"Славянские танцы" Дворжака и история их создания |
«Славянские танцы» — собрание шестнадцати пьес Антонина Дворжака, изданных двумя циклами op. 46 и op. 72. Изначально написанные для фортепиано в четыре руки, они почти сразу были оркестрованы самим автором и исполняются преимущественно в этом варианте. Принадлежат к числу самых известных сочинений Дворжака.
Ещё малоизвестный композитор, Дворжак бедствовал и очень нуждался в деньгах. Это подтверждает выданная ему в Пражском магистрате справка:
<…> Обследование подтверждает, что у него нет никакого имущества, что, кроме ежегодного жалования органиста в храме св. Войтеха в размере 126 крон и кроме 60 золотых, которые он получает за частные уроки ежемесячно, у него нет никаких побочных доходов.
Благодаря этой справке в 1874—1878 годах Дворжак получал государственную артистическую стипендию размером 400 золотых в год. На него обратил внимание член музыкального жюри И. Брамс. Тогда же, в 1877 году, супруги Неффы, для которых Дворжак писал «Моравские дуэты», втайне от композитора послали экземпляр этого сочинения Брамсу. Последний обратился к своему издателю Ф. Зимроку, предложив издавать многообещающего чешского композитора. Зимрок выпустил «Дуэты», не заплатив, однако, ничего ни Дворжаку. Одновременно он предложил Дворжаку написать цикл национальных фортепианных произведений по примеру «Венгерских танцев» Брамса. Само название нового сборника — «Славянские танцы» — принадлежит Зимроку. Дворжак принял предложение, и за короткое время с середины марта до 7 мая 1878 года создал первую серию «Танцев», как и у Брамса, для фортепиано в четыре руки. За неё он получил всего 300 марок, но для него это был, по выражению Й. Зубатого, «первый порядочный гонорар», посему он был чрезвычайно рад. Публика приняла сборник с восторгом. Весной-летом того же года Дворжак оркестровал его. «Танцы» имели огромный успех, исполняясь по всей Европе.
Зимрок стал просить продолжения. В письме ему, датированном 16 февраля 1880 года, Дворжак пишет: «Может быть, со славянскими танцами мы могли бы повременить хотя бы до осени? Сейчас я чувствую потребность написать что-нибудь серьёзное…». Ожидание затянулось, Зимрок настаивал всё твёрже. В 1885 году, встретившись в Карловых Варах, композитор и издатель договорились, что «Танцы» будут готовы летом 1886 года. Вторую серию «Танцев» op. 72 композитор писал с начала июня по 9 июля 1886 года, сочинив их снова для фортепиано в четыре руки. В письме от 21 октября Зимрок сообщает ему, что сборник вышел из печати и настаивает на его оркестровке: «Они так хороши для оркестра, как только можно себе представить! Гром и молния! Если Вы не сделаете этого сами, то я вынужден буду попросить кого-нибудь другого». В декабре Дворжак оркестровал вторую серию.
Славянский танец №1.
|
|
Енё Хубаи - выдающийся венгерский скрипач |
Е́нё Ху́баи или Хубай, Ойген Хубер (венг. Hubay Jenő, нем. Eugen Huber; 15 сентября 1858, Будапешт — 12 марта 1937, там же) — выдающийся венгерский скрипач, композитор, педагог.
Родился в музыкальной семье: отец — первая скрипка Венгерского оперного театра, профессор Музыкальной академии имени Ференца Листа. В 11 лет Ойген впервые выступил с концертом, в тринадцать начал учёбу у Йозефа Йоахима. В 1878, следуя советам Ференца Листа, дебютировал в Париже, имел большой успех. Концертировал во Франции, Великобритании, Бельгии, Нидерландах. В конце 1870-х принял венгерский вариант имени и фамилии.
Подружился с Анри Вьетаном. В 1882 возглавил кафедру скрипичного искусства в Брюссельской консерватории. В 1886 вернулся в Венгрию, возглавил Музыкальную академию имени Ференца Листа, вместе с виолончелистом Давидом Поппером основал Будапештский квартет. Скрипичное искусство Хубаи высоко ценил Брамс.
Автор вокальных и инструментальных сочинений, часто писал для скрипки, автор нескольких опер. Продолжил романтическую традицию Мендельсона и Шумана.
Учениками Хубаи были Йожеф Сигети, Штефи Гейер, Генри Вербрюгген, Геза де Крес, Брам Элдеринг, Барнабас фон Геци, Андре Гертлер, Юджин Орманди, Пауль Годвин, Тибор Варга, Сандро Матерасси и многие другие выдающиеся исполнители.
