Решил выложить своё творение, назвал "Танец Цветов", возможно кто-то оценит, что-то посоветует...

Записано в FL Studio.

Эксайтеры и энхансеры используются для того, чтобы изменять тональные качества звука. Но, в отличие от эквалайзера, который просто усиливает или ослабляет частоту, имеющуюся в сигнале, энхансеры могут создавать новые гармоники.

Эквалайзер не добавляет в звук дополнительных гармоник. Он применяется для усиления или ослабления существующей частоты. Эквалайзер используется для подчеркивания характерных обертонов музыкальных инструментов и усиливает определенную частотную область. В том случае, когда требуемых частот изначально мало, то эквализация не даст желаемого эффекта, либо вместе со слабым сигналом вытащит все нежелательные шумы.

В отличие от эквалайзера, эксайтер сам достраивает высшие гармоники, отталкиваясь от огибающих основных тонов. То есть происходит не усиление требуемых частот, а логичное добавление новых обертонов (гармоник).

Эксайтеры, как правило, создают чётные гармоники, кратные 2, (2, 4, 8...), что по слуховым ощущениям придаёт четкость и большую выразительность звуку, "объёмность" и "теплоту". При том, что общая громкость остаётся прежней. Отличием от гармонайзеров, которые, как правило, создают гармоники на всей полосе звукового сигнала, эксайтеры дают возможность выбирать частоты обогащения.

Но эксайтеры обладают и обратным негативным свойством: при длительном прослушивании у слушателя возникает желание постоянного увеличения насыщенности звука гармониками, так что после некоторого времени при слушании звука без эксайтера, запись, сделанная с его участием, может показаться перенасыщенной "кашей".

Теперь обратим наш взор на ламповые усилители, которые так часто нам преподносятся чуть ли не как единственные устройства, способные "качественно" усиливать звуковые колебания и передавать всю объёмность, теплоту и многие другие приписываемые свойства.

В настоящее время ламповые усилители являются объектом коммерции и спекуляции именно благодаря тому, что в их природе усиления звуковых колебаний заложен изначально механизм эксайтирования (но обычно на этом продавцы не любят заострять внимание, ещё бы, ведь именно благодаря этому эффекту, "теплота" которого и выдаётся за подлинное "качество" удаётся привлекать покупателей дорогой аппаратуры). "Аудиофилы", которые по совместительству часто являются продавцами ламповых усилителей, уверяют, что транзисторные усилители звука искажают сигнал, хотя фиксируемые приборами гармонические искажения почти у любых современных транзисторных усилителей звука во много раз меньше, чем у ламповых.

Коэффициент нелинейных искажений сигнала (КНИ, Kн, THD, THDf) – величина, выражающая степень нелинейных искажений сигнала, равна отношению среднеквадратичного значения всех высших гармоник сигнала к напряжению первой гармоники:

Коэффициент гармонических искажений (КГИ, Kг, THDr) – величина для количественной оценки нелинейных искажений, равная отношению среднеквадратичного значения всех высших гармоник сигнала, к среднеквадратичному значению спектральных компонентов всего сигнала кроме постоянной составляющей:

Соотношения связывающие обе величины:

Можно обобщить, что гармонические искажения - это такие искажения, которые кратны основному тону сигнала. Паразитные гармоники в спектре придают звучанию новый тембр и приводят к невосполнимым потерям в звуке. Часто гармонические искажения измеряют путём подачи синусоидального сигнала на вход звукового тракта с частотой 1000 Гц, с помощью специального фильтра в звуковом сигнале находят лишние гармоники и определяют их мощность.

Как известно, слуховое восприятие звука - вещь субъективная. Человеческое ухо безошибочно определяет звук, насыщенный гармониками, как более близкий или громкий, при сравнении с тем же звуком без гармоник. Например, звучание струны гитары или рояля при сильном ударе значительно более обогащается гармониками по сравнению с мягким звукоизвлечением, но все равно слушатель легко определит сильный удар как более громкий и близкий, даже если амплитуду второго сделать несколько больше первого.

Большая часть ламповых усилителей имеет коэффициент гармоник (коэффициент гармонических искажений) около 1%, что и дает эффект эксайтирования.

Следует отметить, что ламповые усилители служат гораздо меньше и имеют значительно больший расход энергоресурсов, по сравнению с транзисторной схемотехникой.

В настоящее время для получения эффекта эксайтирования используются цифровые процессоры эффектов и их программные аналоги (например в виде VST плагинов).

Каждый, кто покупает дешёвые наушники зачастую вынужден испытывать разочарование в своём приобретении.

Иногда такие наушники входят в поставляемый комплект с каким-либо плеером или телефоном.

Часто, спустя некоторое время, в наушниках появляется треск, посторонние шумы и другие неприятные эффекты. Довольно часто становится очевидно, что наушники натирают уши, неудобно и не прочно держатся на голове и имеют ещё целый ряд отрицательных качеств.

Профессионалы относят наушники, вставляемые в уши (вкладыши), к стереотелефонам самого начального уровня. Объясняется это просто: при их видимом удобстве и дешевизне наблюдается явный недостаток - низкое качество звука, в частности, слабость низких частот. Фирмы-производители безуспешно пытаются исправить это за счёт различных технических ухищрений, но невозможно из 9 мм мембраны вытянуть широкий частотный диапазон при одновременном соблюдении небольших размеров наушников.

, которые удовлетворили бы именно ваш запрос? Чтобы успешно выполнить данную задачу, необходимо подбирать наушники по следующим характеристикам:

Эта характеристика очень сильно влияет на качество звука наушников. Если вы замечаете шипение и металлический оттенок звука на очень низких или очень высоких частотах - это следствие несовершенства наушников в области частотного диапазона.

Как правило, особо важную роль играет низкий предел частотной характеристики. Если вы с особенным трепетом относитесь к качеству звука, то лучше выбрать наушники с повышенным качеством звучания - наушники с большим диаметром мембраны.

Несмотря ни на что, практически никакие из наушников-вкладышей с размером мембраны 9-12 мм не способны состязаться в чистоте звука с накладными наушниками или мониторами, которые имеют диаметр мембраны 30 мм и выше, что позволяет им значительно расширить частотный диапазон и улучшить качество звучания.

Среднее значение частотной характеристики, которую может воспринимать человек: 18-20000 Гц. Если частотный диапазон предлагаемых наушников более узок, следует трижды подумать прежде чем покупать такие наушники.

Чувствительность влияет на громкость звука в наушниках. Возможно для наушников-мониторов, всегда обеспечивающих хорошую громкость это и не актуально, однако при выборе вкладышей или накладных наушников “для улицы”, на это стоит обратить пристальное внимание.

Необходимо, чтобы наушники обеспечивали чувствительность не менее 100 дБ, иначе звук может быть слишком тихим при использовании наушников с плеером или тому подобными устройствами.

Также, старайтесь обращать внимание на то, какие магнитные сердечники применяются в наушниках. Не рекомендуется брать наушники-вкладыши малого диаметра мембраны, обладающие маломощным магнитом. Лучше всего остановить выбор на наушниках с неодимовыми магнитными сердечниками.

- как правило изготавливается в виде магнитного сердечника из сплава (в динамике, головном телефоне), содержащего редкоземельный металл неодим. Улучшает качество звучания высоких и низких частот.

Достигается облегчение конструкции наушников.

Если вы определились, что берёте наушники для крупной стерео системы, то перед вами может встать вопрос: остановиться на проводной или беспроводной модели? Рассмотрим их преимущества и недостатки.

Для наушников с проводом недостаток очевиден - это само наличие провода, которое стесняет движения.

В случае, даже если взять провод большой длины, вам не удастся сидеть на грядке в огороде, танцевать или просто разгуливать по квартире, наслаждаясь музыкой не запутав его.

Однако, в данном случае вам всегда гарантирован тот максимум чистоты звука, который способны выдать подобные наушники.

С беспроводными наушниками все иначе. Налицо полная свобода передвижения - некоторые модели обеспечивают такую хорошую передачу звука, что прослушивать музыку можно свободно передвигаясь по всей квартире, а зачастую и дальше.

Однако здесь особое внимание нужно обратить на качество передачи, частоту каналов и наличие автоматической подстройки.

Несмотря на то, что современные беспроводные наушники, как радио, так и инфракрасные способны без труда обеспечивать передачу звука с минимальными искажениями, всё же стоит обратить более пристальное внимание на вышеназванные характеристики.

Другой минус этого типа наушников - батарея. Очевидно, что срок службы батареи наушников должен быть достаточно долгим, чтобы обеспечивать многочасовое прослушивание. Хотя, наиболее удобными в данном случае будут наушники с аккумуляторами, с возможностью подзарядки.

По акустическому оформлению наушники разделяются на открытые и закрытые.

Закрытые наушники не пропускают никакие внешние звуки, в то время как открытые позволяют слышать звуки окружающей среды.

Несмотря на то, что акустическое оформление - дело вкуса, стоит предупредить, что открытые наушники дают более чёткую картину, тогда как в закрытых возникает небольшой резонанс. Кроме того, в целях безопасности, если планируется использовать наушники на улице - следует выбирать открытые модели.

Удобство и комфортность наушников - ещё одна очень немаловажная деталь. Здесь можно дать множество небольших советов.

Если наушники натирают уши - не используйте вкладыши, но используйте накладные наушники или мониторы.

Чтобы наушники не портили причёску - используйте наушники с лентой дужки, расположенной позади шеи.

Посмотрите на вес наушников - даже кажущиеся лёгкими с первого взгляда, некоторые модели могут вызвать неприятные ощущения после нескольких часов непрерывного использования.

Подвидом типа наушников-вкладышей являются модели с тонким пластиковым ободком - вкладыши с оголовьем. Такие наушники часто характеризуются наличием неплохих (по сравнению со всеми остальными вкладышами) низких частот, ободок же выполнен из специальной пластмассы, которая не сломается даже при самых немыслимых операциях с наушниками. К таким наушникам относятся SONY MDR-W08L. Кроме того, существуют спортивные модели вкладышей, они обладают повышенной степенью комфортности и эргономики. Функционируют эти модели подобно очкам, их с лёгкостью можно отрегулировать с учётом индивидуальных особенностей уха конкретного слушателя. Такие наушники выпускает фирма Bang & Olufsen.

Обращайте внимание на то из чего сделаны чашки наушников, на то, насколько эргономично они спроектированы, на то, насколько хороши возможности подстройки под диаметр головы и т.д.

Наличие регулятора громкости на шнуре, коробочка для хранения и тому подобные мелочи, способны сильно облегчить жизнь и сделать прослушивание музыки значительно приятнее.

Вообще говоря, наушники имеют целый ряд преимуществ и недостатков по сравнению с акустическими системами.

Преимущество наушников в том, что они способны за гораздо меньшую стоимость обеспечить широкий частотный диапазон и выдать сильное звуковое давление без искажений. К тому же на звук в наушниках не оказывает влияние акустические характеристики помещения, а мощный звук, в свою очередь, не действует на нервы вашим соседям.

