяжении веков термин менял свое содержание; однако чаще всего он применяется по отношению к художникам, в чьем творчестве открыто демонстрируется великолепное мастерство, при- чудливое воображение и виртуозность кисти. см. Бронзино, Джамболонья, Джулио Романо, Пармиджани-но, Понтормо, Россо Фьорентино, Тинторетто, Челлини, Эль Греко

Метафизическая живопись (Pittura Metafisica)
Создателями метафизической живописи, возникшей в Италии в 1917 году, были Джордже де Кирико и Карло Карра. Для нее характерна искаженная перспектива, неестественное ос- вещение и странный мир образов, в котором вместо людей часто фигурируют манекены и статуи. Помещая свои объекты в чуждый для них контекст, художники этого направления стремились создать магическую атмосферу сна. В этом отношении метафизическая живо- пись имеет много общего с сюрреализмом, но в отличие от последнего она обладает очень статичной композиционной структурой и любовью к архитектурным построениям. см. Дельво, Карра, Де Кирико

Минимализм
Направление в живописи и скульптуре, распространившееся в 1960-1970-е годы преиму- щественно в США. Как явствует уже из названия, искусство минимализма сведено к своей основной сущности; оно чисто абстрактно, объективно и анонимно, лишено внешней деко- ративности или экспрессивного жеста. Живопись и графика минимализма монохромны и часто воспроизводят математически правильные решетки и линейные структуры. В то же время минимализм способен пробудить возвышенные чувства и ощущения бытия. Скульпто- ры-минималисты используют промышленные процессы и материалы, такие кай сталь, пеноп- ласт или флюоресцентные трубки, для создания геометрических форм, часто - большими сериями. Подобная скульптура не прибегает ни к каким иллюзионистическим приемам, за- то рассчитана на тактильное восприятие зрителем. Минимализм можно рассматривать как реакцию на эмоциональность абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в искусс- тве на протяжении 1950-х годов. см. Андре, Джадд, Келли, Ле Витт, Мэнголд, Райман. Серра, Стелла, Флавин

Наби
Небольшая группа французских художников, работавших в 1880-е годы. Они считали себя последователями Поля Гогена и его метода живописи чистыми цветами. Их подход к ис- кусству сформулировал один из членов группы, Морис Дени: <Помните, что картина - прежде чем представлять боевого коня, или обнаженную женщину, или какой-либо анекдот - является плоской поверхностью, покрытой красками в определенном порядке>. Произве- дения Наби исполнены широкими тональными плоскостями, образующими самостоятельный цветовой узор. Помимо живописи члены группы занимались гравюрой, плакатом, книжной иллюстрацией, костюмом и театральными декорациями. см. Боннар, Валлотон, Вюйар, Дени, Майоль

Нео (неоклассицизм, неоэкспрессионизм, неоромантизм)
Приставка нео - (новый) означает возрождение направлений или идеалов искусства пред- шествующих эпох. Например, неоклассицизм - движение, возникшее во второй половине XVIII столетия - стремился вернуть классические ценности и воскресить благородный стиль древних греков и римлян. В живописи и архитектуре он характеризовался повышен- ным вниманием к линии и рисунку, уравновешенной композицией, а также частым обраще- нием к сюжетам античности. Неоэкспрессионизм - это тенденция в творчестве определен- ных художников США и Европы, особенно Германии, возникшая в конце 1970-х годов. Ху- дожники вновь обратились к выразительным возможностям экспрессионизма, создавая каж- дый раз глубоко индивидуальный стиль, часто заряженный агрессией и нервным напряже- нием. Неоромантизм обозначает сильно театрализованное направление в живописи XX ве- ка, соединяющее в себе черты романтизма и сюрреализма. см. (Неоклассицизм ) Альма-Тадема, Жак Луи Давид, Канова, Лейтон, Менгс, Пауэре, Прю- дон, Энгр; (Неоэкспрессионизм ) Ауэрбах, Базелиц, Бойд, Бомберг, Ки-фер, Клементе, Шнабель, Фринк; (Неоромантизм ) Пайпер, Нэш

