Михаил Нестеров родился в Уфе. Семья его было глубоко религиозной. С детства Мишу влекла природа, он был чуток к ее красоте и восприимчив к ее языку. Отец поддержал тягу сына к искусству и отправил в Москву учиться.

Первой значительной картиной был «Пустынник». После экспонирования ее на выставке передвижников о Нестерове заговорили как об одном из выдающихся живописцев того времени. Современники отмечали, как поразительно глубока внутренняя гармония, связывающая человека и природу в его картинах.

«Пустынник», 1888 — 1889

После «Видения отроку Варфоломею» (1889−1890) Нестерову впервые предложили расписывать храмы. Неуверенность, принять ли это предложение, в итоге была преодолена, и 22 года своей жизни художник отдал церковным росписям и иконам. Религиозная тема, которая так прочно вошла в творчество Нестерова, сподвигла его на путешествие на Соловки. Монастырь, окруженный суровой природой, жизнь монахов, сильных духом, впечатлили художника. Долгое время в его картинах звучала тема блаженного общения верующего человека с природой.

Читать далее...

.
Илья Ефимович Репин "Абрамцево. Летний пейзаж". 1880. Холст, масло. 522 х 490 мм. Государственный музей-усадьба В. Д. Поленова

Единение человека и природы, гармония старого и ветхого с нежным и аристократичным, а ещё особенная колористика и увлекающая вглубь композиция – всё это о «Летнем пейзаже», написанном в 1879 году Ильёй Репиным.
Место действия — Абрамцево, владения друга Репина Саввы Мамонтова; действующие лица – супруга художника, гуляющая по дикому заросшему парку; время действия – один из летних деньков.
Насыщенные тёмные зелёные краски вкупе с густой чащей и разваливающимся хлипким мостиком, казалось, должны создавать гнетущую тяжёлую атмосферу, однако, этого не происходит.
Героиня в светлом элегантном платье будто бы освещает всю картину изнутри. Она прогуливалась по саду и на секунду остановилась на мосту, прислонилась к ненадёжным перилам, пребывая глубоко в своих размышлениях и наслаждаясь тишиной, чтобы после продолжить свой променад по заросшему уголку сада.
Этот момент и выхватил Репин, создав прекрасную картину, которую можно смело назвать одним из лучших примеров русской пейзажной лирики в его творчестве. Пройдёт время, и героиня картины расстанется с художником – причин мы точно никогда не узнаем, так как живописец никогда не афишировал свои семейные проблемы.
Однако замечательная картина «Летний пейзаж» навсегда впишется в русское изобразительное искусство, поражая своим техническим и колористическим воплощением.
источник:Геннадий Занегин> Арт Энциклопедия

.
Исаак Ильич Левитан "Буря. Дождь" 1899 Холст, масло 154 x 214 Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева.

Эта картина была написана в 1899 г. Она является чуть — ли не последней крупной работой великого художника.
Перед зрителями предстает вид с холодным осенним небом. С серыми растрёпанными облаками. Плотная хмарь раскинулась уже на полнеба. Чувствуется во всем приближение грозы.
Косыми струями дождя закрывается все видимое пространство. Ветер рвет потемневшую от ненастья траву и развивает ее вместе, с желтеющими свежими опилками. Порывы ветра настолько сильные, что тонкие березки согнулись до земли.
Такие же согнутые силуэты деревьев и на дальнем плане. Спокойными ко всему происходящему остаются пни деревьев и аккуратно сложенные в поленницу дрова. Холодный ливень их тоже поливает. И вид у них унылый и сиротливый.
Выдающемуся русскому пейзажисту первому удалось передать печальную силу неизмеримой дали русской непогоды. Зрители видят в картине усиление повествования путем использования художником живописных и композиционных средств.
Здесь наблюдается необычность сюжета и экспрессия трактовки. В картине заложен основной тон в тяжелых, холодно рыжих оттенках. В произведении использованы и теплые цвета, но художник их специально оставил приглушенными.
Перед зрителем предстают хаотично разбросанные, благодаря широким мазкам, трава, опилки. И от этого всего кажется, что оно все раскидано налетевшим непонятно откуда ветром. Изображение березняка на горизонте и неба было сделано с помощью легких мазков. Темные, почти, что черные тона, а также светло-серые использованы для его изображения.
Картину можно назвать панорамой из-за ее вытянутости и сгибания деревьев. В 1899 была Передвижная выставка, и там экспонировалось это произведение. Картина получилась со своей нервной, экспрессионной трактовкой и сюжетом, поэтому на нее сразу обратили внимание.
автор:Геннадий Занегин >в Арт Энциклопедия