Имя Хубаи носит национальный скрипичный конкурс, музыкальный зал в Будапеште.
Совершенно очаровательная музыка, полная национального колорита, публика в восторге... )
Hubay Jenő: Hullámzó Balaton tetején
|
Метки: композиторы скрипачи |
Музыка ХХ века. Соната №6 для фортепиано Сергея Прокофьева |
Сергей Сергеевич Прокофьев (11 апреля 1891 — 5 марта 1953) — русский и советский композитор, пианист, дирижёр и педагог. Один из наиболее значимых композиторов XX века, автор 11 опер, 7 балетов, 7 симфоний, 8 концертов, многочисленных произведений вокальной и инструментальной музыки, музыки для кинофильмов и спектаклей. Народный артист РСФСР, лауреат Ленинской премии и шести Сталинских премий.
Прокофьев вошёл в историю как новатор музыкального языка. Своеобразие Прокофьева наиболее заметно в области гармонии. Композитор добился новых сверхмощных звучаний, основанных на диссонирующих медных духовых и сложных полифонических узорах струнной группы. Новаторство Прокофьева не всегда находило понимание у публики. Так, во время премьеры Скифской сюиты зал наполовину опустел. Среди покинувших зал был известный композитор, директор Петербургской консерватории А. К. Глазунов.
|
|
Два романса для скрипки с оркестром Бетховена |
Бетховен — ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии, два романса. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX веков.
Высокий гуманизм, подлинный демократизм, героическое величие, неиссякаемое духовное богатство, мудрость и человечность заключены в творениях гениального немецкого композитора. Для передачи своих мыслей и чувств он всегда находил новые выразительные средства, преобразовывая и обогащая традиционные музыкальные жанры. Истинный новатор, непреклонный борец, он воплощал смелые идейные концепции в удивительно простой, ясной музыке, доступной пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются эпохи, поколения, а бессмертная музыка Бетховена по-прежнему волнует и радует сердца людей.
Романс для скрипки с оркестром №2 фа-мажор
Второй скрипичный романс Бетховена – одно из ранних сочинений композитора, написанное предположительно в 1798 году. Те, у кого немецкий классик ассоциируется прежде всего с монументальными героическими концепциями, возможно, будут удивлены встрече с совсем другим Бетховеном в этом светлом лирическом произведении, созданном словно на одном дыхании. Романс относится к тому счастливому периоду жизни композитора, когда он, молодой провинциал, недавно приехавший в Вену, сумел за короткий срок приобрести известность и славу. Не желая ограничиваться популярностью пианиста-виртуоза, Бетховен продолжил совершенствоваться в исполнительском искусстве, беря уроки скрипичной игры у своего друга, выдающегося музыканта Игнаца Шупанцига. В результате этого творческого сотрудничества на свет появилось немало прекрасных сочинений для солирующей скрипки, среди которых Романс фа-мажор – одно из самых известных и любимых аудиторией.
Надежда Кулыгина.
|
|
Фантазия "Картины" оп.5 Рахманинова |
Крупным сочинением концертного плана является Фантазия "Картины" ор. 5, впоследствии получившая наименование "Первой сюиты для двух фортепиано". Произведение написано композитором в 1892 году и посвящено П.И.Чайковскому. В него входят следующие части: "Баркарола", "И ночь, и любовь", "Слезы", "Светлый праздник". В самом заглавии этого произведения подчеркнуто стремление к красочному звукописному воплощению образов. Каждая из четырех частей цикла снабжена стихотворным эпиграфом, поясняющим авторский замысел. Отталкиваясь от образов текста, он создает свободные музыкальные парафразы на них.
|
|
в мире прекрасной музыки |
АЛЕКСАНДР БЛОК
Я никогда не понимал,
Искусства музыки священной,
А ныне слух мой различал
В ней чей-то голос сокровенный.
Я полюбил в ней ту мечту
И те души моей волненья,
Что всю былую красоту
Волной приносят из забвенья.
Под звуки прошлое встает
И близким кажется и ясным:
То для меня мечта поет,
То веет таинством прекрасным.
Шарль Огюст де Берио́ (1802, Лёвен — 1870, Брюссель) — бельгийский скрипач, композитор, музыкальный педагог. С именем Берио связывают рождение франко-бельгийской виртуозно-романтической скрипичной школы. Учебник скрипичной игры Берио , переведённый на большинство европейских языков, вплоть до середины ХХ века был (по крайней мере, в России) самым распространённым учебным пособием, на его основе делали свои первые шаги многие поколения скрипачей. Наиболее существенная часть композиторского наследия Берио — десять концертов для скрипки с оркестром. В то же время и сольные скрипичные пьесы Берио, включая этюды педагогического назначения, наряду с технической виртуозностью достигают художественного блеска.
