Культ красного
Красная гамма различных оттенков испокон веков считалась символом любви и страсти, а вместе с тем ассоциировалась во многих племенах с агрессией и опасностью.
Женщина в красном. Автор: Гоген Поль.
center>
«Звездная ночь»: 5 любопытных фактов о картине Ван Гога, написанной в психбольнице |
Моменту создания картины предшествовал тяжелый эмоциональный период в жизни художника. За несколько месяцев до этого к Ван Гогу в Арль приехал его друг Поль Гоген, чтобы обменяться картинами и опытом. Но плодотворного творческого тандема не получилось, и через пару месяцев художники окончательно рассорились. В пылу эмоционального расстройства Ван Гог отрезал себе мочку уха и отнес ее в бордель к проститутке Рашель, которая благоволила Гогену. Так делали с быком, поверженным на корриде. Матадору доставалось отрезанное ухо животного.
Гоген вскоре после этого уехал, а брат Ван Гога Тео, видя его состояние, отправил несчастного в больницу для душевнобольных в Сен-Реми. Именно там экспрессионист создал свое знаменитое полотно.
|
10 ВЕЛИКИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ ИСКУССТВА с тайным смыслом |
|
НЕВЕРОЯТНЫЕ ЖЕНСКИЕ ОБРАЗЫ LUIS RICARDO FALERO |
Фалеро родился в Гранаде. Первоначально хотел сделать карьеру в испанском флоте, но бросил её, к разочарованию родителей. Пешком добрался до Парижа, где изучал искусство, химию и машиностроение. Эксперименты, которые ему приходилось проводить при изучении двух последних дисциплин, оказались настолько опасны, что он решил сосредоточиться на живописи.[3] Был учеником Габриэля Феррье.[4] После Парижа, учился в Лондоне, где он в конце концов обосновался.
Фалеро проявлял особый интерес к астрономии и изображал небесные созвездия на многих его произведениях, таких как «Свадьба Кометы» и «Звезды-близнецы». Его интерес и знания в области астрономии сделали его иллюстратором работ Камилла Фламмариона.
В 1896 году, в год его смерти, Мод Харви подала в суд на Фалеро с целью признания отцовства. В иске говорилось о том, что Фалеро соблазнил Харви, когда ей было 17 лет, когда она работала сначала его домработницей, а затем моделью (в частности, для картины «Токайское вино»). Когда он обнаружил, что она была беременна, он уволил её. Мод Харви выиграла дело и суд присудил ей алименты в размере пяти шиллингов в неделю.
Фалеро скончался в больнице Университетского колледжа в Лондоне в возрасте 45 лет.
|
Генрих III и Мария Клевская: несчастная любовь последнего из Валуа |
|
МИХАИЛ ЖВАНЕЦКИЙ |
"Жизнь - это когда ты поднялся, опустился, и живёшь дальше, имея в запасе эту высоту".
"В России нужно жить быстро! Чтобы успеть до прихода милиционера, революционера и врача".
"Красивая женщина так же редка, как умный мужчина, - нужны списки, вольеры, может быть, даже искусственное разведение".
"Ты думай, а мысль придёт. Или женщина. Они вместе не приходят. Или мысль, или женщина, но что-то придёт, главное - думай!"
"Что наша жизнь? Свет в конце тоннеля есть. Свет есть. Только тоннель, с@ка, не кончается".
"Я бесконечно уважаю чудовищный выбор моего народа".
"С женщиной можно делать всё, что угодно, только ей нужно постоянно объяснять, что же мы в данный момент делаем".
"Правительство нам обещает-обещает, обещает-обещает, а нам всё мало!"
"Хочешь всего и сразу, а получаешь ничего и постепенно".
"Прошла молодость, одна за другой отступили женщины. Одна за другой наступили болезни..."
"Почему у разных поколений в нашей стране одинаковые перспективы. У всех есть уверенность в будущем. Что оно не очень приятное".
"У нас чего только может не быть. У нас всего может не быть. У нас чего только не захочешь, того может и не быть".
"Всякий раз, когда я вспоминаю о том, что Господь справедлив, я дрожу за свою страну".
"Михалыч, я не еврей, просто на душе тяжело".
"Сколько у государства не воруй - всё равно своего не вернёшь!"
"Мужчине нужна женщина внимательная. Не посторонняя,что дома ждёт. А внимательная, которая бы произнесла: "Вот это место повтори мне, Игорёк".
"Счастливым можно быть только в личной жизни. Там счастье настоящее!"
"Я тебя настолько изучил. Я один знаю, что поцеловать,чтобы ты замолчала, и на что нажать, чтобы ты начала говорить".
"В какое время живём? Не в наше".
"Народ и власть с одинаковым презрением относятся к экономике".
"В нашей стране надо знать где чёрный вход и запасной выход".
"Все друзья хотят меня женить - ну люди не выносят, когда другим хорошо".
"Бездарность я могу принять только по просьбе правящей партии".
"В России не говорят "это незаконно", а говорят "это опасно".
"Коммунистическая партия учит нас: не воруй по-маленькому".
"Патриотизм — это чёткое, ясное, хорошо аргументированное объяснение того, что мы должны жить хуже других".
"В тюрьме сейчас много умных людей, и с ними надо советоваться".
"Собака молчаливая гораздо страшнее. Как молчаливая жена. Не договоришься, лучше скандал".
"В нашей стране прорицателем быть несложно - предсказывай плохое и ты не ошибёшься".
"Это Россия - страна неограниченных возможностей и невозможных ограничений".
"Сынок, имей совесть! И делай, что хочешь".
"Если ты стырил диссертацию - не строй мост, сволочь! Иди в политику".
"Раньше думал - женщины...Теперь - ни дня без строки".
"Учёный из Калуги изобрёл. Но не осуществил. Ну, потому что Калуга вокруг".
"Да мы в американских выборах участвуем больше, чем в российских. Мы же выбирали Обаму всей страной".
"Как сказал мне один гаишник: "Вообще-то я не люблю евреев, но вы - такое исключение, вы - такое исключение".
"Президенту нужно перестать собирать силовиков, а собрать мозговиков".
"Алкоголь в малых дозах безвреден в любых количествах".
"Красивая женщина – достояние нации. Их списки и телефоны хранятся в специальных отделах ЦРУ, КГБ, Моссад... Красивая женщина разъединяет мужчин и сплачивает женщин. Она творит историю и меняет ход войны. У неё нет хозяина, но есть поклонники...
– А что делать некрасивым? Повеситься? – спросила меня какая-то студентка и посмотрела с такой ненавистью, что мы не расстаёмся до сих пор".
"Ребята, если уж мы по горло в дерьме, возьмёмся за руки".
"Раньше мы боролись за социализм с человеческим лицом. Сейчас боремся за капитализм с человеческим лицом. Нам всё время не хватает человеческого лица".
"Любимая фраза в фильмах про КГБ:
- Почему сразу не пришли к нам?
Кто-то пришёл сразу. До сих пор не вышел".
"Кого-то слушают.
А к кому-то прислушиваются".
"Как мне написали друзья-космонавты: "Миша, не плыви против течения. Не плыви по течению. Плыви туда, куда тебе надо".
"Переспать может каждый, а поговорить нет. Так что, девочки, берегите говорящих мужчин. Кстати, говорящие мужчины тоже не прочь переспать".
"Или я буду жить хорошо, или мои произведения станут бессмертными".
"Умеешь ли ты писать интервалами, паузами, безмолвием и тишиной? Научись! И будешь любим".
|
9 главных символов, зашифрованных в «Сикстинской мадонне» |
2 МЛАДЕНЕЦ ХРИСТОС. По словам Стама, «его лоб не по-детски высок, и совершенно не по-детски серьезны его глаза. Однако в их взгляде мы не видим ни назидания, ни всепрощения, ни примиряющего утешения… Его глаза смотрят на открывшийся перед ними мир пристально, напряженно, с недоумением и страхом». И вместе с тем во взгляде Христа читается решимость следовать воле Бога Отца, решимость принести себя в жертву ради спасения человечества.
3 СИКСТ II. О римском понтифике известно очень мало. На святом престоле он пробыл недолго — с 257 по 258 год — и был казнен при императоре Валериане через отсечение головы. Святой Сикст был покровителем итальянского папского рода Ровере (итал. «дуб»). Поэтому на его золотой мантии вышиты желуди и дубовые листья.
4 РУКИ СИКСТА. Рафаэль написал святого папу указующим правой рукой на престольное распятие (напомним, что «Сикстинская мадонна» висела за алтарем и, соответственно, за алтарным крестом). Любопытно, что на руке понтифика художник изобразил шесть пальцев — еще одна шестерка, зашифрованная в картине. Левая рука первосвященника прижата к груди — в знак преданности Деве Марии.
5 ПАПСКАЯ ТИАРА снята с головы понтифика в знак почтения перед Мадонной. Тиара состоит из трех корон, символизирующих царство Отца, Сына и Святого Духа. Ее венчает желудь — геральдический символ рода Ровере.
6 СВЯТАЯ ВАРВАРА была покровительницей Пьяченцы. Эта святая III века втайне от отца-язычника обратилась к вере в Иисуса. Отец пытал и обезглавил дочь-отступницу.
7 ОБЛАКА. Некоторые считают, что Рафаэль изобразил облака в виде поющих ангелов. На самом деле, по учению гностиков, это не ангелы, а еще не родившиеся души, которые пребывают на небесах и славят Всевышнего.
9 РАСКРЫТЫЙ ЗАНАВЕС символизирует разверзнутые небеса. Его зеленый цвет указывает на милосердие Бога Отца, который послал сына на смерть ради спасения людей. Пушкин заимствовал поэтическую формулу у старшего современника и обратил ее к земной женщине — Анне Керн.
Впрочем, это перенесение относительно закономерно: Рафаэль, возможно, писал мадонну с реального персонажа — собственной любовницы. *** В начале XVI века Рим вел тяжелую войну с Францией за обладание северными землями Италии. В целом удача была на стороне папских войск, и североитальянские города один за другим переходили на сторону римского понтифика. В 1512 году так поступила и Пьяченца — городок в 60 километрах к юго-востоку от Милана. Для папы Юлия II Пьяченца была чем-то большим, чем просто новой территорией: здесь находился монастырь Святого Сикста — покровителя рода Ровере, к которому принадлежал понтифик. На радостях Юлий II решил отблагодарить монахов (которые активно агитировали за присоединение к Риму) и заказал у Рафаэля Санти (к тому времени уже признанного мастера) заалтарный образ, на котором Дева Мария является святому Сиксту. Рафаэлю заказ понравился: он позволял насытить картину символами, важными для художника. Живописец был гностиком — приверженцем позднеантичного религиозного течения, опиравшегося на Ветхий Завет, восточную мифологию и ряд раннехристианских учений. Гностики из всех магических чисел особо чтили шестерку (именно на шестой день, по их учению, Бог создал Иисуса), а Сикст как раз переводится как «шестой». Рафаэль решил обыграть это совпадение. Поэтому композиционно картина, как считает итальянский искусствовед Маттео Фицци, зашифровывает в себе шестерку: ее составляют шесть фигур, которые вместе образуют шестиугольник. Работа над «Мадонной» была закончена в 1513 году, до 1754 года картина находилась в монастыре Святого Сикста, пока ее не купил саксонский курфюрст Август III за 20 000 цехинов (почти 70 килограммов золота). До начала Второй мировой «Сикстинская мадонна» пребывала в галерее Дрездена. Но в 1943-м нацисты спрятали картину в штольню, где после долгих поисков ее обнаружили советские солдаты.
Так творение Рафаэля попало в СССР. В 1955 году «Сикстинская мадонна» вместе со многими другими картинами, вывезенными из Германии, была возвращена властям ГДР и сейчас находится в Дрезденской галерее. ХУДОЖНИК Рафаэль Санти 1483 — Родился в Урбино в семье художника. 1500 — Начал обучение в художественной мастерской Пьетро Перуджино. Подписал первый контракт — на создание алтарного образа «Коронование св. Николы из Толентино». 1504–1508 — Жил во Флоренции, где познакомился с Леонардо да Винчи и Микеланджело. Создал первых мадонн — «Мадонну Грандука» и «Мадонну с щегленком». 1508–1514 — Работал над росписями папского дворца (фрески «Афинская школа», «Изведение апостола Петра из темницы» и др.), написал портрет папы Юлия II. Получил должность писца папских указов. 1512–1514 — Писал «Сикстинскую мадонну» и «Мадонну ди Фолиньо ». 1515 — Был назначен главным хранителем древностей Ватикана. Написал «Мадонну в кресле». 1520 — Умер в Риме.
|
«Букет лилий» - пасхальное яйцо, изготовленное Карлом Фаберже, которое никогда не покидало Россию |
Первое пасхальное яйцо Карл Фаберже изготовил в 1885 году по заказу императора Александра III для его жены Марии Федоровны. Роскошный подарок был преподнесен в честь особого случая – Светлого Христового Воскресения и годовщины помолвки императорской четы. Фаберже изготовил и соответствующий подарок – яйцо «Курочка», сверху покрытое белой эмалью. Внутри чудо-яйца был спрятан сюрприз: золотой желток, внутри которого, словно в матрешке, золотая курочка, а также украшенная бриллиантами миниатюрная копия королевской короны и цепочка с рубином.
Марие Федоровне подарок так пришелся по душе, что император сделал ежегодной традицией преподносить ей все новые творения Фаберже. Николай II продолжил традицию: он преподносил яйца, изготовленные в ювелирной мастерской Фаберже, матери Марии Федоровне и супруге Александре Федоровне из года в год.
