«Моё сердце — целиком английское, нет ничего, что я не буду готова сделать для счастья и процветания Англии», — с этой речью Анна Стюарт обратилась к английскому парламенту после коронации в 1702 году. Ревностная протестантка, покровительница тори и сторонница объединения с Шотландией была популярна у своих подданных. Иначе складывалась личная жизнь. Анна пережила личную драму; несмотря на 17 беременностей, она так и не оставила наследников. Дети либо рождались мертвыми, либо умирали в раннем возрасте. Ее единственной надеждой стал сын Уильям, но в возрасте 11 лет мальчик скончался от болезни.

Анна была воспитана в протестантизме, и в дальнейшем это повлияло на религиозный ландшафт Англии. Девушка пыталась воздействовать на своего отца — короля Якова II, который отдал католикам высшие государственные должности. Тем самым монарх нарушил Акт о присяге, изданный английским парламентом. В соответствии с ним, католики не имели права занимать какие-либо посты в стране. Причащение по обряду англиканской церкви было обязательным для чиновников всех мастей. Девушка называла католическую веру «откровенным идолопоклонством», ее отношения с Яковом II испортились.

В 18 лет Анна вышла замуж за принца Георга Датского. Целью этого брака был англо-датский союз, однако, по словам современников, супруги испытывали по отношению друг к другу теплые чувства. Георг не вмешивался в политику и проводил большую часть времени в кругу семьи. «Да пошлет мне Бог спокойной жизни где-нибудь», — писал принц своему другу. Анна забеременела, но у нее случился выкидыш. Девушка уехала лечиться на курорт и вскоре родила двух дочерей. Девочки заболели оспой и скончались, в этот момент у Анны снова случился выкидыш.

В 1688-м Яков II был свергнут в ходе государственного переворота и бежал во Францию. К власти пришел правитель Нидерландов Вильгельм Оранский с женой Марией II Стюарт. Вильгельм скончался 8 марта 1702 года, и на престол взошла Анна. В своем первом выступлении перед парламентом она подчеркнула, что «сделает все для процветания государства». В той же речи Стюарт заявила о необходимости объединения Англии и Шотландии. Это произошло в 1707-м при активном содействии королевы. Теперь в палату общин избирались 45 шотландских депутатов. В период правления Анны Европа была охвачена войной за испанское наследство; в ходе этого конфликта Англия утвердила морское превосходство, завладела торговлей Португалии, а также получила часть французских владений в Америке.

В 1708-м супруг Анны Георг умер. Эта потеря серьезно сказалась на здоровье королевы. Она начала хромать и стремительно набирать вес. Зимой 1713-го у Анны началась лихорадка, от которой она не могла оправиться длительное время. Спустя полгода у Стюарт случился инсульт. Она скончалась в возрасте 49 лет, не оставив наследника. За два месяца до смерти королевы умерла ее наследница — принцесса пфальцская София Ганноверская. На английский престол взошел сын Софии Георг Людвиг.

«Женщина-пылесос» - именно так философ Василий Розанов называл спутницу Ильи Репина Наталью. Под ее влиянием художник стал вегетарианцем. На обед подавали такие экзотические блюда, как жаркое из картофельной шелухи и супы с добавлением сена. Выдающийся художник смирился с нововведениями и покорно пил кофе из свеклы. Кроме того, Наталья выгнала из дома часть прислуги.

В Музее русского импрессионизма открылась выставка «Жены», где представлены 48 картин и скульптур. Diletant.media - о музах признанных мастеров. 

Илья Репин не раз принимал на веру необычные советы. Так, однажды врач сообщил ему о пользе сна на свежем воздухе. Художник последовал этому совету и заставлял близких спать на улице даже в прохладную погоду. Первой женой Репина стала Вера Шевцова, сестра его приятеля по рисовальной школе. «Хороша она была в шестнадцать лет: смоляная тяжёлая коса ниже пояса, светло-карие глаза, детская чёлка над круглым лбом, пряменький нос, изогнутые вверх уголки губ, способность худенькой фигуры как-то уютно примоститься, изогнуться в мягком зелёном кресле», — писала искусствовед Александра Пистунова. С Верой художник прожил 15 лет.

