Энтони Гормли Эрмитаж

Энтони Гормли, лауреат традиционно-скандальной Тёрнеровской премии, ранее выставлявшийся в "Гараже",  радикально повысил свой "творческий градус", обосновавшись с выставкой в залах Эрмитажа...

Проект знаменитого британского художника и скульптора Энтони Гормли "Во весь рост. Античная и современная скульптура" открывается в пятницу в петербургском Эрмитаже, сообщило РИА Новости.

Лауреат Тернеровской премии Гормли известен своими работами, появляющимися в неожиданных местах и необычном виде - от "Ангела Севера", который встречает путешественников на въезде в Ньюкасл, до недавней акции с живыми скульптурами на Трафальгарской площади в Лондоне и проектом из 100 скульптур в человеческий рост, разбросанных по всему миру в труднодоступных местах.

Как рассказал Гормли на пресс-конференции, цель этой выставки - "проследить траекторию развития западного искусства и противопоставить эту парадигму другим, в рамках которых возникали иные культуры".

Выставка занимает в Эрмитаже два зала. В Римском дворике скульптор расставил свои работы последних двух лет: будто составленные из кубиков восемь фигур людей, которые приняли самые разные позы. По словам художника, это позволяет "описать пространство, занимаемое человеческим телом в евклидовой геометрии архитектуры".

В зале Диониса Эрмитаж согласился пойти под руководством британского скульптора на эксперимент. Для этого проекта Гормли отобрал из экспозиции музея девять античных статуй, которые он спустил с постамента на пол и расставил, нарушив привычную симметрию музейной экспозиции.

Как считает сам художник, тем самым зритель может на равных посмотреть на богов. "Это возможность взглянуть на античные фигуры как на объекты, которые существуют в нашем мире, абстрагировавшись от истории их создания", - добавил художник.

"Выставка важна для нас в процессе осмысления того, как современное искусство соотносится с классическим, и как их показывать вместе", - заявил на пресс-конференции директор Эрмитажа Михаил Пиотровский.

Художник отметил, что работа над проектом в Эрмитаже шла очень напряженно, но он доволен результатом. Он также добавил, что выбор античных фигур и их расстановка привнесли определенный эротический подтекст в его "эрмитажный проект".

Британский художник, получивший образование как антрополог, подчеркнул, что для него в процессе создания скульптуры крайне важным является чувство тела. Именно поэтому свои работы он создает, обернувшись в пищевую пленку, затем покрытую слоем глины, со слепков собственного туловища. Далее на компьютере производится трехмерный анализ получившейся фигуры, которая и становится основой для итоговой скульптуры.

"Скульптура - это способ взаимодействия с материальным миром. И для моего сознания самое непосредственное воплощение материи - это мое тело ", - заявил художник.

Создающий не только скульптуры, но и инсталляции Гормли считает главным в искусстве энергию, возникающую между произведением и зрителем. "В каком-то смысле я хочу демократизировать искусство, поместив свои объекты в живое пространство", - заявил британский художник, признавшись, что спокойно относится, когда, например, на его скульптуры надевают шляпу или прочие предметы гардероба.

"Эта выставка в античных залах музея заставляет современную и классическую скульптуру говорить по-новому. Нам предстоит увидеть, как посетители оценят этот новый язык", - подвел итог новому выставочному опыту Пиотровский.

Два года тому назад Энтони Гормли уже привозил в Москву свой проект "Поле притяжения", представленный в ЦСК "Гараж". Кроме того, в прошлом году одну из своих скульптур он выставлял в Эрмитаже. Также в 2009 году обсуждалось участие Гормли в 3-й Московской биеннале современного искусства: художник планировал поставить фигуры в человеческий рост на крышах Москвы.

Картина Сюй Бэйхуна

Если утверждение художников верно, то эта "ню" станет  из самых дорогих подделок , проданных на аукционе за последние годы. Аукционный дом от комментариев отказался...

Группа художников в Китае оспорила авторство картины "Тело Цзян Бивэй", приписываемой китайскому художнику Сюй Бэйхуну и проданной на аукционе в июне 2010 года за 11 миллионов долларов. Как сообщает сообщает Lenta.ru, автором картины оказался один из студентов Центральной академии изящных искусств в Пекине.

Художники утверждают, что картина была написана в 1983 году, через 30 лет после смерти Сюй Бэйхуна. Автором является один художник из этой группы, писавшей обнаженную модель во время занятий в академии.

Как отмечает агентство, группа написала открытое письмо, в котором изложила доказательства в пользу своего авторства. Так, у некоторых художников хранятся картины с этой моделью, сделанные в тот же период времени, однако с другого ракурса. Они также утверждают, что фигура натурщицы имеет характерные черты, которые нельзя спутать.

Натурщицу рисовали около 20 человек. По их словам, Сюй Бэйхун не мог написать ту же самую модель в такой же позе и колорите, что на их картинах.

Предполагалось, что картина была написана Сюй Бэйхуном для его жены, когда они были во Франции. На авторство художника ранее указывал его старший сын. Пекинский аукционный дом Beijing Jiuge International Auction Company не смог сразу прокомментировать данную информацию.

Сюй Бэйхун (1895-1953) наиболее известен своими работами тушью. Рисунок "Скачущая лошадь", выполненный тушью, в прошлом году был продан на аукционе за 17 миллионов юаней (2,6 миллиона долларов). Сюй Бэйхун одним из первых в Китае начал писать маслом.

Эрмитаж в Амстердаме

На выставке представлен потрясающий набор имён и произведений из фламандской коллекции Эрмитажа в Санкт-Петербурге - 75 картин и около 20 рисунков гигантов антверпенской школы...

 

 

Вчера в Выставочном центре "Эрмитаж-Амстердам" открылась выставка произведений фламандского искусства из коллекции Государственного Эрмитажа. Экспозиция включает работы таких великих мастеров фламандской живописи как Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Йорданс и их современников.

Творчество Питера Пауля Рубенса (1577-1640) представлено на выставке наиболее широко - 17 картин и множество рисунков. Рубенс - феномен, своего рода "универсальный человек" эпохи, не только один из самых важных и влиятельных фламандских живописцев XVII века, но также дипломат и страстный коллекционер. Его художественная мастерская считалась лучшей в стране. Произведения мастера на религиозные темы, а также светская живопись раскрывают все грани его таланта. Основным экспонатом выставки стала картина Рубенса "Снятие с креста" (1618), ранее нигде не экспонировавшаяся, в которой художник передал всю глубину страданий Христа.

Влияние великого фламандца и его художественное наследие демонстрируют работы его современников и учеников. Рафинированные портреты английского королевского двора и английской знати вышли из-под кисти самого выдающегося ученика Рубенса Антониса ван Дейка (1599-1641). Около 1638 года, уже несколько лет будучи придворным художником, ван Дейк написал портреты английского короля Карла I и его супруги Генриетты Марии. При английском дворе ван Дейк получил звание сэра.

Третий по значимости художник фламандской школы, чьи произведения вошли в состав выставки - Якоб Йорданс (1593-1678). Он не был учеником Рубенса, но, безусловно, находился под влиянием его творчества. Работы Йорданса являются ярчайшим воплощением свойственного фламандцам жизнелюбия.

Щебечущие птицы, многоцветные букеты и только что пойманная дичь украшают натюрморты Франса Снайдерса. Давида Тенирса Младшего характеризуют картины на повседневные сюжеты. Среди работ других художников, показанных на выставке, выделяется великолепный семейный портрет кисти Корнелиса де Воса.

В таком составе замечательная эрмитажная коллекция фламандского искусства будет показана в центре "Эрмитаж-Амстердам" впервые. История эрмитажного собрания заслуживает отдельного рассказа. Многие полотна, представленные на экспозиции, приобретены в XVIII веке императрицей Екатериной II в составе коллекций барона Кроза де Пьера и графа Хейнрика Брюля. Большинство работ создавались специально для церквей или по заказу богатых жителей Антверпена и других европейских городов. Время их создания соотносится в истории со временем Нидерландской буржуазной революции и контрреформации. Противостояние католической церкви процессу реформации служило церкви поводом для заказа крупных художественных произведений на религиозные темы. Импозантный стиль барокко, используемый Рубенсом и его современниками, должен был служить пропаганде католичества в Европе среди аристократии и богатых бюргеров.

Выставочный центр "Эрмитаж-Амстердам" специально для этой выставки подготовил аудио-тур, образовательный фильм и несколько интерактивных компьютерных программ, рассказывающих как о коллекции фламандского искусства в Государственном Эрмитаже, так и об истории ее появления в музее. В холле выставочного центра с помощью иллюстрированных плакатов рассказывается о жизни Антверпена того времени.

К выставке издан каталог на нидерландском, английском и французском языках.

Виллем де Кунинг

Весь шестой этаж нью-йоркского Музея музея современного искусства (MoMA) заняла ретроспективная выставка  классика абстрактного экспрессионизма Виллема де Кунинга...

 

 

Картины, рисунки и скульптуры Виллема де Кунинга занимают весь шестой этаж MoMA, - сообщает Lenta.ru. Приблизительная стоимость всех экспонированных произведений достигает 3 миллиарда долларов.

На сайте музея отмечается, что выставка живописца станет самой масштабной экспозицией его работ в истории и представит все этапы его творчества - начиная от академических работ и заканчивая поздним абстрактным периодом.

Всего на экспозиции будут выставлены около 200 работ, которые собрали из частных коллекций и музеев. В музее в частности, представят самые известные картины живописца - "Розовые ангелы" (1945), "Раскопки" (1950), а также картины из серии "Женщины".