Оп-арт
Направление абстрактного искусства, получившее развитие в 1960-е годы. Оп-арт (сок- ращение от английского Optical Art - оптическое искусство) построен на эффектах об- мана зрения. Художник как бы играет со зрителем, заставляя свои образы мерцать и пульсировать. Хотя само произведение остается статичным, формы и цвета подобраны так, чтобы создать оптическую иллюзию движения. см. Вазарели, Райли

Поп-арт
Движение в искусстве США и Великобритании, которое возникло в 1950-е годы и вдохнов- лялось образами массовой потребительской культуры. Комиксы, реклама и продукты про- мышленного производства послужили источником его образного мира. Один из творцов поп-арта - Ричард Хамильтон - определил его содержание следующими словами: <популяр- ный, недолговечный, преходящий, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный и Большой Бизнес>. Сиюминутность сюжета в живописи часто подчер- кивается с помощью техники, напоминающей эффект фотографии, а в скульптуре -тщатель- ным воспроизведением мелких деталей. см. Питер Блейк, Вессельман, Дайн, Джонс, Джоунс, Китай, Лихтенштейн, Ольденбург, Раушенберг, Розенквист, Сегал, Тибо, Уорхол, Хамильтон, Хокни

Ренессанс (Возрождение)
На протяжении всех Средних веков человек жил в страхе перед Богом и вездесущим при- сутствием церкви. Искусство изображало жизнь небес и святых и мало интересовалось событиями на земле. Однако, начиная с XIV века, человек стал осознавать свое значе- ние и воздействие на мир. Это возрождение интереса к человеку (ренессанс) нашло свое отражение и в искусстве: фигуры стали более жизненными, пространство - более реаль- ным, а события Священной истории начали излагаться в земной перспективе. Со временем художники научились легко воссоздавать окружающий мир на картинах, фресках и алтар- ных композициях. Начавшись со стилизованных работ Джотто и Мазаччо, Ренессанс полу- чил свое высшее выражение в монументальных произведениях Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Этот стиль обычно связывают только с Италией, но к северу от Альп - в Германии и Фландрии - он также получил независимое развитие. Художники итальянско- го Возрождения стремились в первую очередь передать перспективу и иллюзию пространс- тва, в то время как фламандские и немецкие живописцы уделяли больше внимания ювелир- ной передаче деталей окружающего мира. см. (Раннее Возрождение ) Фра Анжелико, Боттичелли, Вер-роккьо, Гиберти, Гирландайо, Джотто, Донателло, Филиппино Липпи, Мазаччо, Мантенья, Перуджино, Поллайоло, Пьеро делла Франческа, Синьорелли; (Высокое Возрождение ) Андреа дель Сарто, Фра Бартоло- мео, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан; (Северное Возрождение ) Аль- тдорфер, Ван дер Вейден, Грюневальд, Дюрер, Мабузе, Массейс, Эльсхеймер

Рококо
Легкий, игривый и декоративный стиль, возникший во Франции около 1700 года и расп- ространившийся в XVIII столетии по всей Европе. Название произошло от французского слова rocaUle, что обозначает причудливые украшения в виде раковин, которыми любили декорировать фонтаны и гроты. Будучи по преимуществу стилем внутреннего убранства, рококо отличается грацией, изысканностью и пастельной палитрой. Художники эпохи ро- коко обычно изображали эпизоды празднеств и увеселений аристократии, а также фри- вольные любовные сценки. см. Амигони, Буше, Ватто, Тьеполо, Фрагонар

Романтизм
Господствующее направление в искусстве Северной Европы и США в конце XVIII-начале XIX века. Проявления романтизма настолько разнообразны, что невозможно дать ему еди- ного определения. Романтики подвергли сомнению ценность точных наук и раскрыли роль личности и индивидуального воображения. Их произведения часто передают возвышенные чувства, такие как ужас, отчаяние, торжество и истинную любовь. Движение романтизма прекратило свое существование к середине XIX века, но романтическая тенденция сохра- нилась и дожила до XX столетия, проявившись в экспрессионизме и неоэкспрессионизме. см. Бирштадт, Уильям Блейк, Гойя, Жерико, Казенс, Констебль, Коул, Мартин, Олстон, Тёрнер, Фридрих, Чёрч, Этти