Позже Репин познакомился с Натальей Нордман, писавшей под псевдонимом Северова. В 1900-м они начали жить вместе. Корней Чуковский называл Наталью «чудачкой». Женщина отличалась экстравагантным поведением. В мороз она выходила на улицу в легком пальто. Каждый день делала отвары из сена и свеклы. Блюда в доме Репиных подавали с помощью механических устройств. Художник работал в морозной мастерской. Бунин рассказывал: «И вот приезжаю, дивное утро, солнце и жестокий мороз, двор дачи Репина, помешавшегося в ту пору на вегетарианстве и на чистом воздухе, в глубоких снегах, а в доме — окна настежь. Репин встречает меня в валенках, в шубе, в меховой шапке, целует, обнимает, ведет в свою мастерскую, где тоже мороз, и говорит: «Вот тут я буду вас писать по утрам, а потом будем завтракать как господь бог велел: травкой, дорогой мой, травкой! Вы увидите, как это очищает и тело и душу, и даже ваш проклятый табак скоро бросите».

Наталья Нордман

В 1910-х Наталья Борисовна заболела туберкулезом и уехала из дома Репина. «Благородство своего отношения к Репину она доказала тем, что, не желая обременять его своей тяжкой болезнью, ушла из Пенатов — одна, без денег, без каких бы то ни было ценных вещей, — удалилась в Швейцарию, в Локарно, в больницу для бедных», — писал Чуковский.

Надежда Ивановна Забела-Врубель

Михаил Врубель познакомился с будущей супругой на репетиции спектакля в Панаевском театре. «На одной из репетиций я во время перерыва (помню, стояла за кулисой) была поражена и даже несколько шокирована тем, что какой-то господин подбежал ко мне и, целуя мою руку, воскликнул: «Прелестный голос!» Стоявшая здесь Т. С. Любатович поспешила мне представить: «Наш художник Михаил Александрович Врубель», — и в сторону мне сказала: «Человек очень экспансивный, но вполне порядочный». Так чувствителен к звуку голоса Врубель был всегда. Он тогда еле мог разглядеть меня — на сцене было темно, но звук голоса ему понравился», — вспоминала Надежда Ивановна.

В 1896-м они поженились в Швейцарии и оставались вместе всю жизнь. Врубель работал над гримом и костюмами певицы. В 1901-м у них родился сын Савва. В возрасте 2 лет мальчик скончался от болезни. К этому моменту Врубель только-только восстановился от серьезного психического расстройства. Ранее художника лечили в клинике при Московском университете, он был буен и раздирал на себе одежду до нитки. После лечения препаратами ртути состояние пациента несколько улучшилось, из клиники Врубель писал любимой жене. Надежда Ивановна поддерживала мужа в борьбе с болезнью. Смерть сына спровоцировала у живописца тяжелейшую депрессию, он отказался от еды и просил поместить его в больницу. В 1910-м Михаил Врубель скончался. Надежда Ивановна ушла из жизни через 3 года в возрасте 45 лет. 

Ольга Федоровна Серова

«Миниатюрная, с мелкими чертами лица, большими серыми глазами около маленького остренького носика была похожа на голландку, что муж ей неоднократно и говорил. Не имея никаких запросов к своей собственной жизни, она служила Серову, как отклик всех его художественных желаний и обставила его жизнь во вкусе, который ему подходил», — писала Аделаида Симонович о супруге живописца. 

В 1889-м Ольга Федоровна и Валентин Серов венчались в Санкт-Петербурге. Свадьба была скромная, шафером пригласили поэта и драматурга Сергея Саввича Мамонтова. В письмах к друзьям Серов писал, что после заключения брака его жизнь мало изменилась. Ольга взяла на себя хозяйственные заботы; так, именно она следила за ходом строительства дачи в Финляндии. «Ну что же, конопатчики уже постукивают? Так. Ну, а лес возят? Ну, а Петр работает? И рабочих прислал? Ну, а рамы делаются? Так, так. Ну, а вот лодочка, как лодочка поживает? Ну, и как в ней мальчики катаются? Хорошо ли — и слушаются ли они тебя — а? Так, ну хорошо, коли слушаются», — писал Валентин Александрович жене.

Художник скончался в 1911 году в Москве. Ольга пережила супруга на 16 лет.

Мария Петрова-Водкина

Кузьма Сергеевич познакомился со своей музой в 1906 году в Париже. Мария-Маргарита была дочкой хозяйки пансиона, где жил художник. В том же году он сделал девушке предложение. В мемуарах Мария рассказывала, что бросила свои занятия и посвятила все время мужу. Кузьма Сергеевич потребовал, чтобы она прекратила занятия пением. Жизнь в Петербурге оказалась тяжелой; работы живописца почти не покупали, и в семье не было денег. «Я рад, что у меня есть моя Мара, которая с полной доверчивостью входит в мою тяжелую жизнь. Ты занимаешь первое место в моих мыслях и желаниях», — писал Петров-Водкин.

