Томные женщины и растительные орнаменты на арт постерах Альфонса Мария Муха
 

Альфонс Мария Муха (чеш. Alfons Maria Mucha; 1860-1939) приобрел широкую известность как автор этикеток и виньеток для товаров народного потребления, от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек. Роскошные, чувственные и томные женщины тысячами тиражировались в плакатах, арт постерах, открытках, игральных картах.

Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов — иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступно-роковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты.
 

Читать далее...

Альфонс Муха. В творческой мастерской гения модерна (эскизы и фотографии)
 

more

Творчество Обри Бердслея

Смерть Пьеро

Обри Винсент Бердслей, (Beardsley) (24.8.1872, Брайтон, — 16.3.1898, Ментона), – известный английский художник-график, иллюстратор, крупнейший мастер стиля модерн,  декоратор, музыкант, поэт, "гений миниатюры". В многочисленных иллюстрациях к журналам ("Жёлтая книга", 1894—95; "Савой", 1896) и книгам ("Саломея" Оскара Уайльда,1894) развивал декадентские и символистские тенденции искусства поздних прерафаэлитов, сочетая их с влияниями японской гравюры. Утончённое, причудливое, часто болезненное искусство Берддслея, с виртуозной игрой силуэтов и контурных линий, определило многие характерные черты графики стиля "модерн". . Бердслей умер, прожив всего 26 лет и оставив большое графическое наследие. Его творчество оказало огромное влияние на дальнейшее развитие европейского искусства вплоть до плаката, рекламы и модных журналов. Не остались равнодушными к нему и русские художники рубежа XIX—XX вв. Наиболее крупные из них — Константин Сомов и Лев Бакст.

More

Имя с открытки - художник Сергей Лодыгин

У зеркала

Открытки Сергея Павловича Лодыгина - это классика позднего русского модерна. Этого прекрасного художника и графика называли "Русским Бердслеем". Но о нем самом известно совсем мало. Родился в Саратове в 1893  году. Учился в С.-Петербургском институте гражданских инженеров. Публиковал рисунки в журналах "Аргус", "Солнце России", "Сатирикон", "Столица и усадьба"; делал рисунки рекламных объявлений. После 1917 года рисовал агитационные плакаты в Саратове. В 1918 году преподавал графику в Саратовской Центральной студии, одновременно имел собственную мастерскую графики. В 1920 году работал в политотделе Запасной армии. Тогда же перебрался в Ростов-на-Дону, где писал декорации для деревенских театров, оформлял город к праздникам, работал декоратором в Театре интермедий Сорина. В 1922 году переехал в Москву, где вновь работал как иллюстратор.  По одним данным он умер в блокадном Ленинграде в 1942 г. По другим же сведениям - в 1961 году в Москве.

Читать далее

Русский модерн: иллюстрации к сказкам Ивана Яковлевича Билибина


Самые лучшие, добрые и пугающие иллюстрации к народным и авторским сказкам создал Иван Яковлевич Билибин (1876 - 1942). Очень рекомендую всем, кто читает сказки своим детям, выбирать книги именно с его иллюстрациями! Некоторыми из них я с вами с огромным удовольствием поделюсь, но сперва немного теории:

Иван Яковлевич Билибин выполнил иллюстрации к русским народным сказкам "Царевна-лягушка", "Перышко Финиста-Ясна Сокола", "Василиса Прекрасная", "Марья Моревна", "Сестрица Аленушка и братец Иванушка", "Белая уточка", к сказкам А. С. Пушкина - "Сказка о царе Салтане" (1904-1905), "Сказка о золотом петушке"(1906-1907), "Сказка о рыбаке и рыбке"(1939) и многим другим.

И. Я. Билибин разработал систему графических приемов, которые дали возможность объединять иллюстрации и оформление в одном стиле, подчинив их плоскости книжной страницы. Характерные черты билибинского стиля: красота узорного рисунка, изысканная декоративность цветовых сочетаний, тонкое зрительное воплощение мира, сочетание яркой сказочности с чувством народного юмора и др.

Художник стремился к ансамблевому решению. Плоскость книжной страницы он подчеркивал контурной линией, отсутствием освещения, колористическим единством, условным делением пространства на планы и объединением различных точек зрения в композиции.

