У большинства людей по всему миру имя Тиффани ассоциируется в первую очередь с его потрясающими абажурами. На самом деле, абажуры — полуслучайный продукт. Они были сделаны из кусочков стекла, оставшихся после нарезки отдельных элементов окон.

Тиффани начал торговать своими знаменитыми абажурами в середине 1890-х и около 1898 года добился лидирующего положения на рынке. Продажи ламп Тиффани достигли пика между 1900-1914 гг., хотя их производство продолжалось до 1930-х. Эти лампы позволили большему числу людей насладиться красотой стекла фавриль. Главной темой в оформлении ламп были цветы и растения, окрашенные во множество цветов и оттенков. Кроме того, Тиффани создавал лампы, украшенные геометрическим орнаментом. Основание лампы чаще всего было металлическим, иногда его украшала мозаика. Очень редко оно конструировалось под конкретную модель абажура, обычно его можно было соединить с любым из абажуров Тиффани. Никто не знает точно, сколько именно ламп было произведено, но каталог 1906 года предлагал покупателям более трехсот моделей.

Тиффани сконструировал множество разнообразных видов ламп и абажуров — от простых до вычурных, от неброских до роскошных. Были светильники в форме конуса и шара, настольные и напольные лампы, люстры. Некоторые модели люстр Тиффани называл «висящими букетами». Как бы то ни было, коллекционеры в наши дни разыскивают и скупают за огромные деньги именно эти «цветочные» лампы с их неповторимыми, изукрашенными орнаментом бронзовыми основаниями, иногда включающими в себя прекрасную мозаику. Тиффани использовал в качестве «моделей» для ламп самые разные цветы: герань, магнолию, мак, ломонос, молочай, водяные лилии, желтый нарцисс, тюльпаны, пеоны, настурции, бегонию, гортензию, ракитник, розы, яблочный и вишневый цвет, глицинию. Он также брал за образец бамбуковые листья и винную лозу, а кроме того — экзотические фрукты, такие как ананас. Некоторые модели абажуров, например «Елизаветинский», «Сокровище империи», «Венецианский» и «Русский», стилизованы под различные исторические эпохи.

Одной из самых популярных моделей была лампа «Стрекозиная тень», выпускавшаяся в самых разных формах, разных цветов и размеров. А самая сложная модель состояла более чем из тысячи кусочков стекла.

Изобретенная Тиффани техника медной фольги была первоначально предназначена для изготовления ламповых абажуров. Тиффани придавал большое значение лампам в оформлении интерьеров и стремился сделать их доступными для широких слоев населения. Его лампа «Цветущий лотос», собранная из 1600 стеклянных частей, диаметром 46 см. и высотой 35 см. стоила в 1906 году 400 $, а в 1989 году на нью-йоркском аукционе Кристи была продана за 1,2 млн. немецких марок. Относительно низкая цена обуславливалась серийностью продукции, выпускаемой мастерской.

Лампа «Лотос» — образец одной из самых великолепных комбинаций основания и абажура, когда-либо созданных Тиффани. Лампа «Лотос» была продана в декабре 1997 года на аукционе «Кристи» в Нью-Йорке за 2.807.500 долларов — рекордную цену для лампы Тиффани. Даже во времена своего создания (1906 год) производство этой лампы было очень трудоемким. Она стоила 750 долларов и была самой дорогой моделью. Студия Тиффани одновременно производила по одной такой лампе, начиная производство новой только тогда, когда предыдущая была закончена. Следующими по сложности и стоимости были модели «Паутина» и «Бабочка», каждая из которых стоила по пятьсот долларов. Более дешевые модели — «Глициния» и «Лилия». Они стоили по 400 долларов.
В 1905 году в ателье было занято 200 человек. Хотя многие этапы работ были рационализированы, каждый абажур оставался уникальным произведением благодаря индивидуальной цветовой гамме и высочайшему мастерству ручного исполнения. Не только сам Тиффани и мастера его ателье создавали проекты изделий. Для воплощения в материале он принимал и лучшие проекты других художников того времени. Так, например, знаменитый абажур «Стрекоза», получивший гран-при на Всемирной Парижской выставке 1900 года, был создан по проекту Клары Дрискол.

