Цитата сообщения О_себе_-_Молчу РОКОКО (живопись)

РОКОКО

Помпео Батони
Франсуа Буше
Антуан Ватто
Никола Ланкре
Ангелика Кауфман
Себастьяно Риччи
Жан Оноре Фрагонар

РОКОКО (франц. rococo, от rocaille, рокайль –
декоративный мотив в форме раковины)-стилевое направление
в европейском искусстве 1-ой половины XVIII в.
Для рококо характерны гедонистические настроения,
уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры,
пристрастие к идиллически-пасторальной и
чувственно-эротической сюжетике.



Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры
сказалось главным образом в характере декора,
приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы;
распространяясь в зодчестве других стран Европы
(Г.В. Кнобельсдорф, И.Б. Нёйман, отчасти М.Д. Пёппельман),
рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко.
Преимущественно декоративный характер имела богатая
тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по
колориту живопись рококо (картины и росписи Никола Ланкре,
Франсуа Буше, отчасти Жан Оноре Фрагонара).
Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля,
получила развитие в декоративных и станковых камерных формах.
В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт),
в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные
галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии,
пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет,
изображающий модель в образе мифологического героя.
Образ человека утрачивал самостоятельное значение,
фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.
Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета,
умение строить композицию слитными декоративными пятнами,
достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой,предпочтение
блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.
Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления;
достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж.
В скульптуре рококо преобладали предназначенные для украшения интерьеров
рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты
и фарфора (изделия И.И. Кендлера).
Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических
декоративных мотивов китайского искусства,
виртуозное выявление выразительных возможностей
материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Помпео Батони -
Batoni Pompeo) Помпео Джироламо (1708-1787),
известный итальянский живописец стиля рококо и неоклассицизма.
Родился в Лукке, в семье ювелира.
Вероятно уроки отцовского ремесла сказались в последовательной
приверженности Батони к ювелирной отточенности и изяществу формы.
Учился в Риме у Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка.
Первые произведения, в которых В общих чертах оформляется стиль Батони, относятся к началу 1730-х годов.
Судьба Батони сложилась удачно.
Он не имел недостатка в заказах на алтарные образы и аллегорические картины.
Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать.
Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и
находило неизменное признание у современников.
Основное направление работ Батони - картины на мифологические и
аллегорические сюжеты ("Падение Симона-мага", 1741,
Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме;
"Ахилл у дочерей Ликомеда", 1745, Флоренция, Уффици;
"Диана и Купидон", 1761, Метрополитен-музей, Нью-Йорк;
"Святое семейство", 1777; и др.)
и портреты (императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского;
портрет маркиза Джона Монтермера, собрание герцога Баклей, Ратлэнд и др.).
В его ранних работах сказались традиции барокко, отразившиеся в
перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и
цветовых контрастов ("Падение Симона-мага").
Однако изучение творчества Рафаэля и идеи неоклассицизма
вскоре изменили его стиль.
Все чаще художник стал обращаться к сюжетам с аллегорическим подтекстом,
в которых немаловажное значение приобретает идея доблести, победы долга
над личными привязанностями.
Меняется и формальный строй его работ.
Художественный язык становится ясным, строгим, форма обозримой,
классические мотивы легко узнаются в позах, в трактовке лиц,
рисунке обнаженных тел.
В композиционных решениях рассудочный, рациональный характер
получает преимущество над эмоционально-непосредственным выражением.
Однако неоклассический стиль его работ нередко носит поверхностный характер,
классические элементы порой облегчаются легкой игривой линией,
невесомостью и изяществом формы, сглаженной, почти миниатюрной манерой письма.
В искусстве Батони не могли не сказаться и реалистические тенденции,
характерные для итальянской живописи XVIII века.
Но и в этом аспекте позиция художника оставалась двойственной,
нередко в одном произведении проявлялись весьма разнородные симпатии мастера.
Например, в "Святом семействе" композиция делится на две стилистически
различные части.
Группа Богоматери с младенцем Христом на руках и с Иоанном Крестителем,
помещенная слева, изображена в условном неоклассическом духе. Иосиф,
на мгновение оторвавшийся от чтения книги,
чтобы взглянуть на играющего Христа, и протягивающая к младенцу руки
святая Анна изображены как конкретные персонажи,
с простонародными чертами лиц.
Наиболее цельное и полное выражение реалистические тенденции
искусства Батони нашли в портретном жанре,
где живопись всегда следует за действительностью.
Лучшие портреты кисти Батони написаны серьезно, вдумчиво,
с глубоким проникновением в характер изображаемого человека.
Батони стоит у истоков парадного репрезентативного неоклассического портрета.
Его модели обычно расположены на фоне античных ваз, саркофагов, статуй,
колонн, хотя в ранних работах преобладает нейтральный фон.
Чаще всего художник писал знатных лиц.
Несмотря на яркость психологической характеристики портретируемых,
им всегда присуще и нечто общее: аристократическое достоинство, э
моциональность, но вместе с тем и особое, "философское" состояние.
Творчество Батони в целом знаменует начало нового направления
европейского стиля живописи - классицизма конца XVIII столетия.