Экспрессионизм
Художественное течение 1905-1930 годов, сосредоточенное главным образом в Германии. Художники-экспрессионисты предпочитали воплощать внутренние движения души, а не яв- ления внешнего мира. Живописи экспрессионизма свойственна страстность, напряженность и глубоко личностный подход к картине, которая служит средством выражения эмоций. Пламенеющий колорит, далекий от реальных природных цветов, и нервный мазок наполняют экспрессионистические полотна трепещущей жизненной энергией. Неудивительно, что экс- прессионисты черпали вдохновение в живописи Ван Гога с ее новаторской техникой и не- обычайным колоритом. см. Бекман, Ван Гог, Кирхнер, Кокошка, Марк, Мунк, Нольде, Пехштейн, Руо, Сугин, Хеккель, Шиле, Шмидт-Роттлуф, Явленский

Символизм
Литературное и художественное течение, существовавшее во Франции в конце XIX века. Художники-символисты отрицали реализм и считали, что живопись должна воссоздавать мысли и состояния души, а не просто фиксировать предметы видимого мира. Различные в стилистическом отношении - от ювелирной тщательности отделки одних полотен до блед- ной безмятежности других, все произведения символистов передают ощущение сверхъес- тественного и потустороннего. Символисты любили писать сюжеты с религиозным или ми- фологическим подтекстом и часто обращались к темам смерти и греха. см. Моро, Редон

Сюрреализм
Сюрреализм возник во Франции в 1920-е годы. Говоря словами его главного теоретика, писателя Андре Бретона, его целью было <разрешить существовавшие доныне противоречия между мечтой и реальностью>. Способы достижения этой цели были самыми различными: художники с фотографической точностью изображали пугающие, лишенные логики сцены, создавали странные существа из набора привычных объектов или разрабатывали специаль- ную технику живописи для воспроизведения движений подсознания. Фигуративные произве- дения сюрреалистов представляют чуяодый человеку мир, населенный то образами мирных грез, то существами ночных кошмаров. см. Белмер, Браунер, Горки, Дали, Дельво, Кало, Магритт, Матта, Миро, Танги, Уодсворт, Эрнст

Фовизм
В 1905 году на выставке в Париже были показаны полотна, написанные пронзительно чис- тыми, резко контрастными цветами. Они производили впечатление огромной энергии и страсти. Некий критик заклеймил создателей этих картин словом lesfauves, означающем по-французски <дикие звери>, и название так и закрепилось за ними. <Дикость> фовис- тов проявлялась прежде всего в ярком колорите, динамичном мазке и чувственной выра- зительности их произведений, открывающих фантастический, полный радости мир красок и ощущений. см. Вламинк, Дерен, Ван Донген, Матисс

Футуризм
Одно из течений авангарда, возникшее в Милане в 1909 году. Его участники стремились освободить итальянское искусство от бремени прошлого и восславить современность. Фу- туристы были увлечены машинной технологией, новыми средствами передвижения и связи. Для придания своим произведениям динамичности они использовали угловатые формы и резкие контуры. Отличительной особенностью творчества футуристов было стремление пе- редать движение и скорость: обычно это достигалось с помощью приема наложения друг на друга разных положений одного и того же объекта - так возникало впечатление неп- рерывного движения. см. Балла, Боччони

 Абстракция
Одна из форм искусства, в которой художник не стремится воспроизвести окружающиймир. Термин применим по отношению к любому произведению, которое не изображает узна-ваемые объекты, но преимущественно используется для обозначения искусства XX века,отказавшегося от имитации реального мира. Среди первых художников-абстракционистовбыли Василий Кандинский, Пит Мондриан и Казимир Малевич.