В период с 1885 по 1917 год было изготовлено 52 яйца, но сохранились только 42 из них. Каждое яйцо – уникальное произведение искусства. Одно из самых крупных по размеру – яйцо под названием «Букет лилий». Это яйцо было изготовлено к Пасхе 1899 года, над ним, помимо самого Фаберже, трудился ювелир Михаил Перхин, один из лучших ювелиров России. В качестве образца для вдохновения Карл Фаберже выбрал часы Людовика XVI. Гениальному ювелиру удалось воплотить непростой замысел: он превратил яйцо в циферблат часов, расположив по контуру римские цифры, украшенные алмазами. Стрелка часов сделана по подобию стрелы Амура.
Выбор цветов для декорирования яйца не был случайным: розы символизируют красоту и любовь, а белые лилии, выполненные из золота и халцедона, – невинность и чистоту Девы Марии. Факелы Купидона – знак семейной любви.
Сегодня «Букет лилий» и еще девять яиц Фаберже хранятся в фонде музея Оружейной палаты в Москве. Некоторые яйца из императорской коллекции можно увидеть в других музеях России и за рубежом.
|
Родина сказок - замок Фредериксборг, Дания. |
Самое красивое место в Дании – замок Фредериксборг. Расположенный в городе Хиллеред, он словно погружает вас в сказку. Архитектура, лепнина, гербы, мебель эпохи Ренессанса – все заслуживает восхищения.
Впрочем, это и не удивительно, ведь здесь когда-то располагалась резиденция датских монархов. Сейчас же в замке расположен Национальный музей демонстрирующий историю Дании с 16 века до настоящего времени.
Небольшой городок Хилеред расположен всего в получасе езды от Копенгагена, поэтому добраться до замка самостоятельно не так сложно. Пригородные поезда S-train на линиях А и Е курсируют практически каждый час. Ехать лучше с утра, так как посетителей много, а двери замка открыты лишь до 5 часов. В зимние месяцы и того меньше, до 3.
|
Триумф и трагедии великих скрипок |
|
У КРАСОТЫ ИЗНАНКИ НЕТ, ОНА ЧИСТА И ОТКРОВЕННА... | |
Английский художник Lord Frederic Leighton (1830-1896) королевский художник викторианской эпохи
Жанр, Античность и Мифология (часть 1.)
|
У красоты изнанки нет, Она чиста и откровенна, Она принявший форму свет, И форма эта совершенна. |
Гляжу: идёшь ты не спеша, Преображая в небо сушу, – То ль в теле светится душа, То ль тело светится сквозь душу. |
В тебе вся тайна красоты,
Сиянье высшего порядка,
И так мне радостно, что ты
Неразрешимая загадка.
© Copyright:Константин Фёдорович Ковалёв
|
Гляжу на облик твой земной... | Lord Frederic Leighton (2) |
Английский художник Lord Frederic Leighton (1830-1896) королевский художник викторианской эпохи
Жанр, Античность и Мифология (часть 2.)
|
Гляжу на облик твой земной, Соединённый с чудной высью: То – мысль, что стала красотой, Иль красота, что стала мыслью? Как редко в женщине равны Высокий ум и обаянье! В стихах бессмертных сплетены Так красота и содержанье. |
Знать Бог, когда тебя творил, Своё главнейшее творенье, Невольно о тебе сложил Любовное стихотворенье. Недаром я тебе молюсь, Когда в душе моей тревога, Но не молитву – наизусть Шепчу стихотворенье Бога. |
© Copyright:Константин Фёдорович Ковалёв
|
Семейный альбом Константина Маковского в живописных портретах: картины, которые из-за дороговизны не мог купить сам Третьяков |
Как-то Расул Гамзатов, размышляя о человеческом таланте высказался: «Талант не передается по наследству, иначе в искусстве царили бы династии…». Династий в истории русского искусства действительно мало, но все же есть одна великая династия Маковских, где родоначальником был один из организаторов Московского училища живописи, ваяния и зодчества, Егор Иванович. По его стопам пошли его дети - Александра, Константин, Николай, Владимир и некоторые из его внуков. Все из династии Маковских стали достаточно знаменитыми художниками, и были широко известны в художественной среде, но всемирную славу получил лишь один: старший из сыновей - Константин.
«Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя ни академии, ни профессорам, а исключительно моему отцу», - вспоминал К. Е. Маковский, унаследовавший от родителей все таланты. Мать же имела великолепный талант певицы, которым пожертвовала ради семьи. И в том, что все дети в семье Маковских были музыкально одарены - ее заслуга.
4-летним ребенком Костя рисовал легко и непринужденно все, что видел. А в 12-летнем возрасте уже занимался в Школе живописи и ваяния, где первыми учителями были Зарянко, Скотти и Тропинин. Юный талант освоил живописную манеру так, что его копии нельзя было отличить от тропининских портретов.
Костя Маковский был среди тех 14-ти лучших выпускников Петербургской Академии художеств, которые устроили так называемый "бунт четырнадцати ". Все "бунтари" своих дипломов так и не получили и Маковский, в том числе. Однако через несколько лет он был удостоен звания академика, профессора, действительного члена академии.
Самые богатые и знатные наперебой позировали живописцу, так как иметь портрет кисти гения было очень престижно. Его самозабвенно любили женщины, и он их любил.
У любвеобильного Маковского от четырех женщин было десятеро детей, двое из которых умерли еще во младенчестве. Плодом первой любви была внебрачная дочь Константина Наталия, рожденная в 1860 году и жившая в доме отца до самого замужества.
В 1866 году художник обвенчался с артисткой драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге Еленой Бурковой. Молодая пара, имеющая общие интересы и духовное родство, жила счастливо. Елена немного рисовала и была увлечена музыкой и театром. Она внесла в рассеянную «богемную» жизнь Маковского много любви и душевного тепла. Но их счастье резко оборвалось: сначала умирает новорожденный сын, а через два года, от туберкулеза умирает Елена.
Не пройдет и года, как овдовевший Маковский повстречает на балу в Морском корпусе 15-летнюю Юлию Павловну Леткову, приехавшую в Петербург поступать в консерваторию. Влюбившись с первого взгляда, 35-летний профессор живописи не отходил от юной красавицы ни на шаг. Его покорила необыкновенная музыкальность юной особы, которая имела необыкновенно красивый тембр сопрано. А сам Константин Егорович обладал удивительно бархатистым баритоном, и пел как профессиональный артист.
Когда Юлии исполнилось шестнадцать, они обвенчались и уехали в Париж. Там же родилась их первая дочь Марина, которая умрет в 8-месячном возрасте от менингита.
Как то в несколько сеансов Константин напишет первый портрет жены Юлии в красном берете, который откроет огромную серию прославленных женских портретов. И около пятнадцати лет Юлия Павловна будет неизменной музой и моделью исторических и мифологических картин Маковского.
Сын Сережа, рожденный в 1877 году, с самого младенчества также станет для отца моделью. Его "…очень долго одевали по детской моде тех лет и отращивали локоны, которые так нравились отцу...". В будущем будет поэтом, художественным критиком и организатором художественных выставок, издателем.
Через год в их семье родится дочь Елена, впоследствии ставшая художницей, учителем которой будет сам Илья Репин. А в 1883 году в семье Маковских снова пополнение - сын Владимир, которого крестил великий князь Алексей Александрович, брат Александра III.
В то время как семья Маковского жила то в Париже, то в Италии, он много путешествовал по Европе, Азии, собирая материал для своих исторических полотен. В семье бывал наездами. И вот однажды приехав к родным объявил, что у него родился внебрачный сын. Измену Маковскому не простила ни Юлия Павловна, ни дети. Особенно переживал раскол в семье Сергей: он так и не смог простить отцу, что тот в одночасье разрушил их счастливую и дружную семью.
А случилось это в 1889 году, когда Константин Егорович повез в Париж на Всемирную выставку, несколько своих полотен, где и повстречался с 20-летней Марией Матавтиной, с которой завязался тайный роман. Плодом их страстной любви будет рождение сына Константина.
Через два года у художника родится второй незаконнорожденный ребёнок – дочь Ольга, а в 1896 году – Марина. И лишь спустя пять лет после рождения последней дочери Константин Маковский женится на Марии Матавтиной, и суд узаконит их детей. В 1900 году в его новом, уже законном браке, родится четвёртый ребенок – сын Николай.
|
«Красный – это любовь, это кровь, это дьявол в ярости»: Женщины в красном на полотнах живописцев разных эпох |
Ни для кого не секрет, что художники всех эпох, влюбленные в женскую красоту, трепетно воспевали ее на своих полотнах. А особенно чувственно и притягательно женщины выглядели на них в красных одеждах. И если заглянуть глубоко в историю живописи, то увидим огромное множество полотен мастеров кисти, посвященных загадочной женщине в красном.
Красная гамма различных оттенков испокон веков считалась символом любви и страсти, а вместе с тем ассоциировалась во многих племенах с агрессией и опасностью.
Женщина в красном. Автор: Гоген Поль.
|
Малоизвестные факты из жизни гениального мариниста Ивана Айвазовского |
Морской пейзаж Айвазовского - это огромная сила водной стихии, гениально переданная на сухом холсте. Рассматривая пейзажи мариниста, иногда замирает сердце от доносящихся звуков рокочущего моря и сверкающего от молний неба, а иногда оно млеет от нежного шептания волн, накатывающих на берег. Воистину дар живописца, полученный от Бога.
Вокруг Айвазовского всегда ходило множество слухов и домыслов, которые распространяли его завистники. Поговаривали, что для создания своих гениальных полотен живописец использует необычные краски, а на их экспозициях в галереях устанавливает за холстом лампу, дабы создать иллюзию свечения воды и неба.
Однако эти слухи не имели под собой никаких оснований. А Айвазовскому нередко приходилось работать на публике, чтобы развеять все ее сомнения. При этом приводя окружающих в полное изумление, своей скоростью и четкостью в работе. Все помнят славноизвестную историю, когда маститый художник на глазах изумленных студентов написал за пару часов картину, довольно внушительных размеров.
Удивлять людей Ивану приходилось еще с самого детства, когда вначале самостоятельно освоил игру на скрипке, а затем когда в нем раскрылся удивительный дар к рисованию.
Талантливому самородку из бедной армянской семьи покровительствовали многие меценаты. Но особую роль в его судьбе сыграл градоначальник города Феодосии Александр Иванович Казначеев. Это с его легкой руки Айвазовский оказался в Петербургской Академии художеств на обучении за казенный счет. Там Иван сразу же был замечен и стал любимым учеником.
Признание публики не заставило долго ждать. И молва об уникальном таланте феодосийского парня-самородка докатилась до самого императора Николая I. Он то и порекомендовал его в ученики французскому живописцу-маринисту Филиппу Таннеру. Филипп, будучи человеком честолюбивым и завистливым, сразу же увидел в Айвазовском конкурента и всеми средствами пытался задвинуть молодого художника.
Одна только мысль, что ученик однажды превзойдет своего учителя, приводила его в ужас. И поэтому Таннер категорически запретил писать Ивану свои работы и отправлять на какие-либо выставки. Молодому таланту некоторое время пришлось усердно смешивать краски и быть посыльным у своего завистливого французского учителя.
|
"Ломоносов русской живописи": Антон Павлович Лосенко - художник исторического жанра второй половины XVIII в |
А.П.Лосенко. Зевс и Фетида
Государственный Русский музей
Антон Павлович Лосенко (1737 — 1773) происходил из крестьянской семьи.Его детские годы прошли на Украине, затем в Петербурге, в придворном хоре певчих.
Он учился у И. П. Аргунова, потом в Академии художеств. В двух заграничных командировках он хорошо ознакомился классическим и современным искусством, с памятниками античной культуры.
Уже в ранней работе «Жертвоприношение Авраамово» (1765) Лосенко создал полную движения композицию и вместе с тем проявил большой интерес к изучению натуры (прекрасно написаны обнаженная фигура Исаака, руки и ноги Авраама).
В произведениях конца 1760-х гг. — «Зевс и Фетида», «Каин» — отчетливо выражены ясность, спокойствие и строгость композиции — особенности, характеризующие стиль классицизма.
Современники высоко ценили эти работы Лосенко, подчеркивая их национальное значение: «Стыдитесь, бессмысленные подражатели иностранных, смотря на сего художника: никто вам не поверит, что в России не могут родиться великие люди».
А.П.Лосенко. Владимир и Рогнеда
Государственный Русский музей
|
Черный в живописи: Картина Огюста Ренуара, посвященная черному, на которой нет черного цвета |
Практически каждое творение художников имеет в своей основе историю, которая вдохновляет их на творчество. Так однажды к Огюсту Ренуару в мастерскую ворвались возбужденные студенты художественной школы и начали говорить наперебой, что они вдохновленные светло-прозрачной палитрой художника, «выбросили тюбики с черной краской в Сену!».
Ренуар в свою очередь пытался доказать молодым бунтарям насколько важен черный цвет в природе, а в живописи особенно, так как в зависимости от освещения, он имеет множество различных оттенков и придает работе неповторимое звучание.
Под впечатлением от этого спора Ренуар напишет картину «Зонтики», которая станет настоящей симфонией черного цвета. И, как видим - в шелке и в бархате, в глубине корзины, на полях шляпы и на верхушках раскрытых зонтов, в кожаных перчатках и в детских сапожках он прозвучал по-разному. Однако чисто черного цвета мы на картине совершенно не увидели, так как художник создал его иллюзию при помощи других цветов и оттенков.