Читать далее...

На одном из сайтов увидела подборку картин с пометкой "Самые лучшие картины Айвазовского" и не стала спорить.... Ведь, согласитесь, выбрать понравившиеся работы гениального художника из более чем 6000 очень непросто, да и вообще их лучше смотреть в оригинале. А подборка эта на меня тоже произвела впечатление. Предлагаю ее вашему вниманию, сопроводив историей о большой любви Ивана Константиновича, красной нитью прошедшей через всю его жизнь.


Закат, 1866

Оркестр Поля Мориа

Жены у него было две, а любовь - одна, в документах незарегестрированная.

Влюбился он в 1837 году, когда ему едва сравнялось 20. И кто бы не влюбился? Ею были увлечены все в те годы в Петербурге, где молодой Айвазовский учился в Академии изобразительных искусств. Балерина из Италии Мари Тальони покорила столицу России. Она танцевала через день, не жалея себя, но и этого всем было мало.

Однажды, возвращаясь из академии домой, Айвазовский не заметил несущуюся вскачь упряжку. Успел отбежать, но, потеряв равновесие, упал. В экипаже сидела дама под белой вуалью. Испуганная, она говорила по-французски. Аромат духов, грациозность, изящество - все это вскружило голову пылкому юноше. Пока незнакомка подвозила молодого человека к его дому, он все время бормотал: "Не беспокойтесь, не беспокойтесь". На прощание дама поинтересовалась, как зовут жертву кучерской неосторожности, но сама так и не представилась. Слева портрет Мари Тальони неизвестного художника.

Бриг Меркурий после победы над двумя турецкими судами

Читать далее...

Одна из самых красивых площадей города Брюгге, бывшая некогда портовой гаванью для прибывающих судов, носит имя Яна Ван Эйка - лучшего из живописцев, когда-либо проживавших здесь.





Сам он тоже стоит на площади - в том же головном уборе (теперь я знаю. что это не тюрбан!) и с тем же саркастическим выражением лица, что и на знаменитой картине, которую условно называют автопортретом, и, похоже, так оно и есть.


Предполагаемый автопортрет.

Именно с его именем связывают переход от условной стилизации готической живописи к блестящему реализму Северного Возрождения.

О Ван Эйке крайне мало биографических данных - то ли в 1385 году родился, то ли в 1400-м, не то в Лимбурге, не то в Маасейке (последнее вероятнее), один из четырех детей в довольно знатной семье, сумевшей хорошо образовать отпрысков. Надо сказать, что образ, который рождается при чтении разнообразных биографий художника - довольно привлекателен: похоже, Ван Эйк был настоящим "человеком Возрождения" - не только гениальный живописец, но и ученый, хорошо разбирающийся как в точных науках, так, например, в ботанике, знающий как минимум пять языков, в том числе и древнееврейский, он был и архитектором, и организатором придворных празднеств, и дипломатом, и просто хорошим другом бургундского герцога Филиппа Доброго.

Среди множества фактов, говорящих о высоком положении Ван Эйка при дворе, например, история о том, как он дважды ездил в Португалию сватать для своего герцога принцессу Изабеллу, и со второй попытки ему это удалось. Тогда же он написал несколько ее портретов. Фламандский портретист-дипломат - за два века до Рубенса!