Не все лампы, имеющие подпись «Тиффани», ведут свое происхождение из этой мастерской. В это же время были и другие известные фирмы, создававшие ламповые абажуры. Среди них — Quezal Art Glass & Decorating Company, Crest & Co и Edward Miller & Co. Все они, в большей или меньшей степени, получали прибыль за счет успеха, который Тиффани завоевал своими лампами на Парижской выставке 1900 года, когда они вызвали настоящий бум.

Кроме абажуров в мастерской Тиффани проектировалась и ламповая арматура: подставки, основания, ножки, заклепки, навершия. И здесь Тиффани проявил себя художником, с любовью относящимся к детали. Его лампы — цельное произведение искусства, где абажур и арматура дополняют друг друга и составляют органическое единство.

http://indigo-vitrail.ru/history/luis-tiffany/abajury-tiffany

Переплетение вологодских кружев с судьбой заслуженного художника России Галины Мамровской длится уже 40 лет. Вышло так, что уроженка Черноземья внесла неоценимый вклад в сохранение традиций Русского Севера.

В Музее кружева (Вологда) на выставке своих работ рядом с панно «Мелодия вечности».

За годы работы с национальным достоянием, как ещё называют кружевной промысел Вологодчины, Галине Никитичне приходилось решать и весьма необычные задачи: «Однажды объехала десятки деревень в поисках льна нежно-молочного цвета. Это было время, когда на Вологодчине работали 6 тыс. кружевниц-надомниц. Лён им доставляли партиями. Я собирала у них остатки партии почти двадцатилетней (!) давности, чтобы выполнить заказ японцев. Им в наших фондах очень понравилась дорожка на стол. Мол, подойдёт для элитного токийского ресторана. Сначала они сделали фотографию в надежде, что дома смогут повторить узор, технику, материал. Не вышло. Тогда они заказали салфетки, но чтобы они были тютелька в тютельку как та, первая. Заказ мы выполнили!»

Концерт в подарок

«Цвет льна действительно играет большую роль, — продолжает художник. — Эдита Пьеха специально прилетала в Вологду, чтобы выбрать цвет (белоснежный с переливом) нити для пелерины. Восхищённая работой наших мастериц певица решила сделать им приятное — дать в Вологде концерт. Билеты раскупили молниеносно. Перед концертом она спросила: “Кружевницы и художники будут?” — “Нет. Билеты уже раскупили”. — “Если их не будет, значит, не будет и меня”. Тогда специально для кружевниц и художников поставили ряд стульев. К каждому, кто плёл для неё пелерину, она подошла и пожала руку. Только потом начала концерт».

Мамровская вспоминает, с каким восхищением отнёсся к искусству вологодских кружев, которые первые свои зарубежные Гран-при получили ещё в ХIХ в., дирижёр Владимир Федосеев: «Экскурсия для него длилась шесть часов и затянулась до ночи. Маэстро не просто любовался, а выспрашивал подробности о технике плетения. Потом из Вены прислал нам письмо с благодарностью».
Читать далее...

Творческие работы Роберта Микелсена (Robert Mickelsen) не похожи ни на одну из тех стеклянных скульптур, которые нам приходилось видеть. Сувенирные котики и рыбки, балерины и жених с невестой, это все давно пройденный этап. Удивительные произведения художника не поддаются никакому описанию: они тонкие, хрупкие, ажурные, - практически невесомые.






