К слову, в 20 веке это полотно исследователи просвечивали рентгеном и доказали, что художник писал его в 2 захода с интервалом, как минимум в 5 лет. Чувствуется его разная манера письма в противоположных углах холста. Да и в одежде некоторых персонажей получилась нестыковка во времени в связи со сменой моды. Но эта разница едва уловима и воспринимается только зорким взглядом эксперта. Но в целом это полотно создает очень мощное живописное впечатление.
|
Периодическая система влюбленностей Менделеева: тайные страсти великого ученого |
|
Семейный альбом Константина Маковского в живописных портретах: картины, которые из-за дороговизны не мог купить сам Третьяков |
Как-то Расул Гамзатов, размышляя о человеческом таланте высказался: «Талант не передается по наследству, иначе в искусстве царили бы династии…». Династий в истории русского искусства действительно мало, но все же есть одна великая династия Маковских, где родоначальником был один из организаторов Московского училища живописи, ваяния и зодчества, Егор Иванович. По его стопам пошли его дети - Александра, Константин, Николай, Владимир и некоторые из его внуков. Все из династии Маковских стали достаточно знаменитыми художниками, и были широко известны в художественной среде, но всемирную славу получил лишь один: старший из сыновей - Константин.
«Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя ни академии, ни профессорам, а исключительно моему отцу», - вспоминал К. Е. Маковский, унаследовавший от родителей все таланты. Мать же имела великолепный талант певицы, которым пожертвовала ради семьи. И в том, что все дети в семье Маковских были музыкально одарены - ее заслуга.
4-летним ребенком Костя рисовал легко и непринужденно все, что видел. А в 12-летнем возрасте уже занимался в Школе живописи и ваяния, где первыми учителями были Зарянко, Скотти и Тропинин. Юный талант освоил живописную манеру так, что его копии нельзя было отличить от тропининских портретов.
Костя Маковский был среди тех 14-ти лучших выпускников Петербургской Академии художеств, которые устроили так называемый "бунт четырнадцати ". Все "бунтари" своих дипломов так и не получили и Маковский, в том числе. Однако через несколько лет он был удостоен звания академика, профессора, действительного члена академии.
Самые богатые и знатные наперебой позировали живописцу, так как иметь портрет кисти гения было очень престижно. Его самозабвенно любили женщины, и он их любил.
У любвеобильного Маковского от четырех женщин было десятеро детей, двое из которых умерли еще во младенчестве. Плодом первой любви была внебрачная дочь Константина Наталия, рожденная в 1860 году и жившая в доме отца до самого замужества.
В 1866 году художник обвенчался с артисткой драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге Еленой Бурковой. Молодая пара, имеющая общие интересы и духовное родство, жила счастливо. Елена немного рисовала и была увлечена музыкой и театром. Она внесла в рассеянную «богемную» жизнь Маковского много любви и душевного тепла. Но их счастье резко оборвалось: сначала умирает новорожденный сын, а через два года, от туберкулеза умирает Елена.
Не пройдет и года, как овдовевший Маковский повстречает на балу в Морском корпусе 15-летнюю Юлию Павловну Леткову, приехавшую в Петербург поступать в консерваторию. Влюбившись с первого взгляда, 35-летний профессор живописи не отходил от юной красавицы ни на шаг. Его покорила необыкновенная музыкальность юной особы, которая имела необыкновенно красивый тембр сопрано. А сам Константин Егорович обладал удивительно бархатистым баритоном, и пел как профессиональный артист.
Когда Юлии исполнилось шестнадцать, они обвенчались и уехали в Париж. Там же родилась их первая дочь Марина, которая умрет в 8-месячном возрасте от менингита.
Как то в несколько сеансов Константин напишет первый портрет жены Юлии в красном берете, который откроет огромную серию прославленных женских портретов. И около пятнадцати лет Юлия Павловна будет неизменной музой и моделью исторических и мифологических картин Маковского.
Сын Сережа, рожденный в 1877 году, с самого младенчества также станет для отца моделью. Его "…очень долго одевали по детской моде тех лет и отращивали локоны, которые так нравились отцу...". В будущем будет поэтом, художественным критиком и организатором художественных выставок, издателем.
Через год в их семье родится дочь Елена, впоследствии ставшая художницей, учителем которой будет сам Илья Репин. А в 1883 году в семье Маковских снова пополнение - сын Владимир, которого крестил великий князь Алексей Александрович, брат Александра III.
В то время как семья Маковского жила то в Париже, то в Италии, он много путешествовал по Европе, Азии, собирая материал для своих исторических полотен. В семье бывал наездами. И вот однажды приехав к родным объявил, что у него родился внебрачный сын. Измену Маковскому не простила ни Юлия Павловна, ни дети. Особенно переживал раскол в семье Сергей: он так и не смог простить отцу, что тот в одночасье разрушил их счастливую и дружную семью.
А случилось это в 1889 году, когда Константин Егорович повез в Париж на Всемирную выставку, несколько своих полотен, где и повстречался с 20-летней Марией Матавтиной, с которой завязался тайный роман. Плодом их страстной любви будет рождение сына Константина.
Через два года у художника родится второй незаконнорожденный ребёнок – дочь Ольга, а в 1896 году – Марина. И лишь спустя пять лет после рождения последней дочери Константин Маковский женится на Марии Матавтиной, и суд узаконит их детей. В 1900 году в его новом, уже законном браке, родится четвёртый ребенок – сын Николай.
|
Малоизвестные факты из жизни гениального мариниста Ивана Айвазовского |
Морской пейзаж Айвазовского - это огромная сила водной стихии, гениально переданная на сухом холсте. Рассматривая пейзажи мариниста, иногда замирает сердце от доносящихся звуков рокочущего моря и сверкающего от молний неба, а иногда оно млеет от нежного шептания волн, накатывающих на берег. Воистину дар живописца, полученный от Бога.
Вокруг Айвазовского всегда ходило множество слухов и домыслов, которые распространяли его завистники. Поговаривали, что для создания своих гениальных полотен живописец использует необычные краски, а на их экспозициях в галереях устанавливает за холстом лампу, дабы создать иллюзию свечения воды и неба.
Однако эти слухи не имели под собой никаких оснований. А Айвазовскому нередко приходилось работать на публике, чтобы развеять все ее сомнения. При этом приводя окружающих в полное изумление, своей скоростью и четкостью в работе. Все помнят славноизвестную историю, когда маститый художник на глазах изумленных студентов написал за пару часов картину, довольно внушительных размеров.
Удивлять людей Ивану приходилось еще с самого детства, когда вначале самостоятельно освоил игру на скрипке, а затем когда в нем раскрылся удивительный дар к рисованию.
Талантливому самородку из бедной армянской семьи покровительствовали многие меценаты. Но особую роль в его судьбе сыграл градоначальник города Феодосии Александр Иванович Казначеев. Это с его легкой руки Айвазовский оказался в Петербургской Академии художеств на обучении за казенный счет. Там Иван сразу же был замечен и стал любимым учеником.
Признание публики не заставило долго ждать. И молва об уникальном таланте феодосийского парня-самородка докатилась до самого императора Николая I. Он то и порекомендовал его в ученики французскому живописцу-маринисту Филиппу Таннеру. Филипп, будучи человеком честолюбивым и завистливым, сразу же увидел в Айвазовском конкурента и всеми средствами пытался задвинуть молодого художника.
Одна только мысль, что ученик однажды превзойдет своего учителя, приводила его в ужас. И поэтому Таннер категорически запретил писать Ивану свои работы и отправлять на какие-либо выставки. Молодому таланту некоторое время пришлось усердно смешивать краски и быть посыльным у своего завистливого французского учителя.
Но вскоре Филиппа Таннера ожидал неприятный сюрприз. В 1836 году на экспозиции в Академии художеств Айвазовский выставил пять своих неподражаемых полотен, что вызвало бурю восторгов публики и критиков, а также грандиозный скандал, который устроил француз. Жалоба дошла до самого императора, и тот был вынужден запретить на пол года Айвазовскому писать картины.
Эта скандальная история и сыграла роль черного пиара для начинающего художника. Слава запрещенного живописца так разогрела интерес не только обычной публики и критиков, но и влиятельных людей России.
Работы Айвазовского стали высоко оценивать в Академия художеств - золотые медали следовали одна за другой. А потом и вовсе было решено выпустить тантливого художника из стен академии на два года ранее и отправить в Крым с заданием написать несколько пейзажей. С чем Иван Константинович конечно же блестяще справился. Затем последовала пенсионерская поездка по странам Европы за счет Академии.
Живя и работая за границей, Айвазовский и там снискал себе огромную популярность и славу. Так к примеру, за полотно «Хаос. Сотворение мира», основанное на библейском сюжете, Папа Римский Григорий XVI наградил художника золотой медалью. И находясь под впечатлением, захотел приобрести его. Иван Константинович денег не взял, а картину все же подарил высокопоставленному сановнику.
И сразу же всем захотелось заполучить работу того же художника, чье полотно стало украшением стен Ватикана. Николай Гоголь напишет по этому поводу Айвазовскому в переписке: “Твой «Хаос» поднял хаос в Ватикане”. И действительно полотна художника расходились как горячие пирожки, невзирая на замечания некоторых критиков. А критиковали в основном за штампы в композиции и колорите.
Но Айвазовский стремительно развивался, так как работал он много и очень быстро. Как известно на написание одного полотна он тратил не более десяти дней. Поэтому и наследие его так огромно - шесть тысяч холстов. Такая производительность кажется невероятной. Но внимательно присмотревшись к его шедеврам, понимаем, к какой хитрости прибегал маститый живописец в своей работе.
При детальном просмотре нескольких картин одновременно можно заметить, что все они имеют много общего. Во-первых, каждую работу художник писал от центра полотна, где изображал предмет, игравший ключевую роль. Как правило, это был гребень волны, корабль или плот, которые прописывал до мельчайших подробностей, а вот все остальное - легко и почти схематично, используя импрессионистическую манеру.
Доведя картину до полуготовности, мастер добавлял четкие и яркие штрихи и детали. Пену на волнах и на поверхности воды, блики света, детали кораблей он прорабатывал скрупулезно и реалистично. И благодаря этому приему зритель воспринимает картины Айвазовского так, как наш "глаз видит действительность, — в общем, но отмечая мелкие интересные нам детали".
И что интересно, работая в такой манере, практически невозможно создать портрет и, по-видимому, потому Айвазовский практически не писал людей. Даже на знаменитом потрете «Прощание Пушкина с морем» поэта написал всем известный Илья Репин.
Впрочем, потом Айвазовский не раз писал потрет Пушкина самостоятельно, и как правило на берегу моря. Есть у художника автопортрет, написанный в 1874 году. Но это всего лишь исключительные случаи.
У многих из нас гений русской марины ассоциируется лишь с морским пейзажем. Однако не многим известно, что писал он и удивительно волшебные зимние пейзажи. Картины на эту тематику представляют большую редкость, так как их совсем мало.
Созерцая зимние пейзажи Айвазовского, сложно не согласиться с тем, что к холсту приложил руку настоящий мастер, знающий до мельчайших подробностей все нюансы природных явлений.
И будучи уже достаточно богатым и знаменитым, на пике славы и признания, мастер продолжал работать самоотверженно и с большим упорством и вдохновением. Он всегда был уверен в том, "что лучшая его картина — та, над которой он работает прямо сейчас".
А еще на закате своей жизни Айвазовский занимался благотворительностью в своем родном городе - Феодосии. Железнодорожная ветка протянутая в город, через половину Крыма; водопровод - с такой ценной для города питьевой водой; художественная галерея - все это дело рук Ивана Константиновича. И жители Феодосии с трепетом и любовью до сих пор чтят и ценят, все созданное великим гением, их знаменитым земляком.
В наше время работы Айвазовского высоко ценятся и по всему миру. Они с большим успехом продаются на арт-торгах. Так в 2012 году на аукционе Sotheby’s полотно «Вид Константинополя и Босфора» было продано за 3,2 млн фунтов стерлингов.
Иван Айвазовский оставил после себя не только громаднейшее художественное наследие, а и потомков, которые пошли по стопам своего гениального деда. Это , ставшие весьма известными маринистами...
|
Малоизвестные факты из жизни гениального мариниста Ивана Айвазовского |
Морской пейзаж Айвазовского - это огромная сила водной стихии, гениально переданная на сухом холсте. Рассматривая пейзажи мариниста, иногда замирает сердце от доносящихся звуков рокочущего моря и сверкающего от молний неба, а иногда оно млеет от нежного шептания волн, накатывающих на берег. Воистину дар живописца, полученный от Бога.
Вокруг Айвазовского всегда ходило множество слухов и домыслов, которые распространяли его завистники. Поговаривали, что для создания своих гениальных полотен живописец использует необычные краски, а на их экспозициях в галереях устанавливает за холстом лампу, дабы создать иллюзию свечения воды и неба.
Однако эти слухи не имели под собой никаких оснований. А Айвазовскому нередко приходилось работать на публике, чтобы развеять все ее сомнения. При этом приводя окружающих в полное изумление, своей скоростью и четкостью в работе. Все помнят славноизвестную историю, когда маститый художник на глазах изумленных студентов написал за пару часов картину, довольно внушительных размеров.
Удивлять людей Ивану приходилось еще с самого детства, когда вначале самостоятельно освоил игру на скрипке, а затем когда в нем раскрылся удивительный дар к рисованию.
Талантливому самородку из бедной армянской семьи покровительствовали многие меценаты. Но особую роль в его судьбе сыграл градоначальник города Феодосии Александр Иванович Казначеев. Это с его легкой руки Айвазовский оказался в Петербургской Академии художеств на обучении за казенный счет. Там Иван сразу же был замечен и стал любимым учеником.
Признание публики не заставило долго ждать. И молва об уникальном таланте феодосийского парня-самородка докатилась до самого императора Николая I. Он то и порекомендовал его в ученики французскому живописцу-маринисту Филиппу Таннеру. Филипп, будучи человеком честолюбивым и завистливым, сразу же увидел в Айвазовском конкурента и всеми средствами пытался задвинуть молодого художника.