1."Кентавр Хирон, обучающий Ахилла"
1770


2."Аполлон, дающий урок музыки"
1741


3."Ахилл у дочерей Ликомеда"
1745


4."Чувственность"
1747


5."Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком"
1748


6." Меркурий, коронующий Философию, Мать Искусств"
1747


7."Венера, дарящая Энею доспехи, изготовленные Вулканом"
1748


8."Святое семейство со
св.Елизаветой и Иоанном Крестителем"
1777


9."Портрет Томаса Уильяма Коука"
1770-е


10."Бракосочетание
Амура и Психеи" 1756


11."Диана и Купидон" 1761
Метрополитен-музей, Нью-Йорк


12."Сусанна и старцы" 1760-е
Частная коллекция


13."Хирон возвращает Ахилла
его матери Фетиде" 1770
Эрмитаж, Санкт-Петербург


14."Воздержанность Сципиона Африканского" 1772
Эрмитаж, Санкт-Петербург


*****************************************************

Франсуа Буше -
(1703–1770), французский живописец.
В 1755-1765 руководил Королевской мануфактурой гобеленов в Париже,
с 1765 – директор Королевской академии живописи и скульптуры,
“первый живописец короля”, один из ярких мастеров рококо.
Сороковые годы XVIII века — период расцвета во французском искусстве
стиля рококо, отразившего аристократические идеалы дворянского общества.
Для стиля жизни этого времени характерно стремление к роскоши,
изощренным, прихотливым формам.
Особенность живописи рококо — ее тесная зависимость от архитектурно - декоративного окружения. Станковая картина создавалась в это время
прежде всего как деталь украшения интерьера дворянского особняка,
наряду с мебелью, арфором, гобеленами и шелковыми тканями.
Самым знаменитым художником рококо был Франсуа Буше, который,
помимо живописи, работал во всех видах декоративного и прикладного
искусства: он создавал картоны для шпалер, рисунки для севрского фарфора,
расписывал веера, исполнял миниатюры и декоративные росписи.
Живопись Буше в полной мере отразила декоративные принципы искусства его времени.
Буше в начале творческого пути испытал влияние А.Ватто
(гравировал его картины), в дальнейшем писал плафоны, панно,
картины с мифологическими, пасторальными,
жанровыми сценами, нарядно-кокетливые портреты, идиллические пейзажи,
выдержанные в мягких серебристо-зеленых тонах
(“Вид в окрестностях Бове", Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Одним из любимых жанров живописи рококо были пасторальные мотивы,
сюжеты которых художники находили прежде всего в античной мифологии.
Буше любил светлую живопись и отдавал предпочтение нарядным голубым,
розовым и зеленым тонам. В некоторых картинах 1720-1730-х годов,
теплых и насыщенных по колориту (“Геркулес и Омфала”),
аметны отзвуки фламандского искусства.
В более поздних работах (“Купание Дианы”, 1742;
портрет маркизы Помпадур, 1752, собрание Уоллес, Лондон)
с обилием оттенков розового и голубого, извилистых сплетающихся линий
и сложных ракурсов усиливаются свойственные рококо декоративность,
чувственность, несколько жеманная грация, впечатление “фарфоровости” фигур.