Скульптор родился в 1951 году, и уже в 20 лет серьезно увлекся искусством стеклодувов. Талантливому юноше удалось посетить мастер-класс Пола Стенкарда, который показал, на что способен такой материал как стекло, как следует с ним обращаться, чего ждать и как добиться желаемого результата. С тех пор Роберт Микелсен дружит с этим удивительным искусством, выдувая из стекла изящные ажурные скульптуры, которые выглядят легкими и воздушными, как паутинка.























http://sdelaisam.mirtesen.ru/blog/43294311948/Neve...omain=mirtesen.ru&paid=1&pad=1

Скачайте вложение в конце статьи и посмотрите видео с изображением образцов посуды


Посмотрите на эту удивительную фарфоровую посуду: сервизы, вазы, хрупкие корзинки. Они сплетены, как ткань, некоторые украшены цветами.

Как вы думаете, эту кружевную посуду плетут из полосок или отливают?

Удивительный фарфор фирмы «Belleek» известен во всем мире.

Компания находится в Северной Ирландии в графстве Ферман. Этот фарфор, отличается утонченностью, изящностью форм и уникальной глянцевой глазурью. Глазурь бывает разных оттенков — от светлого, как сливки, до более насыщенных желтоватых, более солнечных оттенков. Это придает посуде неповторимый, особый влажный вид.

В 1857г в деревушке Belleek в Ирландии начали производить глиняную посуду. Основателем был Дэвидом McBirney. Владельцы этого производства мечтали о большем, о производстве более красивой фарфоровой посуды, более высокого качества. Тем более, что для этого имелось и налаженное производство, и прекрасное сырье. Только не было мастеров, и владельцы решили переманить их из Англии из города Stokc-on-Trent.


В 1859 была произведена небольшая первая партия пока еще неглазурованного фарфора. Открылись первые магазины фирмы Беллик.

Читать далее...

http://worldartdalia.blogspot.ru/2013/09/david-patchen.html

В настоящее время в городе Чжухай, Китай, живут мама и дочка Мэй Сяохуа (Холли) и Зора, которые делают маленькие уникальные скульптуры. Скульптуры выполнены в различных техниках: лепка, вязание, вышивка. Материалы используются совершенно различные.



Когда-то они продвигали традиционные китайские ремесла как изобразительное искусство.

После некоторого времени они открыли для себя новый мир мягкой скульптуры, образуя свой собственный уникальный стиль. Их искусство передает особую атмосферу китайских Authentics.



Элегантные, свободные, естественные и яркие — они дают людям пищу для размышлений.

Коллекция «Годы» показывает жизнь женщины, как она приходит в этот мир и стареет. Философия жизни и смерти.























Ручная работа. Материалы ткань и текстиль.



http://sdelaisam.mirtesen.ru/blog/43552418786/Ocha...omain=mirtesen.ru&paid=1&pad=1

Ирина Зайцева – современный художник, скульптор, работающий с фарфором. Изготовленный Ириной Зайцевой фарфор обладает высоким качеством и уникальной техникой ручной росписи изделий.



Оригинальное творчество художницы, красоту её изделий, оценили не только любители фарфора, но и специалисты.

Ирина Зайцева родилась в Москве, окончила в 1982 году Московский художественный институт, получив степень магистра изящных искусств в книжной иллюстрации.




















Вначале иллюстрировала детские книги, но со временем поняла, что её больше привлекает лепка, в частности фарфор, что это более широкий спектр возможностей для выражения её художественных замыслов.

В 1990-х годах Ирина Зайцева эмигрировала в вместе с семьей в США.






















http://sdelaisam.mirtesen.ru/blog/43454000939/Unikalnyiy-farfor-Irinyi-Zaytsevoy

Татьяна Кудрявцева много лет занимается росписью в так называемой технике one stroke. Особенность этой росписи — двухцветный мазок.


В этой технике письма уже во второй половине XVIII века расписывали подносы, сундуки, шкатулки, столы... Известный нижнетагильский промышленник и покровитель искусств Демидов даже организовал школу, создал производство, что послужило толчком для развития такого промысла. Роспись называлась «маховым» письмом в один мазок (отсюда дословный перевод американского названия нашей техники One Stroke).
