Третья картина из этой серии ("Женщина III") в 2006 году была продана за 137 миллионов долларов, став одной из самых дорогих картин в мире. В MoMA выставят пять "Женщин", стоимость каждой из которых составляет 80-100 миллионов долларов.

Виллем де Кунинг родился в 1904 году в Роттердаме. В 1926м он эмигрировал в США, где прожил до своей смерти в 1997 году. Де Кунинг является одним из самых дорогих художников конца XX века.

 Выставка Поля Пуаре

С 7 сентября 2011 г. по 15 января 2012 г. в  Успенской звоннице Московского Кремля будет проходить выставка, посвященная творчеству выдающегося французского законодателя и реформатора моды - Поля Пуаре...
    
 

Поль Пуаре, 1913 год.



Поль Пуаре с моделью в своей студии.

• Смотреть работы с выставки "Пуаре - король моды"

На заре XX века Поль Пуаре сформулировавл и воплотил в жизнь революционную концепцию женской одежды и оказал значительное влияние на формирование современного вкуса, - сообщается в пресс-релизе Музеев Московского Кремля.
 

Пуаре открыл свой Дом моды в Париже в 1903 году и очень быстро добился успеха благодаря новаторскому подходу к делу и своим предпринимательским способностям. Он избавил женщин от корсета и открыл путь к такой свободе форм и выразительных средств, какая была бы немыслима десятилетием ранее.

Создавая роскошные наряды для людей из высшего света, духи и предметы обстановки, Пуаре предложил миру новую, захватывающую концепцию моды. Выступая в роли художника и режиссера-постановщика, он устраивал эффектные демонстрации моды и легендарные костюмированные вечера, наиболее известный из которых был основан на сказках "Тысячи и одной ночи". В этих блестящих представлениях показ моделей превращался в спектакль.
 
Поль Пуаре возродил искусство театрального костюма, основал модную фотографию в современном понимании этого слова, первым из кутюрье организовал собственное парфюмерно-косметическое производство, разработав линию духов, которые корреспондировались с коллекциями платьев.

Он читал лекции о моде, играл в театре, снимался в кино, писал книги и статьи, рисовал - и все это было необычно и революционно. В ознаменование 20-летия служения Поля Пуаре Франции в сфере моды и декоративного искусства он был награжден орденом Почетного легиона. Его портретная скульптура при жизни выставлялась в Музее Гревен — парижском музее восковых скульптур.
 
Цель выставки - познакомить российскую публику с поразительными инновациями модельера в стилистике и конструировании одежды и разработанной им отточенной стратегией маркетинга, позволявшей представлять костюмы и модные предметы роскоши как произведения искусства, а его самого — как вдохновенного художника и покровителя искусств.

Выставка представляет весь творческий путь гениального кутюрье — начиная с его ранних работ в модных домах Дусе и Ворта и заканчивая участием в знаменитой парижской Международной выставке декоративных искусств и художественной промышленности 1925 года, устроители которой официально признали Пуаре одним из вдохновителей стиля ар деко.   

Посетителям предоставляется уникальная возможность увидеть наиболее эффектные из сохранившихся до наших дней образцов творчества великого модельера, отражающих этапы зарождения и эволюции стиля ар деко в костюме, аксессуарах, модной иллюстрации и фотографии. Еще одна грань таланта Поля Пуаре — парфюмерия раскрывается на московской выставке показом флаконов и изящных коробочек для духов фирмы «Розина», расписанных вручную пульверизаторов, а также рекламных афиш.

На выставке представлено более ста экспонатов из собраний Музея Гальера — Парижского городского музея моды, Музея Виктории и Альберта в Лондоне, Международного музея парфюмерии в Грасе, Государственного Эрмитажа в Санкт-Петербурге, Исторической библиотеки и Библиотеки иностранной литературы в Москве.

К выставке издан специальный каталог, который стал первым изданием на русском языке, посвященным великому модельеру.
 

• Смотреть работы с выставки "Пуаре - король моды"

Выставка Сальвадора Дали

Алексей Петухов, куратор выставки Сальвадора Дали - наиболее масштабной из всех, что проходили у нас в стране - рассказал о деталях проекта...

Сальвадор Дали. «Автопортрет с рафаэлевской шеей». 1921-1922, х.м.
Экспонаты для выставки предоставлены музеем-театром Сальвадора Дали в Фигерасе, однако выставка устроена по оригинальной российской версии.


Незадолго до открытия вернисажа корреспондент «Газеты.ру»  взял интервью у  его куратора, старшего научного сотрудника ГМИИ им. Пушкина, Алексея Петухова:
— Почему Пушкинский музей обратился к творчеству Дали? Это была инициатива вашего музея или происходит что-то вроде культурного обмена в рамках года России — Испании?

— Мы довольно регулярно представляем знаковые фигуры искусства ХХ века — из недавних показов можно назвать хотя бы выставки Модильяни и Пикассо. Так что имеется тяга к именам, и репутация музея позволяет такие проекты реализовывать. Происходит это всегда по-разному: например, выставка Пикассо состоялась благодаря тому, что закрылся на реконструкцию его дом-музей в Париже, а вот работы Модильяни пришлось долго и кропотливо добывать из многих источников. В случае с Сальвадором Дали имеется «единый поставщик» — музей-театр в Фигерасе, который очень активно занимается пропагандой творчества художника по всему миру. Инициатива выставки исходила от нас, но была встречена в Испании с большим энтузиазмом.

— Трудно представить, чтобы ради московской гастроли музей в Фигерасе разорил бы дотла собственную экспозицию. Но ведь третьестепенными вещами в такой ситуации не отделаешься. Будут ли показаны у нас какие-то действительно важные, программные, знаковые произведения Дали?

— Безусловно. Упомяну хотя бы знаменитый «Автопортрет с рафаэлевской шеей», который знаком буквально каждому, кто интересовался творчеством художника. Будут очень любопытные работы 1930-х годов — может, не столь хорошо известные, но по-настоящему важные. Очень занимательны подготовительные эскизы и варианты произведений — то, что художники часто оставляют в своих личных собраниях и архивах. Будут и работы позднего периода — таинственные, медитативные, где Дали не похож на себя. Словом, интригующих моментов хватает.

— А что собою представляет привезенная графика? Специально об этом спрашиваю, поскольку тиражной графики Сальвадора Дали мы уже насмотрелись за последние годы...

— Мы показываем исключительно авторские листы, исполненные художником собственноручно. Подборка весьма представительна, она охватывает всю творческую карьеру Дали — от двадцатых до семидесятых годов. Тут и единичные работы, и листы, объединенные в большие циклы, которые заказывались художнику в 1940-е годы, — например, иллюстрации к «Дон Кихоту», к автобиографии Бенвенуто Челлини, к собственным трактатам Дали, которые он в ту пору с увлечением писал. Этот изобразительный материал внушает уважение, поскольку достоинства Сальвадора Дали как графика признавали даже его непримиримые оппоненты.

— В релизе упомянуто еще загадочное слово «объекты»...

— Будет только один арт-объект — это реконструкция «Сюрреалистической комнаты в виде лица Мэй Уэст», созданной в 1934 году. В музее в Фигерасе это пространство реализовано в натуральную величину, к нам же прибыла реконструкция гораздо меньшего размера в формате диорамы.

— Обещанные архивные фотографии — это подлинные отпечатки того времени?

— Речь о семейном архиве: от снимков, сделанных на свадьбах и прочих торжествах, до фотохроники художественного процесса. Совместный отдых с Гала, поездки, встречи, групповые кадры — множество сюжетов. Все отпечатки, разумеется, винтажные. Некоторые из них существуют в единственном экземпляре. Учитывая современный интерес к фотографии, для нас этот раздел не менее важен, чем живопись и графика.

— Оформителем выставки выступает Борис Мессерер. Откроете секрет, что за декорации он придумал?

— Предпринята попытка воссоздать образ музея-театра в Фигерасе. В качестве элемента оформления использована узнаваемая линия музейного карниза, где яйцевидные объекты чередуются с призматическими конструкциями. Этот ритмический ряд будет воспроизведен у нас на колоннаде. Разумеется, речь не о буквальном воспроизведении тамошнего антуража, а о переносе ауры.

— Можно гарантировать, что выставка будет пользоваться повышенным вниманием публики, без очередей явно не обойдется. Однако имеется определенный парадокс в восприятии творчества Сальвадора Дали. Принято считать, что это искусство весьма интеллектуальное, однако интеллектуалы-то относятся к нему как раз довольно скептически — так было и при жизни автора, и сейчас. По вашему мнению, мы имеем дело с «попсой» или все-таки с «высоким искусством»?

— Я не знаю, где эта граница проводится и можно ли ее провести вообще. ХХ век очень существенно поменял всю систему координат в культуре. Если бы такой фигуры, как Сальвадор Дали, не появилось, ее следовало придумать — фигуру художника, который все смешивает, перетасовывает, скрещивает традицию с современностью, а «высокую» культуру — с массовой.

Дали был плотью от плоти своего времени — информационного, динамичного, разрушительного. Он постоянно колебался между традицией и новаторством, между броском вперед и обращением к корням. Этим он и уникален, значим, интересен. Полярные мнения, конечно, остаются, но пора бы проанализировать деятельность Дали с исторической точки зрения.