1."Юпитер и Каллисто"
1744


2."Туалет Венеры"
1751


3."Восход солнца"
1753


4."Заход солнца"
1748


5."Художник в своей мастерской"
1720


6."Портрет Мари Бьюзо, жены художника"
1733


7."Завтрак"
1739


8."Туалет"
1742


9."Летняя пастораль"
1749


10."Рождение Венеры"
1740


11."Вулкан, вручающий Венере оружие для Энея"
1757, Лувр


12."Одалиска на синей софе"
1745, Лувр, Париж


13."Купание Дианы"
1742, Лувр, Париж


14."Портрет мадемуазель О'Мерфи"
1752, Ст. пинакотека, Мюнхен


15."Мадам Помпадур
1756


16.Shep Shepherdess Reposing
1761


**********************************************


Антуан Ватто -
Ватто (Watteau) Антуан (1684–1721),
французский живописец и рисовальщик.
Около 1702 приехал в Париж, работал как копиист.
Учение у живописцев К.Жилло (1703–1707/08) и К.Одрана (1708–1709)
способствовало пробуждению интереса Ватто
к театру и декоративному искусству.
Ватто испытал влияние П.П.Рубенса , произведения которого
изучал в Люксембургском дворце в Париже. Академик с 1617.
В 1719–1720 Ватто посетил Великобританию.
Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни
(“Бивак”, около 1710; “Савояр с сурком”, 1716.)
Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность.
В зрелый период творчества он разрабатывает новый тип сюжетов –
театральные сцены и “галантные празднества”
(“Праздник любви”, “Общество в парке”, “Затруднительное предложение” и др.),
в которых за галантной игрой постоянно повторяющихся персонажей,
под маской актера кроется бесконечное разнообразие оттенков
поэтического чувства, целый мир тончайших душевных состояний,
нередко окрашенных иронией и горечью,
порожденной столкновением мира мечты с реальностью.
Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Ватто подчеркивается пейзажем,
окрашенным тонким лирическим чувством, изящной выразительностью поз и жестов,
изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов
и как бы вибрирующих мазков. Глубокие размышления Ватто о сущности подлинно
высокого искусства, которое он противопоставляет искусству ложно-значительному,
парадно-официальному, отразились в “Вывеске лавки Э.Ф.Жерсена” ,1720.
Поэтическое очарование отличает и рисунки Ватто выполненные обычно
сангиной либо в три цвета (мел, сангина , итальянский карандаш) и
запечатлевшие разнообразные типы французского общества начала XVIII века;
легкие штрихи и волнистые линии воссоздают в них нюансы пластической формы,
движение света, эффекты воздушной среды.
Декоративная изысканность произведений Ватто послужила основой сложения
рококо как стилевого направления
(хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки),
а его поэтические открытия были подхвачены французскими живописцами
середины – 2-й половины XVIII века. (Ж.Б.С.Шарденом, Ж.О.Фрагонаром и др.)