«Ты первая заполнила одиночество моей жизни… Я был для других как пророк, всегда сильный и радостный, для которого не существовало страдания, но сам я замерзал… Я нашел на Земле женщину… На нашем небосклоне взошло солнце, мы заключены один в другом. Наши сердца открыты друг для друга. Теперь мы перенесем все, что пошлет нам жизнь, так как нас двое и нам нечего страшиться на Земле ни за себя, ни за нашу любовь», — значилось в послании художника к жене.

Супруги прожили вместе 32 года. После смерти Кузьмы Сергеевича Мария разыскала в Швеции его пропавшие картины.

Библейский сюжет о возвращении блудного сына - один из самых распространенных в искусстве. Помимо классической трактовки об одумавшихся и раскаявшихся грешниках Рембрандт, уже будучи сам практически нищим и одиноким стариком, вложил тепло и трепет, с которыми вспоминал скончавшихся любимых жен и детей.

Сюжет 

Согласно притче, однажды сын, младший в семье, захотел начать самостоятельную жизнь и потребовал свою долю наследства. По сути, это символизировало, что он желает отцу смерти, ведь раздел имущества происходит только после кончины старшего в роду. Молодой человек получил, что просил, и покинул отчий дом. Жизнь не по средствам, ухудшение экономического положения в стране, где он оказался, привели к тому, что вскоре молодой человек промотал все, что имел. Он оказался перед выбором — смерть или покаяние: «Сколько наемников у отца моего избыточествуют хлебом, а я умираю от голода; встану, пойду к отцу моему и скажу ему: отче! я согрешил против неба и пред тобою и уже недостоин называться сыном твоим; прими меня в число наемников твоих».

Отец при встрече с сыном приказал заколоть лучшего теленка и устроить праздник. При этом он произносит сакраментальную для всего христианства фразу: «Этот сын мой был мертв и ожил, пропадал и нашелся». Это аллегория возвращения заблудших грешников в лоно церкви.

«Блудный сын в таверне» (1635). Другое название — «Автопортрет с Саскией на коленях». 
На полотне Рембрандт изобразил себя в роли блудного сына, растрачивающего отцовское наследство

Старший же сын, вернувшись с полевых работ и узнав, почему затеян праздник, разгневался: «Я столько лет служу тебе и никогда не преступал приказания твоего, но ты никогда не дал мне и козлёнка, чтобы мне повеселиться с друзьями моими; а когда этот сын твой, расточивший имение своё с блудницами, пришел, ты заколол для него откормленного теленка». И хотя отец призвал его к милосердию, из притчи мы не узнаем, какое решение принимает старший сын.

Рембрандт позволил себе отойти от классического текста. Во-первых, он изобразил отца слепым. В тексте не оговаривается прямо, был ли мужчина зрячим или нет, но по тому, что он издалека узрел сына, можно сделать вывод, что проблем со зрением у него все же не было.

Во-вторых, у Рембрандта при встрече присутствует старший сын — высокий мужчина справа. В классическом тексте он приходит, когда уже в доме идет подготовка к празднованию по случаю возвращения младшего брата.

«Возвращение блудного сына» (1666−1669)

В-третьих, сама встреча описана иначе. Обрадованный отец выбегает навстречу сыну и падает перед ним на колени. У Рембрандта же мы видим молодого мужчину, смиренно стоящим на земле, и отца, тихо положившим ладони ему на плечи. Причем одна ладонь выглядит как мягкая, ласкающая, материнская, а вторая — как сильная, удерживающая, отцовская. 

Старший сын держится отстраненно. Кисти его рук крепко сжаты — видна внутренняя борьба, которая происходит в нем. Рассерженный на отца, старший сын должен сделать выбор — принять младшего брата или же нет. 

Помимо главных героев Рембрандт изобразил на полотне и других людей. Кто они, точно сказать нельзя. Не исключено, что это слуги, с помощью которых художник хотел передать предпраздничную суету и светлое настроение.

Контекст

«Возвращение блудного сына» — возможно, последняя картина Рембрандта. Работе над ней предшествовала череда потерь, растянувшихся на 25 лет: от смерти первой, горячо любимой жены Саскии и всех рожденных ею детей до практически полного разорения и отсутствия заказчиков. 

Богатые одежды, в которых изображены герои, были частью коллекции художника. В XVII веке Голландия была сильнейшей экономикой мира. Корабли ее купцов, казалось, были везде — даже с Японией шла торговля (больше Япония ни с кем в то время и не торговала). В голландские порты стекались диковинные товары. Художник регулярно прогуливался там и скупал необычные ткани, украшения, оружие. Все это потом использовалось в работе. Даже для автопортретов Рембрандт наряжался в заморское и примерял на себя новые образы.