Вторая волна популярности этой техники пришла в начале этого века. Благодаря совместному проекту компании Plaid и американской художницы Донны Дьюберри, техника росписи двойным мазком получила всемирную известность, вдохновила на творчество с её использованием множество мастеров декоративно-прикладного искусства.
























Перед вами изумительные работы разных лет Татьяны Кудрявцевой — яркие, сочные, безупречные в техническом плане.

http://subscribe.ru/group/mir-iskusstva-tvorchestva-i-krasotyi/8025226/

Долгое время о скульпторе Ра Полетте знали единицы. И только в 2014-м, когда на «Оскар» был номинирован документальный фильм «Копатель пещер» Джеффри Кароффа, о необычном человеке узнал весь мир.

Ра — единственный в своем роде скульптор-самоучка. Он занимается тем, что превращает пещеры штата Нью-Мексико в произведения искусства. За 25 лет он успел обустроить 14 пещер, а сейчас работает над 15-й. Причем, у Ра нет помощников или подсобных рабочих: все свои творения скульптор создает в одиночку, не считая разве что верного пса, который всегда рядом.

В каждой пещере Ра использует различные орнаменты, руководствуясь собственным вкусом. В своей работе художник использует лишь ручные инструменты. Высота некоторых «храмов пустыни», как он ласково называет свои рукотворные пещеры, достигает 12 м!

Перед вами виртуальная экскурсия по пещерам, на стенах которых Ра старательно выводит разнообразные узоры. Ничего подобного вы никогда не уведите!

Скульптор уверен, что его работы позволяют людям почувствовать неразрывную связь с землей.





http://videoboom.cc/muzhchina-prevratil-peshcheru-v-proizvedenie-iskusstva/

Орешкина Светлана Викторовна , художник по фарфору.

Родилась, живет и работает в г. Москве.

Окончила Московский Государственный Открытый Педагогический Университет им, Шолохова (МГОПУ).

Состоит в Творческом Союзе Художников России.

Участник отечественных и зарубежных выставок.



Материалы: фарфоровая масса париан производства Англии, надглазурные и подглазурные краски, золото, люстр производства Англии, Франции, Германии.



Каждое изделие проходит несколько длительных обжигов (от 800 до 1300 градусов) в муфельной печи с программным управлением, с постепенным остыванием, что требует много времени.



Художественное декорирование ручной лепкой, роспись красками высокого огня и надглазурными красками ведутся поэтапно.

Творческий подход и возможные непредсказуемые изменения при обжигах исключают точное повторение.



Авторская подпись ставится под глазурь.

Каждая вещь создается в единственном экземпляре и является коллекционной редкостью.



http://sam.mirtesen.ru/blog/43707132691/Eksklyuzivnyiy-farfor-Svetlanyi-Oreshkinoy.-Eto-chudo!?utm_campaign=transit&utm_source=main&utm_medium=page_17&domain=mirtesen.ru&paid=1&pad=1

Еще ребенком Гарри Поллит был заворожен движением воды в ручье. Сперва он попробовал изобразить это на песке, затем на бумаге, он находился в постоянном поиске того, что идеально повторило бы все линии и изгибы воды. В 2009 году Поллит открыл для себя скульптуру. Гарри Поллит работает в уникальной технике литья по выплавляемым моделям, при которой кусочки воска присоединяются таким образом, чтобы стекло покрывало всю скульптуру целиком. Поллит – самоучка, что заслуживает особого уважения, учитывая, что его работы неоднократно выставлялись в галереях мирового класса, в музеях и на различных выставках.




























Скульптуры из дерева.

Вскоре после окончания Школы дизайна Род-Айленда, коренная жительница Нью-Йорка Карен Ламонт получила международную стипендию Fullbright, позволившую ей обучаться в студиях работы по стеклу в Восточной Богемии. Там она и создала свою самую знаменитую работу – «Vestige», которая представляет собой полноразмерную скульптуру из стекла в виде платья. На работу ушел год. В процессе ее создания Карен сочетала техники литья по выплавляемым моделям и литья из стекла. Ламонт получила 9 международных премий, а ее работы были выставлены в Knoxville Museum of Art, Oklahoma Museum of Art, Смитсоновском музее американского искусства и многих других.