— А как насчет мифа, который он сам о себе сочинил: «Единственное мое сходство с сюрреалистами состоит в том, что сюрреалист — это я»? Многие до сих пор уверены, что манера Дали и есть квинтэссенция сюрреализма, хотя былые соратники упрекали его именно в отступничестве от идей направления...

— У этой путаницы один автор, его имя мы все знаем. Оттого, что Дали заявил нечто насчет себя, история искусства не меняется. В ней всего-навсего появляется новая страница, связанная с этим высказыванием, а прошлое никоим образом не перечеркнуто. Сюрреализм возник без Сальвадора Дали, оказал на него влияние, принял его — и затем был им поглощен и присвоен.

Пожалуй, сюрреализм в своей первоформе пришел к естественному завершению, так что Дали без труда забрал для своего пользования все, что от него осталось. Прежде всего само название. Однако из истории искусства никуда не делись ни Андре Бретон, ни Ив Танги, ни Жоан Миро, ни другие сюрреалисты. Всех их Дали в свое время сильно «растряс» на предмет творческих идей, потом смоделировал свою манеру — и пустился в самостоятельное плавание под флагом сюрреализма.

— Почему-то в России отношение к работам и к личности Дали особенно трепетное, почти благоговейное и мистическое. Хотя отчасти понятно, почему: из-за «железного занавеса» некогда казалось, что от нас скрывают истинное чудо современного искусства... С этими представлениями очень многие дожили до сегодняшнего дня. Вы полагаете, творчество Дали действительно столь уж важно для современности?

— Мне кажется, что Дали всегда мечтал перешагнуть через мнение критиков и историков искусства и обратиться напрямую к зрителю. И ему это прекрасно удалось. Конечно, наша страна в этом смысле — поразительный феномен, здесь возник беспрецедентный культ Сальвадора Дали. Коллеги из Фигераса мне недавно рассказали, что нет другой страны, из которой бы приезжало столько туристов в тамошний театр-музей. Это реальное паломничество из России.

Но что здесь предосудительного? Художник настолько открыт для контакта и интерпретации, он настолько цепкий в своей манере, до такой степени владеет способностью расставлять всевозможные ловушки — визуальные, смысловые, событийные, — что зритель буквально обречен оказаться в его «паутине». Некоторые не могут освободиться из нее всю свою жизнь.

Мне кажется, в этом и состоит секрет актуальности Дали. Без такого качества он, скорее всего, остался бы самым обыкновенным художником с академической выучкой. Однако он сумел перешагнуть формальные барьеры и стать «человеком-акцией». И фильм снять, и книгу написать, и разоблачить самого себя, и тут же задать новую загадку — все годится, чтобы не переставал вращаться персональный калейдоскоп. Думаю, что феномен популярности Дали далеко не исчерпан и будет существовать еще десятки лет.

Кража картин

Греческой полиции удалось найти картину Питера Пауля Рубенса, украденную в Бельгии в 2001 году. Подозреваемые в хищении взяты под стражу...

В Греции найдена картина фламандского художника Питера Пауля Рубенса, украденная из музея в Бельгии в 2001 году. Об этом 1 сентября сообщает Lenta.ru со ссылкой на Associated Press.

По данным агентства, по делу о похищении картины задержаны два гражданина Греции.

Подлинность произведения уже подтвердили эксперты, а в греческом министерстве культуры подчеркнули, что находка "бесценна". Название обнаруженной работы фламандского мастера пока не раскрывается, однако известно, что в 2001 году из Музея изобразительных искусств в бельгийском городе Гент была похищена картина Рубенса "Охота на калидонского вепря".

В настоящее время найденная картина остается в распоряжении греческих правоохранительных органов. Они обещают показать ее публике позже, так как расследование дела о ее похищении еще не закончено.

Кражи искусства

2011 год стал беспрецедентным по количеству краж произведений искусства. По данным ФБР рынок краденного искусства оценивается сегодня в 6 миллиардов долларов...

 

В рейтинге Интерпола арт-преступления занимают почётное четвертое место после терроризма, организованной преступности и наркотиков.

 

Председатель Art Loss Register Джулиан Рэдклифф (Julian Radcliffe) в своем интервью сайту MutualArt в ноябре прошлого года заявил, что в его базе похищенных произведений искусства около 250 тысяч наименований, и добавил, что эта цифра может ежегодно расти примерно на 10 тысяч.

Сайт MutualArt опубликовал обзор арт-преступлений 2011 года. За прошедшие месяцы произведения искусства беззастенчиво похищали из музеев и галерей, правда не всегда успешно. Был задержан ряд преступников, при этом зачастую у них находили вещи, украденные много лет назад. Среди авторов, чьи произведения пользуются наибольшей «популярностью» у воров, на первом месте Пабло Пикассо. В базе Art Loss Register его работ, кстати,  больше всего (на ноябрь 2010 года). Кроме того, MutualArt в своем обзоре упоминает дела, связанные с преступлениями нацистов — конфискациями произведений искусства или их продажей под принуждением. О громких реституционных спорах этого года речь пойдет во второй части статьи. Итак, посмотрим, что вошло в список важнейших арт-преступлений 2011 года.

Вкус к Пикассо Вполне возможно, что действия Марка Луго, похитившего 5 июля рисунок Пикассо из Weinstein Gallery в Сан-Франциско, объясняются клептоманией или другим психическим расстройством, вызвавшим у заболевшего склонность к маскировке с помощью черных очков и одержимость высококлассными произведениями искусства. Адвокат Луго продолжает настаивать, что его подзащитный действовал под влиянием некой навязчивой идеи, а не по холодному расчету («это не изощренный вор, способный укрывать краденого Пикассо»), однако полиция Сан-Франциско позволила себе с ним не согласиться. Луго был задержан после того, как его опознали на видеозаписи с камеры наблюдения одного из окрестных ресторанов: подходящий под описание мужчина шел по улице с картиной под мышкой. Похищенный рисунок «Женская голова» стоимостью 275 тысяч долларов вскоре был найден в жилище подозреваемого в Нью-Джерси, а вместе с ним — небольшой мини-музей из ценных работ, включая еще одного Пикассо, предположительно украденного из William Bennet Gallery. Выяснилось, что и другие произведения «Галереи Луго» были похищены из различных учреждений в течение месяца. Например, «Композиция с механическими элементами» (1917) Фернана Леже стоимостью 350 тысяч долларов пропала из нью-йоркского отеля Carlyle. За Луго, который пытается отрицать свою вину, назначен залог в 5 миллионов долларов. Кем бы он ни был — хитрым вором или одержимым коллекционером, в одном этому «сомелье» не откажешь — в художественном вкусе.  
Подарок Пикассо… своему электрику Все очень любят творчество Пикассо — и крупные коллекционеры, и электрики. А Пикассо, в свою очередь, благоволил своему электрику — настолько, что подарил целую коллекцию абсолютно неизвестных работ человеку, отвечающему за освещение. По крайне мере, так утверждают Пьер Ле Геннек (Pierre Le Guennec) и его супруга Даниэль (Danielle). Пожилая французская пара привлекла к себе внимание прессы еще в прошлом году, когда стало известно о коллекции из 271 работы, которую Пикассо завещал им как «подарок». Ле Геннек, одно время работавший у художника электриком, хранил многочисленные «подарки Пикассо» у себя в гараже около сорок лет. Хотя большая часть работ заключена в одной тетради, есть в коллекции и несколько кубистических коллажей, и акварель «голубого периода». «Презенты» оценили в сумму от 85 до 115 миллионов долларов. Однако история с дарением показалась подозрительной Администрации Пикассо, следящей за соблюдением авторских прав художника под руководством его сына Клода. Французский суд впоследствии обвинил супругов «в возможном укрывательстве краденого». Исходя из материалов дела, упомянутые работы пропали в смутное время сразу после смерти художника, до официальной инвентаризации его коллекции. Может, судебные заседатели и правы: все-таки 115 миллионов долларов — это слишком высокая цена за электропроводку. Другое дело, если бы речь шла о ремонте механиком машины…

Воровская шайка из Торонто Некоторыми делами приятнее заниматься в компании: теннисом, боулингом, покером, а также, судя по видеозаписям галереи Canadian Fine Arts в Торонто, масштабными ограблениями. Полиция, примчавшаяся после того, как в галерее сработала сигнализация, с ужасом обнаружила, что пропало 11 произведений на сумму 400 тысяч долларов. Видеокамера показала целую компанию воров, отключивших сигнализацию и снявших картины со стен. То, что преступники целенаправленно брали самые ценные работы, навело полицию на мысль, что это профессиональные воры, знакомые с миром искусства. Некоторые похищенные произведения были написаны представителями известнейшего общества канадских художников «Группа Семь» — Джеймсом Макдональдом (J.E.H. MacDonald), Александром Джексоном (Alexander Y. Jackson), Альфредом Кассоном (Alfred J. Casson), Фредериком Варли (Frederick J. Varley) и Фрэнком Джонстоном (Frank H. Johnston). Полиции еще предстоит изучить детали видеозаписи кражи в поисках зацепки — подозреваемых по делу пока нет. Впрочем, ворам тоже непросто будет продать что-нибудь из краденого — ограбление широко освещалось в канадских СМИ. Как заметил один оценщик, «продать украденную вещь — это большая удача, за исключением случаев, когда речь идет о краже по заказу». Вас снимает скрытая камера! Утверждение, что тюрьма способна перевоспитать закоренелого преступника, в очередной раз было подвергнуто сомнению в мае этого года. Кэлвин Гонсалес (Calvin Gonzalez), ранее неоднократно судимый и сидевший за кражи в особо крупных размерах и хранение наркотиков, на этот раз решил попробовать себя на поприще искусства. Он попытался украсть из Manhattan Gallery полотно абстрактного экспрессиониста Франца Клайна (Franz Kline) стоимостью 225 тысяч долларов. В день кражи он под видом посетителя сначала прошелся по выставке работ Сальваторе Скарпитта (Salvatore Scarpitta), а затем направился в зал, где висела работа «Черная краска» Клайна. Он просто снял ее со стены, положил в сумку и спокойно вышел из галереи. Сотрудники поняли, что работа пропала, когда Гонсалес уже покинул здание. Но вновь на выручку пришла запись с видеокамеры: преступника арестовали два дня спустя, сейчас он находится в тюремном комплексе «Рикерс-Айленд» и выйти под залог не может. Что-то подсказывает, что единственная «черная краска», которую Гонсалес в ближайшее время сможет увидеть, будет краской номера на его тюремной робе.