«Пир Валтасара» (1635)

Судьба художника

Рембрандт родился в Лейдене в семье зажиточного голландца — владельца мельницы. Когда мальчик объявил отцу, что намерен стать художником, тот поддержал его — тогда в Голландии было престижно и прибыльно быть художником. Люди были готовы недоедать, но не скупились на картины. 

Отучившись три года (что было достаточно для начала собственного дела, как тогда считалось) у своего дяди — профессионального художника, — Рембрандт с другом открыл мастерскую в Лейдене. Заказы хотя и были, но довольно однообразные и не увлекали. Работа закипела после переезда в Амстердам. Там он вскоре познакомился с Саскией ван Эйленбюрх, дочерью бургомистра Леувардена, и недолго думая женился.

«Ночной дозор» (1642). Картина, которая рассорила художника со всеми заказчиками, изображенными на полотне

Саския была его музой, вдохновением, светочем. Он писал ее портрет в различных одеяниях и образах. В то же время она была из состоятельной семьи, что позволяло им еще и жить на широкую ногу. Последнее обстоятельство раздражало родственников Саскии — классических фламандцев, не переносивших разнузданную жизнь не по средствам. Они даже подали на Рембрандта в суд, обвинив в расточительстве, но художник предъявил, как сказали бы сегодня, справку о доходах и доказал, что гонораров им с женой вполне хватает на все капризы. 

После смерти Саскии Рембрандт на некоторое время впал в депрессию, даже перестал работать. Обладатель и без того неприятного характера, он стал окончательно беспощаден к другим — был желчен, упрям, своеволен и даже груб. Во многом поэтому современники старались ничего не писать о Рембрандте — плохое неприлично, а хорошего, видимо, не было.

Хендрикье Стоффелс (1655)

Постепенно Рембрандт ополчил против себя почти всех: и заказчиков, и кредиторов, и других художников. Вокруг него сложился своего рода заговор — его практически целенаправленно довели до банкротства, вынудив распродать всю его коллекцию за бесценок. Даже дом ушел с молотка. Если бы не ученики, которые сложились и помогли мастеру купить жилье попроще в еврейском районе, Рембрандт рисковал остаться на улице. 

Сегодня мы даже не знаем, где находятся останки художника. Он был погребен на кладбище для нищих. В похоронной процессии шла только его дочь Корнелия от Хендрикье Стоффелс, третьей жены (не официальной, а, можно выразиться, гражданской). После смерти Рембрандта Корнелия вышла замуж и уехала в Индонезию. Там следы ее семьи теряются. Что же до информации о самом Рембрандте, то последние десятилетия она собирается буквально по крупицам — при жизни художника многое было утеряно, не говоря уже о том, что никто целенаправленно не вел его жизнеописание.

Традиционно считается, что картина изображает крестный ход, сопровождающий чудотворную Курскую Коренную икону Божией Матери, переносимую ежегодно, в 9–ю пятницу по Пасхе, из Знаменского собора в Курске и Курскую Коренную пустынь, где икона пребывала до 12–го (24–го) сентября, после чего возвращалась в Курск.

Крестный ход в Курской губернии (1880–1883) — одна из самых знаменитых картин Ильи Репина. 

Крестный ход собирал во второй половине XIX века от 30 до 60 тысяч участников и был в числе наиболее популярных религиозных шествий в России.

Художник критично отнесся к изображаемому шествию. "Чистая" публика, охраняемая конной стражей от "серой" представляет собой некоторого рода фрик–шоу, одно лицо нелепей другого. 

Охрана свирепствует. Чем проще персонажи картины, тем они симпатичнее Репину. Мужики, несущие икону, выглядят уже достойно. Горбун, отгоняемый от иконы, вызывает сочувствие.

В общем, перед нами полотно, сочетающее великолепие живописной техники и традиционное передвижнически–народническое отношение к изображаемому: очевидно, что автор в бога не особенно верует (во всяком случае, не считает нужным таскаться огромной толпой за иконами), а социальное расслоение его расстраивает.

Картина — не фотография. 

Мы знаем церемониал крестных ходов с Коренной иконой, утвержденный еще в 1830–е годы, и это позволяет нам понять, что художник достаточно вольно обошелся с тем, что он видел. Из шествия изъяты все его элементы и участники, которые казались Репину вредными для композиции. 

Например, в реальном крестном ходе участвовало множество кавалеристов Казанского драгунского полка. 

Но, видимо, Репин считал нужным подчеркнуть роль полиции, а армия казалась ему несоответствующей направлению картины — и вот драгуны исчезли. 

Вслед за драгунами исчезли и иные неуместные объекты — например, значки ремесленных цехов Курска. 