Одна только мысль, что ученик однажды превзойдет своего учителя, приводила его в ужас. И поэтому Таннер категорически запретил писать Ивану свои работы и отправлять на какие-либо выставки. Молодому таланту некоторое время пришлось усердно смешивать краски и быть посыльным у своего завистливого французского учителя.
Но вскоре Филиппа Таннера ожидал неприятный сюрприз. В 1836 году на экспозиции в Академии художеств Айвазовский выставил пять своих неподражаемых полотен, что вызвало бурю восторгов публики и критиков, а также грандиозный скандал, который устроил француз. Жалоба дошла до самого императора, и тот был вынужден запретить на пол года Айвазовскому писать картины.
Эта скандальная история и сыграла роль черного пиара для начинающего художника. Слава запрещенного живописца так разогрела интерес не только обычной публики и критиков, но и влиятельных людей России.
Работы Айвазовского стали высоко оценивать в Академия художеств - золотые медали следовали одна за другой. А потом и вовсе было решено выпустить тантливого художника из стен академии на два года ранее и отправить в Крым с заданием написать несколько пейзажей. С чем Иван Константинович конечно же блестяще справился. Затем последовала пенсионерская поездка по странам Европы за счет Академии.
Живя и работая за границей, Айвазовский и там снискал себе огромную популярность и славу. Так к примеру, за полотно «Хаос. Сотворение мира», основанное на библейском сюжете, Папа Римский Григорий XVI наградил художника золотой медалью. И находясь под впечатлением, захотел приобрести его. Иван Константинович денег не взял, а картину все же подарил высокопоставленному сановнику.
И сразу же всем захотелось заполучить работу того же художника, чье полотно стало украшением стен Ватикана. Николай Гоголь напишет по этому поводу Айвазовскому в переписке: “Твой «Хаос» поднял хаос в Ватикане”. И действительно полотна художника расходились как горячие пирожки, невзирая на замечания некоторых критиков. А критиковали в основном за штампы в композиции и колорите.
Но Айвазовский стремительно развивался, так как работал он много и очень быстро. Как известно на написание одного полотна он тратил не более десяти дней. Поэтому и наследие его так огромно - шесть тысяч холстов. Такая производительность кажется невероятной. Но внимательно присмотревшись к его шедеврам, понимаем, к какой хитрости прибегал маститый живописец в своей работе.
При детальном просмотре нескольких картин одновременно можно заметить, что все они имеют много общего. Во-первых, каждую работу художник писал от центра полотна, где изображал предмет, игравший ключевую роль. Как правило, это был гребень волны, корабль или плот, которые прописывал до мельчайших подробностей, а вот все остальное - легко и почти схематично, используя импрессионистическую манеру.
Доведя картину до полуготовности, мастер добавлял четкие и яркие штрихи и детали. Пену на волнах и на поверхности воды, блики света, детали кораблей он прорабатывал скрупулезно и реалистично. И благодаря этому приему зритель воспринимает картины Айвазовского так, как наш "глаз видит действительность, — в общем, но отмечая мелкие интересные нам детали".
И что интересно, работая в такой манере, практически невозможно создать портрет и, по-видимому, потому Айвазовский практически не писал людей. Даже на знаменитом потрете «Прощание Пушкина с морем» поэта написал всем известный Илья Репин.
Впрочем, потом Айвазовский не раз писал потрет Пушкина самостоятельно, и как правило на берегу моря. Есть у художника автопортрет, написанный в 1874 году. Но это всего лишь исключительные случаи.
У многих из нас гений русской марины ассоциируется лишь с морским пейзажем. Однако не многим известно, что писал он и удивительно волшебные зимние пейзажи. Картины на эту тематику представляют большую редкость, так как их совсем мало.
Созерцая зимние пейзажи Айвазовского, сложно не согласиться с тем, что к холсту приложил руку настоящий мастер, знающий до мельчайших подробностей все нюансы природных явлений.
И будучи уже достаточно богатым и знаменитым, на пике славы и признания, мастер продолжал работать самоотверженно и с большим упорством и вдохновением. Он всегда был уверен в том, "что лучшая его картина — та, над которой он работает прямо сейчас".
А еще на закате своей жизни Айвазовский занимался благотворительностью в своем родном городе - Феодосии. Железнодорожная ветка протянутая в город, через половину Крыма; водопровод - с такой ценной для города питьевой водой; художественная галерея - все это дело рук Ивана Константиновича. И жители Феодосии с трепетом и любовью до сих пор чтят и ценят, все созданное великим гением, их знаменитым земляком.
В наше время работы Айвазовского высоко ценятся и по всему миру. Они с большим успехом продаются на арт-торгах. Так в 2012 году на аукционе Sotheby’s полотно «Вид Константинополя и Босфора» было продано за 3,2 млн фунтов стерлингов.
Иван Айвазовский оставил после себя не только громаднейшее художественное наследие, а и потомков, которые пошли по стопам своего гениального деда. Это , ставшие весьма известными маринистами...
|
|
Марк Матвеевич Антокольский |
Васнецов. ПОРТРЕТ МАРКА МАТВЕЕВИЧА АНТОКОЛЬСКОГО. 1884.
Выдающийся скульптор М.М. Антокольский (настоящее имя – Мордух Матысович) родился 21 октября (2 ноября) 1843 года в Вильно (Вильнюс) в бедной еврейской семье. Его фамилия происходит от названия пригорода Антоколь (Antakalnis, ныне один из районов города). Марк был младшим, седьмым ребенком в семье. Его родители содержали в Вильне небольшой трактир, но были людьми небогатыми и очень религиозными.
|
Две жены с Разъезжей улицы |
У писателя Куприна было две жены. Первую он любил почти безответно, а со второй случилось то, о чём можно только мечтать
Фаталист Куприн случай не отрицал никогда. В тот ноябрьский вечер 1901 года Бунин повёл своего провинциального друга Сашу Куприна в редакцию журнала «Мир Божий», которая располагалась на Разъезжей, в доме 7.
Куприн шёл уверенно, он успел уже поработать репортером, землемером, псаломщиком, актёром, кузнецом, столяром, разводил «махорку-серебрянку» на Волыни и пытался постричься в монахи. Всё было в его жизни. А людей научился узнавать по запаху, принюхиваясь к ним. Многие, в особенности дамы, обижались. Да, «потянет носом, - вспоминала Тэффи, - и конец - знает, что это за человек... Помню, как-то в обществе показала я ему красивую даму. "Что скажете, правда, хороша?" Он ответил отчётливо и громко: "Дура собачья. У неё от морды редькой пахнет"». Юнкера у Куприна пахли сургучом и мышатиной, девушки - арбузами и почками тополиными. Но Куприн не знал, чем пахнет «потеря» сердца - страсть раскалённая...
На Разъезжей, где была и редакция, и квартира издательницы, друзья узнали, что хозяйка журнала Александра Аркадьевна Давыдова больна и примет их её приёмная дочь Муся, курсистка-бестужевка, черноглазая, остроумная Мария Карловна. «Муся была подкидыш, - вспоминала Тыркова-Вильямс. - Её младенцем принесли к дверям Давыдовых... Очень хорошенькая... Её портил смех, недобрый, немолодой. Точно она говорила: "Какие вы все дураки, и до чего вы мне надоели..."
Росла среди знаменитостей (в квартире бывали Тургенев, Чехов, Всеволод Гаршин, молодой Горький), и Куприн, в провинциальном полосатом костюме своём, увидев её, едва не спрятался за спину друга. «Разрешите представить вам жениха. Талантливый беллетрист, недурён собой, - балагурил, раздеваясь в прихожей, Бунин. - Александр Иванович, - обратился он к другу, - повернись-ка к свету!.. Ну... Как вам?...» - «Нам ничего, - смеясь, подхватила шутку Маша. - Мы что. Как маменька прикажут...» Но на другой день (не странно ли?) обоих принимали уже иначе: стол с крахмальными салфетками, хрусталь, дорогие вина. А горничным помогала прислуживать хрупкая девушка, которую звали просто Лизой и к которой относились как «к нелюбимой сироте». Эх, эх, Куприн, уже влюблённый в Машу по уши, не увидел её и уж, конечно, не знал, что через шесть лет после женитьбы на Маше, его второй женой станет как раз она - Лиза Гейнрих, сестра жены Мамина-Сибиряка, отданная Давыдовым на воспитание.
Маша, конечно, была ярче, Лиза скромней, та светски-лукава, эта - простодушна. Маша знала, как глядеться доброй, Лиза же была - сама доброта. Это ведь Лиза через 37 лет, в Ленинграде у могилы Куприна, заставленной венками из белых цветов, когда они у насыпанного холмика останутся вдвоем с Машей, выдохнет одну фразу всего: «Маша, из меня вынули жизнь...» Это будет ещё. А пока Куприн стреножен Машей. И когда его друг на охоте, любуясь рассветом, напомнит, что «миром движет красота!», Куприн крикнет: «О, нет! Миром движет любовь!..»
Словом, через три месяца - небывалый тогда срок - Маша станет его женой. Ариадне Тырковой, правда, признается: «Знаете, маме хочется, чтобы я вышла за Куприна». - «А вам-то самой хочется? - спросит та и добавит: - Не выходите зря. Не надо. Он в вас по-настоящему влюблён». - Маша в ответ рассмеётся: - «Знаете, что мама сказала? Выходи. У нас будет ребёночек. А потом, если Куприн надоест, можно его сплавить, а ребёночек останется». Так и случится.
Нет, Маша любила его, но, если уж задаваться вопросом, что есть её любовь, то не ошибёмся, сказав: любила как будущего великого писателя. Из Крыма он привезёт ей шесть глав «Поединка», повести, где поединком был его личный поединок с царской армией. Но непредставимо, что, когда «Поединок» станет буксовать, Маша, его любовь, покажет ему на дверь: «"Поединок"! А до той поры я для тебя не жена!..»
И Куприн, покорно снимет комнатку и - фантастика! - написав главу, будет спешить с ней на Разъезжую, где, просунув рукопись сквозь прикрытую на цепочку дверь, будет ждать, чтобы его впустили. Визит к законной жене, но - как «гонорар» за написанное. Бедный, бедный писатель! Однажды, когда он, чтобы увидеть Машу, подсунул уже читанную ей раньше главу, дверь для него не откроется вовсе. И он, сорви-голова, сядет на грязные ступени лестницы и горько, по-детски заплачет...
Впрочем, столетие, миновавшее с тех пор, позволяет сказать - он и сам не был идеальным мужем. Это ведь про него ходили стишки, пущенные из «Вены» - писательского ресторанчика на углу Гороховой и Морской: «Если истина в вине, сколько истин в Куприне!..» Это ведь он в ту же «Вену» пригласил весь мужской хор Александро-Невской лавры, включая знаменитых басов Здобнова и Ермилова, чтобы пели лично ему - Куприну! Как было жить с таким? То он три дня пропадает у цыган и его вытаскивает оттуда Вересаев: «На вас смотрит вся читающая Россия, а вы?..» А скоро, приревновав Машу, когда она вернулась из театра уж чересчур поздно, чиркнет спичкой и подожжёт на ней чёрное газовое платье. Такая вот шутка!
Будет уезжать к любимому Чёрному морю, чтобы работать по-настоящему, но Маша станет верить ему всё меньше и меньше. Впрочем, однажды он действительно привезёт из Крыма несколько написанных глав будущего «Поединка». Но читая вслух жене, обидится на её замечание, и станет рвать рукопись на куски. Только через три месяца, извиняясь, скажет ей, что в той рукописи «было кое-что недурно», и что жаль, что он её порвал. Маша усмехнется, молча шагнет к бюро и протянет ему склеенные ею страницы... «Машенька! Это же чудо! - кинется он целовать её. - Неужели?..»
«Разойтись с ним было трудно», - признается Маша и добавит: это было ожесточение мучительной страсти. Он в 1929-м, помудрев, подобьёт итоги: «В этой стихии всегда властвует не тот, который любит больше, а тот который любит меньше: странный и злой парадокс!..»
Он любил Машу больше, чем она его. А его больше, чем себя, любила Лиза. Та Лиза Гейнрих, которую он тоже встретил на Разъезжей. В тот день ему открыла дверь стройная девушка в форме сестры милосердия. «На фронт едет, на войну с Японией, - сказал ему Мамин-Сибиряк. - «Достанется же кому-то такое счастье», - ахнул Куприн. Потом до него будут доходить слухи, что Лиза добралась до Мукдена, работала в полевом госпитале и даже награждена медалями. Но ошеломило писателя другое: то, что Лиза едва не покончила с собой. Знаете, из-за чего? Из-за того, что человек, которого она встретила на фронте, врач, с которым даже, кажется, обручилась, на её глазах избил до полусмерти рядового. Вот чего не стерпела её душа. Как он понял тогда её! Ну, как им, таким одинаковым, было не сойтись?..
Лиза, вернувшись с фронта, Куприных в городе не застала. Но, забежав на Разъезжую, увидев, что дочь их, Лида, оставленная на няньку, лежит в дифтерите, уже не отошла от кровати, осталась спасать. Муся, «обрадовавшись привязанности дочери к Лизе», предложила ей поехать с ними в Даниловское, в имение друга Куприна - Батюшкова. Вот там, в Даниловском, в парке, у пруда, в грозу писатель и объяснился. «Я, - прошептал он Лизе под грохот грома, - больше всего на свете, больше себя, семьи, своих писаний люблю Вас...»
- Что вы, что вы говорите!.. - прошептала в ответ Лиза и, не дослушав, убежала.