Он ничего не может с собой поделать: французский «искусствоголик» Он не вор, он — «искусствоголик». В апреле знаменитый похититель произведений искусства Стефан Брайтвизер (Stephane Breitwieser) вновь был задержан по обвинению в нескольких преступлениях. В его доме были найдены 28 полотен старых мастеров, в том числе две работы, которые предположительно были украдены из немецких музеев в 2007 году. На следующий день полиция обнаружила еще одну работу — миниатюру школы Брейгеля стоимостью 75 тысяч долларов. Если честно, любовь к искусству — это у Брайтвизеров семейное: Стефан является потомком эльзасского художника Роберта Брайтвизера (Robert Breitwieser). Однако любовь к прекрасному, к сожалению, не распространилась на мать Стефана, которая в 2001 году, пытаясь уничтожить улики против сына, выбросила около сотни работ на несколько миллионов долларов в реку (многие из них, впрочем, удалось спасти). Стефан Брайтвизер, самопровозглашенный «страстный коллекционер», знаменит не столько своими художественными, сколько криминальными наклонностями, за которые был неоднократно судим. В 2002 году его настигла желанная слава, когда стало известно о его коллекции из сотен работ, похищенных из музеев, дворцов и особняков по всей Европе. Швейцарский суд приговорил его к четырем годам заключения в 2003 году, во Франции в 2005-м он получил трехгодичный срок. Французские, немецкие и бельгийские суды сейчас выясняют, кто должен судить Брайтвизера за последние преступления. Возможно, Стефану следовало бы найти другой выход для своей творческой энергии, помимо арт-преступлений, — в живописи, например? Дорожный штраф на 3,6 миллиона долларов Когда миланская полиция в мае этого года остановила один чересчур разогнавшийся автомобиль, дело не обошлось выписыванием простого штрафа за превышение скорости. Мало того что ни у водителя, ни у его пассажира не было водительских прав — оба к тому же оказались ранее судимыми. При обыске полиция нашла в багажнике украденную картину Джорджо Моранди (Giorgio Morandi) стоимостью 300 тысяч долларов. Возможно, некие улики в машине навели полицию на убежище воров во Франции, где были найдены еще 12 краденых работ, в том числе портреты Мао Энди Уорхола, картина 1935 года Фернана Леже и некоторые другие произведения таких авторов, как Бальтюс (Balthus) и Гирингелли (Ghiringhelli). Эти работы, упомянутые в реестре похищенных произведений искусства Интерпола, ранее принадлежали коллекции Паолы Фолон (Paola Folon), вдовы бельгийского актера Жана-Мишеля Фолона (Jean-Michel Folon). Примерно пять лет назад они исчезли из ее имения. Суммарно эта группа работ оценивается в 3,6 миллиона долларов, что, несомненно, больше штрафа за превышение скорости. Нечего и говорить — водитель и пассажир были тут же арестованы. Во всяком случае, теперь-то уж они научатся не превышать скорость.

Украденный алтарь вернули через сорок лет Художественный музей Спида в Луисвилле (Кентукки) вернул трехчастный алтарь XIV века законным владельцам. Сотрудники музея приобрели этот триптих за 38 тысяч долларов в нью-йоркской галерее в 1973 году. Однако покупатели и не догадывались о том, что работа незадолго до этого была похищена из одной итальянской виллы вместе с 14 другими произведениями на общую сумму 33 миллиона долларов. На створках алтаря изображены Дева Мария с младенцем Христом, Иоанном Крестителем и Святой Екатериной (центральная часть); распятие (правая створка) и двое святых (левая створка). Итальянский искусствовед опознал триптих, сопоставив фотографию из архива прежних владельцев и снимок экспозиции Музея Спида. И вот сорок лет спустя средневековый шедевр возвращается домой после того, как американское правительство одобрило его передачу Италии. Когда печальная история похищения алтаря стала известна, директор музея Чарльз Венабль (Charles Venable) принес свои извинения, но заверил, что они были в неведении относительно истинного происхождения работы. «Если честно, у многих произведений искусства, особенно у старинных, очень сложная и запутанная история бытования», — отметил Венабль. Художественному музею Спида возместили потраченные в 1973 году 38 тысяч долларов, однако пока не ясно, смогут ли претендовать на алтарь его прежние владельцы, когда он вернется на итальянскую землю. Подозреваемых в совершении этой кражи в 1971 году до сих пор нет.  
Работа Модильяни помогла найти военного преступника Иногда преступников постигает заслуженная кара. Так произошло и с Гораном Хаджичем (Goran Hadzic), сербским военным лидером, обвиненным в преступлениях против человечности во время кровавой войны на Балканах и избегавшим правосудия пятнадцать лет. В июле 2011 года в отчаянной попытке достать немного денег, будучи в бегах, Хаджич решил продать ворованную работу, приписываемую Амедео Модильяни (Amedeo Modigliani) и якобы стоящую миллионы долларов. Через картину полиция вышла на друга Хаджича, а затем установила место в лесу, где скрывался преступник, и схватила его. Самое интересное в этой истории то, что, по оценкам некоторых экспертов, картина вполне может оказаться подделкой: «У нас есть подозрения относительно именно этой работы, поскольку она входила в большую группу фальшивок, проданных одному коллекционеру». Нацистские кражи В этом году имели место несколько важных реституционных споров, связанных с преступлениями нацистов — конфискациями произведений искусства или их продажей под принуждением. Напомним, что в 1998 году представители 44 стран подписали «Вашингтонские положения», согласно которым власти этих стран обязались активно содействовать возвращению жертвам нацистского геноцида и их родственникам некогда украденных у них произведений искусства. Некоторые страны, подписавшие «Вашингтонские положения», в этом году активно участвовали в реституционных разбирательствах. Это были:

• Австрия — Комиссия Министерства культуры Австрии порекомендовала венскому Музею Альбертина вернуть по реституции пять рисунков Эгона Шиле наследникам венского дилера Карла Мэйлендера (Karl Maylander),  депортированного в 1941 году в трудовой лагерь в Польше. Среди работ, рекомендованных министерством к реституции, оказался рисунок «Девушка в солнечных очках», а также автопортрет художника «Эрос». Музею Альбертина еще предстоит исполнить пожелания правительства;

• Германия — пожалуй, один из наиболее странных реституционных споров этого года связан с коллекцией египетских древностей Георга Штейндорфа (Georg Steindorff), которую ученый продал в 1937 году Лейпцигскому университету, где на тот момент работал. В мае 2011 года берлинский суд постановил, что эта продажа была сделана под принуждением, а потому подлежит реституции. Коллекцию предстояло передать из музея Комиссии по еврейским материальным искам к Германии (Клеймс Конференс), которая становится официальным правопреемником собственности жертв геноцида в случае, если на такую собственность не заявили свои права наследники. Реституции коллекции Штейндорфа Клеймс Конференс впервые потребовала в 1990 году, когда комиссии еще не было известно о существовании наследника Штейндорфа Томаса Хемера (Thomas Hemer). В данном случае Комиссия по еврейским материальным искам к Германии имеет право на реституцию собрания в обход воли наследника. Внук Штейндорфа Томас Хемер, в свою очередь, никогда не настаивал на реституции коллекции, поскольку был уверен, что его дед продал ее добровольно для создания музея в его любимом университете. К счастью, Клеймс Конференс решила поступить благородно — отказаться от своих прав на коллекцию Штейндорфа и оставить ее в Лейпцигском университете;
• Нидерланды — в конце июня правительство Германии заявило, что собирается вернуть в Нидерланды по реституции восемь полотен старых мастеров, принадлежавших до фашистской оккупации этой страны еврейским антикварам Жаку Гаудстиккеру (Jacques Goudstikker) и Натану Кацу (Nathan Katz). Эти работы во время войны попали в коллекцию Альфреда Куммерле (Alfred Kummerle),  владельца прядильной фабрики в Восточной Германии, а после его смерти и отъезда его жены из ГДР в 1950-е годы — в собственность коммунистического правительства. Среди произведений, которые подлежат реституции, есть живописные шедевры XVII века кисти Яна Стена (Jan Steen) и Филипса Воувермана (Philips Wouwerman);
• Бельгия — бельгийское правительство недавно отказало в реституции «Портрета Людвига Адлера» 1914 года кисти Оскара Кокошки наследникам его довоенного владельца, еврейского банкира. Правительственная комиссия установила, что эту работу, которая ныне принадлежит городу Генту, еврейский банкир продал до своего побега в Африку, при этом доказательств продажи под принуждением нет. Наследники ни разу не пытались вернуть работу до 2004 года. Гентский музей, со своей стороны, утверждает, что работу приобрел законным порядком, не ведая о ее происхождении.