Кэрол Милн известна на весь мир своими уникальными «вязаными» работами из стекла, которые принесли ей серебро на Международной выставке стекла в 2010 году в Канадзаве, Япония. Прежде чем взяться за скульптуру, и скульптуру из стекла в частности, Милн занималась ландшафтной архитектурой. Кэрол начала сочетать техники вязания, литья по выплавляемым моделям, изготовления моделей и изготовления керамики для создания ее «взяных» скульптур «еще до того, как вязание стало мейнстримом» - в 2006 году. Милн имеет в своем портфолио 5 престижных наград и проводит шоу по всему миру.

Британский скульптор Кэтрин Шиллинг известна своими работами, напоминающими больше ткань, нежели стекло. Шиллинг изучала работу по стеклу в Коннектикуте. Ее особенный стиль и карьера не развивались до 2004 года, пока она не вернулась в Англию и не присоединилась к Питеру Лэйтону в London Glassblowing Studio. Для создания формы, цвета, текстуры стекла Кэтрин использует обжиг. В 2012 году ее работы были представлены в музее Corning Museum of Glass и на выставке British Glass Biennale.

Российская художница Дарья, известная под ником dahhhanart, создает невероятной красоты предметы декора. Настенные тарелки и циферблаты она украшает точечными рисунками. Отчасти ее работы напоминают хохлому – старинную русскую декоративную роспись.



Для стилистики хохломы характерно использование красных и зеленых красок, а также золотистых тонов. Рисунки располагаются на черном фоне. Этих же принципов придерживается и Дарья. Изображение, выполненное акриловыми красками, она дополняет при помощи страз, камней и бусин. Тарелочки, пестрящие деталями, можно рассматривать часами. Хитросплетение узоров завораживает.



Работы Дарьи выполнены в технике пуантилизма, другое название этого направления в искусстве – рисунок точка к точке, или точечная живопись. В этом случае вся картина выполнена разрозненными мазками, что позволяет не смешивать краски на палитре, и добиться необычных оптических эффектов.



Чаще всего Дарья рисует узоры, напоминающие мистические мандалы, реже – изображает птиц, животных, цветы… Особенно хороши ее работы с жар-птицами, выглядят богато и ярко!



Пуантилизм как стилистическое направление в живописи появился во Франции в конце XIX века, но, справедливости ради, стоит отметить, что метод рисования точками был известен еще австралийским аборигенам.

По материалам сайта mymodernmet.com

http://www.kulturologia.ru/blogs/260117/33182/

В небольшой польской деревне Зальпье, которая находится всего в 90 минутах от Кракова, вот уже несколько лет поддерживается необычная, но очень милая традиция - в этом поселении расписывается каждое строение, будь это жилой дом, церковь, или даже сарай или колодец. Каждую стену украшают замысловатые цветочные узоры, которые придают деревне свой неповторимый колорит, привлекающий сюда туристов из разных стран.



Так как же началась эта традиция в Залипье (Zalipie). На самом деле, достоверных фактов не существует, однако самая достоверная версия гласит, что местные женщины стали расписывать свои дома изнутри из-за плохой вентиляции дома, когда сажа от печей оседала на потолках и стенах. Такие пятна выглядели неопрятно даже если их отмыть, и чтобы закрасить подобные изъяны, женщины рисовали самые простые рисунки - цветы.



Со временем, даже когда с вентиляцией в домах стало много лучше, местные люди уже просто не могли себе представить дом без такой росписи. И цветочные узоры - все более и более вычурные - стали появляться на стенах, как внутри, так и снаружи домов, на крышах, на заборах, на мостах, на дорогах - везде, где только позволяла поверхность. Это стало местной особенностью, традицией, которую не нарушают и сегодня, и которой местные жители очень дорожат.