Одной из значительных работ Билибина были иллюстрации к "Сказке о царе Салтане" А. С. Пушкина. Эта сказка с ее многокрасочными картинами древнерусского быта дала богатую пищу билибинской фантазии. С поразительным мастерством и большим знанием изображал художник старинные костюмы и утварь. Он отразил основные эпизоды пушкинской сказки. Однако между листами серии заметны различные источники стилизации. Иллюстрация с изображением Салтана, заглядывающего в светлицу, отличается эмоциональностью и напоминает зимние пейзажи И. Я. Билибина с натуры. Сцены приема гостей, пира очень декоративны и насыщены мотивами русского орнамента. Лист с плывущей по морю бочкой напоминает знаменитую "Волну" Хокусаи.

Процесс выполнения И. Я. Билибиным графического рисунка напоминал труд гравера. Набросав на бумаге эскиз, он уточнял композицию во всех деталях на кальке, а затем переводил на ватман. После этого колонковой кистью с обрезанным концом, уподобляя ее резцу, проводил по карандашному рисунку четкий проволочный контур тушью. В зрелый период творчества Билибин отказался от употребления пера, к которому иногда прибегал в ранних иллюстрациях. За безукоризненную твердость линии товарищи шутливо прозвали его "Иван - твердая рука".

В иллюстрациях И. Я. Билибина 1900-1910 годов композиция, как правило, развертывается параллельно плоскости листа. Крупные фигуры предстают в величавых застывших позах. Условное деление пространства на планы и объединение различных точек зрения в одной композиции позволяют сохранить плоскостность. Совершенно исчезает освещение, цвет становится условнее, важную роль приобретает незакрашенная поверхность бумаги, усложняется способ обозначения контурной линии, складываеся строгая система штрихов и точек.

Дальнейшее развитие билибинского стиля состоит в том, что в более поздних иллюстрациях художник от лубочных приемов перешел к принципам древнерусской живописи: цвета становятся звучнее и насыщеннее, но границы между ними обозначены теперь не черным проволочным контуром, а тональным сгущением и тонкой цветной линией. Краски кажутся сияющими, но сохраняют локальность и плоскостность, а изображение порой напоминает перегородчатую эмаль. Источник статьи



чудесные иллюстрации к сказкам

Николай Константинович Калмаков (1873 - 1955)

Я сравнительно недавно открыла для себя творчество этого удивительного и самобытного художника.
Поразительное у него было видение мира и мироощущение!.. Безусловно, в значительной степени он находился под обаянием модерна, но особенности его творчества нельзя целиком свести лишь к этому влиянию. На мой взгляд, своеобразие его художественной манеры определяется пересечением нескольких культурных традиций. Здесь просматривается и влияние символизма, и некоторые сюрреалистические черты, и восточные мотивы... На материале античной и восточной мифологии, причудливо переплетенной с порождениями его собственного богатого воображения, художник создаёт волшебный мир, населенный фантастическими существами и мифологическими героями. Истоки этого следует искать, конечно, в детстве. Маленький Коля Калмаков зачитывался сказками братьев Гримм и Гофмана. Позже он рассказывал об этом периоде своей жизни так: «К девяти годам я очень часто уединялся в самой дальней части дома, где старательно запирался и потом один в темноте бесконечно долго и властно призывал появление дьявола».



Биографию Калмакова можно прочитать здесь.

А вот на этом сайте можно увидеть детскую фотографию художника и прочитать воспоминания о нем его современников.

Заранее предупреждаю, что не все названия картин и даты мне известны.


Артемида и спящий Эндимион

more

Без заголовка

Густав Климт (Gustav Klimt) (14 июля 1862, Баумгартен - 6 февраля 1918, Вена) - австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.

Портрет Адели Блох-Бауэр

 

Читать далее...

Эрте

    

Эрте (1892–1990)
наст. фамилия и имя Тыртов Роман Петрович Родился в Петербурге 23 ноября (4 декабря) в семье морского офицера. Отказавшись от традиционной для семьи военной карьеры, обосновался в 1912 в Париже, став корреспондентом петербургского журнала «Дамские моды». Систематического художественного образования не получил; недолго посещал академию Р.Жюльена. Составил псевдоним «Эрте» из первых букв имени и фамилии. В 1913–1914 начал работать как модельер (у известного кутюрье П.Пуаре) и художник сцены (исполнил, в частности, эскизы костюмов для спектакля Маты Хари Минарет в театре «Ренессанс»). Заключил контракт с американским журналом «Harper's Bazaar» (1915), нарисовав для него в последующие 22 года более ста обложек. Работал также для журналов «Vogue», «Cosmopolitan», «Women's Home Journal», «The Sketch» и других иллюстрированных изданий США, Англии и Франции. Жил в Париже и Монте-Карло.