Оскар Кокошка. Портрет Людвига Адлера. 1914

Арт-бизнес по-русски

В Санкт-Петербурге прошёл семинар «Современные тенденции российского арт-рынка»... На западном же рынке эти тенденции давно уже превратились в обкатанные десятилетиями механизмы извлечения прибыли... Семинар, организованный Домом «Аукционные сезоны Петербурга»прошёл в стенах Центра графики, живописи и дизайна «StArt Академия».  Тема семинара «Современные тенденции российского арт-рынка», была охарактеризована последними изменениями в отечественном арт-бизнесе, сообщили «БалтИнфо» организаторы семинара. Участники семинара — представители галерей, коллекционеры и искусствоведы в живой дискуссии обсуждали вопросы законодательства, регулирующего перемещение культурных ценностей, особенности галерейного дела. По мнению генерального директора «Аукционных сезонов» Дмитрия Казанцева, «форма продаж произведений искусства через галереи отмирает, и куда более выгодно для художников и коллекционеров работать с арт-агентствами, участвовать на российских и международных Салонах и ярмарках, сотрудничать с крупными интернет проектами, так как на долю этих организаций в мире приходится уже чуть ли не половина всех продаж произведений искусства». Арт-директор «Аукционных сезонов Петербурга», Борис Трубников рассказал о новом проекте компании Галереи «Северная пальмира». По словам организаторов в основе проекта лежит работа по «брендингу» молодых художников. «После заключения договорных отношений с художником, мы начинаем очень плотно с ним работать. Проводим выставки на крупнейших выставочных площадках, делаем публикации, выставляем на аукционы, работам с музейными собраниями. Все это позволяет нам создавать инвестиционный портфель для его художественных произведений», - говорят организаторы.

Выставка итальянского портрета

Музей Боде в Берлине и нью-йоркский музей Метрополитен объединили усилия для  организации крупнейшей выставки, посвящённой истории итальянского портрета эпохи Возрождения...
 

 

В берлинском музее Боде 25 августа открылась выставка портретов итальянских мастеров эпохи Возрождения "Лица Ренессанса. Шедевры итальянской портретной живописи", -сообщает Lenta.ru В музей Боде, расположенный на Музейном острове, привезли более 150 произведений искусства - от картин до скульптур, которые впервые выставляются единой коллекцией. На экспозиции представлены работы итальянских художников раннего Возрождения из коллекций Лувра, Лондонской национальной галереи и галереи Уффици во Флоренции. Выставка призвана продемонстрировать историю итальянской портретной живописи, которая развивалась под влиянием античных образов и голландского портрета XV века. В музее экспонированы работы Пизанелло, Верроккьо, Боттичелли, Донателло и Леонардо да Винчи, включая "Даму с горностаем". Этот портрет, написанный в 1489-1490 годах, предоставил краковский музей Чарторыйских. Немецкий музей собрал коллекцию портретов при участии нью-йоркского музея Метрополитен. Из Берлина выставка переедет в Метрополитен, где она будет открыта с 19 декабря до 18 марта 2012 года.

Джордж Стаббс (1724 - 806)

25 августа 1724 года в Ливерпуле, в семье торговца кожами родился Джордж Стаббс, английский художник, известный своими картинами, воспевающими красоту лошадей...

 

 

Отец Стаббса был дубильщиком и торговцем кожами. Занятие это считалось уважаемым и приносило хороший доход, поэтому ни у кого из родственников не возникало сомнений в том, что Джордж продолжит семейное дело. Вскоре, однако, выяснилось, что он интересуется животными совсем с другой точки зрения, чем того требовало ремесло кожевенника. Джорджу Стаббсу не исполнилось еще и десяти лет, когда он научился делать анатомические наброски. Мальчик даже получил первый приз на конкурсе местного художественного общества за свой рисунок лошади. Впрочем, пока был жив Стаббс-старший (а умер он в августе 1741 года), Джорджу и думать было нечего о том, чтобы серьезно заниматься рисованием. Хотя смерть отца и стала тяжелым ударом для всего семейства Стаббсов, юноша довольно быстро оправился от него, тем более что теперь был открыт путь к исполнению его заветной мечты. Нимало не медля, он поступил учеником к Гамлету Уинстенли, ливерпульскому живописцу, имевшему доступ к собранию картин графа Дерби (его поместье располагалось совсем неподалеку от Ливерпуля). Последнее обстоятельство, вероятно, сыграло не последнюю роль в том, что выбор Стаббса пал именно на Уинстенли, -ведь в те времена не существовало публичных галерей, где молодой художник мог бы увидеть работы старых мастеров. Поэтому иметь такого наставника, как Уинстенли, было очень выгодно. Итак, Стаббс приступил к занятиям, но уже спустя несколько недель ушел от своего учителя. Истинные причины этого разрыва остались загадкой, хотя впоследствии Уинстенли говорил о том, что Стаббс оказался слишком нетерпеливым учеником и жаждал приняться за какой-нибудь амбициозный проект, не освоив даже азов ремесла художника. Как бы там ни было, Стаббс возвратился домой и следующие четыре года жил на иждивении матери, объявив, что ему «необходимо изучить Природу». Приблизительно в 1744 году Стаббс посетил Уиган и Лидс, где написал несколько заказных портретов. К сожалению, ни один из них до сих пор не удалось обнаружить. К 1745 году он перебрался в Йорк, где рассчитывал найти более широкое поле деятельности и пополнить свои познания в анатомии. В Йорке художник свел знакомство с Чарльзом Аткинсоном, врачом местной больницы, и под его руководством провел несколько вскрытий, причем настолько удачно, что сумел привлечь к себе внимание доктора Джона Бартона, работавшего в то время над своей книгой «Новейшая система родовспоможения» (1751). Для этой книги Стаббс создал 18 иллюстраций, которые теперь принято считать самыми ранними из датированных работ художника. В 1754 году Стаббс совершил поездку по Италии. Подобная поездка считалась если не обязательной, то весьма желательной для каждого начинающего живописца, ибо где, как не в Италии, можно было увидеть столько шедевров мастеров Возрождения. Впрочем, кроме высокой образовательной цели Стаббс преследовал и более «низкую» — он желал установить полезные связи с собирателями и перекупщиками картин. Людей такого рода всегда было много в Риме. Именно во время этого путешествия Стаббс натолкнулся на тему «лев и лошадь», к которой неоднократно возвращался в дальнейшем. Многие исследователи считают, что эту тему подсказала ему античная мраморная статуя из палаццо деи Консерватори. Правда, существует и другая версия — романтичная, но не доказанная, — согласно ей художник после Италии побывал в Северной Африке, где собственными глазами видел льва, напавшего на лошадь. После возвращения из Италии Стаббс некоторое время провел в Ливерпуле, помогая родственникам наладить торговлю кожами, оставленную им покойным отцом. В 1756 году художник отправился на ферму в Хоркстоу, Линкольншир. Здесь, на местной бойне, он провел шестнадцать месяцев, препарируя трупы забитых лошадей и зарисовывая результаты своих наблюдений. Эти рисунки легли в основу знаменитого стаббсовского сборника «Анатомия лошади», опубликованного в 1766 году. Добровольное изгнание в Хоркстоу разделила с художником его гражданская жена, Мери Спенсер. Об этой женщине мы не имеем почти никаких сведений. Говорят, она была дочерью капитана морского судна, погибшего во время вспыхнувшего на борту бунта. Говорят также, что она была дальней родственницей художника. Но доподлинно известно лишь то, что она почти всю свою жизнь прожила рядом с ним и имела от него двоих детей — сына Джорджа (ок. 1756—1818), ставшего впоследствии известным гравером, и дочь Мери, умершую в младенчестве. В 1758 году Стаббс (по всей видимости, оставив семью в Ливерпуле) отправился в Лондон, чтобы найти художника-гравера для своей «Анатомии лошади». Гравера он не нашел, однако в столице познакомился со многими завсегдатаями скачек, и среди них — с молодым человеком по имени Генри Анджело. Отец Генри, Доменико Анджело, владел респектабельной школой верховой езды в Сохо. Стаббс написал для него несколько этюдов с лошадьми, и ему так понравились эти работы, что он свел художника с некоторыми из своих учеников-аристократов, которые стали заказывать ему картины. Среди клиентов художника оказались такие влиятельные люди, как маркиз Рокингем, герцог Ричмондский и граф Спенсер. В это же время Стаббс начинает выставлять свои работы. С 1762 года он регулярно показывает их в пользующемся большим влиянием Обществе художников. В 1766 году его избрали одним из членов правления Общества, и Стаббс не упускал ни единой возможности проявить себя на этом посту. В частности, именно он уговорил доктора Хантера произвести вскрытие трупа для демонстрации членам Общества анатомии человеческого тела. Растущая популярность убедила Стаббса в необходимости закрепиться в Лондоне, и в 1764 году он поселился в доме на Сомерсет-стрит, где и провел остаток своей жизни. С этим домом связан самый плодотворный период в творчестве художника. 1781 году Стаббс стал членом Королевской Академии, но безоблачными его отношения с нею оставались недолго. В этом же году художник показал на выставке Академии пять своих эмалей, питая надежду, что именно они принесут ему громкую славу. Но (думается, все-таки по нерадению, а не по злому умыслу) картины были размещены не самым лучшим образом и успеха не имели. Последовала громкая ссора, и в результате Стаббса изгнали из Академии — так же быстро, как приняли. Эмалями (послужившими невольным поводом к этому скандалу) Стаббс увлекся еще в начале 1770-х годов. Более того, познакомившись с известным мастером Джошуа Веджвудом (1730— 1795), он загорелся идеей выпускать совместно с ним декоративные керамические тарелки с росписями. Увы, эта авантюра закончилась коммерческим крахом. Стаббс обладал особым талантом затевать убыточные предприятия. Благодаря этому таланту он довольно быстро истратил все деньги, что принесли ему его «лошадиные портреты» (а в свои лучшие годы он брал за самый простой из них сто гиней). Последние годы художник прожил в безвестности. От нищеты же его спасала лишь поддержка Изабеллы Салтонсталл, почитательницы его таланта, которая под благовидными предлогами давала Стаббсу денег или же покупала у него картины, в несколько раз переплачивая за них. Умер живописец 10 июля 1806 года от сердечного приступа, и смерть его не встревожила никого, кроме самых близких ему людей.

