Тангейзер:Сегодня исполняется 75 выдающемуся дирижёру Юрию Хатуевичу Темирканову.Он один из не многих...Дирижёров с мировыми именами единицы...Я сделал подборку видео материалов,посвящённых Маэстро...Надеюсь,что они вам придутся по душе.До встречи...)

Темирканов Юрий Хатуевич

Рождение 10 декабря 1938

На сегодняшний день Юрий Темирканов один из лучших дирижеров мира. На западе его давно называют «русским Тосканини» и охотно приглашают на гастроли. А у нас в России метко сказал о Темирканове поэт Андрей Вознесенский: по его словам, Темирканов - «термоядерный дирижер».

И действительно, энергии «русского Тосканини» можно только позавидовать. Кроме того, о силе его таланта, о смелости его фантазии, о его обаянии и остроумии ходят легенды. Маленькое эссе о Темирканове Ростропович назвал словами «Душевный, легкий, замечательный». А Евгений Колобов, шутя, сказал, однажды, что когда на сцену выходит такой человек, то кажется, что он может вообще не дирижировать – ведь его окружает особая аура, которая сама по себе оказывает магнетическое воздействие на зал.

"Если бы я не стал музыкантом, то сделался бы художником", - заметил однажды Юрий Хатуевич. В детстве он хорошо рисовал, и до сих пор иногда с удовольствием просматривает старые рисунки, любит запах масляных красок… От детских увлечений рисованием осталась не только любовь к живописи, но, по-видимому, и особый, свойственный именно художникам взгляд на мир. Говорят, что Темирканов умеет видеть ту музыку, которой он дирижирует. Может быть, именно поэтому в молодости ему хотелось ставить оперы, – примерно десять лет он был дирижером и художественным руководителем Мариинского театра.

Темирканова иногда ругали за режиссуру. Колобов однажды признался, что ему хотелось бы закрыть занавес в «Евгении Онегине» и слушать только оркестр – ведь настоящая режиссура Темирканова именно там. В то же время именно благодаря Темирканову театр со временем вышел на мировую арену.

По словам музыковеда Михаила Бялика, абрис прожитых Темиркановым лет очень четок и образует простую двухчастную форму. Первые полжизни – подготовка к главному делу. Вторая половина – служение ему. Грань между этими «разделами» ясная, она словно подчеркнута: в 1966 году Темирканов получил Первую премию на Всесоюзном конкурсе дирижеров.

Юрий Хатуевич родился и вырос недалеко от Нальчика, по национальности он кабардинец. По его словам до семи лет он, скорее всего, вообще не видел ни одного музыкального инструмента. А потом в Нальчик приехал педагог-скрипач Валерий Дашков. «Как-то он пригласил нас с братом к себе, - рассказывает дирижер, - и спросил, хотим ли мы учиться музыке. А на Кавказе просто не принято отвечать старшему – не хочу!».

Так началась пора стремительных успехов. После окончания школы в Нальчике – поступление в Ленинградскую консерваторию, победа на дирижерском конкурсе… А затем – работа в Мариинском театре и в оркестре Санкт-Петербургской филармонии. Театр поднимается до уровня мирового. Оркестру присваивают звание Заслуженного коллектива республики.

Уловить темиркановский стиль дирижирования непросто. Говорят, что у него своя манера для каждой партитуры. Но насмешлив маэстро или трагичен – жест его всегда красив, точен, понятен. Однажды Темирканов сравнил дирижерскую жестикуляцию с языком глухонемых: ведь дирижер так же, как и они, все объясняет «на пальцах»!

Что же он любит объяснять? Когда он возглавил оркестр в Санкт-Петербурге, говорили, что наступил «репертуарный взрыв»: афиши запестрели множеством незнакомых публике сочинений. Однако не исчез и знакомый «старый» репертуар. Вскоре стало понятно: у этого дирижера нет постоянных предпочтений. Есть только одна особенность: все, что он играет, оказывается актуальным и интересным.

Почти 20 лет Темирканов возглавляет ЗКР академический симфонический оркестр Петербургской филармонии. А еще в его творческой биографии – Лондонский Королевский филармонический оркестр, Дрезденский филармонический оркестр, Симфонический оркестр Датского радио, Балтиморский симфонический оркестр… Ну, это не говоря уже о руководстве Кировским театром в 70-80-е и о нынешнем посте главного приглашенного дирижера Большого театра.