Берио. Скрипичный концерт №9 оп. 104.
|
|
Новогодняя сказка. Балет Петра Ильича Чайковского "Щелкунчик." |
«Щелку́нчик» — балет Петра Чайковского в двух актах на либретто Мариуса Петипа по мотивам сказки Э. Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король».
Премьера балета состоялась 6 декабря 1892 года в Мариинском театре в Санкт-Петербурге в один вечер с оперой «Иоланта». Роли Клары и Фрица исполняли дети, учащиеся Петербургского Императорского театрального училища, которое оба закончили лишь через несколько лет в 1899 году.
В разных редакциях есть разночтения в имени главной героини: Клара и Мари. В оригинальном произведении Гофмана имя девочки — Мари, а Клара — это её любимая кукла.
|
|
музыкальный салон |
Немного о салонах.
Салоны бывают разные: литературные, музыкальные, философские. Однако в деятельности многих салонов трудно выделить одну какую-либо направленность. Большая их часть носит разноплановый характер: литературно-музыкальный, художественно-философский и пр. Салонная культура в современном культурном наследовании выступает как память о культуре дворянства на историческом отрезке XVIII-XIX вв. Любая культура, в том числе и салонная, в конечном итоге отражает запросы, интересы, ценностные ориентиры людей определенного времени. И задача нынешнего дня - перенять все самое лучшее, что было в салонной культуре того периода.
Салонная культура - это форма организации культурной жизни, имеющая свои особенности: место проведения - гостиная частного дома влиятельного лица; особая роль хозяина (хозяйки) салона в организации его деятельности, декор гостиной, подбор гостей; соответствующие правила поведения, общения, речи и специфические занятия, главные из которых - общение на темы, связанные, в первую очередь, с искусством, занятие искусствами, камерность.
Именно в салонах общество знакомилось с культурой других стран, со знаменитыми исполнителями и композиторами, отечественные композиторы часто именно в музыкальных салонах начинали свою деятельность, черпали вдохновение, представляли свои сочинения.
Поменялись столетия и нравы, на смену балам пришли шумные дискотеки, и салонность потерялась в пропасти веков. Возрождение и продолжение традиций русских музыкальных салонов и салонного музицирования, возвращение слушателям забытых страниц отечественной музыки – такую цель ставят перед собой обычно организаторы новых салонов.
По сравнению с концертным залом, здесь нет сцены, отделяющей исполнителей от слушателей, а представляется возможность проводить вечера-встречи, общения, где угощения – это также атрибут салона – подчёркивает эстетическое начало мероприятия. Цель похода – не только насладиться концертом, но и найти круг общения, завести новые знакомства.
В салоне психологически комфортная атмосфера, которая способствует раскрытию творческих возможностей.
Сегодня прозвучат старинные вальсы, песни и Чардаш Монти в фортепианной аранжировке пианиста Александра Златковского. Он же и исполнитель этих произведений.
Вальс "На сопках Маньчжурии".
|
|
Фильм-концерт с певицей Галиной Писаренко |
Прекрасную творческую форму эта всемирно известная оперная и камерная певица сохраняла необычайно долго. А если под творчеством понимать не только исполнительство, но и педагогический труд, то им и сегодня наполнена ее жизнь – на многих престижных международных конкурсах ее ученики становятся лауреатами и победителями, а в лучших театрах мира поют ее выпускницы.
В чем же тайна творческого долголетия этой замечательной женщины?
Однажды Иван Семенович Козловский, мэтр вокального искусства, в разговоре со мной мечтательно произнес: «Сразу видно, что Боженька очень много Гале отпустил».
Действительно, это было так. Изначально Галина была многим одарена. Прежде всего, женским обаянием, тем, что немцы называют «ewige weib» – «вечная женственность».
Была одарена Галина и заботливой родней: сестры отца - Александра и Надежда Кузьмины взяли на себя труд ее воспитания после ранней смерти родителей. И первую профессию она выбирала по их совету.
Окончив школу с золотой медалью, Галина поступила в МГИМО, затем ее курс перевели на экономический факультет МГУ. Но параллельно она занималась пением — это было любимым. И, наконец, поступила в консерваторию.
В свой час пришла любовь. Ее избранник – молодой физик-теоретик Новомир Писаренко горячо сочувствовал стремлению своей юной жены петь и всеми силами помогал ей состояться как певице.