К недостаткам наушников можно отнести неестественность представления пространственной информации. Всё дело в том, что когда вы слышите звук в помещении от акустических систем - каждое ваше ухо слышит звук не только от ближнего к нему излучателя, но и от дальнего. Именно основываясь на этой информации, человек может определять местонахождение источника звука в пространстве. В наушниках же каждое ухо воспринимает только звуки, идущие от предназначенного именно для этого уха излучателя, что в конечном счёте приводит к неестественности звучания и, как результат, к повышенной утомляемости. Правда, существуют устройства, называемые головными динамиками, избавленные от этого недостатка. К ним относится модель AKG K 1000.

Использован материал сайта FDSTAR: http://fdstar.com/2008/11/05/vybiraem_naushniki.html

Недавние революционные открытия аргентино-итальянского исследователя Хьюго Зукарелли (Hugo Zuccarelli) распространили голографическую (холографическую) модель на мир акустики.

Хьюго Зукарелли является изобретателем голофонической (холофонической) звуковой технологии.

Из соображений патентной тайны он до сих пор не обнародовал информацию, необходимую для полного понимания своего важного открытия. В дальнейшем изложении я использую материалы лекций, которые я прослушал, и собственный опыт слушания холофонического звучания во время трехдневного семинара в Милбре (штат Калифорния), в котором мы с моей женой Кристиной принимали участие.

В детстве, к несчастью, Зукарелли пережил потрясение, когда его чуть было не сшиб автомобиль. Жизнь ему спасла его способность точно локализовать звук приближающейся машины, не видя ее. Это вызвало в нем интерес к проблеме того, как различные животные локализуют звук в своем восприятии. После тщательного изучения и анализа механизмов, посредством которых животные различных видов добиваются точной идентификации источников звука, он пришел к выводу, что существующие модели слуха не могут объяснить важные характеристики человеческого акустического восприятия.

Ухо - орган слуха и равновесия. Состоит из наружного и среднего уха, проводящих звук, и внутреннего уха, воспринимающего его. Звуковые волны, улавливаемые ушной раковиной, вызывают вибрацию барабанной перепонки и затем через систему слуховых косточек, жидкостей и др. образований передаются воспринимающим рецепторным клеткам.

Традиционно, способность человека и некоторых животных локализации звука объясняется сравнением интенсивности звука, поступающего в левое и правое ухо. Изучая эволюцию данного механизма, Зукарелли обнаружил, что животные, у которых голова неподвижно связана с телом, например, крокодилы, двигаются всем телом, чтобы локализовать слух. У тех видов, у которых движения головы могут быть изолированы от движений тела, например, у птиц, для локализации звука используются движения головы. У большинства млекопитающих даже голова остается неподвижной, двигаются только уши.

Тот факт, что люди способны локализовать источник звука, не двигая головой и не изменяя положения ушных раковин, ясно показывает, что различие в интенсивности входного сигнала в правом и левом ухе - не единственный механизм, объясняющий человеческие способности в этой области.

Кроме того, даже те люди, чей слух повреждён с одной стороны, могут локализовать источник звука. На основании этих данных, Зукарелли предположил, что для того, чтобы адекватно объяснить все характеристики пространственного слуха, приходится постулировать, что человеческое слуховое восприятие основано на голографических принципах.

Это означает, что, вопреки существующим представлениям официальной медицины, человеческое ухо (точнее ушная раковина, благодаря своей форме) является не только приемником, но и передатчиком (вследствии отражений о стенки ушной раковины возбуждаются вторичные колебания).

Посредством электронного воспроизведения этого механизма Зукарелли создал технологию холофонического звучания: холофонические записи обладают поразительными возможностями воспроизведения акустической реальности со всеми ее пространственными характеристиками до такой степени, что без постоянного визуального контроля невозможно отличить записанное от реальных событий трехмерного мира. Вдобавок, при прослушивании холофонической записи событий помимо прочих чувств может возникать синестезия, то есть соответствующее восприятие в других сенсорных зонах.

Замечательные примеры такого рода синестезии можно пережить при прослушивании экспериментальной записи Зукарелли. Так, звук щелкающих рядом с головой ножниц вызывает реальное ощущение, что вам стригут волосы, шум фена создает ощущения потока горячего воздуха. Услышав, что кто-то зажигает спичку, вы явственно почувствуете запах серы или увидите вспышку света. Шепот женщины вблизи уха заставит ощутить ее дыхание.

Прослушать примеры записей, сделанных Зукарелли, можно на его официальном сайте:
http://www.acousticintegrity.com/acousticintegrity/Sound_Samples/Sound_Samples.html

Холофоническое звучание обещает глубокие теоретические и практические приложения во многих областях жизни - от переворота в понимании физиологии и патологии слуха до удивительных прорывов в области психиатрии, психологии и психотерапии, в средствах массовой информации, предпринимательстве, искусстве, религии, философии и многих других областях.

Перспективным представляется и применение холофонического звука в холотропной терапии. Особенно интересными были бы записи музыкальных отрывков, специально предназначенных для индукции или передачи необычных состояний сознания,трансовых музыкально-танцевальных представлений Бали, шаманских камланий, суфийской музыки, пейотных церемоний американских индейцев, песен перуанских аяхуаскеро и др.

Согласитесь, звучит абсурдно - ведь уши расположены, скорее, в плоскости “лево-право”, чем “верх-низ”. Итак, предлагаю вам прослушать пример # 1 через свои мониторы.

Пример # 1:

Мда..., слушаем вложенный звуковой фрагмент со звуком трясущегося спичечного коробка в движении вниз-вверх: и не слышим ничего особенного - ну трясут коробок перед микрофоном, ну меняется громкость - а волшебство то где?

Волшебство появляется чуть позже, когда начинаем прослушивать запись в наушниках... Дело в том, что для того, чтобы передать достоверно голофоническую запись, мониторы не подходят, поскольку вносят искажения в звуковой план.

Что происходит в этом аудио треке? Человек зажигает спичку, затем начинает трясти коробок, обходя слушателя вокруг, затем, трясет коробок, двигаясь вверх-вниз стоя перед слушателем и, повторяет это, стоя сзади и слева… и всё это отчётливо слышно в обычных стереонаушниках! Не верите? - Послушайте!

получила известность благодаря аргентино-итальянскому исследователю в области звуковых волн

в 1983 году.

В отличие от классической теории пространственной локализации объекта на основании разности длины звуковой волны, поступающей в левый и правый слуховые органы, Хьюго Зукарелли считает, что наши органы слуха не только принимают звуковые волны, но и создают их (принцип схож с локализацией объектов летучими мышами).

Хьюго Зукарелли научился записывать разность резонирующих частот (или что-то в этом духе - он так и не поделился своими технологиями, даже теоретически не намекнул, что использовал) собственной звуковой волны органов слуха и воспринимаемого объекта.

Обязательным условием реалистичного восприятия является прослушивание в стереонаушниках, так как разность звуковых волн также влияет на трёхмерное восприятие

Принцип голофонической (холофонической) записи использует многие наработки в области голографического изображения (отсюда и название

), что, в принципе, очевидно: если учёные смогли «обмануть» два глаза, воспринимающих световые волны, то почему бы не проделать то же самое с ушами и звуковыми волнами?

Зукарелли установил, что человеческое ухо – это не только приёмник звука, но и излучатель: согласно гипотезе, улитка уха распознаёт и анализирует звуковые образы так, если бы это была акустическая голограмма. Так, мозг обрабатывает эти данные и определяет направление источника звука.

Кстати, несколько учёных подвергали сомнению труды Хьюго, но его записи убедительнее любых слов. Далее, ещё один звуковой пример # 2 – женщина, шепчущая настолько близко к уху, что невольно ощущается её дыхание, присутствие её губ:

Пример # 2:

Цифровой способ воспроизведения голофонической записи требует вычислений нескольких потоков записи с эффектом присутствия (

), но детали процесса записи держатся в секрете, хотя, кое-какие догадки можно построить, проведя частотный/фазовый анализ этих примеров:

Во-первых, множественные сигналы в противофазе и постоянное ощущение объема позволяют предположить, что запись ведётся в реальном помещении – это сделать значительно проще чем, скажем, программно моделировать естественную реверберацию.

Во-вторых, заметно много инфранизких звуков, вполне способных достоверно передать «движение» или «дыхание» источника. Вдобавок к этому – низкочастотная область панорамируется наряду с другими частотами (что идёт вразрез с одним из основных принципов сведения музыки – «низ в центре»). Естественно, подобное звучание не сможет передать ни одна 5.1 звуковая система с сабвуфером посередине и маленькими СЧ-ВЧ колоночками по углам.

И, в-третьих, ещё одно предположение: вероятно микрофоны расположены так же, как и уши у человека. Это позволило бы создать звуковую картину, наиболее приближённую к естественному восприятию… Кстати, микрофонная пара

, вероятно, неплохое решение как раз для таких записей.

Neumann KU100 Dummy Head

Пример # 3: Виртуальная парикмахерская

Пример # 4: Колокольчик

Примечательно, что холофоническое звучание используется и в музыкальных композициях некоторых исполнителей:

Pink Floyd - “The Final Cut”, Harvest/E.M.I, (1982)
Roger Waters - “The Pros and Cons of Hitchhiking”, Harvest, (1984)
Psychic TV - “Dreams Less Sweet”, Some Bizzare (1983)
Ottmar Liebert & Luna Negra -”Up Close: the Fritz Files”

Прослушать характерные примеры голофонической записи предлагается на сайте http://www.acousticintegrity.com/acousticintegrity/Sound_Samples/Sound_Samples.html

Источники материала:

Хьюго Зукарелли и голофония, Музыка: голофоническая запись

Вокалист (от латинских слов vox — "голос" и vocalis — "звучащий") — музыкальная профессия, роль в музыкальном коллективе, предполагает исполнение различных вокальных партий.

Сейчас, термин вокалист почти совпадает с термином певец, но в современной эстрадной музыке трактуется несколько шире, в частности подразумевая возможность декламирования, речитатива и т. д.

Певец — тот, кто поёт, занимается пением. Исполнитель вокальной музыки: песен, романсов, арий, хоров, синглов и т. п. Музыкант, исполняющий музыку на музыкальном инструменте, которым является его собственный голос. Певец — наиболее распространённая разновидность вокалиста.

В классической музыке и в опере голос трактуется исключительно как музыкальный инструмент. Композиторы пишут музыку для этого инструмента, учитывая мастерство и особенности голоса певца.

Лидер-вокалист — участник музыкального коллектива, исполняющий преимущественно основные вокальные партии.

Бэк-вокалист — участник музыкального коллектива, исполняющий дополнительные, гармонические вокальные партии (своеобразные подпевки).

Существует различные системы классификации голосов (и певцов, соответственно). Какие-то из них учитывают силу голоса, то есть то, как громко певец может петь. Другие — насколько подвижен, виртуозен, отчётлив голос певца. Третьи включают немузыкальные характеристики, такие как внешние данные, актёрские способности и др.