РО

  «Кроме чистоты и силы техники, кроме элегантности в тоне и изящной лёгкости в исполнении пассажей, г. Танеев удивил всех тою зрелостью понимания, самообладанием, и спокойной объективностью в передаче идеи исполняемого, которые просто немыслимы в таком юном артисте»                      Чайковский П. И.

  В русской музыке рубежа веков Сергей Иванович Танеев занимает совершенно особое место. Выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог, пианист, первый в России крупный ученый-музыковед, человек редких нравственных достоинств, Танеев был признанным авторитетом в культурной жизни своего времени.

 Н. Г. Рубинштейн, став учителем Сергея Танеева, высказался о нем так: «Танеев принадлежит к числу весьма немногих избранных, — он будет великолепный пианист и прекрасный композитор».  

Соната (от латинского и итальянского "sonare", "звучать") - музыкальное произведение для одного или нескольких инструментов, обычно в 3-х или 4-х частях (бывают сонаты и одночастные (Ф.Лист "По прочтении Данте") и пятичастные (И.Брамс соната ор.5). Чаще всего сонаты пишутся для фортепиано или для инструмента в сопровождении фортепиано.

До классической эпохи термин "соната" обозначал различные формы произведений, которые игрались на инструментах, в отличие от "кантат" - вокальных произведений. Композитор и сейчас, по желанию, может назвать любое инструментальное сольное произведение "соната".

В начале 19 века слово стало обозначать не только музыкальное произведение, но и принцип составления крупномасштабных работ, т.е. "сонатная форма". "Сонатная форма" применяется во многих инструментальных жанрах и рассматривается, наряду с фугой, как один из двух основных методов организации, интерпретации и анализа концертной музыки.
В общем случае первая и последняя часть сонаты пишутся в быстром темпе, среднии части в медленном темпе. Первая часть имеет свою собственную внутреннюю структуру, называемую "сонатная форма", т.е "сонатная форма" не относится ко всей сонате, а только к первой части. Сонатная форма используется во многих других жанрах музыки, таких как симфония, концерт, увертюра и другие.

Традиционная форма состоит из трёх основных разделов: экспозиция, разработка и реприза, иногда добавляется кода. Экспозиция определяет основные материалы: главная мелодия (группа мелодий) в основной тональности, затем контрастные мелодии в доминантной тональности.
В разработке музыка развивается, разделяясь на несколько тем, появляются новые варианты мелодии.
В репризе повторяется экспозиция, но обычно в другой тональности и с другими изменениями.
Кода (если есть) подводит итог всей части.

Этот способ построения сонатного цикла и первой её части использовался почти всеми композиторами с середины 18-го века до сегодняшнего дня. Он даёт возможность создавать очень драматические произведения. Конечно, оставляя авторам свободу использовать его по-разному, и они очень плодотворно использовали эту возможность, практически каждый композитор имеет в своём творчестве несколько сонат.

Термин "сонатина", буквально "малая соната", часто используется для коротких или технически легких сонат.
 

http://www.olofmp3.ru/index.php/Muzykalynye-formy-i-zhanry/

Серия сообщений "Музыкальные формы и жанры":
Часть 1 - Музыкальные формы и жанры:Симфония...
Часть 2 - Музыкальные формы и жанры:Концерт.Часть 1."История"
Часть 3 - Музыкальные формы и жанры:Концерт.Часть 2."18 - 20 в.в."
Часть 4 - Музыкальные формы и жанры:Оратория.
Часть 5 - Музыкальные формы и жанры:Соната

Тангейзер:Открываю новую рубрику о музыкальных формах и жанрах.И первая страница,по праву,открывается "СИМФОНИЕЙ"...К тексту я добавлю портреты великих композиторов и другие картинки.Я не стал добавлять все мне известные имена симфонистов.Но продолжать знакомить вас с "новыми" забытыми именами буду.Не стану перегружать пост аудио и видео роликами...Вы их без забот можете найти и сами...И в моём Дневнике в т.ч.До встречи в данной рубрике.

Из истории музыкальных инструментов.

Беседуем с Гобоем.