В то же время, несомый на носилках золотой артефакт в центре картины не упомянут в церемониале и я не могу найти ему объяснения. 

Во всяком случае, его не следует принимать за Коренную икону — во всех крестных ходах главную святыню традиционно (и в наше время тоже) несут впереди, перед ней носятся только кресты, хоругви и церковные фонари.

Кстати, объект на носилках справа на переднем плане — это тоже не Коренная икона. 

Это большой фонарь с зажженными свечами, особо устроенный для этой церемонии. Его несли сразу же за иконой, которая, следовательно, не попала в картину.

Духовенство поразбежалось.

Курск и Коренную пустынь разделяет 29 километров.

Путь этот, запросто проходимый любым крестьянином за день, казался непосильным для неприученного к физической нагрузке духовенства. Курский архиерей не сопровождал икону даже до городской черты Курска.

У городской черты отчаливало и курское духовенство. Для дальнейшего сопровождения иконы путь разбивался на четыре отрезка, на каждом из которых икону сопровождало сельское духовенство: благочинный, шесть священников и четыре диакона. И только у самого монастыря крестный ход встречала его братия с архимандритом.

Репин, не придерживаясь фотографической точности, еще более усилил эту ноту: на картине мы видим всего лишь двух священников, двух иеромонахов и диакона. 

В сравнении с несметной толпой простого народа духовенство почти что отсутствует. При этом, по–видимому, четыре священника на являются официальными участниками, они идут в толпе. 

В общем, из одиннадцати духовных лиц, назначенных сопровождать икону, десять куда–то слиняли, оставив дьякона отдуваться за всех.

Репин попал в самую точку: духовенство, а в особенности ученое, академическое, мало одобряло религиозный стиль простого народа, связанный с почитанием артефактов. Архиереи, начиная с елизаветинской эпохи, относились к мощам, иконам, крестным ходам, лобызанию святынь и пр. с позиций, напоминающих англиканскую Низкую церковь: нам самим это не интересно и кажется ненужным, но если кто–то верит, то мы мешаться не будем.

Кстати сказать, и сам крестный ход был запрещен курским епископом с 1767 по 1791 год: архиерею было неприятно, что духовенство курского собора и братия Коренной пустыни собачатся между собой по поводу разделения доходов, получаемых от святыни.

Расчистив полотно от духовных лиц, Репин говорит зрителю: перед вами вера простого народа и правящего класса, которые при этом не могут объединиться в вере и преодолеть социальные барьеры, но не вера духовенства. 

Бояре, мужики и полиция прилежно тащатся по жаре за святыней, волоча за собой свои привычные конфликты, духовенство же тем временем куда–то слилось.

Очень мало полиции.

Полиция на картине — отличная иллюстрация принципа "правда жизни не есть правда искусства". Картина кажется переполненной полицейскими, которые кого–то бьют, стращают и не пускают. 

На самом же деле на всю огромную толпу приходится четыре чина полиции: становой пристав, его помощник и два урядника (это нижние чины).

Все остальные конные люди с бляхами — это выборные должностные лица сельских обществ, сельские старосты либо сотские. 

И не мудрено: по нормативам той эпохи на 2500 человек сельского населения приходился лишь один штатный чин полиции. 

Всех остальные — нечто вроде дружинников, которых привлекли к охране порядка принудительно — от выбора в сельские старосты и сотские нельзя было отказаться, а сотским часто даже и не платили, а вот распоряжения полиции (например, явится для охраны церковной процессии) они были обязаны выполнять.

В нашу эпоху после появления на улице старичка с написанным от руки плакатиком "миру–мир" в течение трех минут появляется автобус с омоном и десять сотрудников центра "Э" в штатском. 

Не так была устроена старая Россия: толпа в тридцать тысяч человек спокойно шла через полуезда в сопровождении четырех полицейских. 

Не зная будущего, современники (и явно Репин в их числе) наивно считали Россию страной, переполненной полицейскими, что и отразилось на нашем полотне в полной мере.

Заметим, что икону было от чего охранять. В 1898 году двинутый на всю голову юноша Анатолий Уфимцев устроил в Знаменском соборе взрыв с целью уничтожить икону. 

Государь император не продемонстрировал рвения в защите чувств верующих от кощунников, ожидаемого от властей сегодня: учитывая, что идиот устроил взрыв ночью, чтобы не пострадали люди, царь повелел прекратить уголовное преследование и просто сослал его на пять лет в Акмолинск.