Наиболее часто, используется классификация, учитывающая диапазон голоса и пол певца. Даже руководствуясь только этими двумя критериями, получается множество разновидностей:

:

• сопрано — высокий женский голос
• меццо-сопрано — средний женский голос
• контральто — низкий женский голос (в хоровой музыке принято называть просто альт)

:

• тенор — высокий мужской голос
• баритон — средний мужской голос
• бас — низкий мужской голос

Другие вокальные разновидности — колоратурное сопрано, драматический тенор, бас-баритон, бас-профундо. Существует даже категория певцов-мужчин, поющих в диапазоне женского голоса. Этот тип голосов редок, но до сих пор используется, в основном в опере. В музыке барокко многие роли были написаны для кастратов — певцов мужского пола, которым в мальчишеском возрасте была сделана операция кастрации для предотвращения мутации и для сохранения высокого как у женщины голоса. В современном вокальном исполнительстве эти роли может исполнять певец, владеющий развитой техникой пения фальцетом. Певцов такого типа именуют контратенорами (он же мужской альт).

— вопрос, несомненно, довольно общий: дело в том, что одних интересует, например, джазовая импровизация, другим достаточно уверенно чувствовать себя в караоке и т. д.

• академический (классический, оперный),
• эстрадный,
• джазовый,
• народный

При этом, в основе всего лежит именно академическая постановка вокала: она даёт свободу владения голосом.

При этом переход типа «джазовый в академический» может стать настоящей ломкой для певца, именно поэтому желательно сразу определиться, чему именно хочется учиться.

Важно понимать, что за 2-3 месяца научить петь профессионально невозможно даже людей с природной постановкой голоса и абсолютным слухом.

В случае с академическим вокалом первый год придётся петь только упражнения, вокализы (пение без слов — на «о-о-о» или «а-а-а») и простые песни.

Потом можно понемногу переходить к романсам и несложным ариям. Дело не в том, что в основе науки пения лежит какая-то техника, доступная избранным. На самом деле, как правильно петь, можно рассказать за полчаса, все остальное — дело тренировок.

В этом смысле, пение похоже на спорт. В зависимости от природных способностей будет получаться чуть быстрее или чуть медленнее, но в любом случае нужны упорные тренировки. Уроки вокала — это история на несколько лет.

Самая распространённая и самая правильная форма обучения вокалу — индивидуальные занятия с педагогом (здесь мы не касаемся ансамблево-хоровой школы — это целый отдельный мир).

Найти своего педагога довольно сложно, и даже рекомендации ничего не гарантируют: тут ещё важно сойтись чисто по-человечески, ведь вам придётся провести вместе очень много времени. Манер преподавания — ещё больше, чем разновидностей вокала, можно сказать, у каждого педагога своя манера.

Есть старая академическая школа, есть бывшие рокеры и т.д. Объединяет их конечно одно: не поющих преподавателей пения не бывает

.

Прошлый и/или настоящий успех вокалиста на сцене — ещё не гарантия того, что он научит вас хорошо петь.

Качество пения самого педагога напрямую не влияет на качество преподавания — более того, принцип «делай как я» тут не работает, поскольку голосовой аппарат у всех разный (у кого-то шея длиннее, у кого-то короче).

Один подробно расскажет про строение гортани (с рисунками и схемами) и как она должна встать, чтобы звук был правильный. Другой будет что-то говорить про купол во рту, а третий просто предложит взять в рот огурец.

Бывают и оригиналы, которые заставляют распевать разные неприличные слова: и это, оказывается, очень эффективно работает.

Стоимость индивидуальных занятий у разных педагогов колеблется от 300 р. до $100 за академический час.

Но опять-таки,

, исходить нужно скорее из собственных возможностей: заниматься необходимо минимум два раза в неделю (аккомпаниатор оплачивается отдельно).

— это кошмар всех начинающих вокалистов, поскольку идентифицировать его новичку довольно сложно. Халтура часто вскрывается только потом... например, переходе к более опытному специалисту, когда голос уже испорчен, — приходится переучиваться.

Если на уроках поётся несвободно и длительное время нет улучшений (первые хорошо слышимые результаты, в принципе, должны появляться уже через 8-10 уроков) или, ещё хуже, появляется боль в горле или сиплость — от такого педагога нужно бежать немедленно. При подобных проблемах можно обратиться к врачу-фониатру — он наверняка определит, что работа с голосом идет неправильно.

Зато начинать учиться вокалу можно когда угодно. Любому голосу отпущен определённый период, после которого он при активном использовании постепенно «стирается». Это примерно 30 лет. Так что, начав петь лет в 40, можно и не дожить до конца своей славы.

Вопиющий случай: пришёл учиться дедушка 70 лет, у него был шикарный баритон, тембр — как у молодого. Правда, склероз брал своё, и певец часто забывал... слова своих арий прямо во время выступления.

В музыкальные школы, как правило, берут только детей. А в любое музыкальное училище, готовящее академистов, нужно поступать уже с готовыми, отработанными произведениями (песня, романс, ария).

Если знакомых педагогов нет совсем, можно поискать в музыкальных консерваториях, или училищах — многие преподаватели вокала подрабатывают и частной практикой.

Чтобы избежать лотереи (увы, даже профессор может испортить ученику голос), сходите на концерты-зачёты, которые часто бывают общедоступными, и послушайте, как поют разные ученики, — это будет наилучшим свидетельством профессионализма преподавателя.

В конце концов, дойдите до ближайшего Дома культуры и узнайте, нет ли там студии эстрадно-джазового, народного или оперного вокала.

При любом раскладе не стесняйтесь своего неумения — практически любой хороший педагог с удовольствием берётся именно за неопытных учеников. Конечно, умение сыграть хотя бы простенькую гамму не повредит. Но даже те, кто не знает, что такое нотный стан, в процессе обучения вокалу все равно усваивают хоть какие-то основы музыкальной грамоты — во-первых, в этом нет ничего сложного, а во-вторых, просто нет другого выхода.

(от фр. genre – род), — исторически сложившееся подразделение, тип произведения в единстве его формы и содержания. Различаются по способу исполнения (вокальные, вокально-инструментальные, сольные), назначению (прикладные и др.), содержанию (лирический, эпический, драматический), месту и условиям исполнения (театральный, концертный, камерный, киномузыка и др.).

Историческая песня, ария, романс, кантата, опера, марш, вальс, прелюдия, соната — все это примеры различных музыкальных жанров. Каждый из них объединяет множество произведений. Вальсы, например, писали почти все композиторы XIX—XX вв. Таким образом, жанр — это определенный тип музыкального произведения, в рамках которого может быть написано неограниченное число сочинений. Жанры отличаются друг от друга особенностями содержания и формы, а вызваны эти отличия жизненными и культурными целями, своеобразными у каждого из них. Возьмем, например, марш. Вся его ритмика, фактура, мелодика и другие выразительные средства идеально приспособлены к шагу. Совсем другой пример — колыбельная. Здесь все иное: иная цель музыки, иное содержание и форма. Музыка колыбельной песни должна успокаивать малыша, окутывать теплой лаской, погружать в размеренный ритм укачивающих движений.

Удивительно и неисчерпаемо многообразие жанров, непосредственно связанных с жизнью. Врачевальные магические песни у казахов, песнопения лесных отшельников в древней Индии, песни, пробуждающие младенцев (наряду с колыбельными), — у якутов. В некоторых африканских общинах пение сопровождает судебные разбирательства, в арабских странах существовали своего рода песни-энциклопедии, песни-каталоги, в них перечислялись ремесла, звезды, ветры, племена. Своеобразны жанры музыкально-поэтических споров, состязаний. В искусстве трубадуров XI—XIV вв. таким жанром была тенсона — песня-диспут на художественные, психологические или философские темы. Азербайджанские дейишме — песни-диалоги. У эскимосов песенный спор имел более суровое значение: он был чем-то вроде бескровной музыкально-поэтической дуэли, разрешавшей жизненные конфликты. Побежденный удалялся из племени.

При неисчислимом разнообразии конкретных обстоятельств, в которых рождались жанры, их развитие имело и общие закономерности. Так, все народы в древности верили в то, что успех дела зависит от божеств, покровительства которых нужно добиться. Этой магической цели следовала музыка. Многократное, настойчивое повторение мелодий и ритмов превращало музыку в заклинание. Музыка помогала человеку в труде. Так родились песни, связанные с земледельческими работами, — покосные, жатвенные, молотильные; песни погонщиков верблюдов у арабов, прядильные песни, песни прачек в Европе. Важнейшие события истории, подвиги богатырей и народных героев легли в основу первых эпических жанров. У всех народов существуют семейно-бытовые песни — колыбельные, свадебные. В бытовых жанрах разных сословий постепенно намечалась и линия развлекательной музыки. В Киевской Руси IX—XI вв. она была представлена искусством скоморохов (см. Древнерусская музыка). В Англии XVI— XVII вв. это «маски», увеселительные представления с музыкой. Их предшественники — «междуяствия» XII—XIV вв., исполнявшиеся на пиршествах в перерывах между сменой блюд.

Борьба народа за свои права, революционные движения рождали музыку, которая сплачивала восставших и вдохновляла их на борьбу. Интонации мужества (призыва), солидарности звучат в песнях Великой французской революции 1789—1794 гг. Ими проникнуты песни, которые пели в предреволюционные годы в нашей стране, в годы гражданской и Великой Отечественной войн.

Жанры, непосредственно участвующие в жизни, иногда называют первичными, прикладными. По мере развития музыкального искусства возникали новые жанры, такие, как прелюдия, фуга, фантазия, симфония, инструментальный концерт, опера. Они уже не погружены в гущу жизни, а как бы приподняты над ней. Главная их цель — духовное обогащение человека. Жанры серьезной музыки потребовали от создателей напряжения всех творческих и личностных сил: гениальность человеческого мышления нашла в них яркое выражение. Не случайно имена И. С. Баха, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, П. И. Чайковского М. П. Мусоргского, Д. Д. Шостаковича произносятся с таким же уважением, как и имена У. Шекспира, И. Ньютона, А. Эйнштейна, Д. И. Менделеева. От слушателей жанры серьезной музыки требуют глубокого, сосредоточенного восприятия. Друг от друга эти жанры отличаются и содержанием, и формой. Вот перед нами симфония — один из самых емких и сложных жанров, по широте охвата жизни напоминающий роман или драму. Но можно ли представить себе, чтобы вся серьезная музыка состояла только из симфоний? Ведь симфония, как и опера, — произведение крупномасштабное, обобщенное по форме. А человек нуждается также и в художественном осмыслении самых тонких движений его внутреннего мира. И вот появляются в музыкальном искусстве жанры камерного плана: элегии, ноктюрны, лирические пьесы (см. Камерно-инструментальная музыка). Энциклопедией разнообразнейших человеческих чувств становится романтическая прелюдия. Фантазия увлекает слушателя свободным импровизационным полетом мысли. Фуга представляет образец строгого, сосредоточенного размышления (см. Полифония). Концерт вовлекает нас в атмосферу соревнования солиста и оркестра.

Жанры не отделены друг от друга непроходимыми перегородками, они непрерывно обмениваются средствами выразительности. Так, интонации первичных, прикладных жанров становятся языком более сложных. Иногда у них даже совпадают названия: вальс, мазурка, марш, песня. Но одухотворенный «Вальс-фантазия» М. И. Глинки резко отличен от предназначенных для танца вальсов. Некоторые из фортепьянных мазурок Ф. Шопена любовно подражают народным танцам, другие — бальным, но написаны они композитором не для танца, а для слушания. Большинство из них — настоящие поэмы в звуках.