-Да, так называют меня музыканты, — протянул инструмент певучим, томным голосом, а в голосе всю свою натуру музыкальную обнаружил..
Может, имя его тоже что-то интересное скрывает? Ведь у музыкальных инструментов имена, вроде кличек или прозвищ, за какую-то приметную черту даются.
— Знаете, — говорю осторожно, — любопытные имена у вашего брата инструмента встречаются. 
— Бывает, — пропел Гобой. — Лично мое имя от французов пошло, означает высокое дерево.
— Странно, — говорю, — уж на дерево вы ни ростом, ни цветом, ни запахом не похожи.
— Ничего тут странного не вижу, — мягко возразил Гобой. — Высокое, потому что голос мой довольно высокий в сравнении с другими инструментами. А дерево, потому что я к роду Деревянных духовых инструментов принадлежу. Как Флейта, к примеру, или Кларнет. Да что в имени моем? Говорят ведь: не имя красит. Хотите, — вдруг предложил он, — зовите меня запросто Дудкой, а можно и Свирелью. Я, признаться, из самых простых вышел.
И Гобой поведал свою историю. Оказывается, он один из древнейших инструментов на земле. Откуда
он взялся? Из тростинки, из ветки бузины с выскобленной сердцевиной, из полой косточки животного — из всего, что трубчатый вид могло иметь. В трубке — дырочки по всей длине, чтобы звуки разной высоты получались. А самое замечательное — пищик, приспособление, куда воздух
вдувается. 

А.Марчелло. Концерт для гобоя 

Тангейзер:Я подготовил очередную страничку о музыкальных инструментах.На это раз - это кларнет.Инструмент интересный и очень приятный по звучанию.Основной текст взял на сайте(ссылка ниже),но картинки в большинстве своём,находил сам...Надеюсь,что не ошибся...)Ну если что,то сорри...) Добавил и несколько видео-роликов к тем,что перенёс с сайта...

Слушаем КЛАРНЕТ...)До встречи...)

Даниил Олегович Трифонов (5 марта 1991, Нижний Новгород) — известный российский пианист и композитор.

Лауреат XIV Международного конкурса имени П. И. Чайковского в Москве (июнь 2011, Гран-при, I премия и Золотая медаль, Приз зрительских симпатий, Приз за лучшее исполнение концерта с камерным оркестром)

Лауреат XIII Международного фортепианного конкурса им. Артура Рубинштейна (май 2011, I премия и Золотая медаль, Приз зрительских симпатий, Премия за лучшее исполнение произведений Ф. Шопена и Премия за лучшее исполнение камерной музыки)

Лауреат XVI Международного конкурса пианистов им. Ф. Шопена в Варшаве (2010, III премия и Бронзовая медаль, Специальный приз за лучшее исполнение мазурки)

Серия сообщений "Молодые исполнители":
Часть 1 - Молодые исполнители:Даниил Трифонов исполняет "Рапсодию на тему Паганини" С.В.Рахманинова.Дирижёр Зубин Мета.
Часть 2 - Играет Хатия Буниатишвили, фортепьяно...
Часть 3 - Юджа Вонг:Шопен -- Вальс op.64 No2, Глюк/Wang -- «Орфей и Эвридика» Мелодия
Часть 4 - Юнди Ли исполняет произведения Ф.Шопена...
Часть 5 - Алиса Сара Отт:Ф.Лист,Ф.Шопен,М.Мусоргский,Л.Бетховен...

Открыв девятый номер журнала "Музыкальная жизнь" за 1986 год, вы можете прочесть там рецензию на не совсем обычный шопеновский вечер Веры Горностаевой в Большом зале Московской консерватории: "Одна из наметившихся за последние пять-десять лет тенденций в концертном жанре все настойчивее говорит о том, что время "чистого" исполнительства уходит и что требуются доказательства правомочности того или иного факта исполнения. Ведь сколько - не произведений даже,- целых "творчеств" ждут очищения уже не от пыли веков, а от частого употребления! Биография сочинения, биография стиля становится необходимым условием исполнения. И здесь В. Горностаева, выбрав форму концерта, апробированную ею самой в телевизионных беседах о музыке, оказывается нетрадиционной. Быть может, слово солирующего пианиста впервые звучало в этом зале... И надо сказать, что этот необычный синтетический жанр оказался на редкость органичным. Как, впрочем, и программа, включающая все три сонаты Шопена. Особенно чутким к музыке и верным по тону был вступительный "монолог" пианистки. Именно благодаря слову, бывшему вначале, слушатель включился в атмосферу шопеновского искусства еще до прикосновения исполнителя к инструменту. Следующие комментарии пианистки - она обращалась к залу трижды - заставили вспомнить открытые уроки профессора Горностаевой в консерваторском классе. Ведь знающие знают, насколько богаты эти уроки художественными ассоциациями!"