Что касается его живописи, то здесь приходится грустно констатировать, что ни одна фотография, даже самая качественная, не передаст не прозрачных, светящихся изнутри, тончайших лессировок, ни абсолютно материальных и осязаемых поверхностей резного дерева, мрамора или металла, ни восхитительных фактур бархата, шелка или золотого шитья на его картинах. Да, работы этого автора интересны и своеобразным видением мира (у Ван Эйка он немного сказочный и мистический), и нетривиальной символикой деталей, но лично меня в нем более всего восхищает именно живописная манера - тончайшая, виртуознейшая, филигранная. И хотя Ван Эйк не был (как ошибочно пишет Вазари) изобретателем масляных красок, но, совершенствуя эту технику, достиг непревзойденного мастерства.

Мое первое сильное впечатление он Ван Эйка когда-то было связано с картиной "Мадонна канцлера Ролена" с безмерным и многоплановым пространством позади главных героев - с двумя смешными зеваками на баллюстраде (сейчас предполагают, что тот, который в красном шапоне, сам художник), а еще дальше - река, мост с толпящимися на нем фигурками, остров с замком, а за ними - еще какие-то панорамные виды. И все это проработано до мельчайших деталей!

Читать далее...

.
На фото — картина кисти Исаака Ильича Левитана «Озеро. Русь» (1900), Государственный Русский музей, Санкт-Петерубрг, Россия.

4 августа день памяти великого русского живописца Исаака Ильича Левитана (30 августа 1860 — 4 августа 1900). Эта картина «Озеро. Русь» (1900) — «лебединая песня» художника — была написана незадолго до его смерти и осталась незавершенной.
И, тем не менее, она производит потрясающее впечатление — светлое, радостное, доброе, наполненное верой в будущее.

«В мастерской осталось недописанным самое большое левитановское полотно. Он работал над ним самозабвенно. Этой яркой, ликующей по краскам картиной художник как бы прощался с жизнью. В ней пылкая привязанность к отчизне, преклонение перед роскошью природы и осуждение нищеты человеческой жизни.
В этом полотне — весь Левитан, итог его короткой, мучительной и яркой жизни. Для себя он назвал картину "Русью", для всех подписал: "Озеро". Но мыслилась она именно как "Русь".
Когда вы подходите к этой картине в левитановском зале Русского музея, вас ошеломляет волшебство кисти художника. Он писал ее долго, но считал незаконченной. Мы не видим усилий мастера. Ему же она казалась замученной. Он мечтал подняться после болезни и все прописать заново. Облака, словно пена, плывут по небу и таким же легким мерцающим отражением придают воде загадочный оттенок.
Если Клода Моне называли "Рафаэлем воды", то Левитана можно было с полным основанием назвать "Рафаэлем неба". Вы ощущаете почти зримо прозрачный осенний день, когда воздух упруг и чист. Вы видите, как быстрая тень чуть касается прибрежного холма…»

/Фрагмент из книги Софьи Пророковой «Левитан», «Молодая гвардия», серия ЖЗЛ, 1960/









Читать далее...

Питер Брейгель-старший был пророком в своем роде. Те идеи, которые он зашифровал в своих картинах, и тот код, который он для этого придумал, удивляют и восхищают нас не меньше, чем людей 16 века. Известные религиозные сюжеты, вплетенные в прозаическую канву, приобретают новые смыслы, которые не теряют актуальности от века к веку.

Сюжет

Шесть слепых цепочкой движутся по наклонной. Поводырь оступился, и вслед за ним летит в яму еще один слепой. Остальных ждет то же, если они не «прозреют».

Сюжет основан на библейской притче (Матф. 15:14): «Оставьте их: они — слепые вожди слепых; а если слепой ведет слепого, то оба упадут в яму». Брейгель, использовав первоисточник, постарался воплотить идею о «слепом» обществе, лишившемся воли к борьбе и пассивно следующем за судьбой-фортуной.