Сложный музыкальный образ часто создается из интонаций различных жанров. Посмотрим, как это делает Чайковский в 5-й симфонии. Ее содержание — столкновение судьбы и человека. Идея судьбы воплощена в интонации фанфары. Наиболее ярко она представлена в медленной части симфонии: трубный глас судьбы грозно прерывает мирную жизнь, грубо вторгается в счастливые мечты и заставляет содрогнуться человека. Во вступительных тактах симфонии эта фанфара звучит глухо и тихо. Сплетаясь с чертами траурного шествия и сосредоточенного хорального песнопения, она производит впечатление тяжкого предчувствия. Но постепенно человек освобождается от гнетущих мыслей и пробуждается к деятельной жизни — в музыке соответственно зарождается неопределенное пока танцевальное движение, сдерживаемое ритмом траурного марша. Кружение жизни, устремленной к радости, становится все быстрее — символом этого трепетного счастья оказывается вальс.

Музыкальные жанры не остаются неизменными, они обновляются и развиваются. Появляются новые жанры, вызванные изменившимися условиями жизни: музыка к кинофильмам, пионерские и комсомольские песни, песни-марши борцов за мир (см. Пионерские песни, Киномузыка). Классические формы и жанры наполняются новым содержанием. Создаются произведения, вбирающие в себя особенности разных жанров. Это симфония-концерт для виолончели с оркестром С. С. Прокофьева, 12-я симфония Шостаковича для солистов-вокалистов и симфонического оркестра, концерт для оркестра «Озорные частушки» Р. К. Щедрина, симфонические мугамы «Шур» и «Кюрд-овшары» Ф. М. Амирова и др.

Стилем называется сумма всех элементов и приемов, использованных в музыке, её «итоговый» вид. В понятие стиля включается гармонический, мелодический, полифонический и ритмический материал, способы его использования, а также форма, инструментовка и прочие факторы, определяющие характер музыкального произведения, впечатление, которое оно производит на слушателя. Стили обычно классифицируются по композиторам и по эпохам. Например, мы можем говорить о «стиле Баха», имея в виду гармонический, мелодический, полифонический, ритмический и прочий материал, который характерен для большинства произведений Баха; в сравнении с этой нормой яснее выступают особенности, например, «стиля Бетховена». Кроме того, Бах был одним из крупнейших композиторов 18 в. и во многих отношениях воспроизводил нормы, свойственные другим авторам той эпохи, поэтому мы можем говорить о «стиле 18 в.», подразумевая «стиль большинства композиторов этого времени, в том числе и Баха».

Термин музыкальный стиль определяет систему средств музыкальной выразительности, которая служит для воплощения определенного идейно-образного содержания. Общность стилевых признаков в музыкальных произведениях опирается на социально-исторические условия, мировоззрение и мироощущение композиторов, их творческий метод, ка общие закономерности музыкально-исторического процесса. Соответственно выделяют стиль исторический, национальный, индивидуальный.

Искушенный слушатель свободно ориентируется в системе стилей и благодаря этому лучше понимает музыку, Он легко отличает, например, расчлененные, строгие и стройные, почти архитектурные формы музыкального классицизма от текучей массивности барокко, ощущает национальную характерность музыки С. С. Прокофьева, М. Равеля, А. И. Хачатуряна, по первым же звукам определяет, произведение какого композитора исполняется.

Музыкальные стили связаны со стилями других искусств. Как похожи, например, наполненные изящными и галантными украшениями пьесы для клавесина французских композиторов XVIII в. Ж. Ф. Рамо и Ф. Куперена на живопись в стиле рококо, пронизанную мелкими завитками линий! Как близка музыка К. Дебюсси, одного из ярких представителей музыкального импрессионизма, живописи, одухотворенной вибрацией света, мерцанием мазков, туманящих твердые контуры предметов! Эти связи также обогащают понимание музыки.

Своеобразие стилей выявляется в отличительных признаках, они сближают различные произведения одного стиля, в то же время отграничивая их от музыки иных стилей. Приметы стиля пронизывают решительно все стороны музыки — фактуру, ритм, мелодику, гармонию и др.

Но стиль не сводится лишь к сумме отличительных признаков содержания и формы. Он представляет собой живое единство, а не механический набор примет. Именно эта духовная глубина, неповторимость выраженного в произведении мироощущения композитора привлекают нас. Мы ясно чувствуем, например, мятущуюся и мечтательную душу романтика в музыке Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа, Г. Берлиоза. В энергии ритма, жесткости гармонии музыкальных произведений 1910-х гг. явственно слышится зарождение нового мироощущения, характерного для стиля XX в.

Наиболее отчетливо миросозерцательная основа выявляется в индивидуальном стиле. Ведь, сочиняя музыку, композитор вкладывает в нее всю душу, живет одной судьбой с героями своих произведений. И потому нет ничего удивительного в том, что склад его мышления, темперамент, характер, преобладающие настроения, мировоззрение, сам метод творчества находят выражение в музыке. Многие высказывания Л. Бетховена, например, раскрывают главное в его личности — стремление к преодолению трудностей, к борьбе. И в его музыке часто слышится волевой порыв, наталкивающийся на препятствия, преодолевающий их. Письма русского композитора А. К. Лядова раскрывают его как натуру созерцательную, спокойно любующуюся красотой. Любовь к тончайшей звукописи обнаруживается и в его музыкальном наследии.
Чтобы глубже понять своеобразие музыкального стиля, нужно прослушать несколько произведений. Единичное сочинение, особенно миниатюра, представит нам героя в какой-то одной ситуации, например в момент упоения красотой природы. Но каким он будет в минуту глубочайшей скорби, как проявит себя в жизненной борьбе, полной опасностей? Стиль же выражает отношение не к одной ситуации, а к жизни в целом, к миру. Эта мировоззренческая глубина — духовная сущность стиля - откроется лишь при знакомстве с разными произведениями.

В историческом развитии стилей слушатель увидит путь духовных исканий человечества, все более глубокого и полного осмысления меняющейся действительности, формирования новых идеалов человека.

По материалам музыкального проекта FDSTAR

— совокупность способностей, необходимых для сочинения, исполнения и активного восприятия музыки.

Музыкальный слух подразумевает высокую тонкость восприятия как отдельных музыкальных элементов или качеств музыкальных звуков (высоты, громкости, тембра), так и функциональных связей между ними в музыкальном произведении (ладовое чувство, чувство ритма, мелодический, гармонический и др. виды слуха).

Среди различных видов музыкального слуха, выделяемых по разным признакам, важнейшими являются:

Существует распространенное мнение, что музыкальный слух - это что-то почти уникальное - дар божий, и человеку, имеющему музыкальный слух, крупно повезло. Ведь ему можно петь, заниматься музыкой, и вообще, он, в некотором смысле, избранный.

Сколько людей испытывает чувство неполноценности, когда заходит речь о музыке, заявляя: "мне медведь на ухо наступил".

Действительно ли это такая редкость - музыкальный слух? Почему одни люди его имеют, а другие - нет? И вообще, откуда он взялся у человека? Зачем вообще появился? Может быть, это что-то вроде экстрасенсорных способностей?

Стоит вспомнить, что способности человека возникают не просто так. Всякая наша способность идет от жизненной необходимости. На двух ногах человек научился ходить потому, что ему нужно было освободить руки.

Примерно такая же ситуация и с музыкальным слухом. Эта функция появилась, когда живым существам потребовалось общаться при помощи звуков. У человека музыкальный слух развивался вместе с речью. Для того, чтобы научиться говорить, нам нужно уметь различать звуки по силе, длительности, высоте и тембру. Собственно, именно это умение люди и называют музыкальным слухом.

Способность узнавать по слуху любую ноту (до, ре, ми и т. д.) и воспроизводить ее голосом без предварительной настройки. Это относится и к звукам, исполняемым не только на музыкальных инструментах (сирена, телефонный звонок, стук по металлической трубе и т.д.).

Отличается от абсолютного тем, что для определения или пропевания нот на слух необходима настройка - звук или аккорд, относительно которого мысленно будет выстроен звукоряд.

Развивается в процессе обучения музыке.

Способность слышать и понимать строение мелодии (звуковысотность, направление движения и ритмическую организацию), а также воспроизводить ее голосом. На более высоком уровне развития - записывать нотами.

Развивается в процессе обучения музыке.

Способность слышать гармонические созвучия - аккордовые сочетания звуков и их последовательности и воспроизводить их голосом в разложенном виде или на музыкальном инструменте.

На практике это может выражаться, например, в подборе на слух аккомпанемента к мелодии, даже без знания нот или пении в многоголосном хоре.

Возможно его развитие даже при начальном отсутствии такой способности.

Внутреннее представление правильного звуковысотного интонирования, без воспроизведения голосом.

1. Внутренний слух, некоординированный с голосом. Начальный уровень.
   На практике выражается в подборе мелодии, возможно с аккомпанементом, по слуху на инструменте или понимании ошибок на слух в изучаемом произведении.
2. Внутренний слух, координированный с голосом. Профессиональный уровень. Результат серьезных занятий сольфеджио. Предполагает слышание и предслышание нотного текста и возможность работы с ним без музыкального инструмента.

Развивается в процессе обучения музыке.

Мысленное планирование внутренним слухом будущего чистого звука, ритмической фигуры, музыкальной фразы. Используется, как профессиональный прием в вокале и для игры на всех музыкальных инструментах.

Мы пользуемся музыкальным слухом, причем, очень точным, постоянно. Без него мы не узнавали бы людей по голосу. А ведь по голосу мы можем сказать о своем собеседнике еще очень многое. Он дает нам возможность определять, какое настроение у человека, с которым мы разговариваем, можно ли ему доверять и многое другое. Невербальные, то есть несловесные, характеристики речи дают нам порой гораздо больше информации, чем сказанные слова.

Можно ли в таком случае говорить, что у кого-то нет музыкального слуха? Да конечно, нет! У каждого человека, который самостоятельно научился говорить, есть музыкальный слух.

Отсутствие музыкального слуха - такая же редкость, как, например, врожденная слепота!
Конечно, у кого-то он может быть развит очень хорошо, а у кого-то похуже, но у подавляющего большинства людей музыкальный слух развит вполне достаточно, чтобы заниматься музыкой и достигать прекрасных результатов без специальных усиленных тренировок по развитию музыкального слуха. Проблема в том, что очень часто о музыкальных способностях судят по умению человека петь. Не умеешь петь - значит "медведь на ухо наступил", "нет музыкального слуха".

Но ведь чтобы петь, мало хорошо слышать. Нужно еще уметь хорошо владеть своим голосом. А управлению голосом нужно учится так же, как рисовать, танцевать или плавать.

А, кроме того, если Вы слышите, что поете плохо, то уж со слухом-то у Вас точно все в полном порядке!
И, наконец, если Вы любите музыку, слушаете ее, значит у Вас нормальный музыкальный слух, можете, на этот счет, не беспокоится.

Музыкальный слух, как любая функция нашего организма (например, умение плавать), развивается только тогда, когда мы им активно пользуемся. Если Вы будете играть на музыкальном инструменте или петь, это поможет Вам быстро развить музыкальный слух. Кстати, Дмитрий Кабалевский посвятил свою жизнь развенчиванию мифа об уникальности музыкального слуха. Он разработал целую систему, доказывавшую, что обучать музыке можно и нужно каждого человека. И результаты его деятельности показали, что успешно заниматься музыкой может практически любой человек.