Репин Илья "Горбун.Этюд к картине.1881 Холст,масло, 63 на 52 Государственный Русский музей

Репин Илья "Богомолки-странницы".Этюд к картине 1878 Холст,масло, 73,3 на 54,5 Третьяковская галерея
«Богомолки-странницы. Этюд к картине «Крестный ход в Курской губернии»

Лес. 

Процессия проходит мимо пригорка, на котором совсем недавно рос лес, срубленный самым варварским образом.

Вместо того, чтобы провести в разновозрастном лесу выборочную рубку зрелых деревьев, весь лес просто свели под корень. 

Это — проявление огромной экологической проблемы той эпохи, обезлесения Центральной России. Сельское население быстро росло, и крестьяне, остро нуждавшиеся в земле (равно как и помещики, остро нуждавшиеся в деньгах), приступили к бесхозяйственному и вредоносному уничтожению лесов.

Результаты не заставили себя ожидать: климат попортился, засухи усилились, реки стали более полноводными весной и маловодными зимой. 

В широком смысле, вязкая жара, хорошо переданная художником (разумеется, все крестьяне в процессии надеются на то, что икона пошлет им дождь, необходимый для урожая), и есть следствие видимого нами вырубания леска.

Бедность. 

На переднем плане мы видим фонарь, который несут мужики, явно приодевшиеся по праздничному случаю: на них надеты добротные синие кафтаны, подпоясанные пестрыми кушаками. 

Мы видим ноги пятерых, и все они в лаптях. Невозможно поверить, что эти люди имели сапоги, но их не надели. 

Охранник, преграждающий путь горбуну, тоже в лаптях. И только более важный староста, сопровождающий толстую барыню с иконой, является счастливым обладателем сапог.

Титан русской социальной живописи Илья Репин в свою бытность в Париже очень увлекался импрессионизмом, близко дружил с Мане, писал парижские сценки в импрессионистическом ключе, за что даже получил резкую критику от своего коллеги Крамского. Но французские импрессионисты его не приняли, упрекая Репина в "непонимании красоты". Русский маестро был уязвлен, и решил заткнуть рот французам, написав огромное (3,2*2,3 м) полотно, где он смог показать свое виртуозное владение импрессионистическими приемами. Сюжет картины был выбран исконно русский - новгородская былина о Садко, выбирающем себе невесту. Перед русским купцом проходит череда заморских разряженных красавиц ,

но сам Садко смотрит на одну единственную - русскую девушку в крестьянской одежде, которая не вошла в нарядный кортеж и стоит поодаль, в правом верхнем углу картины.

В ходе этой длительной работы художник потерял к ней интерес, тем более, что долго не мог найти заказчика, которым позже стал великий князь Александр, будущий Александр 3й. В этом полотне выполнена импрессионистическая программа - показать воздействие среды на состояние лиц и предметов.

Пронизанное светом морское дно Репин писал в парижском аквариуме.

Картина была выставлена в парижском салоне в 1876, но успеха не имела. Однако в России, благодаря ей, Репин обрел признание и получил звание академика.

Часть 1

Беру в руки затрепанный, изрезанный и зачитанный путеводитель по музею Пикассона английском языке: на русском в то время ничего и нигде не было. Это сейчас, говорят, есть путеводители во всех музеях Парижа на русском.

Вспоминаю это поразительное место с поразительными картинами, которые долго не оставляли меня не только после похода в музей, но и по возвращения в Россию, став символом того, что со мной случилось в Париже.

Моя квартира тогда тоже превратилась в музей Пикассо, где репродукции любимых картин, вырезанных, за неимением лучшего, из путеводителя, нашли свой приют, долго сохраняя аромат той французской весны.

И я снова окунулась в атмосферу любви и обаяния великого Пикассо и незабываемого Парижа.
В мир, в котором любовь, измена, смерть, слезы, мечты и мудрость переплелись так тесно, что их невозможно отделить друг от друга. Любовь и вечная женственность... Даже через двадцать лет, прикасаясь к картинам Пикассо, чувствую аромат той любви с горечью пополам.

Музей Пикассо в Париже – музей в квадрате. Само здание является уникальным историческим памятником архитектуры эпохи Людовика XIV. Особняк построен в середине 17 века для одного из предпринимателей, который нажил свои капиталы на налоге на соль. Поэтому замок получил название «Сале», что означает соляной. Потом хозяин разорился и здание стало переходить из рук в руки, пока не было выкуплено муниципалитетом Парижа.

После решения об организации здесь музея Пикассо, был объявлен конкурс на лучший проект музея, который бы одновременно сохранил исторический облик особняка. В 1985 году музей был открыт. Уникальна сама экспозиция музея, организованная по кругу со спуском в подвальное помещение,

настолько же витиеватая и сюрреалистичная, как искусство самого мастера. Художник хоть и имел скандальную репутацию, но после смерти уже нельзя было не увековечить его имя во Франции, с которой была связана вся жизнь художника. Даже ударение в фамилии стали ставить на французский, а не испанский, манер.