Галерейный бизнес

Доля произведений искусства, продаваемых непосредственно в художественных галереях с каждым годом неуклонно уменьшается. Это означает, однако, не скорый конец галерейного бизнеса, а встраивание его в иную систему отношений...

Многочисленные галереи больше не являются приоритетной формой распространения искусства, сообщает издание firstnews.ru. По мнению экспертов, отечественные арт-проекты эта тенденция пока не затронет.     Традиционная галерейная модель арт-выставок во многом исчерпала себя. К такому выводу пришла в своем отчете Международная конфедерации ассоциаций арт-дилеров (Confédération Internationale des Négociants en Oeuvres d'Art, CINOA). По данным CINOA, в настоящий момент галереи стали меньше посещать, чем специальные арт-ярмарки и электронные медиа-ресурсы. Иностранные эксперты склонны соглашаться с выводами исследования арт-продавцов. "Мы заключаем гораздо больше сделок на ярмарках, чем в галереях — вне всяких сомнений", — подтверждает тезисы конфедерации Доминик Леви, директор галереи L&M Arts, сообщает The Art Newspaper. Иностранные арт-дилеры также отмечают, что такая ситуация будет сохраняться, поскольку "на данном этапе большая часть рынка ориентирована на клиентов, которые не живут там, где вы работаете, и поэтому их гораздо удобнее обслуживать через арт-ярмарки". Впрочем, российские эксперты, оценивая результаты исследования, подчеркнули, что международная конфедерация арт-дилеров рассматривает вопрос со своей точки зрения, то есть продавцов. "Традиционные галереи не пришли в упадок, они существуют, пока их никто не отменял. Другой вопрос, что все институты, в том числе коммерческие, имеют свойство возникать, трансформироваться, иногда отмирать, а иногда — появляться в новых формах", - полагает директор Мультимедийного комплекса актуальных искусств Ольга Свиблова. Вместе с тем Ольга Свиблова считает, что не стоит забывать об еще одном "игроке" — арт-аукционах, "перед натиском которых галереям иногда приходиться отступать". "При этом остаются галереи, которые создают бренды в искусстве. Более того, они начинают использовать и электронную площадку", - отметила Ольга Свиблова. Арт-деятель добавила, что между тем не стоит переоценивать роль интернет-платформ. "Отношение между виртуальным и реальным в сегменте художественного рынка ровно такое же, как в реальной жизни", - полагает Ольга Свиблова. Галерист, член Общественной палаты РФ Марат Гельман считает, что на России эта тенденция пока не должна отразиться. "В России проще, так как галереи не успели стать фундаментальным основанием. У нас гораздо более значительную роль играют фонды и музеи", - отметил Марат Гельман. Что касается ярмарок, искусствовед подчеркнул, что они также собираются галереями. Марат Гельман полагает, что просто изменился тип бизнеса. "Если раньше главное — это было пространство, выставочная программа, то сейчас важнее иногда продюсерская активность галериста", - считает Марат Гельман. Искусствовед добавил, что "галерист должен участвовать в различных ярмарках, бывать на форумах, то есть получается, что сейчас многие агенты успешнее, чем галереи, просто потому, что у них нет серьезных расходов".

Арт-рынок

Мартин Бремон, экономист авторитетного мирового интернет-портала Artprice.com, рассказывает о расстановке сил на мировом рынке, "китайском чуде", о голубых фишках и мыльных пузырях арт-рынка... - В последнее время все обсуждают только один вопрос: на мировой арт-рынок пришел Китай - хорошо это или плохо? - С одной стороны, наиболее влиятельные коллекционеры пока еще родом из США и Европы. С другой стороны, китайцы получили уже более 33% рынка торговли искусством и уже опережают по этим показателям США или Великобританию. А молодые азиатские коллекционеры, которые обладают практически неограниченными финансовыми возможностями, довольно последовательно продолжают покупать именно китайское искусство. Таким образом, сегодняшнему арт-рынку свойственен определенный дуализм. - Обороты китайских арт-аукционов растут, они уже на третьем месте после Christie's и Sotheby's. Это временное явление, связанное с последствиями кризиса и отсутствием наличности, или утрата монополии западными аукционами?
- Китай, несомненно, номер один, и он лидирует на рынке торговли искусством, среди всех стран. Сегодня семь из дести успешных аукционных домов (в терминологии аукционных торгов) находятся в Китае. До недавнего времени была монополия Christie's и Sotheby's, но теперь, пришло время конкуренции. Это очень хорошо для рынка искусства, так как европейские страны стали продавать меньше, и развитие аукционов на территории Китая может стать спасением арт-рынка. Рост аппетитов китайских коллекционеров принесет пользу всем: мы уже наблюдали, какие исключительные цены платили за произведения китайского искусства по всему миру, что, в свою очередь еще больше разжигает интерес коллекционеров. - Сейчас опять в связи с нестабильной финансовой ситуацией в США и экономическими проблемами еврозоны заговорили о новой волне кризиса: какие прогнозы у вас? - Искусство всегда будет желанным вложением средств, несмотря ни на какие кризисы, а инвесторы, скорее всего сейчас уже меньше будут находиться под гнетом долговых обязательств, как это было в 2008 году. Нынешний кризис, который разразился в США, скорее всего в незначительной степени затронет мировой арт-рынок, так как покупателей из Штатов становится все меньше. К тому же арт-рынок более неповоротливый, чем фондовый или другие, поэтому с большей долей вероятности можно будет сказать, когда пойдут торги искусством в сентябре. Возможно, первыми ощутят это "голубые фишки", немного просядут импрессионисты, но такого падения как это было в 2008 году, когда рынок искусства рухнул на 30%, не будет.
- Кто из художников показал после кризиса самый стабильный рост?
- После кризиса, наиболее успешным художником из ныне живущих, можно назвать Урса Фишера, который на днях установил очередной ценовой рекорд, и стал самым дорогим художником моложе 40 лет. То же самое можно сказать и о Синди Шерман, которая является самым дорогим фотографом. Изрядно подешевел Дэмиен Херст. Если сравнивать цены на его работы перед кризисом, то сегодня они потеряли в цене в среднем 60%, не лучше обстоят дела и у Такаши Мураками. Цены на них все еще очень высоки, хотя и далеки от цен 2008 года. - Вы говорите уверенно о современном искусстве, хотя другие эксперты уверены, что стабилен только сегмент старых мастеров? - Дело в том, что старые мастера, из-за особой редкости работ на рынке, представляют собой совершенно особый сегмент рынка. Инвесторы, действительно переориентировалась на более стабильные разделы. Например, торги современного искусства в последнее время были полны Энди Уорхолом, а не Дэмиеном Херстом. Работы Энди Уорхола сделали треть выручки майских торгов "Послевоенное и современное искусство" аукционного дома Christie's, принеся 91 миллион долларов, а "Автопортрет" Уорхола ушел с молотка за 38,4 миллиона долларов, установив новый ценовой рекорд на работы автора. При этом Херсту удалось продать всего четыре работы стоимостью выше 1 миллиона евро, начиная с сентября 2008 года, хотя за период с 1 января по 30 сентября 2008 года он продал 38 работ стоимостью выше 1 миллиона евро. Аукционы стали меньше поддерживать так называемые "голубые фишки" и больше тех художников, чья ценность была проверена историей, например Пикассо или Джакометти. Последние ставили рекорды даже в кризис.