Развитием музыкального слуха занимается спец. дисциплина — сольфеджио, однако активно музыкальный слух развивается прежде всего в процессе музыкальной деятельности.

Один из методов развития интонационного слуха - через движение, дыхательные практики и танец. Различные проявления музыкального слуха изучаются в музыкальной психологии, музыкальной акустике, психофизиологии слуха. Слух диалектично связан с общей музыкальностью, выражающейся в высокой степени эмоциональной восприимчивости музыкальных явлений, в силе и яркости вызванных ими образных представлений и переживаний.

Если у вас есть желание заниматься музыкой в том или ином виде, отбросьте всякие сомнения в своих способностях, действуйте, учитесь, и успех обязательно придет к вам!

Источник: сайт cj-ев и dj-ев

Какой звук может считаться музыкальным, а какой напротив, нельзя считать музыкальным?

Звук музыкальный — это звук, который обладает:

• определённой высотой (высота основного тона обычно от до субконтроктавы до до — ре пятой октавы (от 16 до 4000 — 4500 Гц);
• тембром, который определяется присутствием в звуке обертонов и зависит от источника звука. По тембру звуки очень разнообразны;
• громкостью, которая не может превышать порога болевого ощущения;
• длительностью.

В сущности, звук в физике - явление колебательного движения частиц в упругих средах, распространяющегося в виде волн, более всего часто мы воспринимаем звуки в воздухе.

Физическая особенность музыкального звука состоит в том, что звуковое давление в нём является периодической функцией времени (подробнее об этом: «Фейнмановские лекции по физике», том 4, глава 50 (Москва, изд. «Мир», 1967 год), а также «Элементарный учебник физики», том 3, глава II (издательство «Наука», 1972 г., издание 8-е, под редакцией академика Г. С. Ландсберга)).

Важной характеристикой звука считается его спектр - совокупность простых гармонических (синусоидальных) колебаний, на которые раскладывается звук, представленный чаще всего графиком соотношения амплитуд (образно выражаясь, размахом скачков) и частот (количеством скачков за единицу времени) этих колебаний.

Звук сплошного спектра слышится как шум. Все музыкальные звуки имеют линейчатый (или комбинированный, очень близкий к линейчатому - у фортепиано, к примеру) спектр. Такой спектр на графике выглядит как множество отрезков разной длины - множество тонов кратных частот и разной амплитуды, называемых в этом случае гармониками.

Первый отрезок самой низкой частоты и самой высокой амплитуды называется основным тоном, все прочие - обертонами, призвуками основного тона, их амплитуда в целом резко убывает с ростом частоты. Природа наделила эти звуки замечательным свойством - отношения частот основного тона и всех обертонов можно представить рядом натуральных чисел, поэтому восходящий по частоте ряд обертонов называется натуральным звукорядом.

Музыкальные звуки одной и той же длительности чётко количественно характеризуется высотой - восприятием на слух частоты основного тона, - и качественно различаются тембром, определяемым обертонами. Еще одной существенной субъективной характеристикой является громкость, зависящяя от интенсивности и частоты звука. Аппарат человеческого слуха довольно интересен - мы воспринимаем звуки с частотами приблизительно от 16 Гц до 20 кГц, ощущаем изменение громкости и высоты логарифмически (отсюда всестороненнее применение такой нелинейной относительной единицы, как Бел или дециБел) и наиболее чувствительны к звукам в диапазоне от 450 Гц до 5 кГц; они кажутся нам громче остальных при той же интенсивности, и именно в этом диапазоне, расширенном до нижнего порога слышимости, находятся все музыкальные звуки.

(от лат.

— восьмая) — музыкальный интервал, в котором соотношение частот между звуками составляет 1 к 2. Субъективно на слух октава воспринимается как устойчивый, базисный музыкальный интервал. Два последовательных звука, отстоящие на октаву, воспринимаются очень похожими друг на друга, хотя явно различаются по высоте.

(от лат.

— промежуток, расстояние, разница) — музыкальное соотношение двух ступеней, то есть звуков, имеющих определённые названия. Нижний звук интервала называется его основанием, верхний — вершиной.

организуются в музыкальную систему. В каждой октаве обычно используются лишь 12 звуков, отстоящих на полутон друг от друга. Динамические оттенки подчинены шкале громкостей, не имеющей абсолютных значений. В наиболее употребительной шкале длительностей соседние звуки находятся в отношении 1:2 (восьмые так относятся к четвертям, как четверти к половинам, и т. п.). Из музыкальных звуков строится музыка.

Все приставки - "чистая", "малая", "большая", "увеличенная", "уменьшенная" - помогают понять, какой же именно по тоновой величине простой интервал разделяет два звука в музыкальной системе, звукоряде. Например, в секунде до-ре один тон (большая секунда), а секунда ми-фа состоит всего лишь из полутона (малая секунда). Интервалы могут быть изменены - увеличены (из чистых и малых) и уменьшены (из чистых и больших) - для этого один из звуков интервала повышается или понижается на полутон. Такое действие для звука называется альтерацией. Возможно двойное увеличение или уменьшение интервала в случае разнонаправленной альтерации его основания и вершины. Всякая такая альтерация считается хроматизмом и не меняет качественного характера интервала - например, из чистой кварты до-фа понижением вершины получается уменьшенная кварта до-фа-бемоль. Она количественно не соответствует большой терции до-ми, но одинакова с ней по тоновому составу - это и есть интервалы, равные энгармонически.

• Большими и малыми могут быть секунды, терции, сексты и септимы;
• Чистыми могут быть примы, кварты, квинты и октавы;
• Увеличенными и уменьшёнными могут быть любые интервалы (за исключением уменьшённой примы, которая не может существовать на практике)
• Дважды увеличенными могут быть примы и кварты;
• Дважды уменьшёнными могут быть квинты и октавы

Обращением интервала называется перемещение его звуков на октаву вверх или вниз таким образом, чтобы они поменялись местами: верхний стал нижним, а нижний — верхним. При обращении качество интервала меняется на противоположное: большой становится малым, увеличенный — уменьшённым и наоборот. Чистый интервал остаётся чистым. При обращении простого интервала на октаву переносится один из его звуков, при этом сумма цифровых обозначений обоих интервалов всегда равна девяти.

Если требуется обратить составной интервал, на октаву переносятся оба его звука (верхний — вниз, нижний — вверх), при этом сумма цифровых обозначений обоих интервалов всегда равна шестнадцати.

Источник: FDSTAR. Электронная музыка. Сайт композиторов, CJ-ев и DJ-ев

Гипноз (греч. hypnos— сон) Измененное состояние сознания, характеризующееся сужением его объема и предположительно резкой фокусировкой на содержании внушения. Состояние гипноза наступает в результате специальных воздействий гипнотизера или целенаправленного самовнушения. В более общем смысле гипноз это социально-медицинское понятие о комплексе методик целенаправленного словесно-звукового воздействия на психику человека через заторможенное определённым способом сознание, приводящее к бессознательному выполнению различных команд и реакций.

Гипноз известен человечеству очень давно, его практиковали еще жрецы древнего Шумера. В античном мире на основе гипнотического транса строилась практически вся система пророчеств. Использовались подобные техники не только посвященными (жрецами и оракулами). Известно, в частности, что древнеримского философа Апулея современники упрекали в том, что он приводит в состояние гипнотического транса своих рабов с целью получить предсказание будущего.

Почему слушая музыку, изменяются наши чувства, эмоции? Мы успокаиваемся или возбуждаемся. Почему музыка управляет нами, заставляя нас совершать такие поступки, которые в обычном состоянии мы бы никогда не совершили? Ответ на это лежит в структурах нашего мозга.

О способности музыки воздействовать на человеческое сознание было известно еще нашим предкам. В давние времена шаманы вводили людей в состояние транса своими гипнотическими мелодиями. Но мир не стоит на месте: изменились люди, изменились и технологии. И если шаманы древних времен использовали барабаны и бубны, то у современных шаманов – DJ’s другое оборудование: вертушки, микшерный пульт и колонки.

Научно доказано, что такие звуковые инструменты, как человеческий голос, флейта, барабаны и другие ударные влияют на состояние мозга человека, точнее, на его нейрологическую активность.

Для правильного понимания данного вопроса сначала стоит вернуться к школьному курсу биологии. Оба мозговых полушария человека отвечают за различные функции. Левое отвечает за сознательное, вербальное, логическое, рациональное и аналитическое содержание. Правое же (недоминантное у большинства людей) полушарие наполнено абстрактным, синтетическим, визуальным и интуитивным контентом. Когда же у человека усиливается тета-активность1 и он входит в гипнотическое трансовое состояние, это обозначает что правое полушарие активно стимулируется. Ведь именно недоминантное полушарие (опять же для большинства) и позволяет людям входить в эйфорическое состояние своеобразной нирваны.

Главными «стимуляторами» для такого состоянии являются звуки и музыка, которые стимулируют повышение клеточной активности организма человека. Связь между недоминантным полушарием с пространственным и интуитивным аспектами человеческого сознания очень и очень тесна, поэтому музыка может вводить человека в, так называемое, трансовое состояние вообще без помощи каких-либо препаратов.

Часто мы можем увидеть выражение такого необычного состояние сознания (при стимулируемом недоминтном полушарии) в виде активного восприятие многих психических мотивов, таких как глубинные эмоции, фантазии и архетипичные конфликты и драмы. А именно в этом состоянии обостряются чувства, а восприятие становится более активным и утонченным. Проще говоря, чувствительность человека усиливается, он начинает воспринимать то, на что ранее не обращал внимания.

В мозгу завиксированны различные типы электромагнитных колебаний от медленного альфа ритма, до высокочастотного бета-ритма. Ритмы ЭЭГ взрослого бодрствующего человека:

- альфа-ритм - частота 8...13 Герц, амплитуда до 100 мкв. При повышении уровня функциональной активности мозга амплитуда ритма уменьшается и часто он полностью исчезает;

- бета-ритм - частота 14...40 Герц, амплитуда до 15 мкВ. Исчезает при выполнении или даже умственном представлении движения;

- мю-ритм - частота 8...13 Герц, амплитуда до 50 мкв.

(wichet) - аркообразный ритм, активизируется во время умственной нагрузки и психического напряжения;

- гамма-ритм - частота 40...70 Герц, амплитуда до 7 мкв.

"Высокочастотный бета-ритм".

-

- частота 4...6 Герц, амплитуда 40 и более мкв (до 300 мкв);

-

- частота 0,5...3 Герц, амплитуда 40 и более мкв;

, 13 Герц наблюдаются при нормальном состоянии, стрессе, состоянии тревоги.

, 8 -12 Герц -присутствуют при лёгкой релаксации , позитивных

настроениях и мыслеобразах.

, 4 - 7 Герц - Глубокая релаксация , медитация , усиленная работа с

памятью и состояние сосредоточенного внимания.

, 1-3 Герц - глубокий сон ,"ясные сновидения", активное включение в

работу иммунной системы.