А рано утром, никому не сказав, тихо собралась и уехала. В тайне даже от близких Лиза устроится в госпиталь на окраине Петербурга, в отделение заразных больных, куда посторонних не пускали. И там, лишь через полгода, с трудом, по просьбе Куприна, её отыщет Батюшков. Он приготовил для неё одно только слово: «Спасайте!..» Спасать писателя надо было от пьянства, от сброда, который его окружал, от скандалов в семье и издателей, которые пользовались его состоянием.
Через несколько дней, 19 марта 1907 года, Лиза и Куприн выехали за границу. Она везла его в Гельсингфорс лечиться - это было единственным её условием. Нет, Куприн не стал другим, но Лиза с ним улыбалась. Улыбалась, когда он разыгрывал юную няню их дочери, предлагая ей в женихи Шаляпина, а дура-девица, набычившись, твердила упорно, что дядька бритый, а она-де хочет «с усами»...
Улыбалась, когда в казино, в Монте-Карло, выиграв несколько пригоршней золотых, он, прячась за портьерой, бросал на аллею парка, монеты и наблюдал, как богатые обитатели гостиницы воровато поднимают их, «скаля клыки»... И не просто улыбалась - хохотала, узнав, как дурачил он солидных людей, устраивая «астрально-спиритический сеанс», и как приятель его, изображавший явления духов, когда критик Аким Волынский, пожелал говорить с самим Лессингом, беспомощно твердил за «явившегося» Лессинга, одно известное ему по-немецки слово «унзер»...
И уж, конечно, она не могла не улыбаться, видя, как он, сочиняя «Суламифь», выскакивал на двор и горстями глотал снег. «Суламифь» - сплошное объяснение в любви: «Верь мне, - писал в рассказе Куприн. - Тысячи раз может любить человек, но только один раз любит. Тьмы людей думают, что любят, но только двум из них посылает Бог любовь»... Он молодел с ней. Давно ли, живя с Машей, он, «король слова», вывел на столешнице своей, где расписывались именитые гости, броский афоризм: «Мужчина в браке подобен мухе, севшей на липкую бумагу; и сладко, и скучно, и улететь нельзя». Теперь же, в Одессе, он натурально летает.
...Когда после долгого перерыва зазвонили колокола, Куприн достал самодельный пиратский флаг и вывесил его в саду. Был аполитичен, хотя Горький хотел сделать из него «глашатая революции», и шутовской флаг вешал не для издевки над красными или белыми, а чтобы дать знак друзьям-соседям, что ждёт их, как всегда, на партию в преферанс. Это было в Гатчине, где Куприн купил «зелёный домик» специально в честь жены - на Елизаветинской улице.
Его потом красные и арестуют, увезут из Гатчины на три дня, а ошалевшей от страха Лизе какой-то шутник на её звонок в трибунал рявкнет в трубку: «Куприн?! Расстрелян к чёртовой матери...» Не шутка другое - когда в Гатчину вступил Юденич, Куприну сказали, что у красных он был одним из первых «в числе кандидатов в заложники и для показательных расстрелов». В те дни он достал из-под ванной пистолет системы Мервинга и купил в лавке старьевщика поручичьи, без золота, погоны. Он добровольно надел их, чтобы сделать всего за сутки газету армии Юденича. Сделал, разумеется. А потом навсегда ушёл из «зелёного домика» с белыми, не заперев, оставив открытой дверь своего дома...
«Видели ли вы, как лошадь подымают на пароход, на конце парового крана? Лишённая земли, она плывет в воздухе, бессильная, сразу потерявшая всю красоту, со сведёнными ногами, с опущенной тонкой головой... Это - я...»
Можно долго рассказывать о жизни Куприна в Париже, а можно перечесть эти слова про лошадь, повисшую над землей, и всё понять. «Дела мои - бамбук», - писал другу из Парижа. В другом письме сообщил: «Денег у меня - ни кляпа» и добавил - «Вино здесь пахнет мокрой собакой». Про Лизу написал, что ей приходится «столько бегать, хлопотать и разрываться на части, что не хватило бы и лошадиной силы». Переговоры, долги, кухня, штопка чулок, заклады и выкупы, поиски квартир, лекарств, попытка открыть переплетную мастерскую, потом, после разорения, - книжного магазина, тоже лопнувшего... Нет, она не тащила - прикрывала окружающих, словно крыльями, защищала, ограждала их.
Да, дочь Куприна (Ксения, Киса) стала манекенщицей, научилась «делать лицо», потом «вышла» в актрисы. «Дъявол в сердце», «Тайна желтой комнаты», «Духи дамы в чёрном», - так назывались её фильмы. За ней заезжали весёлые люди на дорогих машинах, а дома отключали газ и электричество за неуплату. Киса стала знаменитой, но однажды, ожидая авто с очередным любовником своим, увидела беспомощного, худенького, почти слепого отца, который, обращаясь в пустоту, просил помочь ему перейти дорогу. Папа плохо видел. И кроме того, был подшофе. Ей было неловко подойти к нему...
А Елизавета Морицевна, перестав улыбаться, перестала и плакать. А поводы для слёз были. Ещё в Париже Куприн стал внезапно забывать слова: «Недавно забыл слово «лебедь» в басне Крылова, - жаловался ей. - А ведь лебедь не вздор, а чудесная птица». Не плакала, когда у него нашли рак, когда везла его в СССР, а он уже не понимал, куда они едут. Не улыбнулась ни разу, когда в Москве на Белорусском под фотовспышки к нему кинулся Фадеев, еще недавно кричавший про Куприна, что он «не наш».
«Дорогой Александр Иванович! - прямо на перроне начал митинг Фадеев. - Поздравляю вас с возвращением на родину!» Куприн, пишут, глянул на него и с каменным лицом отчётливо произнёс: «А вы кто такой?..» Так и осталось неясным: Куприн и впрямь не узнал Фадеева или издевался над соловьем режима? Кстати, Фадеев, может, единственный из встречавших Куприна на вокзале знал предысторию возвращения писателя на родину. Знал, что посол СССР во Франции чуть ли не за год до отъезда Куприна был у Сталина и доложил ему: Куприн «едва ли способен написать что-нибудь (они этого больше всего и боялись!), но с точки зрения политической возвращение его представляет для нас кое-какой интерес». Сталин кивнул: «Куприна впустить на родину можно».
Вождь знал, конечно, что Куприн в статьях называл Россию «вонючей ночлежкой, где играют на человеческую жизнь мечеными картами - убийцы, воры и сутенеры». Знал, что революцию писатель окрестил «омерзительной кровавой кашей, мраком, насилием, стыдом». Но вождь знал и подлую натуру человеческую...
«С чувством огромной радости я вернулся на родину»... «Я готов был идти в Москву по шпалам»... «Это чудо, что я снова в своей, ставшей сказочной, стране»... Такими признаниями Куприна запестрели советские газеты. И всё, до запятой, было придумано журналистским сбродом. Так что спектакль по имени «Возвращение» удался на славу!
На родине Куприн, уже слепой совсем, узнал только Мусю, первую жену. Теперь она была «товарищем Иорданской». Её новый муж, когда-то сотрудник журнала «Мир Божий», стал видным большевиком, бывал в Кремле, назначался послом СССР в Италии. Её Куприн не увидел - услышал. «Кто это?» - спросил Куприн, сидевший в глубине комнаты. «Это Муся пришла». «Это я, Сашенька», - кинулась к нему Муся... «Маша? - спросил Куприн изменившимся голосом. - Подойди ближе. Ты где-то далеко, я тебя не вижу»...
Умирал Куприн на руках у Лизы в Ленинграде. «Сашеньке плохо, - телеграфировала Лиза в Москву Иорданской. - Немедленно выезжай!..» Когда-то в молодости фаталист Куприн сказал, что, умирая, хотел бы, чтобы любящая рука держала его руку до самого конца. Лиза и держала, пока рука не превратилась в лёд. «Не оставляй меня, - шептал он в полузабытьи. - Люблю смотреть на тебя... Мне страшно...» Это были последние слова его...
Говорят, когда умирает один из лебедей, второй, поднимается высоко-высоко в небо и, сложив крылья, камнем устремляется к земле, чтобы разбиться. В Ленинграде зимой 1942 года эта земля из окна остывшего дома, с подоконника которого Лиза бросится вниз, была для неё как никогда ослепительна от нетронутого жизнью блокадного снега. Почти также же ослепительна, как белые цветы на могиле писателя.
Автор: Вячеслав Недошивин
|
18 интересных фактов о реставрации в Ватикане, которые вы наверняка не знали |
Вот 18 любопытных фактов о том, как в Ватикане ухаживают за произведениями искусства.
1. Команда реставраторов очищает фрески Сикстинской капеллы каждый год в течение месяца. Однако тысячи туристов, ежедневно посещающие зал, не видят этих специалистов. Дело в том, что эксперты приходят в капеллу в 17:30 — после того, как её покидают все визитёры — и работают до полуночи.
2. Строительные леса необходимо каждую ночь возводить, а затем разбирать. Они не могут опираться на стены, иначе есть риск повредить фрески.
Микеланджело Буонарроти, фрагмент росписи Сикстинской капеллы. Эритрейская сивилла
3. Специалисты простукивают стены, чтобы убедиться, что штукатурка не отделяется от кладки. Они также проверяют, не отслаивается ли красочный слой.
4. Одна из самых больших проблем Сикстинской капеллы — влага и соль с человеческих тел, оседающие на росписях
XV—XVI веков. Каждый из 25-ти тысяч дневных посетителей нагревает помещение как лампочка мощностью в 80 ватт.
5. Солевой слой удаляют с помощью дистиллированной воды и тонкой японской бумаги. На поверхность картин кистью наносят тонкую плёнку воды, которая впитывает соль. Затем раствор промакивают бумагой.
Страшный суд, общий вид. Микеланджело Буонарроти
6. Для измерения температуры, циркуляции воздуха и количества посетителей в Сикстинской капелле размещены 30 скрытых датчиков. Температура в зале должна оставаться между 22-мя и 24-мя градусами Цельсия, а влажность — от 55-ти до 60-ти процентов.
7. На протяжении веков считалось, что Микеланджело использовал тёмные,приглушенные тона. Однако во время реставрации, начавшейся в 1990 году,выяснилось, что это лишь скопление копоти и грязи. На самом деле художник расписал стены яркими зелёными, пурпурными и красными красками.
8. На некоторых картинах можно заметить маленькие чёрные метки — квадраты и треугольники. Это так называемые «свидетели», намеренно оставленные для того, чтобы будущие реставраторы видели, насколько тёмными были изображения.
Микеланджело Буонарроти,фрагмент росписи Сикстинской капеллы. Страшный суд, второе кольцо персонажей (левая сторона)
9. Чтобы убедиться, что цвета не теряют яркости, фрески снимают с помощью многоволновой камеры, а затем проводят компьютерный анализ изображений с точностью до пикселя. Процедура повторяется каждые полгода и позволяет специалистам обнаружить любые изменения ещё до того, как они будут видны человеческому глазу.
Бельведерский дворец в Ватикане. Фото: subratachak
|
Борис Пастернак и Марина Цветаева: Эпистолярный роман без счастливого конца |
Отношения Марины Цветаевой и Бориса Пастернака – это одна из самых трагичных страниц русской поэзии. А переписка двух великих поэтов – это намного больше, чем письма двух увлеченных друг другом людей. В юности их судьбы шли как будто параллельно, и во время редких пересечений не трогали молодых поэтов.
Марина Цветаева.
У них было много общего. И Марина, и Борис были москвичами и почти одногодками. Их отцы были профессорами, а матери – талантливыми пианистками, причем, обе – ученицами Антона Рубинштейна. И Цветаева, и Пастернак вспоминаЛИ первые случайные встречи как нечто мимолетное и не значительное. Первый шаг к общению сделал Пастернак в 1922 году, который, прочитав «Версты» Цветаевой, пришел в восторг.
Он написал ей об этом в Прагу, где она в тот момент жила с мужем, Сергеем Эфроном, бежавшим от революции и красного террора. Цветаева, которая всегда чувствовала себя одинокой, почувствовала родственную душу и ответила. Так началось содружество и настоящая любовь двух великих людей. Длилась их переписка до 1935 года, и за все эти годы они ни разу не встретились. Хотя, судьба, как будто дразня, несколько раз почти дарила им встречу – но в последний момент передумывала.
Борис Пастернак
И их эпистолярный роман то сходил на нет, то вспыхивал с новой страстной силой. Борис Пастернак был женат, Марина была замужем. Известно, что Цветаева хотела назвать в честь Пастернака своего сына, который родился в 1925 году. Но она, как сама писала, не посмела ввести свою любовь семью; мальчик был назван Георгием по желанию Сергея Эфрона, мужа Марины. Супруга Пастернака, Евгения Владимировна, безусловно, ревновала мужа к Цветаевой. Но обеих женщин ждало событие, которое примирило их в этой щепетильной ситуации: в 1930 году Пастернак ушел от жены к красавице Зинаиде Нейгауз.
«Наши жизни похожи, я тоже люблю тех, с кем живу, но это доля. Ты же воля моя, та, пушкинская, взамен счастья».
Из письма Цветаевой Б.Пастернаку.
Уязвленная Марина тогда говорила одной из своих приятельниц, что, если бы им с Пастернаком удалось встретиться, то у Зинаиды Николаевны не было бы шансов. Но, скорее всего, это была лишь ее иллюзия. Борис Леонидович очень ценил комфорт, и новая супруга была не только очень красивой, но и домовитой, она окружила мужа заботой, делала все для того, чтобы ничто не мешало ему творить. Своим огромным успехом в те годы Борис во многом обязан жене.