 Акварель 
Краска, для изготовления которой используются водорастворимые связующие, например,гуммиарабик. Акварель обычно разводится водой до состояния прозрачности и наноситсяна бумагу широкими пятнами, известными под названием раз-мывки. Участки белой бумагичасто оставляют незакрашенными, чтобы создать эффект просвечивания, а пятна акварелизатекают друг на друга, образуя градации тона (Эмиль Нольде). Техника акварели оченьудобна для передачи атмосферных эффектов, поэтому она была особенно популярна средианглийских пейзажистов XVIII и XIX веков, таких как Джон Роберт Казенс и Джозеф Мэл-лорд Уильям Тёрнер.

 Акрил
Синтетический краситель, впервые примененный в 1940-е годы и соединивший свойствамасляных красок и акварели. Может быть использован для получения разных эффектов -оттонкого растекания краски (Морис Луис) до густого надо жения мазков (Давид АльфароСикейрос).

 Античный, классический
Термины, применяемые по отношению к цивилизациям Древней Греции и Рима, а также ихвлиянию на последующее искусство. Хотя в большинстве случаев они взаимозаменяемы,есть все-таки небольшая разница в употреблении этих двух терминов. Античный обозна-чает физические останки греческой и римской культур - архитектурные сооружения искульптуру; эта тема была особенно популярна в XVIII веке (Джованни Паоло Панини,Франческо Цуккарелли). Классический предполагает стилистическое продолжение античнойтрадиции (Жак Луи Давид, Хайрам Пауэре).

 Водоэмульсионная краска
- густая водная краска, напоминающая эмульсию. В сыром виде обладает фактурой масля-ной живописи, но после высыхания теряет блеск - в этом отношении похожа на гуашь. Вотличие от гуаши, однако, не рассыхается и не дает трещин, так что может служитьидеальной техникой для крупномасштабных произведений, например, настенной живописи.Изобретенная в XX веке, водоэмульсионная краска часто использовалась Лучио Фонтана.

 Гравюра
Для создания гравюры использовались различные техники: гравюра на дереве (ксилогра-фия), резцовая гравюра на меди, офорт, шелкография (сериграфия), литография. Ксилог-рафия относится к технике высокой печати, поскольку на печатной доске рельефом выде-ляется само изображение, а фон удаляется (Кацусика Хокусай). Резцовая гравюра иофорт относятся к техникам глубокой печати: изображение процарапывается (а в случаеофорта - протравливается кислотой) на металлической поверхности (Стенли Уильям Хей-тер). В шел-кографии и сериграфии краска наносится через трафарет на шелковую осно-ву, натянутую на рамку (Энди Уорхол). В литографии изображение наносится особым ка-рандашом на специально обработанный камень, с которого делают отпечатки (Альфонс Му-ха).

 Гуашь
Водная краска, создающая матовую непрозрачную поверхность. В качестве связующего длякрасочного пигмента используется особый клей, более светлые тона достигаются добав-лением белил (Вилфредо Лам). Этим гуашь отличается от прозрачной акварели (такжеводной краски), где тон разбавляется просто водой. Благодаря своей пастозной фактурегуашь может производить эффеет, подобный масляной живописи, однако при высыхании то-на гуаши становятся светлее, чем в момент наложения.

 Жанровая живопись
Живопись, изображающая сцены повседневной жизни, а не сюжеты из классической мифоло-гии или Священной истории. Жанровая живопись была очень распространена в ГЬл-ландииXVII века, и часто художники специализировались на изображении определенного типасцен - например, сцен в тавернах (Ян Стен), концертов или домашних интерьеров (ЯнВермеер). В XVIII столетии жанровая живопись получила распространение в других стра-нах Европы благодаря творчеству Жана-Батиста Шардена во Франции, Пьетро Лонги в Ита-лии и Уильяма Хогарта в Англии.

 Иллюминированные рукописи
Термин (образован от латинского слова Шиттпаге - украшать) употребляется по отноше-нию к красочно декорированным рукописям, созданным в период от Средневековья до Воз-рождения. Рукописи, написанные на пергаменте (особым образом обработанная телячьякожа), украшались цветными миниатюрами, рисунками на полях и орнаментированными заг-лавными буквами - инициалами (Андре Боневе, братья Лимбурги). С изобретением книго-печатания иллюминированные рукописи стали выходить из моды, и к началу XVI века ихпроизводилось уже сравнительно немного.