- до конца не исследованы

Синхронизируя деятельность мозга на этих частотах, можно не только преднамеренно изменять своё состояние сознания, настроение, эмоции.

При наложении двух несколько различающихся частот возникают биения, соответствующие данной разнице. Мы наблюдали это при исследовании вокала оперных певцов. Эти биения могут быть и инфразвуковой частоты. Для мозга совсем неважно, каким образом вы вызываете не свойственный ему альфа-ритм.

Важно, что колебание инфранизкой частоты воздействует на центральную нервную систему и нарушает ее работу.

Можно подобрать такие ритмы и сочетания тонов в музыкальном произведении, что их гармоники, то есть, звуки с частотами, кратными частоте основного тона (именно они определяют тембр, характер звучания инструмента), и биения окажутся в инфразвуковом диапазоне.

Наиболее подходящими для такого подбора оказываются ударные инструменты: барабаны, литавры, тарелки и т. д. Для современных ударников, исполняющих так называемую поп-музыку, построены целые ударные агрегаты, на которых они "играют" всеми четырьмя конечностями. Звук, например, барабана при одиночном ударе носит взрывной характер (несет широкий сплошной спектр, содержащий все слышимые частоты).

При повторении ударов с частотой около 3-4 ударов в секунду наиболее сильно выделяются основная частота и ее гармоники, т. е. частоты около 6-8 Гц, 9-12 Гц и т. д. Остальные частоты несколько подавляются. Вы осознанно воспринимаете повторяющиеся удары и неосознанно подвергаетесь воздействию инфразвука. Вспомните, при исполнении опасных трюков в цирке оркестр "играет" барабанную дробь, усиливающую чувство тревоги. Это происходит именно из-за воздействия на ЦНС навязанных альфа-ритмов.

Музыке славянских народов присуща напевность, мелодичность, в ней практически нет взрывных повторяющихся звуков, способных образовывать инфразвуковые биения. Поэтому под нашу музыку легко размышлять, она способствует познанию окружающего мира. А вот музыка некоторых народов отличается обилием взрывных ритмичных барабанных звуков. Под такую музыку размышлять практически невозможно.

Попробуйте думать о чем-нибудь серьезном, одновременно слушая современную поп-музыку, - ничего не получится. А уж об абстрактном ассоциативном мышлении - единственном способе творчества - и говорить нечего. Поп-музыка мешает человеку учиться и творить. Поэтому народы, музыка которых основана на барабанных ритмах, существенно отстают в развитии.

По словам ученых, музыка оказывает физиологическое воздействие на мозг человека. Болгарский доктор Лозанов (Dr. Lozanov) обнаружил, что ритм очень сильно влияет на активность мозга и его работу.

Ученый пришел к выводу, что музыкальный темп, равный 60 ударам в минуту, на 6 % усиливает, так называемую, альфа-активность мозга, которая связанна с расслаблением. При этом тот же музыкальный темп уменьшает бета-активность мозга, связанную, прежде всего, с активностью и бодрствованием. В общем, при музыке с темпом, равным 60 ударам в минуту, у человека наступает медитационное расслабленное состояние сознания.

Так, играя с музыкальными частотами, ди-джей может повергнуть танцпол в и в эйфорическое состояние расслабленности и заставить оставить всю свою энергию на танцполе.

Согласно сведениям ученых, музыка с музыкальным темпом около 120 ударов в минуту способствует максимальной релаксации. Однако, казалось бы, еще более медленный темп, равный 240 колебаний в минуту не способствует расслаблению, а, напротив, агрессивно действует на мозг. А при музыкальных колебаниях 4-7 ударов в минуту как раз повышается мозговая активность человека.

Есть данные о том, что под действием барабанных ритмов в организме образуются так называемые

- вещества, сходные по своему химическому составу с наркотиками и избирательно раздражающие центры удовольствия. Не слыша барабанных или каких-либо других ритмов в течение длительного времени, человек, привыкший к слушанию поп-музыки, начинает испытывать неприятные ощущения. Музыка, содержащая ритмы ударников, сродни наркотику и может вызывать генетические изменения, ведущие к вырождению нации. В современной поп-музыке инфразвуковые гармоники и биения маскируются звучанием других инструментов, но пагубное их воздействие от маскировки не уменьшается.

К примеру, было установлено, что искусство шамана состоит в том, что он умеет совмещать ритм ударов бубна с импульсами головного мозга того человека, на которого направлены его заклинания. И тот становился чрезвычайно внушаемым, восприимчивым к кодированию набором ритуальных текстов и движений.

При прослушивании музыки её ритм входит в резонанс с ритмом мозговых структур. Любая музыка, воздействуя на мозговые колебания, изменяет эмоциональное состояние слушателя, тем самым вольно или не вольно вводит его в изменённое состояние сознания (транс). Одни мелодии делают это быстрее, другие медленнее. Большое значение здесь играет частота, амплитуда, ритмичность.

Музыкальные звуки оказывают влияние не только слуховые рецепторы человека: музыку можно слушать не только ушами, человек чувствует звуки всеми порами своего тела. А в зависимости от ритма, темпа, построения композиции, частот и использованных инструментов изменяется и состояние человека. Самая главная сфера влияния музыки – это нервная система, с которой правильные действия ди-джея могут совершить много «перевоплощений» с ней: взбудоражить и возбудить или успокоить и умиротворить.

Исследуя феномен воздействия музыки на слушателя, мы пришли к выводу, что уровень и сила воздействия классической музыки резко отличаются от эстрадной. Классическая музыка затрагивает глубинные, архитипичные структуры нашего бессознательного. Трансовые состояния при этом возникают медленнее, но они глубже и вызывают переживания по силе приближающиеся к трансперсональным. Выход из этого состояния медленнее. Классическая музыка – это сильнейшее воздействия на нашу психику и не каждый хочет и готов заглянуть внутрь себя, в своё бессознательное!

Интонация (от латинского «интоно» — «громко произношу») — в широком смысле: воплощение художественного образа в музыкальных звуках. Ее называют душой музыки, основой музыкального мышления и общения.

Как она устроена? Подобно слову, интонация — единство звука и смысла. Но и звук, и смысл, и характер их связи радикально отличны в слове и интонации. Звуковой материал слова — строго ограниченный набор фонем. Можно сказать, что фонема — основная единица звукового строя языка, предельный элемент, выделяемый линейным членением речи. Музыкальная интонация опирается на звук во всей полноте его свойств. Вместо нескольких десятков фонем здесь бесконечные тембровые оттенки, способы артикуляции, различие темпа, ритмических рисунков, уровней громкости, меняемых во времени. Слово называет явление, интонация же заставляет ощутить и пережить его.

Интонация в музыке это:

1. музыкально-теоретическое и эстетическое понятие, имеющее несколько взаимосвязанных значений. Интонация, в самом широком смысле — это высотная организация музыкальных звуков (тонов) в их последовательности (сравни с временной организацией — ритмом). Музыкальная интонация отличается от речевой, фиксированностью звуков по высоте и подчинением их системе лада. Под интонацией понимают, также, манеру («склад», «строй») музыкального высказывания, обусловливающую его экспрессивное (определяющееся выражаемыми в музыке чувствами), синтаксическое (утвердительное, вопросительное и т. п.), характеристическое (национальное, социальное и т. п.) и жанровое (интонация песенная, ариозная, речитативная и т. п.) значения. Выразительность музыкальной интонации опирается на обусловленные слуховым опытом людей ассоциации с другими звучаниями, прежде всего с речью, и некоторые психо-физиологические предпосылки. Интонация, в узком смысле — это наименьшее сопряжение тонов в музыкальном высказывании, обладающее относительно самостоятельным выразительным значением, семантическая ячейка (единица) в музыке. Обычно подобная интонация состоит из 2—3, иногда и из одного звука. Чаще всего это частица мелодии, попевка, хотя на её выразительность оказывают влияние ритм, гармония, тембр. Иногда интонацию метафорически называют музыкальным словом. Однако, в отличие от слова, музыкальная интонация не имеет точно определенного конкретного смысла. Лишь условно можно говорить и об «интонациональном словаре» как совокупности интонаций, применяемых каким-либо композитором, группой композиторов, а также встречающихся в музыке многих стран в определённый период («интонациональный словарь эпохи»).
   
2. Степень акустической точности воспроизведения высоты тонов и их соотношений при музыкальном исполнении. Интонация воспринимается слухом как верная в тех случаях, когда звучащий тон располагается внутри некоторой области частот, близких к абсолютно точной, — так называемой зоны.
   
3. В производстве и настройке музыкальных инструментов с фиксированной высотой звуков (фортепиано, органа и др.) — ровность и точность звучания каждого тона звукоряда инструмента по высоте, громкости и тембру.
   

Музыкальная интонация черпает свою выразительность из многих источников. Один из самых богатых — речевая интонация. Представим беседу на незнакомом языке. Что можно узнать из нее? Оказывается, очень многое. Можно узнать о том, кто говорит: ребенок, взрослый, девушка, старик, как они друг к другу относятся. Можно узнать о характере и темпераменте участников разговора, об их физическом и эмоциональном состоянии — усталости или возбуждении, гневе или печали. О тоне говорящего: просит ли он, или же рассказывает о сокровенном. Почувствуем мы и атмосферу беседы, ее эмоциональный настрой.

Все эти разнообразные связи с речевым опытом использовали музыканты, иногда непроизвольно, но часто и вполне сознательно. Еще в 1581 г. лютнист Винченцо Галилей, отец знаменитого астронома Галилео Галилея, настойчиво советовал композиторам прислушиваться к тому, как речевая интонация отражает характеры и чувства людей, социально-психологические отношения, а затем претворять услышанное в музыке. Совет не пропал даром: «Флорентийской камерате» — кружку музыкантов и поэтов, участником которого был Галилей, — человечество обязано рождением жанра оперы с ее новым, более жизненным типом интонирования. Впоследствии тем же путем вслушивания в музыку речи осознанно шли многие композиторы, среди них — А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский.

Музыкальная интонация опирается на специфические средства гармонии, лада, метра, которые музыкально ее организуют. Другая опора музыкальной интонации — жесты, движения, «немые интонации тела», как их назвал выдающийся советский музыковед Б. В. Асафьев. Способность музыки точно воспроизводить самые разные движения — бурные, мощные, грандиозные, угловатые, раскованные — поразительна. Вот несколько примеров: вкрадчивые движения кошки, неуклюже переваливающаяся походка утки — в симфонической сказке С. С. Прокофьева «Петя и волк», неслышно плывущий шаг патера Лоренцо, спотыкающиеся движения смертельно раненного Меркуцио — в его же балете «Ромео и Джульетта».

Музыкальное искусство опирается и на свой собственный многовековой опыт интонационного выражения. Простейшие интонации типизировались в обобщенные интонации музыкальных жанров и стилей. Например, интонация скорби — в арии «ламенто», арии плача, характерной для ранней оперы эпохи барокко. Иная интонация — в музыкальной элегии сентиментализма: печаль ее легка и просветленна. Безошибочно различаются на слух интонации тревожно-напряженной баллады и безмятежной пасторали, эпической былины и лирически восторженной поэмы, торжественного гимна, возвышенного хорала и удалого гопака. У каждого композитора свой интонационный почерк. Один — у И. С. Баха, другой — у В. А. Моцарта, третий — у Прокофьева. И исторический стиль тоже обладает интонационной неповторимостью. Наполненная разочарованием, томящаяся по недостижимому идеалу интонация романтической музыки непохожа, например, на живую, общительную, склонную к игре и неожиданностям интонационную манеру музыки середины XVIII в.