Музей, усилиями правительства и мэрии Парижа, стал лучшим музеем из числа посвященных гениальному Пабло Пикассо. Отличается музей от других тем, что в нем собраны картины, рисунки, скульптуры, письма и дневники, хранившиеся в доме художника, фактически – весь его личный архив.

Часть своей коллекции Пикассо передал в дар музею в Барселоне, остальная часть, которую пополнял художник до конца своей жизни, скупая собственные картины, была передана музею в счет уплаты налога на наследство наследниками.

После смерти Жаклин Рок, последней жены Пикассо, в соответствии с ее завещанием, музею была передана еще часть наследия художника, а позднее ему передано еще часть уже родственниками художника.

Так постепенно музей стал не только центром, хранящим несколько тысяч его картин, картин любимых им художников, скульптур, графических работ и рисунков, но и писем, книг, заметок и библиотеки, что сделало музей центром изучения и исследования наследия художника.

Я не знаю, какие чувства испытывает тот или иной посетитель музея, но меня потрясло то, как менялся стиль художника в зависимости от женщины, с которой в тот период он был близок, пусть даже на небольшое время.

Он менялся изнутри, пытаясь стилем передать то, что чувствовал. Не внешнее сходство только, хотя оно все-таки присутствовало, но то, что Пикассо ощущал и видел внутренним взором, прикасаясь к миру каждой из своих муз.

Поэтому я не могу не построить свой образ музея, не выстраивая путь художника по периодам, каждый из которых олицетворял конкретную женщину. Женщина, расщепляемая на мелкие составные части, собираемые художником по своему лекалу, женщина-классицизм; женщина-сон; женщина-слезы; женщина-гордость.

Каждая женщина входила в жизнь Пикассо под своим кодовым названием, меняя его стиль и становясь новым воплощением мастера. Менее всего задевает «голубой период» художника, в котором царит смерть, депрессия, боль от самоубийства лучшего друга, переживаемая долгое время, окрасившая его картины в мрачные темно-синие тона. Фигуры статичны и словно застыли в своей боли и страданиях.

Автопортрет. 1901 год.

Смерть Касахемоса. 1901 год.

Новый период, названный «розовым», знаменует возрождение Пикассо к новой жизни. И во многом благодаря ПЕРВОЙ женщине-музе Фернандо Оливье, вместе с которой он будет почти десять лет.

Фернандо Оливье

Любовь вдохновляла и влияла на колорит его картин. Они стали светлее, жизнерадостнее, постепенно переходя от мрачного темно-синего цвета к теплому розовому, охристому, красному. В это время Пикассо увлечен цирком: он часто и подолгу смотрит на артистов цирка Медрано, который располагаются у подножия Монмартрского холма. Главными его героями становятся, актеры, Арлекин, акробаты.

Актер.1904

Арлекин с бокалом. 1905

Девочка на шаре. 1905 год

Он увлекается африканским искусством с его масками, яркими красками, магией и примитивизмом. В этот же период он начинает искать новый стиль, используя сезанновские мотивы. Так появились угловатые фигуры в розовых теплых тонах, выполненные в манере великого Сезанна, - «Авиньонские девицы». Монументальное и амбициозное полотно, шокировавшее всех, включая Матисса, который пришел в бешенство, увидев картину.

Авиньонские девицы. 1907

Но она стала конечной точкой в поисках Пикассо и началом нового периода, получившим название «кубизма». Его работы в то время мало понятны, но быстро раскупаются, время нищеты кончилось.

Пять купальщиц в лесу

Три женщины. 1908

Вскоре в его жизни появляется новая муза – Марсель Умбер. Хрупкая, легкая, артистичная, музыкальная Ева.

Марсель Умбер

Молодая женщина пленила его, став символом изящества и нового периода в жизни Пикассо. Он пишет ее портреты в основном в виде музыкальных инструментов в стиле синтетического кубизма, в который вступает художник под влиянием новой музы.

Скрипка. Я люблю Еву

Но в его картинах неискушенному сложно найти реальный образ женщины, однако они проникнуты такой нежностью и любовью, что словно оживают от прикосновения глаз влюбленного Пикассо.

Скрипка. Я люблю Еву. 1912 год.

Счастливы они были недолго. В 1915 г. Ева умирает от чахотки. А кубизм, раскрепостив мастера, дал ему свободу: теперь он понял, что только искусство его может интересовать по-настоящему, от которого он не устанет никогда.