Хотя Эрте сотрудничал и с антрепризами классического типа (оформив, в частности, в 1920-е годы целый ряд балетных номеров Анны Павловой и несколько постановок Чикагской оперы), лидирующее значение в его сценографии получил дизайн для эстрадных театров – мюзик-холла «Фоли Бержер» (1917–1927), варьете «Баль Табарэн» и «Ла Нувель Ив», кабаре «Лидо» в Париже, а также для мюзик-холлов Бродвея. С 1925 выступал как художник-костюмер в кинематографе, по контракту с голливудской студией «Метро Голдвин Майер». «Стиль Эрте» – тончайше функционально-продуманный, ритмичный и в то же время экзотически-зрелищный, полный романтических фантазий – явился в межвоенный период важным формообразующим моментом «ар деко» (т.е. модерна, включившего элементы авангарда и ставшего прочным фактором моды и массовой культуры). В качестве кутюрье разрабатывал модели одежды и рисунки для тканей; среди предложенных им (еще в 1920-е годы) реформ костюма особую популярность позднее завоевал принцип «унисекса», однородного моделирования одежды для мужчин и женщин. Читать далее...

Из цикла *ЖЗЛ* - Roman de Tirtoff (Роман Тыртов) (1892-1990)

klassika

Один из самых блистательных персонажей художественной сцены XX века Роман Петрович Тыртов начал свою головокружительную карьеру графика, скульптора и художника моды в эпоху, когда сам воздух был насыщен легендами и утопиями. То был Серебряный век - время безудержного карнавала, великолепного маскарада, когда в изысканном ритме модерна переплелись и закружились персонажи всех эпох и культур. Время,когда за каких-нибудь два десятилетия искусство совершило пробег от античности до футуризма. Эрте - это псевдоним. Настоящее имя одного из самых успешных художников - Роман Петрович Тыртов. Потомок старинного русского рода, берущего начало от татарского хана Тырта, он стал известен всему миру под псевдонимом Эрте, который взял, чтобы не позорить семью. Он начал с балета и некоторое время брал уроки танца у дочери знаменитого хореографа Мориса Петипа. Затем стал учиться живописи у Ильи Репина. Ради искусства Эрте пришлось отказаться от традиционной в семье карьеры военно-морского офицера: несмотря на недовольство отца-адмирала, в 1912 году Эрте уехал из Петербурга в Париж, чтобы никогда больше не вернуться в Россию... В Париже он посещал класс живописи знаменитой Академии Жульена, которую оставил, чтобы полностью посвятить себя профессии дизайнера моды. Каждый месяц Эрте посылал рисунки в русский журнал *Дамский мир*, работал модельером в знаменитом доме моды Поля Пуаре и выступил в качестве автора костюмов к спектаклю *Минарет* в парижском театре Ренессанс. В 1915 году двадцатидвухлетний художник заключил долгосрочный контракт с журналом *Harper's Bazaar*, для которого сделал в общей сложности 250 обложек. Одновременно как дизайнер одежды он сотрудничал с *Vogue*, *Cosmopolitan*, *Women's Home Journal*. Очень скоро Эрте стал по-настоящему знаменитым. Любая элегантная женщина, интересующаяся модой по обе стороны Атлантики, знала его и безоговорочно верила его вкусу. Но этого Эрте было мало: его творческая энергия и многосторонность просто удивительны. Он делал костюмы и занимался сценографией в парижской Гранд-опера, нью-йоркской Метрополитен-опера и Лондонском оперном театре, а одно время был художником голливудской студии Метро-Голдвин-Мейер, где работал над несколькими фильмами, в том числе над знаменитым *Бен Гуром*.

Эрте. Ар-деко.

Next

Художник Леонид Афремов. Танец



Леонид Афремов (родился 12 июля 1955 г. в городе Витебск, Беларусь) Всемирно известный художник -импрессионист, который преимущественно использует мастихин (ножик для смешивания красок) и масляные краски. Он разработал свою уникальную технику, свой стиль, который нельзя спутать с другими художниками.

В настоящий момент Афремов проживает в городе Плая-дель-Кармен, Мексика. В основном, он рисует пейзажи, городские сцены, морские пейзажи, цветы и портреты.