От первых звуков колыбельной интонация ведет человека ко все более глубокому пониманию жизни, воплощенной в музыке.
Слово «интонация» иногда понимается в более узком значении. Говорят, например, о чистой или фальшивой интонации. Здесь имеются в виду тончайшие оттенки высоты, градации, возникающие в процессе исполнения.

Источник: сайт компьютерных музыкантов

Итальянское слово «трио» имеет несколько значений. Во-первых, это ансамбль из трёх музыкантов-инструменталистов или певцов. www.fdstar.com/2008/12/09/chto_takoe_trio.html (или — по-другому — Вокальное триотерцет) может быть самостоятельной пьесой или же частью крупного произведения, например оперы. Если три партии терцета основаны на одной и той же теме, то тем самым композитор подчеркивает единство мыслей и чувств всех участников ансамбля. Таково трио «Не томи, родимый» — ансамбль Сусанина, Антониды, Собинина из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин». Но возможны индивидуальные, самостоятельные партии каждого действующего лица. Это, например, трио Аиды, Амнерис и Радаме-са в опере Дж. Верди «Аида».


Итак, Трио это:

1. ансамбль из трех исполнителей (инструментов);
   
2. произведение для трех исполнителей (инструментов);
   
3. средний раздел трехчастной формы в классическом менуэте, скерцо и др.; нередко обозначается словом Trio (Трио).
   

Если среди квартетов главенствует квартет струнный, то, когда говорят о трио, имеют в виду прежде всего трио фортепьянное в составе скрипки, виолончели, фортепьяно. Именно этот ансамбль является типичным. Трио называется арфовым, если фортепьяно заменяется арфой. Струнное трио — это сочетание скрипки, альта и виолончели. Встречаются также трио самых разнообразных однородных и смешанных составов. В давние времена распространено было трио в составе скрипки, флейты и клавесина; такие трио существуют и теперь, например в Чехословакии. Назовем еще трио в составе: флейта, арфа, альт; фортепьяно, скрипка, кларнет и т. д.

Во-вторых, трио — это произведение для трех музыкантов. Фортепьянные трио создавали Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Р. Шуман, И. Брамс, П. И. Чайковский, С. В. Рахманинов, С. И. Танеев, М. Равель, Д. Д. Шостакович, Б. Н. Лятошинский. Некоторые трио имеют названия. Трио Чайковского «Памяти великого художника» создавалось с мыслью о безвременно ушедшем Н. Г.Рубинштейне, а «Элегическое трио» Рахманинова написано под впечатлением кончины Чайковского. «Патетическое трио» для фортепьяно, кларнета и фагота принадлежит перу Глинки. Много трио написано для оригинальных составов: автор трио для фортепьяно, скрипки и валторны — Брамс, трио для флейты, арфы и альта принадлежит К. Дебюсси, трио для скрипки, кларнета и фортепьяно — Б. Бартоку и А. И. Хачатуряну, трио для валторны, трубы и тромбона — Ф. Пуленку. Многие советские композиторы пишут трио для оригинальных составов: Э. В. Денисов — для скрипки, кларнета и фагота, В. В. Сильвестров — для флейты, трубы и челесты, Г. И. Уствольская — для фортепьяно, флейты-пикколо и тубы и т. д.

В-третьих, трио называли средние разделы многих пьес и танцев, написанных в так называемой трехчастной форме. Среди них — менуэты, скерцо, марши. Такие разделы обычно отличаются более напевным, спокойным характером от подвижных, энергичных крайних частей. В XVII—XVIII вв. при оркестровом исполнении менуэтов и других танцев средние разделы поручались трем инструментам, по контрасту с крайними, исполнявшимися всем оркестром. В прошлом общеупотребительное, постепенно это название вышло из обихода и сейчас применяется только в маршах для духового оркестра.

Наконец, под трио понимают еще и строго трехголосные полифонические пьесы для органа, где все три голоса самостоятельны и исполняются: два — на разных ручных клавиатурах (мануалах), а третий — на ножной, то есть, педальной, клавиатуре. Необходимый тембровый контраст между голосами достигается подбором соответствующих органных регистров. Прекрасные образцы органных трио встречаются в творчестве И. С. Баха.

по материалам http://www.fdstar.com/2008/12/09/chto_takoe_trio.html

Сольфеджио (итал. solfeggio — от названия музыкальных нот соль и фа) — это учебный предмет, посвящённый развитию музыкального слуха. В основе сольфеджио лежит пение с называнием звуков. Отсюда произошло и само слово: оно образовалось из сочетания двух слогов — «соль» и «фа» (в странах английского языка предмет так и называется — «соль-фа»).

Обычно, в современном понимании, сольфеджио — это учебный предмет, в котором изучается теория музыки, музыкальная грамота.

Истоки сольфеджио идут из далёкой глубины веков — из музыкальной культуры Древнего Египта, Китая, Греции, где большое внимание уделялось обучению мальчиков пению. Основным элементом в таких занятиях обычно было разучивание мелодий по слуху и пение их наизусть. Ритм и изменения высоты звуков учитель указывал условными движениями руки и пальцев (это называлось хейрономией), а также мимикой и движениями головы.

Следующий этап в развитии сольфеджио наступает с возникновением нотного письма.

Начиная с эпохи Возрождения значение сольфеджио как предмета, связанного с практическим музицированием, непрерывно возрастает.

Одновременно с обогащением средств музыкального языка и развитием инструментальной музыки и расширяются границы сольфеджио. Создаются специальные упражнения на изучение ритма, тональностей, интервалов и аккордов. Появляются различные методы их практического освоения. Они объединяются двумя основными системами сольфеджио — абсолютной и относительной. В последней, имеющей более древние традиции, при пении слоговые названия звуков не связываются с одной определенной высотой (например, слогом «до» может обозначаться любой звук). При этом вместо нот и нотных линеек применяются ручные знаки (по типу хейрономии), буквенные и цифровые обозначения звуков в ладу, а также слоговые обозначения ритмических длительностей.

С XIX в. эта система распространилась во многих странах (Англии, Франции, Германии и др.), получив множество различных вариантов. Сейчас она широко используется в Венгрии, а в нашей стране — в республиках Советской Прибалтики.

Относительной системой нередко пользуются в начальный период обучения в музыкальной школе. Дальнейшее же обучение, связанное с инструментальной игрой, основывается на абсолютной системе, где каждый звук в пении называется так же, как и соответствующий ему звук на инструменте.

Понимать музыкальный язык разных эпох и стилей можно лишь путем всестороннего воспитания музыкального слуха. Он есть у каждого человека, но не у всех одинаковый. Некоторые обладают абсолютным слухом, то есть, способностью определять и воспроизводить точную высоту звуков. Слух может быть и относительным, его надо развивать с детства.

Сегодняшнее сольфеджио — предмет, включающий пение по нотам и упражнения, направленные на развитие чистой интонации, чувства ритма, музыкальной памяти (запоминание на слух мелодий и созвучий), а также навыков нотной записи звучащей музыки (музыкальный диктант).

Слово «сольфеджио» имеет и другое значение. Так называют упражнение для вокалистов для развития музыкального слуха (часто с инструментальным сопровождением), которое исполняется с называнием нот.

Итак, сольфеджо — это:

1. Учебный предмет, ставящий своей целью воспитание музыкального слуха; включает пение одноголосных и многоголосных отрывков из музыкальной литературы или специально написанных упражнений с произнесением названий звуков, а также музыкальный диктант и анализ на слух только что прозвучавших музыкальных отрывков
2. Специальные вокальные упражнения, главным образом с сопровождением фортепиано, исполняющиеся на гласные звуки; называются также Вокализами.

Урок по сольфеджио в музыкальной школе

Под

или

, понимается зона возможного расположения источника звукового сигнала, внутри которой не наблюдается значимой потери эффективности микрофона.

– это чувствительность микрофона к звуку в зависимости от направления или угла с которого приходит звук.

В микрофонах используется несколько характеристик направленности. Обычно они изображаются в виде полярных диаграмм, для того, чтобы графически отобразить вариации чувствительности в зоне 360 градусов вокруг микрофона, принимая микрофон за центр окружности, и ставя точку отсчета угла перед микрофоном.

показывает зависимость чувствительности микрофона к звуковому сигналу от местоположения его источника.

По направленности, различают три основных типа микрофонов:

• всенаправленные микрофоны
• однонаправленные микрофоны
• двунаправленные микрофоны

имеет одинаковый выходной уровень при любом направлении. Он охватывает все градусы. Всенаправленный микрофон улавливает максимальное количество пространственных звуков. При применении во время концерта всенаправленный микрофон должен быть расположен очень близко к источнику звука. Кроме того, можно повернуть всенаправленный микрофон в сторону от ненужных источников звука, таких как порталы, что может вызвать заводку.

Всенаправленный микрофон

чувствителен к сигналам, идущим со всех направлений.

Микрофон с полусферической направленностью

чувствителен только к сигналам, исходящим из одной полусферы окружающего мира. Такую направленность имеют микрофоны с краевым эффектом (PZM).

• зависимость от акустики помещения: не отсекают эхо;
• не обеспечивают акустическую изоляцию, разве что только при малом расстоянии от источника звука до микрофона;
• низкая чувствительность к звукам дыхания;
• практически отсутствует «эффект близости»;
• расширенные низкие частоты у конденсаторных микрофонов, что очень полезно при работе с органом, бас барабаном и симфоническим оркестром;

, или «

», проявляет чувствительность к звуку, который приходит с одного направления, и меньшую чувствительность к остальным. Типичной картиной для таких микрофонов является кардиоидная характеристика (своеобразная диаграмма в форме сердца). Наибольшая чувствительность, при этом, достигается на направлении вдоль оси микрофона, а наименьшая - в противоположном направлении. Эффективный угол работы кардиоидного микрофона составляет 130 градусов.

Микрофоны с направленностями, рассмотренными ниже, относятся к так называемым или «

» микрофонам.

Микрофон с кардиоидной диаграммой направленности

Как видно из рисунка,

безразличен к звуку, идущему сзади.

Микрофон с суперкардиоидной диаграммой направленности

имеет спереди более узкую зону захвата звука, чем микрофон с кардиоидной направленностью. При этом он частично захватывает звук, идущий непосредственной сзади, но также имеет две области абсолютной нечувствительности (см. рисунок).

Микрофоны с

:

• имеют максимальную разницу между передней и задней областями чувствительности среди подобных микрофонов;
• обеспечивают большую изоляцию, чем микрофоны с кардиоидной направленностью;
• менее чувствительны к акустике помещения, чем микрофоны с кардиоидной направленностью.

Гиперкардиоидная диаграмма направленности

похожа на суперкардиоидную. Она отличается от последней тем, что имеет сравнительно более узкую зону чувствительности спереди и более широкую сзади. Микрофоны с гиперкардиоидной направленностью также имеют две «нулевые» области.