Центральное место в творчестве Шумана занимают фортепианные циклы. Каждый из них, как будто маленькая энциклопедия шумановского фортепианного стиля, где блестящие бравурные пьесы сменяются проникновенными лирическими миниатюрами.

 Детские сцены — взгляд взрослого на трогательный мир ребенка с его страхами, переживаниями и радостями.

Пьесы из этого цикла входят в репертуар учащихся музыкальных учебных заведений. Однако высокая художественная ценность  делает их привлекательными и для зрелых музыкантов, которые нередко включают их в свои сольные концерты.

Детские сцены, опус 15, написаны уже многоопытным автором, создавшим к тому времени большую часть своих композиций для фортепиано. История возникновения этого сочинения изложена в письме Шумана его жене Кларе от 17 марта 1838 г.: «Я узнал, что фантазию ничто так не окрыляет, как напряжение и тоска по чему-нибудь; именно так было со мною в последние дни, когда я ждал твоего письма и насочинял целые тома — странного, безумного, очень веселого — ты широко откроешь глаза, когда сыграешь это; вообще, я способен сейчас порою разорваться на куски от звучащей [во мне] музыки. — И не забыть бы мне все, что я сочинил. То был словно отзвук слов, которые ты мне как-то написала: „Порою я могу показаться тебе ребенком“, — короче говоря, я был поистине окрылен и написал тридцать маленьких забавных вещей, из которых отобрал около двенадцати и назвал Детскими сценами. Ты обрадуешься им, но, конечно, должна будешь забыть о себе как о виртуозе. Там такие названия, как Пугание, У камина, Игра в жмурки, Просящее дитя, Верхом на палочке, О чужих странах, Забавная история и т. д., чего там только нет! В общем, там все очевидно, и к тому же все пьесы легко напевать».

Лев Николаевич Оборин (1907-1974) – один из крупнейших пианистов-педагогов в истории отечественного музыкально-исполнительского искусства, создатель собственной неповторимой школы пианизма. Почти полвека продолжалась его интенсивная концертная деятельность. В течение 46 лет Оборин преподавал в Московской консерватории, воспитав множество молодых пианистов, среди которых ведущие ныне ее педагоги – М. С. Воскресенский, Т. А. Алиханов, А. Г. Бахчиев, А. Г. Севидов и др. читать далее...
    Музыкантское становление Оборина также неразрывно связано с Московской консерваторией. В училище он занимался под руководством консерваторской выпускницы Ел. Ф. Гнесиной опиравшейся на методические приемы В. И. Сафонова и заложившей в воспитаннике, прежде всего, солидную техническую основу. Гнесина показала 10-летнего Леву Оборина своему великому соученику по alma mater – С. В. Рахманинову, который тепло напутствовал талантливого мальчика, что, конечно, необычайно знаменательно.

«Музыка живет страстью» — эти слова Скрябина могут служить эпиграфом ко всему его творчеству.

"Любовь — вещь идеальная,  супружество — реальная;  смешение реального с идеальным никогда не проходит безнаказанно."  И.Гёте

Александр Николаевич Скрябин (25 декабря 1871 (6 января 1872), Москва — 14 (27) апреля 1915, там же) — выдающийся русский композитор и пианист. Его творчество принято рассматривать как стоя́щее совершенно особняком, хотя с точки зрения композиторской техники оно может быть сближено с Новой венской школой. Остро стоявшую перед композиторами того времени проблему «недостаточности», «узости» тональности Скрябин решает по-своему, усложняя до предела гармонию. Одновременно желаемой выразительности он добился, введя в музыку цвет, то есть впервые в истории использовал светомузыку.

Ноктюрн для скрипки и фортепиано

Константин Бальмонт - «Эльф»
Сперва играли лунным светом феи.
Мужской диез и женское - бемоль -
Изображали поцелуи и боль.
Журчали справа малые затеи.

Прорвались слева звуки-чародеи.
Запела Воля вскликом слитных воль.
И светлый Эльф, созвучностей король,
Ваял из звуков тонкие камеи.

Завихрил лики в токе звуковом.
Они светились золотом и сталью,
Сменяли радость крайнею печалью.

И шли толпы. И был певучим гром.
И человеку Бог был двойником.
Так Скрябина я видел за роялью.
1916

Симфония №2



Его творчество — одно из самых замечательных явлений музыки начала XX столетия. Смелый художник-новатор, он создал целый мир новых, глубоко своеобразных образов. Для их воплощения он нашел исключительно яркий, оригинальный музыкальный язык, расширивший выразительные возможности музыкального искусства.