Марина Цветаева с дочерью Ариадной.
Марина же, как многие талантливые люди, была неприспособленной к быту, она маялась от неустройства и никак не могла выкарабкаться из бедности, которая преследовала ее все годы нахождения в иммиграции. В 1930-е годы по воспоминаниям Цветаевой, ее семья жила за гранью нищеты, так как супруг поэтессы не мог работать по причине болезни, и Марине со старшей дочерью Ариадной приходилось тащить быт на своих плечах. Поэтесса зарабатывала на жизнь своими творениями и переводами, а дочь шила шляпки.
«Успокойся, моя безмерно любимая, я тебя люблю совершенно безумно... Сегодня ты в таком испуге, что обидела меня. О, брось, ты ничем, ничем меня не обижала. Ты не обидела бы, а уничтожила меня только в одном случае. Если бы когда-нибудь ты перестала быть мне тем высоким захватывающим другом, какой мне дан в тебе судьбой»
Из письма Б.Пастернака Цветаевой.
Все это время Цветаева отчаянно мечтала встретиться со своим «братом в пятом времени года, шестом чувстве и четвертом измерении». Пестернак же в это время жил в достатке и даже богатстве, он был обласкан властью и купался во всеобщем почитании и обожании. В его жизни уже не было места для Марины, он был страстно увлечен новой супругой и семьей, и при этом, не забывал поддерживать оставленную первую жену и их сына. И все же, свидание Марины Цветаевой и Бориса Пастернака состоялось.
Письма, письма, письма..
В июне 1935 года в Париже, на Международном антифашистском конгрессе писателей в защиту культуры, на который Пастернак прибыл как член советской делегации литераторов. Зал рукоплескал ему стоя, а Цветаева скромно присутствовала там как рядовой зритель. Однако, эта встреча стала, по словам Марины, «невстречей». Когда два этих талантливейших человека оказались рядом, им обоим вдруг стало понятно, что говорить не о чем. Несвоевременность всегда драматична. Эта встреча Цветаевой и Пастернака была именно несвоевременной – состоявшейся не в свое время, и, по сути, никому из них уже не нужной.
«... В течении нескольких лет меня держало в постоянной счастливой приподнятости всё , что писала тогда твоя мама, звонкий, восхищающий резонанс её рвущегося вперёд, безоглядочного одухотворения. Я для Вас писал «Девятьсот пятый год» и для мамы - «Лейтенанта Шмидта» Больше в жизни это уже никогда не повторялось...».
Из письма Б.Пастернака Ариадне Эфрон.
Как бы сложились их судьбы, если бы свидание случилось раньше? Нам не дано этого знать. История не терпит сослагательных наклонений. Жизнь Цветаевой в итоге зашла в тупик, из которого она решила выйти через петлю, покончив жизнь самоубийством в августе 1941 года. Затем настало время, когда и баловень судьбы Пастернак попал к ней в немилость. В конце своей жизни он познал все те тяготы, которые сломали Марину – опалу, гонения от властей, травлю коллег, потерю друзей. Он умер в 1960 году от рака легких. Однако, два этих великих человека оставили после себя уникальное поэтические наследие, а еще – письма, наполненные любовью, жизнью и надеждой.
Знаю, умру на заре! На которой из двух,
Вместе с которой из двух - не решить по заказу!
Ах, если б можно, чтоб дважды мой факел потух!
Чтоб на вечерней заре и на утренней сразу!
Плящущим шагом прошла по земле! - Неба дочь!
С полным передником роз! - Ни ростка не наруша!
Знаю, умру на заре! - Ястребиную ночь
Бог не пошлёт на мою лебединую душу!
Нежной рукой отведя нецелованный крест,
В щедрое небо рванусь за последним приветом.
Прорезь зари - и ответной улыбки прорез...
- Я и в предсмертной икоте останусь поэтом!
М.Цветаева
|
Поцелуй в истории искусства |
Страстные и мифологические, растиражированные и непристойные, однополые и даже патриотические — смотрите нашу подборку самых известных (и не очень) арт-поцелуев ко Дню всех влюбленных
«Любовники» Рене Магритта
Рене Магритт. «Любовники». 1928. Фото: The Museum of Modern Art (MOMA), New York
Рене Магритт ненавидел, когда искусствоведы трактовали его работы. Так и одна из самых загадочных его картин — «Любовники» 1928 года — осталась без авторских комментариев, а у зрителей и ученых появился простор для интерпретаций. Последние трактуют образы в мрачном свете: они видят в картине отсылку к подростковым страданиям художника, связанным с самоубийством матери (когда ее тело достали из реки, голова утопленницы была обмотана подолом ночной сорочки). А любители искусства видят в ней более очевидный смысл. По их версии, влюбленные со скрытыми лицами говорят о том, что любовь слепа, они не видят ничего вокруг: ни истинных лиц своих любовников, ни себя. Не видим лиц ослепленных любовью героев и мы, зрители.
«Леда, ласкаемая лебедем» Микеланджело
Микеланджело. «Леда, ласкаемая лебедем, с Кастором и Поллуксом». 1529–1530. Рисунок к несохранившейся картине. Фото: Le Gallerie degli Uffizi, Firenze
«Леда и лебедь» — мифологический сюжет, изображающий супругу спартанского царя Тиндарея Леду в процессе совокупления с принявшим обличье лебедя Зевсом. Считалось, что от Зевса у Леды было две дочери, Клитемнестра и Елена, из-за которой, как известно, началась Троянская война. В силу своего эротического содержания этот сюжет пользовался особенной популярностью в искусстве Чинквеченто — в начале XVI века Леду и лебедя изобразили три великих мастера Высокого Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Антонио да Корреджо (до наших дней сохранилась только «Леда» Корреджо).
Изначально «Леда» Микеланджело предназначалась для герцога Феррарского, но затем мастер подарил ее своему ученику Антонио Мини, который увез работу во Францию и продал королю Франциску. Картина хранилась в замке Фонтенбло, но в середине XVII века была уничтожена за чрезмерную сладострастность. От несохранившегося оригинала остались копии в лондонской Национальной галерее и рисунки в Уффици и Доме Буонарроти.
«Геркулес и Омфала» Франсуа Буше
Франсуа Буше. «Геркулес и Омфала». 1732–1734. Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Как говорится на сайте ГМИИ им. А.С.Пушкина, в московский музей картина попала из Государственного Эрмитажа в 1930 году, куда, в свою очередь, поступила из собрания князей Юсуповых. Полотно относится к периоду, когда Буше закончил обучение у художника Лемуана, испытавшего сильное влияние Рубенса. Сюжет повествует о пребывании античного героя Геркулеса в плену у лидийской царицы Омфалы, которая должна была по воле богов унижать его, наряжая в женское платье и заставляя прясть вместе со своими служанками. Сама же она ходила в шкуре льва, снятой с Геркулеса, и носила его палицу. Изображая 13-й подвиг, любовную победу Геркулеса над царицей, художник в этой сцене ярко передал порыв страсти своих героев. Увидеть темпераментную картину можно в зале № 22 главного здания ГМИИ.
«Поцелуй» Константина Бранкузи
Константин Бранкузи. «Поцелуй». 1908. Фото: Centre Pompidou, MNAM-CCI /Dist. RMN-GP / Adagp, Paris
Сотрудничество двух великих скульпторов, Константина Бранкузи и Огюста Родена, длилось около месяца, после чего румын, уже вполне освоивший уроки своего кумира, решил идти собственным путем. Крылатой стала его фраза: «Ничего не вырастет толком в тени большого дерева». А ровно через год появился «Поцелуй» — простой куб, высеченный из известняка, две обнимающиеся фигуры с едва намеченными волосами и глазами. И это была революция: Бранкузи перешел к непосредственной работе в материале, минуя предварительную работу в гипсе. Впрочем, изображение «Поцелуя» расскажет о мастерстве скульптора лучше любых слов. «Зачем писать о моих скульптурах? Почему просто не показать фотографии?» — восклицал Бранкузи. И мы с ним полностью согласны.
«Амур и Психея» Антонио Кановы
Антонио Канова. «Амур и Психея». 1787. Фото: Musée du Louvre
Произведение венецианского скульптора Антонио Кановы выполнено из мрамора в 1787 году по заказу шотландского коллекционера и ценителя искусства барона Каудора, причем в двух вариантах. Для первой, наиболее известной скульптуры «Психея, оживленная поцелуем Амура» Канова выбрал момент сразу вслед за пробуждением Психеи от поцелуя Амура, когда влюбленные протягивают руки, чтобы заключить друг друга в объятия. В другом варианте они рассматривают бабочку на руке склонившего голову к Психее Амура — символ мимолетности и невинности. Обе версии находятся в Лувре, а повторения скульптур — в Эрмитаже, куда первая попала из собрания князей Юсуповых (сначала она находилась в подмосковном Архангельском, потом во дворце на Мойке в Петербурге), а вторая была приобретена Александром I вскоре после смерти императрицы Жозефины, по заказу которой была выполнена в 1808 году.
«Свидание» («Объятия») Пабло Пикассо
Пабло Пикассо. «Свидание». 1900. Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Впервые Пикассо появляется в Париже в 1900 году. Как гласит описание на сайте ГМИИ им. А.С.Пушкина, с этим периодом связано создание им небольшой картины «Свидание». В эти годы Пикассо часто обращался к заглавному мотиву, который трактовал как тему человеческой близости, и развивал его в некоторых произведениях 1901–1904 годов, периода в его творчестве, который получил название «голубого». По мнению искусствоведов, в объятиях изображенных нет чувственности и идиллии, что в сочетании с замкнутым характером композиции и отсутствием подробностей передает отголоски будущей драмы. Через 13 лет после создания эту картину приобрел у художника коллекционер Сергей Щукин, и сегодня она выставлена в Галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков ГМИИ в Москве.
«День рождения» Марка Шагала
Марк Шагал. «День рождения». 1915. Фото: The Museum of Modern Art (MMA), New York
Картина была написана в 1915 году, в тот счастливый год, когда Белла Розенфельд стала Шагалу женой. Без сомнения, в этой работе он изобразил себя и любимую. А вот что пишет сама Белла Шагал в своих воспоминаниях «Горящие огни» об этом полотне и об этом дне: «Сегодня твой день рождения! Стой, не двигайся... Я все еще держала цветы... Ты так и набросился на холст, он, бедный, задрожал у тебя под рукой. Кисточки окунались в краски. Разлетались красные, синие, белые, черные брызги. Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой, как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке... Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком. Вот запрокинул голову и повернул к себе мою. Вот коснулся губами моего уха и шепчешь... И вот мы оба, в унисон, медленно воспаряем в разукрашенной комнате, взлетаем вверх. Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла. Там синее небо, облака зовут нас».
«Поцелуй» Эдварда Мунка
Эдвард Мунк. «Поцелуй». 1897. Фото: Munch Museet, Oslo
Для Мунка характерным было возвращение к уже проработанным сюжетам, не стала исключением и картина «Поцелуй». Время написания первых ее вариантов относится к началу 1890-х годов, но наибольшую известность получила работа, законченная в 1897 году. Именно она стала частью цикла картин «Фриз жизни». Мрачная и отталкивающая, она в то же время захватывает все внимание зрителя, заставляя подолгу рассматривать каждую грань полотна в надежде раскрыть тайну его притягательности. Скупость цветовой палитры компенсируется выразительностью линий, пластичностью и грациозностью фигур, размытых очертаний слившихся в единое целое лиц.
«Поцелуй украдкой» Жана Оноре Фрагонара
Жан Оноре Фрагонар. «Поцелуй украдкой». 1787–1789. Фото: Государственный Эрмитаж
Виртуозный мастер стиля рококо, Жан Оноре Фрагонар был учеником прославленных художников Франсуа Буше и Жан-Батиста Шардена. Живописец известен как автор полотен на галантные темы, и «Поцелуй украдкой» считается вершиной этого жанра. Юноша похищает поцелуй у молодой девушки, которая опасается, как бы их не застали врасплох, и с тревогой смотрит на приоткрытую дверь. Картина написана в конце 1780-х годов. Сменив несколько владельцев, она оказалась в собрании последнего польского короля Станислава Августа Понятовского и хранилась в Лазенковском дворце в Варшаве, откуда в 1895 году поступила в Эрмитаж. Выставляется в Зимнем дворце в зале № 288. В 1984 году почтой СССР была выпущена почтовая марка достоинством 10 копеек с репродукцией картины.
Бэнкси. «Целующиеся полицейские»
Бэнкси. «Целующиеся полицейские». 2005. Частная коллекция. Фото: Fine Art Auctions Miami
В 2006 году провокационный рисунок «Целующиеся полицейские» на стене бара Prince Albert в Брайтоне закрасили черной краской. Однако вандализм не прошел. После восстановления изображение аккуратно сняли со стены и продали на аукционе Fine Art Auctions в Майами анонимному покупателю за $575 тыс. Этой работой вдохновились участники группы «Синие носы», когда создавали свою «Эру милосердия». Фотография спровоцировала скандал с участием министра культуры Александра Соколова, который назвал ее «порнографией» и запретил к вывозу в Париж на выставку «Соц-арт. Политическое искусство в России с 1972 года».
«Буржуазный бюст. Джефф и Илона» Джеффа Кунса
Джефф Кунс. «Буржуазный бюст. Джефф и Илона». 1991. Фото: Jeff Koons / Tate / National Galleries of Scotland
В 1991 году Джефф Кунс женился на итальянской порнозвезде Илоне Сталлер, больше известной под именем Чиччолина. Брак был недолгим, но плодотворным: у пары родился сын, а различные конфигурации физических проявлений их любви, ставшие основой скульптур из серии «Сделано на небесах», принесли художнику громкую славу. Мы выбрали самое невинное произведение из этой серии — «Буржуазный бюст» из белого мрамора, где пара изображена в стиле барокко, а Илона Сталлер предстала в образе Венеры, богини красоты и плотской любви.