Микрофоны с

:

• обеспечивают максимальную среди подобных им микрофонов нечувствительность к боковым звукам;
• обеспечивают максимальную акустическую изоляцию: защищают от неблагоприятных эффектов помещения, feedback- и посторонних шумов;
• препятствуют утечке сигнала.

Микрофоны с полукардиоидной диаграммой направленности

Таким образом кардиоидный микрофон улавливает почти треть ( 360/3=120) пространственных звуков по сравнению со всенаправленным. Однонаправленные микрофоны отделяют необходимый прямонаправленный звук от посторонних и пространственных звуков.

Использование такого микрофона часто является необходимым мероприятием. В некоторых случаях - это единственный способ уменьшить проникновение звука в канал музыкальных инструментов. Необходимо отметить, что они имеют зону улавливания непосредственно сзади.

обычно используются на лекциях, конференциях и совещаниях.

, «

», обладает намного большей чувствительностью как спереди, так и сзади, но по бокам уровень чувствиельности меньше. Уровень пространственного шума такой же, как и у однонаправленного. Данный вид микрофона применяется для улавливания звука от двух противоположных источников, например, вокального дуэта.

«Восьмёрка»

«

» называется диаграмма направленности, при которой микрофон одинаково чувствителен к сигналам, идущим спереди и сзади, и абсолютно нечувствителен к звуку, идущему с боков.

• используются, в частности, для интервью, когда собеседники сидят напротив друг друга или для записи и озвучивания дуэтов;
• обеспечивают максимальную изоляцию при overhead-записи;
• применяются для стереозаписи по методу Блюмляйна (Blumlein), когда используются два скрещенных микрофона-«восьмёрки».

Для однонаправленных микрофонов (кардиоидных, суперкардиоидных, и т. д.) угол между центральной линией (см. рисунок) и точкой, где эффективность микрофона значимо падает (разница достигает 3 дБ), считается половиной угла снятия звука. Типичный показатель для кардиоидного микрофона составляет 131° (65.5° по обе стороны центральной линии), значения для других видов микрофонов представлены ниже.

Так как однонаправленные микрофоны не столько чувствительны к звукам приходящим не по оси, чем всенаправленные, они воспринимают меньше пространственного звука.

Направленные микрофоны улавливают меньше шума, чем всенаправленные, они могут быть использованы и установлены на небольших расстояниях от источника звука, сохраняя в это же время баланс между основным и фоновым или пространственным звуком. Всенаправленный микрофон должен располагаться примерно вдове ближе, чтобы иметь такой же баланс.

Изменение амплитудно-частотной характеристики (АЧХ) микрофона, которое будет тем существеннее, чем больше угол между осью микрофона и направлением на источник звука. В первую очередь происходит потеря низов, что приводит к неясному и нечеткому звуку.

У однонаправленных микрофонов отдача в низах (нижних частотах) может значительно возрастать по мере того, как микрофон приближается (в пределах полуметра) к источник звука. При установке вплотную (мене 30 см) следует помнить об эффекте приближения и убрать низы (например, используя эквалайзер), чтобы получить более натуральный звук. Вы можете:

• убрать низы на микшере,
• использовать микрофон,
• минимизирующий эффект,
• использовать микрофон с кнопкой среза басов
• использовать всенаправленный микрофон.

Природа однонаправленных микрофонов такова, что они могут не только отделить звучание одного инструмента от другого, но также уменьшить обратную связь, допуская тем самым большее усиление. С этой точки зрения однонаправленные микрофоны предпочтительнее всенаправленных практически во всех задачах усиления звука.

При усилении звука, микрофоны часто могут находиться в местах, где они могут принять звук от посторонних источников. В каждом случае мы имеем один нужный источник звука и один или более ненужных. Четкий и правильный выбор нужной характеристки направленности может очень помочь в максимальном улавливании нужного звука и минимальном - ненужных.

Несмотря на то, что для лучшего улавливания обычно очевидным вариантом является осевое направление, направление минимизирующее улавливание посторонних звуков может зависеть от типа микрофона. Таким образом, однонаправленные микрофоны менее чувствительны сзади, а остальные улавливают на этом направлении звук.

Статью подготовил Владимир Флекс специально для сайта FDSTAR.COM

Мелодия (от греч. melos — пение, mélodie — франц., нем., melodia — итал.) — музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Под этим понимается прежде всего выражение посредством изменения высоты звука во времени (мелодического движения). Мелодия непосредственно связана с ритмом, однако условно область мелодии и ритма разделяются так, что к мелодии относится изменение звука по высоте, а к ритму организация звуков во времени по длительности и акценту.

Ритм — это соотношения длительностей звуков (нот) в их последовательности, из которой складывается мелодия.

Ноты могут иметь различную длительность, вследствие чего между ними создаются определенные временные соотношения. Объединяясь в различных вариациях, длительности звуков (нот) образуют различные ритмические фигуры, из которых складывается общий ритмический рисунок музыкального произведения. Этот ритмический рисунок и есть ритм.

Ритм не привязан ни к каким абсолютным единицам измерения времени, в нем заданы лишь относительные длительности нот (эта нота звучит дольше той в 2 раза, а эта — в 4 раза короче и т. д.).

Мелодию называют душой музыки, одаривают эпитетами — благородная, возвышенная, вдохновенная, грациозная, сладостная. П. И. Чайковский, А. Г. Рубинштейн, С. В. Рахманинов и другие композиторы оставили нам произведения, которые называются «Мелодия» — они как бы олицетворяют музыкальность самой музыки.

Почему же из всех компонентов музыки именно мелодия — одноголосная мысль ближе всего человеку?

Ответ простой: мелодию можно спеть, и человек действительно очень часто мысленно ей подпевает. Это очень важно. В сопереживании — сила музыки. Картина живописца предстает в первую очередь как внешний объект, и только постепенно человек оценивает музыку линий в картинах С. Боттичелли, нежные краски О. Ренуара, стройную гармонию Рафаэля. Музыка же изначально, от самых первых звуков колыбельной воспринимается как дружественный, родственный голос, звучащий в душе.

Не всякую одноголосную последовательность звуков мы можем назвать мелодией, а только осмысленную, живую, одухотворенную. Если бы смысл, окружающий звуки мелодии, сделался вдруг видимым, нам бы открылась картина удивительно многокрасочная. Вот, например, так называемая «бесконечная мелодия». Она развертывается как песнь души, наполняющее ее чувство то растет, то словно в изнеможении слабеет, окрашивается эмоциональными полутонами — надеждой, радостным порывом, разочарованием, печалью, решимостью. Такие мелодии звучат в музыке романтиков — их можно встретить у Ф. Шуберта, Ф. Шопена, Р. Вагнера. Особенной широтой эмоционального дыхания отличаются мелодии Чайковского и Рахманинова.

А вот совершенно иной тип мелодии — своего рода характеристический портрет персонажа. Таких мелодий, опирающихся на яркий жест, движение, на выразительность шага, особенно много в балетах; в инструментальных произведениях — у Ф. Куперена, Ж. Ф. Рамо, Д. Скарлатти, Й. Гайдна, В. А. Моцарта, С. С. Прокофьева, Р. К. Щедрина.

Есть мелодии-речи, мелодии-монологи. Многие мелодии И. С. Баха не столько поют, сколько страстно и возвышенно говорят; их вдохновенно-напряженный ораторский пафос передается и слушателю. В эпоху романтизма мелодия-речь окрашивается в иные жанровые тона, например в легендах, поэмах, думках, в вокальных и инструментальных балладах, погружающих слушателя в атмосферу тревожных и необычных событий.

Каждый жанр, каждый исторический, национальный и индивидуальный стиль порождают свои, особые типы мелодики. Их различия выявляются в самых разных сторонах звучания: в характере высотной линии, в ладогармонической напряжённости звуков и интервалов, в ритмике, в темпе, артикуляции, в способах синтаксического членения и связи. За всеми этими различиями звукового оформления важно почувствовать богатство исторического содержания музыки, множественность проявлений человека в разнообразных ситуациях исторически развивающейся жизни.

Использованы материалы музыкального сайта FDSTAR.COM

Если входной файл содержит характерные изгибы звуковой волны, то уникальный алгоритм будет автоматически пытаться сделать на основе них нарезку.

Slicex предлагает воспроизведение, перегруппировку нарезанных кусков, растягивание их по времени (time-stretching) для получения барабанных петель.

Похожие фруктовые плагины:

и

.

Далее приводится небольшой мануал для быстрого старта, который охватывает наиболее общие вопросы, связанные с использованием плагина Slicex.

Ответы на три общих вопроса, которые люди желают знать об использовании Slicex (слайсекс):

• Переключатель KB INPUT должен быть включён для работы клавиатуры Slicex keyboard. По-умолчанию он выключен.
  
• Для того, чтобы воспроизвести весь кусок, независимо от того, как долго удерживается клавиша слайсера - загрузите Vol - sustaining.fnv в звуковую огибающую в связанной панели артикуляции (articulation panel).
  
• Чтобы играть луп до конца, как в Fruity Slicer - Запустите команду:
  Run script --- Regions --- Play to end. Примечание: Проигрывание до конца не совместимо с медленными темпами драмлупов (drumloops) и заполнением пауз.
  

. (

)

В Slicex можно подгрузить и вести нарезку одновременно двух семплов/лупов в деке A и B (получить доступ из волнового редактора

). После открытия программы Slicex имеется несколько вариантов загрузить семпл:

• Перетащить (drag-and-drop) семплы из браузера (browser) в один из каналов плагина.
  
• Кликнуть на серый логотип Slicex, который отображается в интерфейсе на левой стороне панели артикуляции (articulation panel).
  
• Кликнуть в области пустого волнового редактора (wave editor) для, того, чтобы открыть модальное диалоговое окно выбора волнового файла
  
• Кликнуть на иконку файла в волновом редакторе (wave editor) для открытия окна выбора волнового файла
  

После выбора файла в окне выбора файла Slicex подгрузит и автоматически нарежет семплы (deck A is used unless the sample is deliberately dropped on deck B).

После подгрузки семпла или лупа (sample/loop) есть два возможных случая, в зависимости от того что, семпл или луп был выбран.

• Пробелы между нарезанными кусками предварительно заполнены
  
• Пробелы между нарезанными кусками или щелчки могут быть услышаны. В этом случае, имеется возможность участвовать в процессе нарезки и вносить коррективы.
  

Slicex имеет рад мощных средств для творческой работы со слоями. Кликните правой кнопкой мыши на

и выберите '

' , затем выберите кнопку на клавиатуре (белые и красные закруглённые прямоугольники). Далее вы можете назначить другой кусочек на ту же самую клавишу с определённой выбранной опцией накладывания слоя, в мастер-панели. Это даёт уникальные возможности создания новых звуков

Slicex содержит редактор звуковой волны (Wave Editor), который основан на мощном редакторе

.

Программные вариации являются ключом к выразительности в Slicex. Любое количество регионов внутри и между деками могут быть наложены, при использовании настроек мастер-панели (Master Panel). Выбранный кусок из общей нарезки может быть связан с любой клавишей на клавиатуре. Слои и семплы контролируются секцией артикуляции articulation panel, включающей фильтры, LFO и многое другое

По материалам сайта для сиджеев и диджеев FDSTAR.COM