Читать далее...

.
Иван Николаевич Крамской "Неутешное горе". 1884. Холст, масло. 228 × 141 см . Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина «Неутешное горе» была задумана и писалась под впечатлением от личной трагедии, постигшей художника — смерти его младшего сына Марка в 1876 году.
На картине изображена скорбящая женщина в траурном чёрном платье — в её чертах угадывается сходство с женой художника Софьей Николаевной.
Крамской работал над этой картиной около четырёх лет. Прежде чем остановиться на окончательном композиционном решении, он создал несколько предварительных вариантов.
Крамской рассказывал про окончательный вариант картины: "Остановился, наконец, на этой форме, потому что больше двух лет эта форма не вызывала во мне критики".
В окончательном варианте картины художник чрезвычайно сдержан в показе внешних проявлений человеческих чувств.
Они главным образом сосредоточены в глазах женщины и в её руках. Одной рукой она прижимает к губам платок, другая рука опущена. Глаза отрешённые, полные безысходной тоски.
Владимир Порудоминский так писал об этой картине в своей книге о Крамском:
" Женщина в черном платье неопровержимо просто, естественно остановилась у коробки с цветами, в одном шаге от зрителя, в единственном роковом шаге, который отделяет горе от того, кто горю сочувствует, — удивительно зримо и законченно легла в картине перед женщиной эта взглядом лишь намеченная пустота. Взгляд женщины (глаза не трагически темные, а буднично покрасневшие) властно притягивает взгляд зрителя, но не отвечает на него. В глубине комнаты, слева, за портьерой (не за портьерой-декорацией, а портьерой — обычным и малозаметным предметом обстановки) приоткрыта дверь, и там — тоже пустота, необыкновенно выразительная, узкая, высокая пустота, пронизанная тускло-красным пламенем восковых свечей (все, что осталось от светового эффекта)."

Когда картина была готова, Крамской написал Павлу Третьякову: «Примите от меня эту трагическую картину в дар, если она не лишняя в русской живописи и найдёт место в вашей галерее». Третьяков взял картину в свою коллекцию, но заставил художника принять за неё деньги.
В Саратовском художественном музее имени А. Н. Радищева хранится карандашный набросок этой картины, который композиционно соответствует живописному произведению.
В поэме «Москва-Петушки» картина "Неутешное горе" преследует главного героя в пьяном бреду: так, в вагоне электрички «женщина, вся в чёрном с головы до пят, стояла у окна и, безучастно разглядывая мглу за окном, прижимала к губам кружевной платочек».
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

.
Владимир Лукич Боровиковский "Портрет М. И. Лопухиной",1797, 53.5×72 см • Масло, Холст, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту её Боровиковский спас.
Так часть души её от нас не улетела,
И будет этот взгляд и эта прелесть тела
К ней равнодушное потомство привлекать,
Уча его любить, страдать, прощать, молчать.....
(Я.П.Полонский).

Многие искусствоведы сходятся во мнении, что «Портрет Марии Лопухиной» – вершина сентиментализма в русской живописи.
Картина Владимира Лукича Боровиковского представляет собой пример удивительной согласованности человека и природы. Кажется, что природа – часть души женщины, а она сама – частица мира. Голубые васильки перекликаются с цветом пояса на платье, свежий румянец на щеках молодой женщины служит антитезой увядающим розам, небрежно свисающая рука гармонирует со склоненным колосьям. Все эти повторы, противопоставления и ритмические соединения образуют единое целое. Портрет и пейзажный фон плавно перетекают друг в друга.
С этой картины Владимира Лукича Боровиковского начался новый этап в русской портретной живописи. Впервые мы видим, как элементы пейзажа, а не предметы интерьера подчеркивают и оттеняют изображенный образ, делая упор не на социальную значимость или статус героини и даже не на ее внешность как таковую, а на интимные стороны характера, глубокие движения души изображенной женщины.