1."Итальянская Комедия"
1718


2."Суд Париса"
1720


3."Веселая компания на отдыхе"
1716-1719


4."Жиль"
1717-1719


4."Французская Комедия"
1714


6."Капризница" 1718
Эрмитаж, Санкт-Петербург


7."Купание Дианы"
1720, Лувр, Париж


8."Кокетки" 1718
Эрмитаж, Санкт-Петербург


9."Любовная песня" 1717 Национальная галерея, Лондон


10."Прибытие на Киферу" 1717
Замок Шарлоттенбург, Берлин


11."Танец" 1716-1718
Государственный музей, Берлин


****************************************************

Никола Ланкре -
(Lancret) Никола
(22.1.1690, Париж, - 14.9.1743, там же),
французский живописец,
представитель искусства рококо.
Испытал сильное влияние А. Ватто.
В 1719 принят в члены Королевской академии живописи и скульптуры
как "мастер галантных сюжетов".
Ланкре писал в духе рококо “галантные сцены”
(“Галантная беседа”, собрание Уоллес, Лондон),
пейзажи, жанровые и театральные композиции
(“Кухарка”, собрание Уоллес; “Концерт в парке”, Москва),
портреты (“Танцовщица Камарго”, Санкт-Петербург),
отличающиеся изысканным, несколько блеклым колоритом, декоративной,
мягкой живописной манерой. Ланкре.
Сюжеты картин Ланкре нередко повторяются, их можно объединить в несколько групп.
Чаще всего у него встречаются сюжеты типа "Компания в парке", "Пастораль",
"Купание", "Ловцы птиц".
Он обращается также к изображению театральных сцен, взятых из пьес и
постановок драматургов XVIII века, таких как Данкур или Мариво.
Ланкре мог прямо ввести в картину то, что наблюдал на театральных подмостках.
Наконец Ланкре создает серии картин, изображающие "Времена года", олицетворения
различных стихий, возрастов человека, разнообразные игры и развлечения.
Ланкре - своеобразный и тонкий живописец.
Он прекрасно владел искусством строить группу фигур и объединять несколько
групп в единое гармоническое целое.
Причем группы в его полотнах объединены скорее по декоративному,
нежели по смысловому сюжетному принципу.
Роль Ланкре в развитии жанра "галантного празднества" велика.
Он пережил своих учителей и соперников,
поэтому влияние его было более длительным.
Кроме того, Ланкре много сделал для распространения французского вкуса в Европе.
В 18 веке его картины собирали не только парижские знатоки, но и Фридрих II,
стремившийся воспроизвести во дворце Сан-Суси стиль жизни французского двора,
русская императрица Екатерина II, английский аристократ сэр Ричард Уоллес.
Картины Ланкре до сих пор сохраняют свое хрупкое очарование,
напоминая нам об одном из самых блестящих периодов в культуре Франции.


1."Зима"
1738


2."Лето"
1722


3."Качели"
Ок.1735


4. "Компания в парке"
1730-е


5."Птица в клетке"
1730-е


6."Свадебный контракт"
1730-е, Лувр, Париж


7."Менуэт" 1730-е,
Дворец Сан-Суси, Потсдам


8."Сцена из трагедии Корнеля" Собрание Уоллеса, Лондон


9."Танцовщица Камарго"
1730, Эрмитаж, Санкт-Петербург


10."Застолье" 1735,
Музей Конде, Шантийи


11."Семья и слуга" 1742,
Национальная галерея, Лондон


*******************************************************

Ангелика Кауфман -
(1741-1807), швейцарский живописец и график.
Ангелика Кауфман родилась в Швейцарии и уже в одиннадцать лет
начала писать портреты итальянских знаменитостей.
Училась у отца, австрийского живописца Йозефа Иоганна Кауфмана.
Жила в Италии (1742-1757). По совету прославленного английского живописца
сэра Джошуа Рейнольдса она переехала в Лондон (1766-1781).
С 1762 - член флорентийской Академии художеств.
Заняв видное место среди немецких художников-классицистов, работавших в Риме,
Кауфман писала сцены на исторические и литературные сюжеты
(“Прощание Абеляра и Элоизы”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург),
отличавшиеся гладкой, “сплавленной” манерой письма, тщательной отделкой деталей,
а также портреты современников (“Иоганн Вольфганг Гёте”, 1787, Веймар).
Необычный для своего времени, портрет Давида Гаррика передает тонкую и
чувствительную натуру великого английского актера.
Непринужденная поза Гаррика, его взгляд - мягкий и проникновенный -
разительно отличаются от общепринятой манеры изображения актера в трагическом амплуа.
В 1780-е годы Ангелика Кауфман стала очень известна в Европе благодаря многочисленным
портретам, а также своим историческим и мифологическим композициям.
Ангелика Кауфман выполняла заказы на росписи особняков,
построенных по проектам братьев Адамс; нежный колорит и классический стиль
этих сооружений вполне отвечали духу ее творчества.
Идиллические сцены из классической мифологии переводились в гравюры,
использовались в художественной промышленности - благодаря этому
искусство Ангелики Кауфман было очень популярно.