 Классический -
см. Античный Коллаж, фотомонтаж

 Коллаж
(название происходит от французского слова colter -наклеивать) - это техника, в ко-торой кусочки бумаги, ткани и другие небольшие объекты закрепляются на плоской по-верхности. В качестве художественного приема первыми использовали коллаж кубисты(Хуан Грис). Аналогичной техникой в применении к фотографии является фотомонтаж; онзанимал видное место в дадаизме (Рауль Хаусман) и сюрреализме, а впоследствии егоиспользовали художники поп-арта, например, Ричард Хамильтон. Кьяроскуро Chiaroscuroозначает по-итальянски светотень и употребляется для обозначения специфической,очень контрастной игры света и тени в живописи. Караваджо и Рембрандт широко пользо-вались этим приемом для достижения драматических эффектов. Особенно популярным кь-яроскуро было в XVII веке.

 Масло, Масляный карандаш
Масляная краска (масло) состоит из пигмента, создающего цвет, и связующего - обычноим является льняное масло. Ее изобретение относят обычно к XV веку и приписывают Януван Эйку В отличие от темперы, масло медленно сохнет и поэтому позволяет делать исп-равления в картине. Масляная краска накладывается кистью (Антон Рафаэль Менгс) илимастихином (Жан Поль Риопель) на холст, хотя в более ранние периоды использовалисьнекоторые сорта дерева, в частности, тополь. Масляный карандаш - недавнее изобрете-ние, он соединяет в себе свойства масляной живописи и рисунка пастелью (Жан МишельБаскья). Масляные карандаши бывают разного размера и могут употребляться как каран-даш для создания "чистого" рисунка или в растворенном виде как краска.

 Пастель
Графический материал в виде палочки, состоящей из красочного пигмента и связующего,в качестве которого используются смолы или камедь. Обычно пастелью работают на бума-ге, достигая разнообразных эффектов - от резко очерченных контуров до мягкой расту-шевки. Порошковый характер пигмента приводит к тому, что при отсутствии специальногозакрепителя рисунок пастелью легко разрушается. Изобретение техники восходит к Ита-лии XVI века, когда колорит пастели ограничивался черным, белым и терракотово-крас-ным цветами. Расцвет техники пришелся на XVIII столетие и был связан с увлечениемпастельным портретом. В XIX веке пастель пережила второе возрождение в работах имп-рессионистов (Жан Этьен Лиотар, Эдгар Дега).

 Стукко
Гипс, смешанный с растолченным в порошок мрамором и клеем, иногда укрепленный воло-сом или проволокой, применялся для изготовления скульптуры и архитектурных декора-ций. Наиболее широко использовался в XVI-XVIII веках, так как идеально подходил дляпышных украшений стилей барокко и рококо (Франческо Приматиччо). Декораторы, рабо-тавшие в технике стукко, могли добиваться эффекта мрамора, добавляя в смесь большиеколичества клея и красителей. Искусно сделанные произведения из стукко можно отли-чить от мраморных лишь благодаря тому, что они теплее на ощупь.

 Сфумато
Происходящее от итальянского слова fumo - дым, название сфумато определяет характермягкого перетекания тонов в живописи. Наложенные в манере сфумато, цвета как бырастворяются друг в друге, не образуя четких границ и производя эффект туманной дым-ки. Леонардо да Винчи - величайший мастер этого метода - продемонстрировал блестящиевозможности тонких градаций света и тени в своей знаменитой картине Мона Лиза (Джо-конда).

 Темпера
Водная краска, составленная из пигмента (в качестве пигментов использовались земли)с добавление яичных желтков, темпера была наиболее распространенной техникой станко-вой живописи вплоть до конца XV века (Чимабуэ, Жан Фуке). Писали обычно по белой ме-ловой основе (известной под названием gesso), которая накладывалась слоями на дере-вянную доску. Способность этой основы впитывать краску, а также быстрое высыханиесамой темперы требовали от художника точной и быстрой работы; переписывать темперубыло практически невозможно. Несмотря на то, что техника утратила свою популярностьпосле распространения масла, некоторые художники пользовались ею и в XX столетии(Джакомо Балла, Эдуард Уодсворт).