Старинному русскому романсу досталась судьба золушки — судьба бедной, гонимой, но доброй красавицы. Более века ему пришлось ждать своего звездного часа. Превращение в принцессу наступило лишь в 60-е годы 20-го столетия. Только в последние десятилетия романс беспрепятственно зазвучал в концертных залах страны, умножая своих поклонников и оживляя в их сердцах ту мягкость и душевность, которые были исконно присущи русскому человеку. В истории жанра открылась новая страница, резко преобразившая его культурно-художественный облик. Если прежде он без сомнений причислялся к легкому, развлекательному жанру, то на фоне современной эстрады обнаружилась его подлинная серьезность. Поэтически скромная душа старинного романса не польстилась на временную популярность танго и фокстрота, а осталась верна родной вальсовой стихии, из которой она выросла и в союзе с которой плодотворно развивалась около ста лет.Еще в начале XVII века игра на инструментах, сочинение музыки было уделом холопов, князья же и дворяне считали достойным себя только наслаждаться музыкой. В XVIII веке музыкальное образование дворян стало входить в обычай, а позднее распространилось и домашнее сочинительство. Однако в дворянской среде оно воспринималось как приятное развлечение, а не как серьезное творчество во имя высоких целей. Решение дворянина посвятить себя музыке было равносильно разрыву со средой, с семьей. Быть чиновником, дворянином было престижнее, чем серьезным композитором или артистом. Если профессиональное творчество постепенно получало общественное признание, то любительскому не придавали большого значения ни среда, ни сами авторы. Это была часть эстетического и нравственного воспитания, часть быта. В атмосфере развитого домашнего музицирования казалось, что каждый может сочинить романс, куплет и подарить его предмету своих воздыханий. И уж совершенно недопустимо было дворянину зарабатывать деньги этими романсами. Поэтому высокопоставленные особы, если и печатали романсы, часто скрывали свои фамилии, либо печатали бесплатно, как это делал у Юргенсона Борис Шереметев.

Материалы. В.Уколов. Е.Рыбкина. "Музыка в потоке времени"

Старинные русские романсы исполняет Дмитрий Хворостовский

Марта Аргерих: “я и сегодня застенчива”

Завораживающая, интуитивная, бесстрашная и непредсказуемая, как музыка: эта пианистка в свои 70 с лишним продолжает собирать полные залы. Марта Аргерих, мировая звезда и легенда, дала концерт Шумана в Риме сопровождении оркестра Санта-Чечилия. В интервью, записанном в Вечном городе, она размышляет о возрасте, застенчивости и щедрости применительно к музыке и жизни.

                                                                                                                         В.Шембер

                                                                                                 Н.К.Метнер

                                                                                (1880 - 1951)

Николай Карлович Метнер занимает особое место в истории русской и мировой музыкальной культуры. Художник самобытной индивидуальности, замечательный композитор, пианист и педагог, Метнер не примыкал ни к одному из музыкальных стилей, характерных для первой половины ХХ века.

Приближаясь отчасти к эстетике немецких романтиков (Ф.Мендельсон, Р.Шуман), а из русских композиторов - к С.Танееву и А.Глазунову, Метнер был, вместе с тем, художником, устремлённым к новым творческим горизонтам, его многое роднит с гениальным новаторством И.Стравинского и С.Прокофьева.

Родился в Москве 24 декабря 1879г.(5 января 1880) в немецкой по происхожению семье с разветвлёнными музыкальными традициями: мать - представительница знаменитого рода Гедике; брат Эмилий был филосфом, литератором, музыкальным критиком (псевдоним Вольфинг). Другой брат, Александр - срипачом и дирижёром.

В 1900 году Метнер блистательно окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано В.Сафонова. Одновременно он изучал и композицию под руководством С.Танеева и А.Аренского. Его имя написано на мраморной доске консерватории.

Творческий путь Николай Метнер начал успешным выступлением на III Международном конкурсе им. А.Рубинштейна (Вена, 1900) и первыми же своими сочинениями завоевал признание как композитор. Голос Метнера - пианиста и композитора - был сразу услышан наиболее чуткими музыкантами. Наряду с концертами С.Рахманинова и А.Скрябина авторские концерты Метнера являлись событиями музыкальной жизни как в России, так и за рубежом. Критика писала, что Метнер за роялем - не  виртуоз, "исполнитель - творец, увлечённый одной сутью исполняемых вещей".