1."Прощание Абеляра и Элоизы"
1780


2."Поэзия и Живопись"
1782


3."Монах из Кале"
1780


4."Иоганн Вольфганг Гёте"
1787


5."Афродита, Елена и Парис"
1790


6."Автопортрет с музами Живописи и Музыки" 1791


7."Портрет дамы" 1795
(Герцогиня Эстерхази)


8."Миранда и Фердинанд"
1782


9."Портрет графини Анны Протасовой с племянниками"
( фрагм.) 1788 Эрмитаж


10."Портрет дамы в одеянии весталки" 1780-е
Дрезденская галерея


11."Давид Гаррик" 1764
Бергли Хаус, Стэмфорд


12."Автопортрет" 1785
Эрмитаж, Санкт-Петербург


***************************

Себастьяно Риччи -
(1659, Беллуно — 1734, Венеция), итальянский живописец.
Учился в Венеции у С. Маццони и Ф. Червелли, последователя Л. Джордано,
затем в Болонье — у Дж. Дж. дель Соле, подражавшего манере Веронезе.
Работал в Болонье (1680-86), Парме, Риме (1686-95), Милане,
Венеции (ок. 1700-07, с 1717), Вене (1701-05), Бергамо, Флоренции (1706-17),
Лондоне (1709-16), в Голландии, Париже (1716).
Изучал живопись болонцев, мастеров Венеции эпохи Возрождения,
в Риме — Карраччи, Пьетро да Кортона, К. Маратти;
в Милане — живопись А. Маньяско.
Несмотря на такой обширный круг мастеров, творчеством которых он интересовался,
Риччи был самобытным, талантливым мастером, одним из наиболее ярких
представителей венецианского рококо, получивших от современников название «виртуозы»,
за быстроту работы и мастерство. Он писал картины на религиозные,
мифологические и исторические сюжеты, много работал в монументальной живописи.
Значительной ранней работой Риччи явился фресковый цикл во флорентийском
палаццо Маручелли (1707), исполненный для герцога Фердинанда Тосканского.
Холодные тона росписи в потоке света кажутся исключительно
интенсивными по цвету.
В этих сценах проявилось умение художника передать ситуации
мифологических историй и легенд в конкретной,
не лишенной бытовых деталей манере.
В духе рококо Риччи постепенно перерабатывает традиционный стиль болонской
и римской барочной живописи в своих последующих крупных работах —
фреске «Аллегория доблести» (1708) в венецианской церкви Сан Стае и росписи
купола капеллы (1708) венецианской церкви Санта Мария дель Кармине.
Во Флоренции он знакомится с живописью Луки Джордано и работами Маньяско.
Манера последнего оказала на него наибольшее влияние.
В сюжетах Риччи появляются сцены с монахами, бродягами, солдатами в таинственном
лунном освещении («Пейзаж», Удине, Городской музей).
Преодолевая приемы сильной светотеневой моделировки фигур, воспринятой
от мастеров Венеции академического направления 17 века (т.н. tenebrosi),
Риччи обращается в поискахиндивидуальной манеры к живописи Веронезе,
становясь провозвестником т. н. неоверонезовского стиля.
В его живописи, как и в работах, подражавших его манере мастеров-виртуозов Венеции,
доминирует ощущение чувственного праздничного великолепия жизни,
любви к ничем не омраченному наслаждению ее радостями.
Он превращает миф и историю то в галантные сцены костюмированных празднеств,
то в полные безмятежной грации «поэзии» в духе Чинквеченто.
Алтарный образ «Мадонна со святыми» написан легким плывущим мазком
в светлом колорите. Яркие, разнообразные по цвету пятна одежд святых,
расположившихся вокруг сидящей на возвышении Мадонны,
образуют праздничную цветовую гамму.
Картина Риччи близка произведениям венецианских мастеров 16 столетия,
с их созерцательностью и поэтичностью в выражении эмоционального состояния персонажей.