Экстремизм в искусстве

Казалось бы, по делу о выставке "Запретное искусство" всё и всеми давно уже сказано и вопрос можно бы и закрыть. Прокуратура, однако, продолжает свою кропотливую работу по признанию экспонатов выставки экстремистскими материалами.. Городской суд Тарусы (Калужская область), - сообщает «Газета.Ru», - по иску прокуратуры признал экстремистской картину Александра Савко «Нагорная проповедь», где диснеевский персонаж заменил Иисуса Христа. Если Савко не обжалует судебное решение, выставлять картину или перепечатывать ее изображение в СМИ в будущем будет запрещено. Графический лист «Нагорная проповедь» из серии «Путешествия Микки-Мауса по истории искусства» попал в поле зрения прокуратуры еще в 2006 году во время проверки скандально известной выставки «Запретное искусство». Проверка велась по заявлению ультраконсервативной православной организации «Народный собор». Ее активисты сами выставку не посещали, но экспонаты увидели в интернете и в итоге сочли ее оскорбляющей чувства верующих, «богохульной и возмутительной». Организаторы выставки Андрей Ерофеев и Юрий Самодуров в 2010 году были признаны виновными по ст. 282 (возбуждение религиозной ненависти либо вражды) Уголовного кодекса. Суд постановил, что Ерофеев должен заплатить государству 150 тысяч рублей, а Самодуров — 200 тысяч. Как рассказали «Газете.Ru» в прокуратуре райцентра, в центральном аппарате ведомства после приговора кураторам «Запретного искусства», в соответствии с принципом преюдиции, начали «рассматривать вопрос» о признании большинства выставленных на ней картин экстремистскими материалами. До того как Генпрокуратура приняла какое-либо решение по экспонатам, 30 июня в тарусское надзорное ведомство обратилась местная жительница, потребовавшая признать экстремистской конкретную картину — работу художника Александра Савко «Нагорная проповедь». «Мы не можем называть имя заявительницы. Она увидела картину в интернете, и ее возмутило, что мультяшный персонаж представлен в образе Христа», — сказали в прокуратуре. Картина Савко представляет собой переработанную гравюру немецкого художника Юлиуса Шнорр фон Карольсфельда, изображающую сцену нагорной проповеди, только раскрашенную и с известным диснеевским персонажем вместо Иисуса Христа. «Проведенная по иску экспертиза показала, что данный сюжет действительно нарушает закон: замена лика Христа на Микки-Мауса оскорбляет чувства христиан. Думаем, что если бы на картине обыгрывался пророк Мухаммед, то одним иском дело бы не обошлось, шуму было бы гораздо больше», — сказали в прокуратуре. По словам представителей надзорного ведомства, перед передачей гражданского дела в суд был опрошен и сам художник Савко, но о результатах беседы с ним прокуроры не говорят. «Получив всю нужную информацию, мы отправили дело в суд. Сам художник на заседание не явился», — сказали в прокуратуре. В итоге в минувший четверг Тарусский райсуд признал картину «Нагорная проповедь» с Микки-Маусом экстремистской. Согласно приговору, картина представляет собой «предельно циничное, издевательское оскорбление, дисфорическое высмеивание религиозных убеждений и религиозных чувств православных верующих, унижение их человеческого достоинства». Если Савко не обжалует это решение, то работа, в соответствии с законом «О противодействии экстремистской деятельности», составит компанию многочисленным листовкам с ультраправыми лозунгами и брошюрам радикальных исламистов в списке Минюста и запрещена к экспонированию. «Также ее изображение запрещено будет печатать в СМИ, за это можно будет получить предупреждение от Роскомнадзора. Во время суда мы и не требовали конфисковать картину, хотя закон такое предусматривает. Нам важнее, чтобы ее больше нигде не выставляли», — добавили в тарусской прокуратуре. С самим Александром Савко в пятницу связаться не удалось. Как сообщили «Газете.Ru» в «Айдан галерее», где до недавнего времени выставлялся художник, Савко после визита в тарусскую прокуратуру «решил на некоторое время уехать и отдохнуть от этого всего». «Мы в курсе этой абсурдной ситуации. Когда Саша вернется, будем что-то придумывать. Честно говоря, такие новости и комментировать трудно, так как это полнейший бред», — сказали представители галереи.

Вандализм в музеях

Американка Сьюзан Бернс 5 августа попыталась снять со стены картину Матисса "Шляпа с перьями" (1919), висящую  в Национальной галерее искусств в Вашингтоне...

Как пишет Lenta.ru со ссылкой на  The Washington Post, эта же женщина в апреле пыталась сорвать со стены полотно Поля Гогена "Две таитянки" (1899).

На портале The Smoking Gun отмечается, что Бернс подошла к полотну Матисса, схватила его с двух сторон за раму и три раза ударила по стене. В результате рама стоимостью 250 долларов была испорчена, однако сама картина не пострадала.

Бернс предъявлены обвинения в попытке воровства, незаконном проникновении в музей, а также неуважении к суду, который после апрельского инцидента запретил ей посещать все музеи Вашингтона, включая Национальную галерею.

Причины, по которым американка напала на картину Матисса, не известны. На "Двух таитянок" Гогена Бернс набросилась с криками "Это зло!". По данным издания, Бернс потом сообщила следователям, что картина "очень гомосексуальна" и вредна детям.

Картину Поля Гогена, которая оценивается в 80 миллионов долларов, привезли в Национальную галерею на выставку "Гоген: создатель мифов" из музея Метрополитен. Выставка закончилась в начале июня. "Шляпа с перьями" Матисса оценивается в 2,5 миллиона долларов.

Поддельное искусство

Вице-президент российской Гильдии оценщиков и галерист Олег Таиров в интервью РИА Новости пытается внести ясность, что же именно стоит за периодическими скандалами, связанными с оценкой и атрибуцией некоторых дорогих работ российских художников...

- В последнее время стали много скандалить вокруг произведений российских художников. Например, история с нью-йорской ABA Gallery Анатолия Беккермана. Его обвиняют в продаже народному депутату Украины Александру Савчуку 18 картин по ценам выше рыночных (всего на общую сумму около 9,6 миллионов долларов), и в том, что 4 из них (среди которых работы Шишкина и других русских художников с экспертными заключениями российских музейщиков) являются подделкой.

- Могу прокомментировать вопрос цены: на произведения искусства во все времена цены были договорными. Если покупатель и продавец установили свою цену, то все дальнейшие претензии не имеют никакого смысла. Претензии по поводу подлинности работ возникают время от времени, и во всех таких случаях требуют тщательной проверки независимыми экспертами.

- Хорошо, вот есть история с работами Натальи Гончаровой: выпущены каталоги "Наталия Гончарова" Энтони Партона (Anthony Parton Goncharova: The Artand Designof Natalia Goncharova) и "Наталия Гончарова: ее творчество между традицией и современностью" Дениз Базету (Denise Bazetoux Natalia Gontcharova: son oeuvre entre tradition et modernité), в которых большая часть работ, как утверждают российские эксперты - подделка. Например, об этом говорят в Третьяковке. Что стоит за этой историей?

- Во-первых, этой истории уже почти десять лет. Например, неизвестные работы мужа Гончаровой Михаила Ларионова были представлены на организованной Александром Наковым выставке в 1987 году во Франкфурте. Часть работ вызвали сомнения у экспертов, и после длительного судебного разбирательства работы пастелью были сочтены фальшивыми. Другой скандал - это закрытие выставки Александры Экстер в 2009 году "Александра Экстер и ее русские друзья" в городе Тур, организованной Жаном Шовленом. Тогда по инициативе Накова около 200 произведений Экстер были арестованы в марте за три дня до закрытия выставки. Основание - сомнения в подлинности произведений и имущественные претензии. Судебных решений пока нет. На этом фоне около 10 лет назад в Европе появились подделки картин Гончаровой, подлинность которых подтвердили Энтони Партон, Дениз Базету и Жан Шовлен.

Они были одни из тех, кто организовывал экспертизу русского искусства в Европе - международную палату российского модернизма (International Chamber of Russian Modernism (InCoRM)). Результатом их деятельности стали те самые монографии-каталоги, посвященные Гончаровой, где многие работы - откровенные фальшивки. Письма в InCoRM от ГТГ с заключениями российских экспертов, никакого эффекта не имели: на них отвечали отписками, смысл которых сводился к тому, что российские эксперты им не указ.

- Это вопрос доверия мнению наших экспертов?

- Дело в том, что провести технологическую экспертизу в отношении большинства работ художницы невозможно, так как Гончарова уехала из России в 1914 году, а окончательно обосновалась во Франции в 1918, умерла в 1962 году. Если картины были написаны через 10-20 лет после ее смерти, то, химический спектральный анализ здесь бесполезен.

А вот в отношении ранних работ 1910-20-х годов, которые являются наиболее ценными, такая экспертиза возможна. Но, гораздо эффективнее провести сравнительный анализ на примере аналогичных ее произведений, которые хранятся в Третьяковской галерее (в 2000 году большинство работ парижского периода были экспонированы на персональной выставке Гончаровой и Ларионова в ГТГ и переданы наследниками в собственность галереи). Однако, авторы монографий отказываются предоставить картины для проведения экспертизы на территории РФ.

- Как так получилось, что мнения российских экспертов не учитываются в подобных вопросах?

- Мы мало можем влиять на западную экспертизу. Единственное, что можно было сделать, это выступить на ежегодном заседании CINOA, организации, объединяющей международные ассоциации антикваров и арт-дилеров. Сессия проходила в июне в Санкт-Петербурге, и на ней была заявлена позиция российских экспертов, а также было отмечено, что введение в оборот арт-рынка корпуса фальшивых работ Натальи Гончаровой, как одного из самых дорогих российских художников (на аукционе Christie`s "Искусство импрессионистов и модернистов" в 2010 году ее полотно "Испанка" 1916 года продано за 6,4 миллиона фунтов), нанесет огромный вред рынку русского искусства.

- Как производится экспертиза на Западе?

- Западная экспертиза базируется на провенансе (истории), и гораздо меньше внимания уделяет технологической экспертизе. Основной корпус экспертов в Европе - частные, среди которых много сотрудников крупнейших музеев (например, одни из лучших экспертов по старым мастерам работают в голландском Rijksmuseum). Они же, как правило, и составляют каталоги резоне, являющиеся определяющим моментом для последующих экспертиз. Практически все они страхуют свои заключения от ошибок: так как экспертиза дело дорогостоящее (стоимость может достигать 5% рыночной цены работы), то в случае ошибки, эксперт (или страховая компания) возвращает эту сумму клиенту. Стоит отметить, что подобные случаи редки.