«Поцелуй» Франческо Айеца
Франческо Айец. «Поцелуй». 1859. Фото: Pinacoteca di Brera, Milano
«Поцелуй» итальянского живописца Франческо Айеца, написанный в 1859 году, мгновенно завоевал популярность у публики. Художник попытался объединить в картине такие свойства итальянского романтизма, как натурализм и внимание к чувственной любви, с идеалом Рисорджименто, национально-освободительного движения итальянцев против иноземного господства — патриотизмом. Целующаяся пара представляет собой аллюзию не только к Ромео и Джульетте Шекспира и Ренцо и Лючии из романа Алессандро Мандзони «Обрученные», но и к образам Франции и Италии. Цвета, использованные художником, намекают на флаги двух стран и заключенный ими Пломбьерский пакт, ознаменовавший рождение итальянской нации. Картина впервые была представлена публике на выставке в Академии Брера в сентябре 1859 года, через три месяца после прибытия в Милан Виктора Эммануила II и Наполеона III, недавно разбивших австрийские войска в битве при Сольферино.
«Поцелуй» Густава Климта
Густав Климт. «Поцелуй». 1907–1908. Фото: Belvedere, Wien
Пожалуй, это самый хрестоматийный поцелуй в истории искусства и самый тиражируемый на сувенирной продукции, без которого не может обойтись ни одна подобная подборка. Полотно принадлежит к «золотому» периоду творчества Климта: в это время художник много работал с золотым цветом и настоящим листовым сусальным золотом. Автор трудился над картиной в течение года, пытаясь преодолеть творческий кризис между 1907 и 1908 годами. Некоторые исследователи считают, что на ней изображен он сам со своей возлюбленной Эмилией Флёге. На картине мужчина играет главенствующую роль, он возвышается над возлюбленной, защищая и доминируя. Коленопреклоненная поза женщины демонстрирует подчинение. Герои не скрываются от зрителя, несмотря на интимность момента. Кажется, что мужчина и женщина слились воедино на краю скалы, стали одним целым, однако они разделены с помощью орнамента.
Альфред Эйзенштадт. «День Победы над Японией на Таймс-сквер»
Альфред Эйзенштадт. «День Победы над Японией на Таймс-сквер». 14 августа 1945 г., Нью-Йорк. Фото: Alfred Eisenstaedt / Pix Inc. / Time & Life Pictures / Getty Images
Снимок, который автор в шутку называл «Безоговорочная капитуляция», стал для американцев символом победы во Второй мировой войне. Четырнадцатого августа 1945 года Япония приняла условия капитуляции, и на улицы американских городов вышли ликующие толпы. Фотожурналист Life Альфред Эйзенштадт бросился снимать всеобщую радость, и среди сотен людей его внимание сразу привлек один моряк. Как позже вспоминал автор снимка, молодой человек хватал всех женщин без разбора и заключал в свои объятия. «И тут внезапно — как вспышка — я увидел, что он схватил что-то белое. Я повернулся и нажал на кнопку в тот самый момент, когда он поцеловал медсестру. Если бы она была одета во что-то темное, я бы никогда не сфотографировал их. То же самое, если бы на нем была светлая форма. Снимка бы не было», — гласит ставший знаменитым рассказ фотографа. Установлением личностей целующейся пары занимались десятки журналистов на протяжении многих лет, так много было претендентов. И если имя медсестры (Эдит Шейн) удалось выяснить еще в 1980 году, то моряк стал известен только в 2007-м — для этого Гленну Макдаффи пришлось пройти десять тестов на полиграфе. Сейчас на Таймс-сквер находится выполненная по мотивам этого снимка восьмиметровая статуя, рядом с которой 14 августа собираются сотни пар, чтобы сделать реконструкцию фото.
Анри Тулуз-Лотрек. «В постели: поцелуй»
Анри Тулуз-Лотрек. «В кровати: поцелуй». 1892. Частная коллекция. Продана на аукционе Christie's в 2015 г. за $12,5 млн. Фото: Christie's
На картине изображены две целующиеся женщины, которых, по легенде, художник писал в 1892 году с натуры в парижском борделе, и, собственно, полотно относится к серии «Публичный дом». Художник, как известно, показывал жизнь проституток подробно, без тени морализаторства и сентиментальности. Он изображал своих героинь за будничными делами: моющимися, за игрой в карты, в ожидании клиента или застилающими постель. Продавая свое тело мужчинам, на отдыхе они старались не подпускать их к себе и проводили время вместе.
|
Огюст Ренуар – трудолюбивый и светлый импрессионист |
"Я убеждён в том, что картина должна быть приятной,весёлой,привлекательной,да, привлекательной!На свете и так слишком много скучных вещей,и не стоит пополнять их число своими картинами"...
Огюст Ренуар
Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года в городке Лиможе, на юге Франции, и был шестым ребёнком небогатого портного Леонара и его жены Маргериты. В 1844-м году семья переезжает в Париж, где Огюст поступает в церковный хор при соборе Сен-Эсташ. Мальчик производит приятное впечатление на регента хора, самого Шарля Гуно, и тот уговаривает его родителей отдать сына учиться музыке.
Однако дар художника в нем пересилил. В 13 лет Огюст начинает помогать семье, работая в мастерской по росписи фарфоровой посуды, а по вечерам посещает школу живописи.
Автопортрет. Пьер Огюст Ренуар, 1876 г.
1910 В 1858-м году фарфоровая мастерская, где работал Ренуар, закрывается, но он продолжает зарабатывать, расписывая веера и шторы.
В 19-летнем возрасте Огюст получает разрешение на копирование картин в Лувре, а к 1861-му году ему удаётся сорать достаточно денег, чтобы оплатить своё обучение живописи у Шарля Глейра, студия которого была на тот момент филиалом Школы изящных искусств
Вскоре 21-летний Ренуар выдерживает экзамены в это учебное заведение. В то же время Ренуар вместе со своими друзьями по студии Глейра – Ф. Базилем, К. Моне и А. Сислеем – ездит в лес Фонтенбло, где они рисуют на природе.
Позже работа на пленэре стала отличительной особенностью импрессионистов, общества художников, центральными фигурами которого были вышеназванные особы.
Огюст Ренуар Деревенский танец 1882-1883
Первый успех ожидал Ренуара в 1864-м году, когда одна из его работ прошла отбор и была выставлена на ежегодной государственной выставке в Салоне.
В следующем году у Ренуара было взято ещё две картины, и он начал получать регулярные заказы на портреты. И хотя в душе он и не любил этот жанр живописи, но именно портреты помогли ему пережить кризисные годы после поражения Франции во Франко-прусской войне 1870-1871-го годов.
В 1865-м году Огюст Ренуар знакомится с 16-летней девушкой Лизой Трео, которая становится его возлюбленной и моделью. Их роман длился семь лет, после чего Лиза оставила Ренуара и вышла замуж за другого.
После войны, в 1874-м году, Ренуар вместе с друзьями-художниками устраивает выставку своих картин, которая впоследствии станет известной как первая выставка импрессионистов.
Именно тогда и возник термин “импрессионизм”, придуманный одним остроумным критиком. Как известно, большинство представленных работ было подвергнуто осуждению, однако “Ложу” Ренуара публика встретила довольно позитивно.
Огюст Ренуар В театральной ложе.
1874 картины фото Огюст Ренуар, “В театральной ложе”, 1881-1886 В 1890-м году Ренуар женился на Алине Шариго, на тот момент у них уже был общий сын. После свадьбы у них родились ещё два сына – Жан и Клод (известный, как Коко – любимый натурщик своего отца).
К тому времени Ренуар уже добился огромного успеха и получил от государства звание Кавалера Почётного Легиона. В 1912-м году, после приступа паралича Ренуар был прикован к инвалидному креслу, но продолжал рисовать кистью, которую сиделка вкладывала ему между пальцев.
70-летний Ренуар даже пытался заниматься скульптурой, давая указания своему помощнику Ричарду Гино. Общими усилиями они создали свыше двадцати произведений.
В 1968-м году Гино выиграл судебный процесс у наследников Ренуара, добившись права называться соавтором этих скульптур. Примечательно, что в самостоятельной работе Гино успеха на добился. Несмотря на физические страдания, Ренуар никогда не падал духом и любил повторять: “Что ни говорите, а я – счастливчик”.
На закате своей долгой жизни художник снискал славу. В 1917-м году его “Зонтики” были представлены в Лондонской Национальной галерее, а позже – в Лувре.
Огюст Ренуар, “Зонтики”, 1881-1886 Национальная галерея.Лондон.
Над этой картиной Ренуар работал на протяжении ряда лет, как раз в то время, когда произошли кардинальные перемены в его манере письма. Он начал эту картину незадолго до отъезда в Италию, где находился в 1881-1882 годах, но работа оставалась незавершенной еще как минимум пять лет.
Композиция картины напоминает фотографический снимок — в частности, неполными, обрезанными фигурами людей по краям полотна. Такой приём был популярен у импрессионистов того времени.
Ренуар был удивительно трудолюбивым и результативным художником.
За почти 60-летнюю творческую жизнь он создал около 6 тысяч полотен, то есть, в среднем, две работы в неделю. На рассвете своего творчества Ренуар часто не мог себе позволить купить краски, вот почему в зрелом возрасте, зарабатывая достаточно, он самозабвенно любовался ими, их цветом и даже запахом. Радость, которую испытывал художник во время рисования, была одним из самых сильных наслаждений в его жизни, и это не могло не отразиться на настроении его картин.
Художник предпочитал героическим и трагическим сюжетам простые повседневные радости и развлечения. Он любил рисовать танцующих людей, красивые цветы, детей, но наиболее трепетно он относился к молодым, пышным, красивым женщинам.
Своё отношение к живописи Ренуар высказал следующим образом: “Я убеждён в том, что картина должна быть приятной, весёлой, привлекательной, − да, привлекательной! На свете и так слишком много скучных вещей, и не стоит пополнять их число своими картинами”.
Тем более не удивительно пренебрежительное отношение Ренуара к высокоинтеллектуальным рассуждениям о живописи. “Я никогда не вступаю в подобные разговоры”, − говорил он.
В молодости Огюст Ренуар близко дружил с Клодом Моне, вместе они работали в любимом парижанами месте отдыха на Сене – в так называемом “Лягушатнике”.
Именно здесь они создавали полотна, которые впоследствии стали программными у импрессионистов в целом.
Огюст Ренуар, “Лягушатник”, 1869
После поездки в 1881-1882-м годах в Италию и знакомства там с шедеврами античного и ренессансного искусства Огюст Ренуар обращается к более вечным темам, пишет обнажённую натуру. Художник отказывается от характерного для всех импрессионистов использования широких ломаных мазков и расплывчатых контуров и начинает искать свой собственный стиль, где преобладают более определённые формы и чёткие линии.
Интересен также творческий метод Огюста Ренуара. Будучи убеждённым, что живопись – это “прежде всего ручной труд, и потому художник должен быть хорошим рабочим”, он поддерживал в своей мастерской поразительный для творческого человека порядок. “Палитра, кисти, тюбики с краской – всё это аккуратно складывалось с чисто женской опрятностью”, − вспоминал А. Воллар, некогда позировавший Ренуару.
Многие художники писали детей, но Ренуару гениально удавалось передавать исходящее от детей очарование, не отдаваясь при этом слезливой сентиментальности. Примером может служить его работа “Зонтики”, где в правом нижнем углу мы можем видеть маленькую мадмуазель, которая с озорством и непосредственностью смотрит, казалось бы, прямо на художника.
Огюст Ренуар, “После купания”, 1869
Ренуар также по праву считается одним из величайших мастеров жанра ню. Он любил и умел писать обнажённое тело. Одна из знаменитых шуток Ренуара: “Я продолжаю работать над обнажённой натурой до тех пор, пока мне не захочется ущипнуть холст”.
Пьер Огюст Ренуар умер от воспаления лёгких 3 декабря 1919 года в возрасте 78 лет.
автор: Юлия Каминская, галерист
"Портрет актрисы Жанны Самари" 1878, Эрмитаж, Санкт-Петербург
"Жанна Самари" 1877, Музей им. А.С.Пушкина, Москва
Два из трех общеизвестных портретов Жанны Самарии работы Огюста Ренуара представлены на обозрение в трех музеях мира.
В Театре «Комедии Франсез» хранится самый первый и самый маленький портрет, на котором актриса предстает в темной будничной кофте (1877 г.), в Музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина — изысканный поясной портрет (1877 г.),
а в Эрмитаже — парадный портрет в полный рост (1878 г.).
И на всех она женственна, обаятельна, держится просто и естественно.
Жанна — лучшая в стране исполнительница ролей в пьесах Мольера и Мюссе — и в жизни была такая же простая, светлая, красивая, приветливая, словно ожившая под кистью самого Ренуара.
Сияющие синие глаза, рыжее золото волос, текучие формы тела — она был полна обаяния и привлекательности.
С каждого полотна смотрит не модель, а приятная собеседница, готовая вот-вот продолжить разговор.
Портрет из коллекции ГМИИ им. А.С.Пушкина признан одним из лучших ренуаровских портретов.
На нем лицо актрисы, ее обнаженные руки и плечи светоносны и теплы, они мягко сияют на розовом фоне, не сливаются с ним, разделенные рыжими кудрями и зелеными переливами платья.
Ренуар был настоящим певцом диссонансных цветов — активного зеленого и розового— и умел с помощью широких пластичных и мелких вибрирующих мазков предать живописной поверхности несколько десятков оттенков одного цвета, исключив возможность цветового диссонанса.