1.Триумф наук
1717-1718


2.Купание Вирсавии
1724


3.Падение Фаэтона
1703


4.Битва кентавров и лапифов, 1715


5.Вакх и Ариадна
1713


6.Освобождение апостола Петра ангелом, 1710


7.Моление о чаше
1730


8.Венера и Амур
1713


9.Идолослужение царя Соломона, 1724


10.Низвержение падших ангелов, 1720


11.Диана и Эндимион
1713


12.Жертвоприношение богине Весте, 1723


13.Бахус и Ариадна
1713


14.Жертвоприношение
богу Селену, 1723


15. Аллегория Тосканы
1706


16."Нимфа и сатиры", 1712-1716
Лувр, Париж


17."Венера и сатир", 1720
Музей искусств, Будапешт


18."Сусанна и старцы", 1713
Собрание графства Девоншир, Чатсворт


19."Спящая нимфа и два сатира", 1716
Музей изящных искусств,
Лилль


20."Лукреция", 1685
Оспедале дельи Эспости, Парма


21."Аллегория искусств", 1690-1694
Собрание Мартинис, Удине


***************************

Жан Оноре Фрагонар -
французский живописец и график.
Учился в Париже у Ж.Б.С.Шардена, Ф. Буше, К.Ванлоо,
во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже.
В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея - Лувра.
Продолжая традиции искусства рококо,
Фрагонар достиг особой проникновенности
в воссоздании лирических сцен повседневной жизни,
сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы.
Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности,
чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются
изысканной декоративностью колорита, легкостью
живописной манеры, плавными композиционными ритмами
(“Качели”, 1766; “Праздник в Сен-Клу”, 1775; “Поцелуй украдкой”).
Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных
рисунков Фрагонара - штудий натуры и пейзажей, выполненных
в технике сангины , бистра , иногда сепии.
Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем
иронических ситуациях ("Свидание", "Погоня").
Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира,
любил теплую золотистую гамму, игру света.
Стиль и манера Фрагонара разнообразны,
они менялись, эволюционировали от декоративного решения к классическому,
с характерным для него точным, упругим рисунком и
локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!»),
то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка,
живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью
свето-воздушных эффектов.
Он мастер мимолетного наброска с натуры.
В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность,
душевную взволнованность, страстность переживаний,
которые должны неизбежно перейти в действие,
вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни.
Художник смело разрушал каноны аристократического портрета XVIII в.
В «Портрете Дидро» он запечатлел философа в мгновение
внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения,
с устремленным вдаль вдохновенным взглядом.
Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного
решения рождают впечатление изменчивости натуры.
За пределы портретного жанра несколько выходит
образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр),
подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты.
В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции,
ставшие характерными для романтизма XIX века.

1."Свидание"
1771-1773


2."Мечтания"
1768


3."Урок для всех"
1780


4."Выигранный поцелуй"
1768


5."Психея показывает сестрам подарки Амура" "Мечтания"



6."Праздник в Рамбуйе"
1780


7."Венец возлюбленному"
1771-1773


8."Любовное письмо"
1773


9."Музыкальное парти"
1770-е


10."Задвижка!"
1778


11."Вдохновение"
1769, Лувр, Париж


12."Читающая молодая женщина"
1776, Нац.галерея, Вашингтон


13."Погоня" 1765
Лувр, Париж


14."Качели" 1766
Собрание Уоллес, Лондон


15. "Девочка, играющая с собачкой"
1772, Частное собрание, Париж


16."Поцелуй украдкой"
1780-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург


***************************

КОМУ ИНТЕРЕСНЫ ТОЬКО КАРТИНЫ (без биографий художников),
смотрите здесь:

http://www.liveinternet.ru/users/2338549/

****************************************************
БАРОККО (только без биографий) МОЖНО ЗАБРАТЬ ЗДЕСЬ:

http://www.liveinternet.ru/users/2338549/post79072647/

****************************************************