Есть фирмы, которые организовывают технологическую экспертизу, химию, рентген, проводя ее самостоятельно, или договариваясь с различными научно-исследовательскими лабораториями или институтами. В отношении живописи это неплохо работает: если спектральный анализ показывает в работе эпохи Возрождения пигменты неаполитанской желтой краски (которая была изобретена в 1762 году), или на полотне XIX века обнаруживаются пигменты титановых белил (появившиеся впервые в 1912 году), то нужда в дальнейших изысканиях отпадает.

И, наконец, на западе активно действуют фонды того или иного художника (основанные как правило наследниками), в задачу которых входит отслеживать провенанс работы, разыскивать доказательства ее создания. Но, уж если фонд сказал, что вещь подлинная, значит, так тому и быть, что бы ни говорили другие эксперты.

- Чем кардинально эта ситуация отличается от российской?

- В России есть большая проблема с провенансом, вызванная объективными историческими причинами (войнами и революциями), - иногда вещь пропадала из виду на много десятков лет. Это в Англии можно с точностью до месяца установить, от кого к кому переходила картина Гейнсборо, так как купчие, описи имущества и наследства в большинстве случаях в полной сохранности. Эксперту нужно лишь поднять документы. А в России этот номер не пройдет. Поэтому у нас меньше всего обращают внимание на провенанс, и гораздо больше на искусствоведческую и технологическую (качеству холста, мазка, грунта) экспертизу без учета того, где вещь бывала и ходила.

Сегодня в России действует порядка двух десятков признанных экспертов, и все они либо работали ранее, либо все еще продолжают работать в музеях и имеют колоссальный опыт непосредственного ежедневного общения с картинами того или иного художника (если речь идет о живописи). Причем это традиция советского времени, когда музейные работники, которые по 40 лет изучали произведения того или иного периода, безо всякой технологической экспертизы, путем сравнительного анализа, могли атрибутировать произведение. Иногда достаточно просто поместить картину под ультрафиолетовые лучи, чтобы по оттенкам пятен, понять, чья это работа. Но, тут нужен колоссальный опыт. Старому коллекционеру приносят вещь, у которой все бумаги в порядке, а он может отказаться с ней работать исключительно на уровне интуиции.

- Сколько стоит приличная экспертиза?

- Сейчас рядовая экспертиза стоит порядка 1,5 тысяч долларов, а сложная, так же как и на Западе, - до 5%.

- Возвращаясь к Гончаровой. С учетом вышесказанного мы практически уже видим поддельную Гончарову на рынках?

- Думаю, что после доклада на сессии CINOA (а в ту организацию входят более 7 тысяч галерей и дилеров), к экспертным заключениям InCoRM станут относиться с опаской. Хотя пускать на самотек это нельзя, так как Гончарову собирают не только в России, но и в США и в Японии.

- Эта история может негативно сказаться на позиции экспертов российской школы в мире?

- Не думаю, так как ведущие аукционы все равно консультируются с нашими музейщиками, а некоторые и вовсе переманили их на постоянную работу.

Портрет Энди Уорхола

В галерее McDermott в Бирмингеме выставлен скульптурный портрет отца поп-арта Энди Уорхола - фантазия на тему, как бы выглядел Энди, если бы дожил до наших дней...

Скульптура выполнена из силикона и глины , - пишет Lenta.ru. - Основой для работы послужила старая фотография, на которой Уорхол запечатлен сидящим на корточках. В отличие от фотографии, сделанной в 1960-е, скульптура Аскеловича изображает Уорхола в образе 80-летнего беззубого старика с морщинистой кожей.

На изготовление монумента у Аскеловича ушло три месяца. Чтобы купить все необходимые материалы для начала работы, художнику пришлось продать свою машину.

Стоимость скульптуры составляет 9995 фунтов стерлингов (около 11,5 тысяч долларов).

Ранее, 1 апреля 2011 года, на Юнион-сквер в Нью-Йорке установили временный памятник Энди Уорхолу работы художника Роба Пруитта (Rob Pruitt). Скульптуру разместили прямо у здания, где в 1970-х и начале 1980-х располагалась знаменитая "Фабрика", мастерская в которой работал Уорхол. Памятник простоит на Юнион-сквер до 2 октября.

Знаменитый поп-художник, кинорежиссер и музыкальный продюсер скончался в 1987 году в возрасте 58 лет. 6 августа Энди Уорхолу исполнилось бы 83 года.

Выставка К. Коровина

С 10 августа по ноябрь 2011 года в Русском музее будет проходить грандиозная выставка произведений Константина Коровина, приуроченная к 150-летию знаменитого русского импрессиониста...



Выставка в Русском музее огромна, - рассказывает "КоммерсантЪ". - 250 произведений из десятков художественных, театральных, музыкальных, литературных музеев и частных коллекций. Всякая большая "персоналка" испытывает художника на прочность: чем больше выставлено работ, тем легче найти среди них небезупречную.

Особенно это интересно в случае с Коровиным — художником неровным, то обгонявшим свое время, то отступавшим назад, то выдававшим шедевр, то — однотипные серии, любившим одновременно солнце с его яркими пятнами света и тьму с ее бархатными тенями, писавшим пейзаж как портрет, а портрет как пейзаж.

Если выставка получится, из всего разнообразия представленных на ней произведений живописи, графики, театральных работ, документов должен родиться образ светлый, отрадный и волнующий, полный, словами Александра Бенуа, "природного прельщения".

Константин Коровин — воплощение "русского импрессионизма". Этот импрессионизм (как все русское) своеобразен. Художник, например, смешивал краски на палитре (настоящий импрессионизм предполагает смешение цветов в глазе зрителя), долго сохранял приверженность серебристым оттенкам, потом охрам, никогда не отказывался от черного (который французские импрессионисты не использовали).

То есть, с одной стороны, живопись Коровина отставала от импрессионизма, а с другой — она обгоняла его: вещи, написанные в Гурзуфе, это почти что фовизм, с ослепляющими пятнами света и цвета, покрывающими всю картину.

Знаменитые портреты, созданные художником — Татьяны Любатович, сидящей на подоконнике с книжкой, щеголеватого Федора Шаляпина у стола,— это вроде бы и не портреты даже, так как не предполагают точной психологической характеристики модели. Коровин, кстати, писал только людей искусства — тех, артистическую сущность которых он хорошо чувствовал и мог разлить по всему полотну.

Это одновременно портреты — и автопортреты (настоящих автопортретов художник не писал); черные бантики на платье и бокал с алой наливкой тут не менее важны, чем лица моделей. Благодаря этой способности — писать себя в каждой гитаристке у окна — Коровин столь популярен у современных коллекционеров. То же и пейзажи Коровина: в них много блеска, но много и чувства.

Наследие художника велико и лишь кажется хорошо знакомым и изученным. Впервые за прошедшие 110 лет Русский музей покажет комплекс панно, созданных Константином Коровиным для Отдела окраин России на Всемирной выставке в Париже 1900 года (второй и последний раз в полном составе цикл экспонировался на III выставке "Мира искусства" в 1901 году в Петербурге). Музею принадлежит 31 панно огромного размера, большая их часть всегда хранилась на валах.

Для выставки в Париже художник оформил разделы Крайнего Севера, Сибири и Средней Азии. Столетие назад панно вызвали весьма неоднозначную реакцию; сейчас удивляет, насколько разными сделал их художник. Вертикальные "окна" в Азию полны солнца, довольно дробны и чуть отдают салонным ориентализмом.

В прямоугольных сибирских сценах рога оленей и ветки елей слагаются в сложный декоративный орнамент. Но больше всего удивляют панорамные виды Крайнего Севера — серые, протяженные, пустынные. Понятно, конечно, что все это символизм с модерном и полный декаданс.

Однако эти почти однотонные темперные плоскости, написанные Коровиным и его помощником Николаем Клодтом, завораживают и кажутся удивительно современными. Вряд ли музей сможет куда-то повезти этот гигантский цикл или долго держать его в экспозиции. Именно ради этой, неизвестной еще грани творчества художника стоит отправиться в Петербург.

Портреты Гитлер

На сентябрьских торгах  аукциона военного антиквариата в Солана-Бич, Калифорния будут выставлены портреты родителей Адольфа Гитлера, за которые устроители намереваются выручить не менее 100 тыс. долларов...



Как сообщает Lenta.ru со ссылкой на ArtInfo, портреты Клары и Алоиса Гитлер, написанные маслом, предположительно были сделаны по заказу их сына в 1930-х годах. Точных доказательств этому нет, однако обе картины числятся в списке произведений искусства, принадлежащих Адольфу Гитлеру. Каталог можно посмотреть на сайте Библиотеки Конгресса.

Портрет матери был написан с фотографии, хранившейся в маленьком медальоне Гитлера, обнаруженном среди его личных вещей после окончания Второй мировой войны. Медальон, фотографии которого опубликованы на сайте аукциона, на данный момент находится у коллег Готтлиба.

Издание отмечает, что портреты, хотя и написаны хорошо, не представляют слишком большой художественной ценности. Между тем, Готтлиб уверен, что они главным образом ценны с исторической точки зрения.

Между тем, сохранилось достаточно много картин, написанных самим Гитлером. Так, в 2010 британский аукционный дом Mullock's выставил на продажу коллекцию акварелей немецкого диктатора.