Но рядом с еще развивающимся талантом обязательно должен быть опытный педагог, который не только научил бы профессии, мастерству, но и имел бы непререкаемый авторитет в своем деле.
|
|
Судьба большого таланта |
Начну рассказ о выдающейся балерине ХХ века , Надежде Павловой, строками из романа "Евгений Онегин" Александра Сергеевича Пушкина.
Блистательна, полувоздушна,
Смычку волшебному послушна,
Толпою нимф окружена,
Стоит .... Она,
Одной ногой касаясь пола,
Другою медленно кружит,
И вдруг прыжок, и вдруг летит,
Летит, как пух от уст Эола,
То стан совьет, то разовьет,
И быстрой ножкой ножку бьет.
Надежда Васильевна, о которой выдающийся балетный педагог Асаф Мессерер сказал: «Надя Павлова загадала загадку по самому высокому счёту, какой только есть в искусстве», сегодня живёт в Москве. Она профессор, преподаватель в Российской академии театрального искусства и балетмейстер-репетитор в Государственном академическом театре классического балета.
Одну из самых юных народных артистов СССР, получившую это звание в 28 лет (в 1984 году), Павлову действительно называли «Надеждой и Славой русского балета».
|
|
Драма, лирика и эпос в музыке Яна Сибелиуса. К 150-летию композитора |
Музыка Сибелиуса возникла на перекрестке немецкой и русской школ - там слышны отголоски Бетховена, Брамса, реминисценции из Вагнера, Листа и Брукнера, Грига, Дебюсси, а также наши Чайковский и Могучая кучка и его, истинно национальное финское.
Драматическое содержание в ней сосуществует с лирическим и эпическим.
Большинство сочинений Сибелиуса для драматического театра (всего их шестнадцать) — свидетельство его особой склонности к театральной музыке: в частности, это «Грустный вальс» из музыки к пьесе шурина композитора Арвида Ярнефельта «Смерть» ; пьеса была впервые поставлена в Хельсинки в 1903 году.
Знаменитый вальс звучит в начале пьесы.
|
|
Фортепианные сонаты Муцио Клементи |
Современники называли Клементи «отцом фортепианной музыки» и королем сонат.
За пятьдесят лет работы в жанре фортепианной сонаты Клементи сочинил семьдесят четыре сонаты и сонатины. В связи с виртуозной и педагогической деятельностью самого Клементи, а также в соответствии с исполнительской практикой XVIII века, в сонатном творчестве композитора можно выделить две главные разновидности сонат: сонаты для виртуозов, отличающиеся крупными размерами и технической сложностью, и более компактные по размерам и технически несложные сонаты для любителей.
В ранние и зрелые периоды в творчестве Клементи преобладают сонаты бравурного характера, которые изобилуют техническими трудностями, требующие виртуозного исполнения, сонаты торжественного патетического характера. Сонаты, сочиненные в театральном стиле и для любителей – относятся к более позднему периоду его творчества.
Существенное значение для формирования клементиевской фортепианной сонаты имел особый социальный статус Клементи-музыканта. Он получил широчайшую известность в первую очередь не как композитор, а как солист-виртуоз. Виртуозное исполнительство и педагогика были не просто тесно связаны с его фортепианными сонатами, но даже подчиняли их себе.
Сонатное наследие дало толчок рождению новой раннеромантической виртуозной сонаты. Наряду с произведениями других композиторов, окружавших Гайдна, Моцарта и Бетховена, они позволяют если не полностью воссоздать, то, по крайне мере, до некоторой степени ощутить многокрасочность, разнообразие, богатство и плодотворность музыкальной жизни второй половины 18-начала 19 веков.
Текст из беседы о композиторе Клементи Евгении Осиповой.