 Фигуративный
Фигуративным называется искусство, изображающее узнаваемые образы окружающего насмира. Эти образы могут быть воспроизведены буквально (Ричард Эстес) или сильно иска-жены (Жорж Брак). Наравне с термином фигуративное используется его синоним репрезен-тационное искусство.

 Фотомонтаж
- см. Коллаж

 Фреска
Фреска (от итальянского слова свежий) - это особый вид настенной живописи, в которомчистый красочный пигмент в виде порошка смешивается с водой и накладывается на по-верхность, покрытую свежим, еще не просохшим слоем штукатурки. Эта техника известнатакже как истинная фрески (buon fresco) в отличие от живописи по сухой штукатурке(fresco secco), не столь долговечной, так как красочный пиг мент не проникает сквозьповерхностный слой гипса. Фресковая живопись особенно хорошо сохраняется в сухомклимате, поэтому она широко применялась в Италии, начиная с позднего средневековья(Джотто, Фра Анжелико) вплоть до XVII века (Пьетро да Кортона).

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

А. Я. Головин, гимназистом почувствовавший влечение к искусству, поступил в 1881 г. в МУЖВЗ - сначала на архитектурное отделение, потом на живописное. Учился успешно, хотя попытки следовать новейшим тенденциям в живописи не раз вызывали неодобрение части профессоров. После выпуска, испытывая серьезные материальные затруднения, Головин был вынужден некоторое время зарабатывать ремесленной росписью интерьеров. В поисках собственного пути он многое перепробовал: занимался станковой живописью, декоративными искусствами - проектировал мебель и утварь, делал майоликовые панно, участвовал, вместе с К. А. Коровиным, своим другом, в оформлении русского кустарного павильона на Всемирной выставке 1900 г. в Париже.

Решающим поворотом в его жизни стало приглашение в Большой театр. Первые же работы - декорации к опере А. Н. Корещенко "Ледяной дом" (1900) и к опере Н. А. Римского-Корсакова "Псковитянка" (1901)- оказались удачными. В 1902 г. он был приглашен в Петербург на должность главного декоратора императорских театров. С тех пор его творчество и лучшие достижения надолго связаны с двумя столичными театрами - Мариинским (музыкальным) и Александрийским (драматическим). Одной из лучших работ, заставивших говорить о Головине как о смелом новаторе, было оформление "Кармен" (Мариинский театр, 1908), в котором он разрушил стереотипы восприятия известной оперы Ж. Бизе.

Головин работал и для "Русских сезонов" в Париже: оформил "Бориса Годунова" М. П. Мусоргского .(1908) и "Жар-птицу" И. Ф. Стравинского (1910) - спектакли, имевшие триумфальный успех.

В предреволюционное десятилетие Головин сотрудничал главным образом с выдающимся режиссером-новатором XX в. В. Э. Мейерхольдом, который нашел в нем идеального соавтора в осуществлении принципа "чистой театральности". Начало их сотрудничеству положил спектакль "У врат царства" К. Гамсуна (Александрийский театр, 1908) затем были поставлены "Дон-Жуан" Ж.-Б. Мольера (Александрийский театр, 1910) и опера "Орфей и Эвридика" К. В. Глюка (Мариинский театр, 1911), оформленные в духе так называемого традиционного театра, где стилизаторское воскрешение старых сценических средств и приемов использовалось для решительного обновления театральной эстетики. Их совместные работы в большинстве своем стали событиями истории отечественного театра. В спектакле Александрийского театра "Гроза" (1916) по пьесе А. Н. Островского, трактованной не как бытовая, а как национально-романтическая драма, действительность представала словно увиденной через восприятие возвышенной души героини. В опере А. С. Даргомыжского "Каменный гость" (Мариинский театр, 1917) в изображении Испании художник шел от романтизированных представлении об этой стране, выраженных в подчеркнутой символике цвета и орнаментального декора. Венцом творческого содружества Головина и Мейерхольда был спектакль по драме М. Ю. "Лермонтова "Маскарад", над которым они трудились в Александрийском театре несколько лет. Его премьера, состоявшаяся 25 февраля 1917 г., прозвучала мрачным реквиемом уходящей в прошлое России. Здесь чрезвычайно сложное и торжественное оформление составляло органическую часть полуфантастического театрального действия - роскошного и пугающего. "Маскарад" Головина завершил целую эпоху русской сценографии, подготовив ее выход на новые рубежи в следующем десятилетии.