А женщины, которые потом в его жизни периодически появлялись и исчезали, были только до того момента, пока вдохновляли мастера на новые шедевры. Третья женщина-муза – Ольга Хохлова, русская балерина из труппы Сергея Дягилева. Она появляется в жизни Пикассо в 1917 г.

Портрет Ольги в кресле. 1917

Влюбленный в нее, он решается на брак, который, как думал, будет вечным, о чем говорит брачный контракт. В нем зафиксировано, что картины художника будут делиться между супругами поровну. Потом это стало причиной отказа Пикассо от развода: он был просто физически расстаться со своими картинами, которые требовала Ольга. Так ее тень преследовала его еще 20 лет вплоть до ее смерти в 1955 г..

Ольга Хохлова. Первая жена 1923

Начинается новый период творчества художника – классический и неоклассицизм, который был очень созвучен классической русской балерине. Утонченная Ольга была умна, имела хороший вкус, была склонна к буржуазному образу жизни и роскоши.

Поль Гоген «Автопортрет в шляпе» (фрагмент) Поль Гоген всегда легко увлекался и расставался без сожаления. Две главные женщины в его жизни были полной противоположностью друг другу. Пышнотелая грубоватая датчанка...

И смуглая покладистая таитянка...

С первой Гогена связывали 12 прожитых вместе лет и пятеро детей... Метте с детьми

Со второй — страстный, но скоротечный «туристический» брак. Поль Гоген "Ареареа" (Озорна штучка)

Однако несмотря ни на что обе эти женщины оставили самый заметный след и в душе художника, и в его творчестве. Поль Гоген "В лесу Сен-Клу"

С молодой датчанкой Метте Софи Гад Поль Гоген познакомился в Париже в 1872 году. Будущий художник только недавно устроился на работу в контору биржевого маклера, а девушка работала гувернанткой детей премьер-министра Дании. Поль Гоген "Поляна"

В январе следующего года они обручились, а в ноябре сыграли свадьбу. Вскоре у супругов родился первый ребенок, и их дела пошли в гору. Гоген получил высокооплачиваемую работу в банке, денег с лихвой хватало и на достойную жизнь семьи, и на главное увлечение Поля — живопись. Довольно долгое время Гоген оставался лишь ценителем и коллекционером чужих произведений,но в конце концов начал писать и сам. Поль Гоген. Сена у Понт-д'Иена

Первые годы совместной жизни Поля и Метте на первый взгляд были совершенно счастливыми и беззаботными. Они произвели на свет пятерых прекрасных детей,были полностью обеспечены материально и вели довольно активную светскую жизнь. Поль Гоген.Метте Гоген, спящая на софе

Однако Гогена не устраивала роль «воскресного художника», ему хотелось больше писать, выставляться и продавать свои картины. Поэтому, когда во Франции грянул экономический кризис, Гоген счел это знаком, уволился и решил полностью посвятить себя искусству. Поль Гоген. Метте Гоген в вечернем платье

Художник перевез оказавшуюся на грани нищеты семью в Руан, чтобы уменьшить траты. Коллекцию картин пришлось продать, поскольку работы самого Гогена не находили спроса. Поль Гоген. Портрет мадам Гоген

Метте была недовольна такими кардинальными переменами. Мало того, что ей и ее детям пришлось жить в глуши, страдая от безденежья, так еще и муж отказался искать новую денежную работу, следуя за глупой мечтой. В доме Гогенов все чаще разгорались ссоры. В конце концов, Метте не выдержала, забрала детей и уехала к семье в Копенгаген. Поль Гоген "Кловис"

В Дании Метте была вынуждена найти работу: она стала учить французскому языку местных детей. Вскоре она уговорила мужа воссоединиться с семьей в Копенгагене. Здесь художник чувствовал себя еще хуже, чем в Руане. Поль Гоген.Портрет дочери Алины

Он не знал языка, ему пришлось работать продавцом брезента, а семейство жены относилось к нему в лучшем случае с презрением. В 1885 году супруги окончательно расстаются, и Гоген возвращается в Париж. Поль Гоген. Алина Гоген с братом

Поль и Метте больше ни единого дня не проживут под одной крышей. Однако на протяжении следующих нескольких лет художник будет постоянно писать бывшей жене: в своих письмах он жалуется на жизнь, хвастается успехами,рассказывает о своих путешествиях и делится размышлениями. Иногда Гоген ударяется в критику и обвинения. В один из самых тяжелых периодов своей жизни, весной 1886 года, он упрекает Метте в том, что она скорее мать, чем жена. Поль Гоген