Соната ор.26 №2
I. Piuttosto allegro con espressione 0:00
II. Lento e patetico 3:57
III. Presto 7:48
|
|
«ВРЕМЕНА ГОДА» |
|
| |
 | ЛЮДВИГ ШПОР (1784 - 1859) Шпор был одним из выдающихся виртуозов XIX столетия. Его игра отличалась не только совершенным мастерством, но и глубокой содержательностью. И тут он тоже шел своим курсом, не склоняясь перед авторитетами, будь то даже сам Паганини. Людвиг Шпор родился 5 апреля 1784 года в семье врача. Отец страстно любил музыку и хорошо играл на флейте, а мать — на клавесине. Музыкальные способности Людвига обнаружились рано. «Одаренный чистым сопрановым голосом, — пишет Шпор в автобиографии, — начал я сперва петь, и уже четырех-пяти лет мне разрешалось петь с матерью дуэтом на наших семейных вечерах... К этому времени отец, уступая моему горячему желанию, купил мне на ярмарке скрипку, на которой я стал беспрестанно играть». Затем родители отдали мальчика на обучение французскому эмигранту, скрипачу-любителю Дюфуру. Вскоре его перевели к педагогу Мокуру, концертмейстеру оркестра герцога Брауншвейгского. Неудивительно, что Людвиг поступил на службу в оркестр герцога. Когда ему исполнилось 15 лет, он уже занимал должность придворного камеры музыканта. Музыкальный талант не остался не замеченным герцогом. Он решил помочь юному дарованию продолжить образование. Но выбранные известные педагоги Виотти и Фридрих Экк по разным причинам отказали герцогу. Однако вместо себя Фридрих Экк предложил брата Франца, тоже концертирующего виртуоза. У него и занимался в 1802—1804 годах Людвиг. Франц Экк был требовательным педагогом. Он начал с того, что полностью изменил молодому музыканту постановку правой руки. «Сегодня утром, — записывает Шпор в дневнике, — 30 апреля (1802 года — авт.) г-н Экк начал со мной заниматься. Но, увы, сколько унижений! Я, мнивший себя одним из первых виртуозов Германии, не мог сыграть ему ни одного такта, который вызвал бы его одобрение. Напротив, я должен был, по крайней мере, раз десять повторить каждый такт, чтобы, наконец, хоть сколько-нибудь его удовлетворить. Особенно не понравился ему мой смычок, перестановку которого теперь я сам считаю необходимой. Конечно, вначале мне будет трудно, но надеюсь с этим справиться, так как убежден, что переделка принесет мне большую пользу». Для того чтобы развить технику игры, Шпор занимался по 10 часов в сутки. «Так удалось мне в короткое время достичь такого умения и уверенности в технике, что для меня уже не было ничего трудного в тогда известной концертной музыке». Став впоследствии педагогом, Шпор не забыл уроки юности и придавал большое значение состоянию здоровья и выносливости учеников. Вместе со своим учителем Шпор совершил путешествие в Россию. Здесь Экк тяжело заболел, и Шпор, вынужденный прекратить уроки, возвратился в Германию. В 1805 году Шпор поселился в Готе, где ему предложили место концертмейстера оперного оркестра. Вскоре он женился на Доротти Шейдлер, певице театра и дочери музыканта, работавшего в готском оркестре. Его жена также была музыкантом. Она настолько хорошо владела арфой, что считалась лучшей арфисткой Германии. Брак оказался очень счастливым. В 1812 году Шпор с феноменальным успехом выступает в Вене. В столице Австрии ему предложили должность руководителя оркестра в театре «An der Wien». Здесь же Шпор написал одну из своих самых известных опер — «Фауст». В Вене музыкант пробыл до 1816 года. В том же году во время гастролей в Италии игру Шпора в Венеции слушал Паганини. Он назвал его «единственным подлинным певцом скрипки». Шпор же в автобиографии так пишет о Паганини «Я слушал Паганини с большим интересом в двух концертах, данных им в Касселе. Его левая рука и струна соль достойны удивления. Но его сочинения, так же, как и стиль их исполнения, представляют странную смесь гениального с детски-наивным, безвкусным, почему они одновременно и захватывают, и отталкивают... » Из Вены Шпор переехал во Франкфурт, где работал капельмейстером в течение двух лет (1816—1817). 1821 год музыкант провел в Дрездене, а в следующем году поселился в Касселе, где занимал должность генерал-мюзикдиректора. В дальнейшем Шпор совершил ряд длительных концертных поездок Италия (1816—1817), Лондон, Париж (1820), Голландия (1835). В 1847 году состоялся торжественный вечер, посвященный двадцатипятилетию его работы в Кассельском оркестре. Через пять лет Шпор ушел в отставку, посвятив себя всецело педагогике. Последние годы его жизни он провел в горделивом одиночестве. Музыканта быстро забыли придворные меломаны. Ко всему в 1857 году он сломал руку и совершенно прекратил выступления. Прекрасный артист, еще недавно находившийся на вершине славы, умер в бедности и полном забвении 22 октября 1859 года. Но объективная история восстановила справедливость, ибо и под сенью великих современников Людвиг Шпор в немалой степени способствовал развитию музыкального искусства, которому служил с рыцарской преданностью. «Шпор был человеком гордым; особенно тяжело переживал, если в чем-то ущемлялось его достоинство художника, — пишет Л. Н. Раабен. — Однажды он был приглашен на концерт ко двору короля Вюртембергского. Такие концерты часто происходили во время карточной игры или придворных пиров. «Вист» и «хожу с козырей», стук ножей и вилок