После 1917 г. Головин в театре был занят гораздо меньше, чем прежде, фактически он оказался не у дел. В последний раз ему удалось блеснуть превосходными декорациями в известном спектакле МХАТа "Безумный день, или Женитьба Фигаро" (1927) по пьесе П. Бомарше, но следующая его работа, декорации к "Отелло" У. Шекспира, не нашла в том же театре понимания - спектакль вышел уже после смерти художника в сильно искаженном варианте оформления. Вынужденную бездеятельность Головин компенсировал тем, что занимался журнальной и книжной графикой (в частности, он создал в 1922 г. превосходные иллюстрации к "Двойнику" Э.-Т.-А. Гофмана) и, более всего, живописью.

Великий театральный художник, он был и незаурядным станковым живописцем, написавшим много портретов, преимущественно людей из своего окружения. Большой известностью пользуются его портреты Ф. И. Шаляпина в ролях Мефистофеля (1905), Олоферна (1908) и Бориса Годунова (1911), а также портрет В. Э. Мейерхольда (1917). Головин был и автором прекрасных пейзажей и натюрмортов, исполненных в его очень индивидуальном, с немалой долей декоративности, стиле.

Купавки. Б. г. Темпера

Страшная игральная. Эскиз декораций к драме М. Ю. Лермонтова "Маскарад". 1917. Гуашь, клеевая краска, золото

CrazyDD (Work_of_art) все записи автора

Художественное образование А. М. Герасимов получил в МУЖВЗ (1903-15), где его наставниками были крупнейшие русские живописцы рубежа XIX и XX вв. - А Е Архипов, Н. А. Касаткин, К. А. Коровин. У них он заимствовал широкую этюдную манеру письма, смелый мазок, сочный (хотя часто и грубоватый) колорит. Окончив в 1910 г. живописное отделение, он, чтобы продолжить занятия у Коровина, поступил на архитектурное.

После нескольких лет работы в родном Козлове, где прошли его детские годы, художник в 1925 г. вернулся в Москву. Здесь он присоединился к АХРР - ассоциации художников, совмещавших новизну советской политизированной тематики с традиционными живописными приемами именно поэтому художники АХРР лишь себя называли "реалистами", всех же прочих - "формалистами" и "эстетами", непонятными народу.

Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом, хотя нередко обращался и к пейзажной живописи, создав ряд тонких и лиричных по настроению пейзажей ("Март в Козлове", 1914 "После дождя. Мокрая терраса", 1935, и др.). Среди его портретов, индивидуальных и групповых, со временем начинают преобладать изображения людей высокопоставленных, руководителей государства и партии. Его большие холсты, не лишенные плакатного пафоса, - "В. И. Ленин на трибуне" (1930), "И. В. Сталин и К Е. Ворошилов в Кремле" (1938), "Гимн Октябрю" (1942) и др. - становятся образцами официального стиля советской живописи. А с конца 1930-х гг. Герасимов не только живописец, но и официальный руководитель художественной жизни страны, жесткий хозяин, возглавлявший основные творческие организации: председатель правления Московского отделения Союза художников (1938-40), председатель оргкомитета Союза советских художников (1939-54), президент АХ СССР (1947-57). На этих постах он был энергичным проводником, а отчасти и творцом художественной политики сталинских десятилетий.

Полдень. Теплый дождь. 1939. Масло

После дождя. Мокрая терраса. 1935. Масло

M_A_F_F_K_A (Work_of_art) все записи автора

Доброго времени суток!)

вот живопись, фотографию я очень люблю!!!

сама ходила с 5 лет в изостудию Третьяковской галереи)

и папа в Третьяковке работает... так что с детства всю ее не раз обошла...

вот фотография, тем летом фотографировала ->