Что интересно, соседние деревни также стали перенимать эту идею для украшения своих домов. И после войны, с 1948 года, между этими деревнями стал проводиться мини-конкурс "Malowana Chata" на лучший расписной дом. Когда этот конкурс только начался, со стороны правительства это было не столько заинтересованность в самом проведении соревнования, сколько в возвращении духа и мотивации народу, который так много пережил во время Второй мировой войны (население Польши тогда уменьшилось на 17%).

Однако именно Malowana Chata вернула в местные деревни дух возрождения, и местные жители стали снова расписывать свои дома, как они это делали до войны, и даже с большим усердием, чем прежде.



Один из домов, который до 1974 года принадлежал местной жительнице Фелиции Цуриловой, стал сегодня музеем. За свою жизнь Фелиция проделала огромную работу и расписала почти все, что было в ее доме - от стен и потолков до ложек и цветочных горшков. Сейчас этот трехкомнатный дом является центральной достопримечательностью деревни Залипье, куда каждый год приезжают сотни туристов со всего мира.



Подобные местный колорит можно увидеть в Музее под открытым небом в Пирогове, и хотя там дома и не расписаны так щедро, но зато здесь собраны примеры строений и быта сразу со всех историко-этнографических регионов Украины.

http://www.kulturologia.ru/blogs/030217/33301/

Молитвенные «орехи» - яркий образец мастерства голландских умельцев XVI века. Эти резные миниатюры использовались во время молитв и вешались на четки. Владение таким произведением искусства означало не только чрезвычайную набожность человека, но и его высокий социальный статус, т. к. каждый «орех» стоил целое состояние.



До сегодняшнего дня дошло только 135 известных резных миниатюр на религиозные темы. Каждая из них изготовлена из самшита, древесина которого идеально подходит для мелких работ резчиков.

Ученые считают, что молитвенные «орехи» (prayer nuts) были изготовлены в короткий период между 1500 и 1530 гг. в Нидерландах или Фландрии. Аристократы и богачи стремились заполучить для себя подобные резные миниатюры, т. к. они стоили невероятно дорого, тем самым указывая на высокий социальный статус владельцев. Наступившая Реформация повлекла за собой большие перемены в догмах католического христианства. Помимо прочего приветствовалась скромность, поэтому такие аксессуары, как молитвенные «орехи», вышли из моды.



При помощи микрокомпьютерной томографии и 3D-моделирования исследователи выяснили, что резные миниатюры гораздо запутаннее, нежели может показаться на первый взгляд. Изнутри фигурки настолько плотно прилегают друг к другу, что стыки между ними можно обнаружить только путем использования микроскопа или рентгена. Остается лишь восхищаться умениями мастеров прошлого.

Настоящие умельцы могут превратить кусок дерева во все, что угодно. Так, итальянский скульптор и художник Питер Демец (Peter Demetz) как настоящий папа Карло смог вдохнуть жизнь в полено. Мастер вырезает из дерева потрясающие фигуры людей, которые выглядят как настоящие.

http://www.kulturologia.ru/blogs/050117/32901/

Более 50 лет мастер-самоучка создавал своё творение.

Впервые Шайна Лейб увидела работу по стеклу, когда ей было семь лет. Лейб росла на Центральном побережье Калифорнии, поэтому нет ничего удивительного в том, что ее работы пронизаны любовью к морю. Несмотря на то, что Лейб работает со множеством материалов, включая керамику, камни, металл, фотографию, ткань, стекло остается ее любимым материалом. На сегодняшний день Лейб выиграла 7 премий и была номинирована на престижный грант Louis Comfort Tiffany Grant

Гинни Раффнер – скульптор по стеклу из Сиэтла, Вашингтон. В 1991 году она попала в аварию, доктора не верили, что она когда либо вновь сможет ходить и говорить. Хотя у Раффнер остались проблемы с ходьбой и речью, это не остановило великолепного скульптора. Напротив, ее работы стали известны на весь мир. Ее произведения можно найти в 42 музеях по всему миру