служили своеобразным «аккомпанементом» игре какого-нибудь крупного музыканта. Музыка расценивалась как приятная забава, помогающая пищеварению вельмож. Шпор категорически отказался играть, если не будет создана подобающая обстановка». Шпор не выносил пренебрежительно-снисходительного отношения знати к людям искусства. С горечью рассказывает он в автобиографии, как часто приходилось даже первоклассным артистам испытывать чувство унижения, выступая перед «аристократической чернью». Он был большим патриотом и страстно желал благоденствия своей родине. В 1848 году, в разгар революционных событий, он создал секстет с посвящением «написано... для восстановления единства и свободы Германии». Любимейшим композитором Шпора был Моцарт «Я мало пишу о Моцарте, так как Моцарт для меня все». К творчеству же Бетховена он относился почти восторженно. Исключение составляли сочинения последнего периода, которых он не понимал и не признавал. Скрипачом Шпор был замечательным. Шлетерер описывает его выступление «На эстраду выходит импозантная фигура, на голову выше окружающих. Скрипка под мышкой. Приближается к своему пульту. Шпор никогда не играл наизусть, не желая создать и намека на рабское заучивание музыкального произведения, что считал несовместимым ей званием художника. При выходе на эстраду он кланялся публике без гордости, но с чувством собственного достоинства и спокойно голубыми глазами обводил собравшуюся толпу. Скрипку он держал абсолютно свободно, почти без наклона, благодаря чему правая рука его поднималась сравнительно высоко. При первом же звуке он завоевывал всех слушателей. Маленький инструмент в его руках походил на игрушку в руках великана. Трудно описать, с какой свободой, элегантностью и мастерством он ею владел. Спокойно, точно вылитый из стали, стоял он на эстраде. Мягкость и грация его движений были неподражаемы. У Шпора была большая рука, но она соединяла в себе гибкость, эластичность и силу. Пальцы могли опускаться на струны с твердостью стали и одновременно были, когда нужно, так подвижны, что в самых легких пассажах не пропадал ни один трелевой удар. Не было штриха, которым он не владел бы с одинаковым совершенством, — его широкое стаккато было исключительным; еще более поражал звук огромной силы в форте, мягкий и нежный в пении... Окончив игру, Шпор спокойно кланялся, с улыбкой на лице покидал эстраду при буре несмолкаемых восторженных аплодисментов. Основным качеством игры Шпора была продуманная и во всех деталях совершенная передача, лишенная каких бы то ни было фривольностей и тривиального виртуозничания. Благородство и художественная законченность характеризовали его исполнение; он всегда стремился передать те душевные состояния, которые зарождаются в наиболее чистой человеческой груди... ». Ученик Шпора А. Малибран, написавший биографию своего учителя, упоминает о великолепных штрихах, четкости пальцевой техники, тончайшей звуковой палитре Шпора и, подобно Шлетереру, акцентирует благородство и простоту его игры. Шпор не терпел «подъездов», глиссандо, колоратур, избегал скачущих, прыгающих штрихов. Его исполнение было истинно академичным в высоком значении этого слова. Как было сказано выше, Шпор никогда не играл наизусть, что делали в то время многие исполнители. Однако его игра по нотам объяснялась определенными эстетическими принципами. Позднее и своих учеников Шпор заставлял играть только по нотам. Он говорил, что скрипач, играющий наизусть, напоминает ему попугая, отвечающего заученный урок. Репертуар Шпора в первые годы, кроме собственных произведений, включал концерты Крейцера, Роде. Затем он исполнял в основном собственные сочинения. С именем Шпора связаны некоторые нововведения в области скрипичной игры и дирижирования. Так, он является изобретателем подбородника. Именно Шпору приписывается и применение дирижерской палочки. На Франкенгаузенском музыкальном празднике в 1810 году музыкант дирижировал палочкой, скатанной из бумаги. Поначалу этот невиданный дотоле способ управления оркестром поверг всех в изумление. Но довольно скоро дирижеры поняли его преимущества. Шпор был и первоклассным педагогом, пользовавшимся европейской известностью. Ученики съезжались к нему со всех стран. Даже из России к нему был прислан крепостной по фамилии Энке. Шпор воспитал более 140 крупных скрипачей-солистов и концертмейстеров оркестров, среди которых Ф. Давид, М. Хауптман. В 1831 году вышла из печати его «Скрипичная школа», которая долгое время верой и правдой служила молодым музыкантам. Это было практическое учебное пособие, содержавшее эстетические воззрения, взгляды ее автора на скрипичную педагогику. Характерно, что еще в «Русской музыкальной газете» за 1909 год можно было прочесть, что на этой скрипичной школе учится масса русских скрипачей. Он воспитывал в ученике ответственное отношение к уроку. Обязательной для всех учеников была игра в ансамбле и оркестре. «Скрипач, не получивший оркестровых навыков, подобен дрессированной канарейке, которая от выученной вещи накрикивается до хрипоты», — писал Шпор. |
|
|
Концерт для фортепиано с оркестром Муцио Клементи |
Время, в которое творил Клементи – это 18 век. Век великих композиторов, а точнее венских классиков. У него было много почитателей таланта.