Таким способом он заставлял предметы излучать свет, а человеческое тело — тепло и движение.
В изображении фигуры нет ни единой четкой линии, все подвижно, неуловимо и зыбко.
Но это удивительное цветовое равновесие и поразительные контрасты, которыми владел мастер, в то время только шокировали критиков и публику.
На портрете из собрания Эрмитажа актриса предстает в великолепном вечернем платье с глубоким декольте и длинным волнистым шлейфом на фоне роскошного театрального интерьера.
Богатые ковры, массивная бронзовая подставке для пальмы словно «выбрасывают» фигурку Жанны на первый план.
Кажется, что она лишь краткий момент застыла в движении (фигура наклонена вперед) и сейчас сделает следующий шаг.
При написании этого портрета Ренуар использовал более гладкую манеру письма.
Краски уже не мельтешат и не смешиваются, как на предыдущем портрете.
Но не зависимо от манеры лицо Жанны, ее обнаженные руки и плечи, вся фигура выглядят прекрасными и естественными, а главное, художнику удалось передать не только внешние черты, но и характер девушки и отдать должное ее сценическому дарованию.
"Завтрак гребцов" 1881, Галерея Филлипса, Вашингтон
"Бал в Мулен де ла Галетт" 1876, Музей д'Орсе, Париж
Качели - Ренуар.1876. Холст,масло.Музей д,Орсе Париж
Картина «Качели» была написана практически одновременно с «Балом». В обеих картинах много общего: и по настроению, и колориту, и технике исполнения. И там, и тут мы видим прекрасное лицо Жанны Самари. Здесь та же живость поз изображенных фигур и откровенное любование игрой солнечных бликов на всем: на деревьях, цветах, на прическе и платье Жанны, на одежде ее спутников и очаровательной малютки.
Этой картиной Ренуар закрепляет на полотне открытие: тени как таковой не существует, просто один и тот же цвет при солнечном свете приобретает иной нюанс. Утрачивая на свету интенсивность, цвет, перенесенный на поверхность холста, образует более светлые, часто даже просто белые, его участки.
"Юлия Мане"
Мизиа Серт.1904 холст,масло
Для Мизии Годебской даже в современном мире вряд ли можно подыскать правильное профессиональное амплуа.
Она не создала ни одного художественного произведения, она творила шедевр из собственной жизни и вдохновляла самых ярких художников и писателей своего времени.
Мизиа дружила с Тулуз-Лотреком, Дебюсси, Малларме, Ренуаром, Стравинским, Пикассо, без нее не состоялась бы премьера «Петрушки» - именно она помогла Дягилеву деньгами, когда постановка оказалась под угрозой.
Когда Мизиа была женой Тоде Натансона, редактора художественного журнала La Revue blanche, часто именно она оказывалась консультантом редакции в выборе тем и персоналий.
Она говорила на всех европейских языках и была самой близкой подругой Коко Шанель, в ее честь назван один из ароматов модного дома – Misia.
Мизиа Годебска была замужем три раза и, к огромному разочарованию многих страстно влюбленных поклонников, никогда не заводила романов на стороне. В то время, когда Ренуар писал ее портрет, это была Мизиа Эдвардс.
А вот для Альфреда Эдвардса, мужа Мизи, уже тогда профессиональное амплуа определялось точно: заводчик-мультимиллионер.
Он владел добрым десятком предприятий и одним из первых начал добывать бокситы для изготовления нового металла с большим будущим – алюминия. «Чтобы добиться такой женщины и на ней жениться, он придумал следующий способ: каждый вечер приглашал на обед всех ее друзей. Чтобы не оставаться одной, она была вынуждена присоединяться к компании.
Эдвардс усаживал ее по правую руку и всякий раз под салфеткой она обнаруживала футляр с бриллиантом большой цены», - вспоминал Ренуар и добавлял, что ни одна женщина против такого не устояла бы.
Для Огюста Ренуара, тогда уже прикованного к инвалидному креслу, в доме Мизи и Альфреда построили лифт, чтобы художник мог подниматься в комнату хозяйки для сеансов позирования.
Когда работа была окончена, Мизиа выдала Огюсту пустой чек и попросила самостоятельно оценить картину.
Ренуар, на взгляд мадам Эдвардс (фамилию Серт она получит от своего следующего мужа), оказался слишком скромен в оценке своего произведения.
Для художника это было время, когда он заговорил на своем живописном языке, когда стал знаменит и наконец-то мог не заботиться о деньгах.
Этот поздний период искусствоведы называют «красным» - Ренуар не боится ярких, страстных цветов и мастерски создает сложные колористические решения. Его палитра становится предельно лаконичной.
|
Гениальный художник Леонид Пастернак, оставшийся в тени всемирно известного сына |
|
Княжна Тараканова: кем на самом деле была «внучка Петра»? |
КОНСТАНТИН ФЛАВИЦКИЙ. КНЯЖНА ТАРАКАНОВА В ПЕТРОПАВЛОВСКОЙ КРЕПОСТИ ВО ВРЕМЯ НАВОДНЕНИЯ
ЭТОТ БАРЕЛЬЕФ СЧИТАЕТСЯ ПРИЖИЗНЕННЫМ ИЗОБРАЖЕНИЕМ ЛЖЕ-КНЯЖНЫ
|
Между Римом и Палестиной:Генрих Семирадский и колония русских художников в Риме |
Выставка «Генрих Семирадский и колония русских художников в Риме»,
посвященная 175-летию со дня рождения живописца,
открылась в Государственном Русском музее 20 декабря 2017 года.
Предлагаю вам посмотреть замечательные картины русского художника ,
статью нашла без иллюстраций(кроме самой первой),
так что все здесь приведенные нашла из самых разных источников
«Грешница»
Генрих Семирадский — представитель позднего европейского академизма в живописи.
Несмотря на то, что он был, прежде всего, мастером античного жанра, сегодня мы скорее знаем этого художника по его картинам на библейские сюжеты.
Впрочем, звание академика в 1873 году Семирадский получил за огромную композицию «Грешница», написанную на сюжет одноименной поэмы графа Толстого на основе апокрифа, поскольку сюжет (преображение перед взором Христа приведенной на суд блудницы) отсутствует в канонических Евангелиях.
Картина была восторженно встречена профессорами Академии, но не принята критиками, которые сочли, что второстепенные «эффекты» сюжета прописаны лучше, нежели его герои.
Это качество живописи твердо сохранилось за Семирадским.
Историк искусства Петр Гнедич писал, что, глядя на картины Семирадского, «мы помним просветы через оливы на мраморе водоемов, вазу с цветами Посейдона, — но не осталось в памяти ни одного лица, ни одного типа».
«Грешницу» Семирадский пишет за границей, выиграв по завершении учебы в Академии престижную шестилетнюю пенсионерскую поездку.
Там он увлекается историй раннего христианства и пишет картину «Факелы Нерона» (другое название — «Сожжение христиан»).
Сюжет картины связан с историческими событиями, происходившими в Риме в 64 году нашей эры, когда после Великого римского пожара император Нерон обвинил в поджоге христиан.
Многие из них были казнены, причём для этого устраивались чудовищные театрализованные представлении.
Одна из таких сцен и была изображена художником, который выбрал местом действия сад перед Золотым дворцом Нерона.
Слева, около дворца и на его ступенях, расположились многочисленные зрители. Всего на картине изображено около ста человек, но ни одна из фигур не является центральной — даже сам Нерон, сидящий в отдалении в паланкине с золотой крышей, поддерживаемом темнокожими рабами. Вместе с Нероном в паланкине сидит его жена Поппея Сабина.
А в красочной толпе — сенаторы и полководцы, философы и музыканты, игроки в кости, танцовщицы и гетеры. На их лицах можно увидеть полный диапазон чувств и эмоций — злорадство и протест, любопытство и равнодушие. Тщательно выписаны детали убранства императорского дворца — в особенности барельеф с человеческими фигурами и лошадью в самой левой части картины, а также другие мраморные поверхности — лестницы, стены и колонны.Один из современников отмечал, что «по первому впечатлению, картина напоминала сундук с драгоценностями, внезапно открывшийся перед зрителями».
Помимо мраморных рельефов, к этим драгоценностям относились и паланкин императора, и живые цветы, и поражающие своей красотой зрители.
В правой части картины изображены последние приготовления к казни. Христиане привязаны к столбам и обмотаны коконами из соломы со смолой.
Всего можно насчитать 13 столбов, что символизирует число апостолов и Христа. Рабы зажигают огненные факелы, и один из них уже поднимается по лестнице, готовый поджечь одного из несчастных — старика с белой бородой, который не отводит глаз и смотрит прямо на праздную толпу, собравшуюся для леденящего душу зрелища.
На следующем за стариком шесте — молодая женщина, которая отвернулась и смотрит в сторону от толпы.На раме на латыни написано изречение из Библии: LUX IN TENEBRIS LUCET ET TENEBRAE EAM NON COMPREHENDERUNT ( «И свет во тьме светит, и тьма не объяла его»; Ин. 1:5).
За картину он получает звание профессора Академии художеств, а на всемирной выставке в Париже удостаивается высшей награды, после которой три европейские академии живописи избирают его своим почетным членом.
Критики же отдают должное художнику за мастерство, с которым он пишет мрамор и ткани, но остаются недовольны композицией и тем, как написаны сами христиане.
Семирадский впервые в русской живописи соединил масштабность исторического жанра и пленэрные эффекты — веяние импрессионизма. Критики писали, что «для Семирадского люди и предметы одинаково неодушевлены или, точнее, одушевлены одинаково».
Так и на картине «Христос у Марфы и Марии»: мы видим хорошо узнаваемый пейзаж Святой Земли, залитый солнцем дворик, искусно прописанные просветы в зарослях винограда, свет и тень под оливами,
и в этот пейзаж включены несколько статичная фигура Христа в образе античного философа, сидящая у его ног Мария и еле заметная на заднем плане Марфа, которой в самом Евангелии отводится далеко не последняя роль.
(Марфа и Мария - персонажи Нового Завета, сёстры Лазаря из Вифании, в доме которых останавливался Иисус Христос. Обе женщины были свидетельницами воскрешения своего брата, совершённого Иисусом по их просьбе.)
Бесспорно, художнику не удавалось передать психологические особенности характера и настроение героев, но его достоинство в другом.
Евангельские сюжеты Семирадский изображает как жанровые сцены, в которых мастерски передает атмосферу и общее впечатление от сюжета.
Да и можно ли изобразительно передать настроение Христа?
Богословие в красках несет в себе икона, в которой главное — смысл и событие в вечности, психологизм же и настроение, как временные характеристики , здесь явно лишние.
А в живописи для передачи общего впечатления о Евангельском сюжете искусность художника именно как портретиста не так уж и важна. Семирадский создает образы, которые можно назвать иллюстрациями к Евангелию и истории древней Церкви.
Несмотря на то, что само по себе это не может быть заслугой художника первого ряда, тем не менее, его картины популярно визуализировали Евангелие. Более того, живопись Семирадского всколыхнула интерес писателей и художников к сюжетам истории древней Церкви.
Картина «Факелы Нерона» стала отправной точкой для написания Генрихом Сенкевичем романа «Камо грядеши?».
Писатель остановился в Риме в доме Семирадского, и тот показывал ему памятники первых веков христианства, в том числе знаменитую церковь, по преданию, построенную на месте явления Христа апостолу Петру (ключевой эпизод романа).
Интересно, что при экранизации романа для построения мизансцен и композиции кадра режиссер фильма Ежи Кавалерович использовал именно картины Семирадского.
Художник участвовал в росписи фресок в храме Христа Спасителя в Москве, где написал запрестольный образ, четыре фрески с житием благоверного князя Александра Невского и две —с сюжетами Господских праздников.
Работал он и как декоратор: его кисти принадлежат фрески для Московского исторического музея. Разумеется, не оставлял художник и античный жанр
(всё-таки лучшей его картиной считается полотно «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине»).
«Фрина на празднике Посейдона в Элевзине» фрагменты - (верхний и три нижних)
Женский образ, созданный Семирадским, величественен и спокоен, Фрина буквально излучает благородство, и в ее поступке не ощущается ничего предосудительного.
Образ Фрины - один из самых восторженных гимнов женской красоте в изобразительном искусстве.
Не принятый русскими критиками, Семирадский уединяется в Риме. Его дом, правда, сразу попадает в путеводители в качестве местной достопримечательности, и художник, чтобы сократить число посетителей, принимает у себя дома дважды в неделю.
В последние годы он перестал участвовать в российских выставках, но регулярно экспонировал свои картины в родной Польше.
На выставке в рамках единой экспозиции впервые будет представлено около 125 произведений Семирадского и его современников — русских живописцев и скульпторов академического направления, работавших в Вечном городе во второй половине ХIX — начале XX веков: Марка Антокольского, Степана Бакаловича, Владимира Беклемишева, Михаила Боткина ,Федора Бронникова, Николая Лаверецкого,
Александра Риццони, Александра и Павла Сведомских, Василия Смирнова, Павла Чистякова и других.
Зрители увидят яркие образцы пейзажного, бытового, портретного и исторического жанров, ставшие классикой отечественного искусства.
В том числе в экспозиции будут представлены картины художников, вдохновленных Семирадским на выбор сюжетов из истории древней Церкви.
В наиболее масштабный раздел выставки, посвященный творчеству Генриха Семирадского, будут включены не только его знаменитые полотна из коллекций Русского музея и Третьяковской галереи, но и менее известные произведения из провинциальных и частных собраний.
|
АукционноАкварельноПастельное в стиле академического символизма |
|