Современники называли Клементи «отцом фортепианной музыки». Основатель и глава так называемой лондонской школы пианизма, он был блестящим виртуозом, поражал свободой и изяществом игры. Клементи воспитал в свое время целую плеяду замечательных учеников, во многом определивших развитие фортепианного исполнительства на долгие годы вперед, среди них такие известные музыканты, как Фильд, Кленгель, Крамер, Мейербер. Свой исполнительский и педагогический опыт композитор обобщил в уникальном труде «Методика игры на фортепиано», явившемся одним из лучших музыкальных пособий своего времени.
Как композитору Клементи, принадлежит ряд фортепианных пьес , среди них – оратории и увертюры, концерты для фортепиано с оркестром, органные и фортепианные пьесы. Свой исполнительский и педагогический опыт Клементи обобщил в труде «Методика игры на фортепиано», явившемся одним из передовых методических пособий своего времени.
Клементи не только композитор, он дирижер, педагог. Также принял непосредственное участие в усовершенствовании фортепианной механики. Как издатель выпустил в свет сочинения современников, в том числе впервые в Англии – ряд произведений Бетховена, а также собственные обработки сочинений композиторов 18 века. В 1823 году Клементи участвовал в составлении и издании первой большой музыкальной энциклопедии.
Из итальянских мастеров наибольшее влияние на Клементи оказал Д.Скарлатти. Виртуозный клавирный стиль его композиций явился для Клементи образцом и своеобразным фондом. Творчески его, переработав, он создал собственный новаторский, виртуозный фортепианный стиль.
Concerto in C Major (1796)
1-Allegro con spirito
2-Adagio e cantabile, con grande espressione (Cadenza: Vassil Kazandjiev) (09:07)
3-Presto (15:54)
Pianist: IVAN DRENIKOV
"Sofia Soloists" Chamber Ensemble
Conductor: VASSIL KAZANDJIEV
|
|
К 150-летию со дня рождения классика финской музыки-Яна Сибелиуса |
|
|
«Забытые мотивы» Н.К.Метнера |
|
|
|
Великие концерты Великого Иоганна Себастьяна Баха |
Иоганн Себастьян Бах (Johann Sebastian Bach)
Годы жизни: 1685-1750
Бах был гением такого масштаба, что даже сегодня кажется явлением непревзойденным, исключительным. Его творчество поистине неисчерпаемо: после «открытия» баховской музыки в XIX столетии интерес к ней неуклонно возрастает, произведения Баха завоевывают аудиторию даже среди слушателей, которые обычно не проявляют интереса к «серьезному» искусству.
В своей музыке композитор опирался на все то, что было достигнуто и открыто в музыкальном искусстве до него. Бах превосходно знал немецкую органную музыку, хоровую полифонию эпохи Возрождения, особенности немецкого и итальянского скрипичного стиля. Он не только знакомился, но и переписывал сочинения современных ему французских клавесинистов итальянских скрипачей, крупнейших представителей итальянской оперы. Обладая удивительной восприимчивостью ко всему новому, Бах разрабатывал и обобщал накопленный творческий опыт.
Вместе с тем, он был гениальным новатором, открывшим для развития мировой музыкальной культуры новые перспективы.
Творческое наследие Баха почти необозримо, оно включает более 1000 произведений самых разных жанров. Произведения Баха можно разделить на три основные жанровые группы:
вокально-инструментальная музыка;
органная музыка,
музыка для других инструментов (клавира, скрипки, флейты и т.д.) и инструментальных ансамблей (в т.ч. оркестровая).
Произведения каждой группы связаны, в основном, с определенным периодом творческой биографии Баха.
Основные жанры, в которых работал Бах, традиционны: это мессы и пассионы, кантаты и оратории, хоральные обработки, прелюдии и фуги, танцевальные сюиты и концерты. Унаследовав эти жанры от своих предшественников, Бах придал им такой размах, которого они прежде не знали. Он обновил их новыми средствами выразительности, обогатил чертами, заимствованными из других жанров музыкального творчества.
Баховское творчество, при всей своей универсальности и всеохватности, «обошло стороной» один из ведущих жанров своего времени – оперу. Вместе с тем, мало что отличает некоторые светские кантаты Баха от комедийной интермедии, уже перерождавшейся в то время в Италии в оперу-buffa. Композитор нередко называл их, подобно первым итальянским операм, «драмами на музыке».
Концерт для органа in G minor.
|
|
Соловей - соловушка, буйная головушка, ты звени, ты звени... |
Эта прекрасная песня - песня замечательного композитора и человека Александра Егоровича Варламова. Сегодня исполняется 214 лет со дня его рождения.
Композитор, учитель, капельмейстер, певец, музыкальный критик,
Алекса́ндр Его́рович Варла́мов ( 27ноября 1801, Москва, Российская Империя — 27 октября 1848, Санкт-Петербург) — один из известных русских композиторов.
Романсы и песни А. Варламова — яркая страница русской вокальной музыки. Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не известны мелодии песен «Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метет» или романсов «Белеет парус одинокий», «На заре ты ее не буди»? По справедливому замечанию современника, его песни «с чисто русскими мотивами сделались народными». Знаменитый «Красный сарафан» пелся «всеми сословиями — и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика», и даже был запечатлен в русском лубке. Но судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен.
|
|
Иоганн Давид Хайнихен: Галантная придворная музыка |
Иоганн Давид Хайнихен(1683 – 1729) -придворный капельмейстер, композитор, музыкальный теоретик.
Обучался в Риме, Неаполе и Венеции. Композитор, писавший яркую музыку и проживший, как это часто бывает с талантами, не так уж много.
Он скончался от туберкулёза в 1729 г., когда ему было всего 46 лет...
С 1717 г. до самой смерти Хайнихен служил придворным капельмейстером в Дрездене - а это о чём-то да говорит!
Двор саксонского князя Августа являлся одним из главных музыкальных центров Европы.
Из музыкальных сокровищ Дрезденской придворной капеллы 18 века.
Иоганн Давид Хайнихен
Concerto a 7 in G-Major, Seibel 214
I. Vivace (0:00)
II. Largo (2:35)
III. Allegro (4:37)
|
|
Телеман - человек века Просвещения, эпохи Вольтера и Бомарше |
Хотя мы сейчас навряд ли разделим мнение современников Г. Ф. Телемана, ставивших его выше И. С. Баха и не ниже Г. Ф. Генделя, он действительно был одним из наиболее ярких немецких музыкантов своего времени. Удивительна его творческая и деловая активность: композитор, о котором говорят, что он создал столько произведений, сколько Бах и Гендель вместе взятые, Телеман известен также как поэт, талантливый организатор, создавший и руководивший оркестрами в Лейпциге, Франкфурте-на-Майне, содействовавший открытию первого в Германии публичного концертного зала, основавший один из первых немецких музыкальных журналов. Это далеко не полный перечень видов деятельности, в которых он преуспел. В этом жизненном тонусе и деловой хватке Телеман - человек века Просвещения, эпохи Вольтера и Бомарше.
С ранних лет успех в его работе сопровождался преодолением препятствий. Само занятие музыкой, выбор ее своей профессией поначалу натолкнулось на сопротивление матери. Будучи в целом широко образованным человеком (он учился в Лейпцигском университете), Телеман, однако, не получил систематического музыкального образования. Но это с лихвой компенсировалось той жаждой знаний и способностью к их творческому усвоению, которыми была отмечена его жизнь вплоть до глубокой старости. Он проявлял живейшую общительность и интерес ко всему незаурядному и великому, чем славилась тогда Германия. Среди его друзей такие величины, как И. С. Бах и его сын Ф. Э. Бах, Гендель, не говоря уже о менее значительных, но крупных музыкантах. Внимание Телемана к чужим национальным стилям не ограничивалось наиболее ценимыми тогда итальянским и французским. Услышав в годы Капельмейстерства в Силезии польский фольклор, он восхитился его "варварской красотой" и написал ряд "польских" сочинений.
1- Concerto in E minor - Allegro (00:00)
2- Der stürmende Aeolus (04:38)
3- Concerto for trumpet ans strings (06:52)
4- Concerto for violin - Vivace (14:54)
5- Flute concerto in C - Tempo di minuet (17:28)
6- Concerto Grosso - Allegro (23:18)
|
|