Мистика «Портрета Марии Лопухиной»

Образ увядающих роз на картине трактуют как символ скоротечности женской красоты. В случае с Лопухиной этот символизм проявился буквально.
Мария происходит из дворянского рода, она старший ребенок в семье (еще было четыре сестры и два брата). Отец семейства Иван Андреевич Толстой увлекался мистицизмом и числился магистром масонской ложи, что внесет в будущем существенную лепту в слухи о портрете Владимира Лукича Боровиковского. Мария Лопухина, кстати, состоит в отдаленном родстве со Львом Толстым – знаменитый писатель приходится ей двоюродным племянником.
Марию, 18-летнюю девушку, по родительскому сговору, как чаще всего происходило в те годы, выдали замуж за Степана Лопухина, действительного камергера при дворе Павла I. Супруг был на 10 лет старше. Портрет, написанный Владимиром Лукичом Боровиковским, стал его первым подарком молодой жене.
Заключаемый родителями брак далеко не всегда мог обеспечить семейное счастье. Марии Лопухиной – не обеспечил, и даже портрету не суждено было стать счастливым талисманом. Настоящей близости с мужем у Марии не сложилось, а возрасте 23-х лет она умерла от неизлечимой на тот момент чахотки. И хотя позднее поэт Яков Полонский напишет о картине и ее героине: «Но красоту ее Боровиковский спас», – в те годы с ним бы вряд ли согласились. Ведь по Москве прокатился зловещий слух о том, что виновен в смерти Лопухиной… портрет!
Суеверие гласило, что если молодая девушка посмотрит на картину вблизи, то непременно в ближайшее время умрет. По некоторым данным, портрету приписывали гибель десяти барышень на выданье. Страшным шепотом горожане пересказывали друг другу слухи: дескать, отец Марии завлек в картину дух умершей дочери, и теперь он похищает жизни молодых женщин, которые осмелятся приблизиться к портрету.
Племянница Марии Лопухиной Прасковья Толстая не испугалась этих рассказов и забрала картину к себе. Позднее она вышла замуж за московского губернатора Перфильева. Павел Третьяков увидел картину у них в доме, пожелал ее приобрести для своей галереи, и ему это удалось.

Автор:Алена Эсаулова








У женской красоты недолгий век,
И, древние законы соблюдая,
С тех пор, как люди изгнаны из рая,
Родится смертным каждый человек.

Промчатся дни и годы, как во сне,
Забудется прекрасной дамы имя,
Но сохранит ее черты живыми
Слой краски на старинном полотне.

Музей открыт. Везде простор и свет.
Давно прошедший век. Боровиковский.
Богатства галереи Третьяковской,-
И взгляд живой из бездны прошлых лет.

Облокотясь рукой на парапет,
Она глядит из золоченой рамы.
Пленяет сердце облик юной дамы,
И оживает предо мной портрет.

Небрежны жест и головы наклон,
Туманны сада призрачные дали,
Глаза прекрасны и полны печали...
Что видит взор ее сквозь тьму времен?

Судьбу она предвидит - или нет?
Тоскливых дней холодное ненастье,
Жизнь без любви, замужество без счастья,
Смерть от чахотки в самом цвете лет...

Прошли века, "и нет уже тех глаз",
Как нет и тех, кто здесь, между живыми,
Лопухиной Марии помнил имя,-
"Но красоту ее Боровиковский спас".

© Copyright: Елена Соловьева 3, 2011
Свидетельство о публикации №111052000340

Аполлинарий Михайлович Васнецов. "Озеро", 1902. 124,2 x 211. Собрание Государственной Третьяковской галереи.

Особое место в творчестве Аполлинария Васнецова занимает картина «Озеро», прозвучавшая своеобразной «лебединой песней» его пейзажа.
Безмолвны холодные светлые воды озера. Как древние стражи его тайны обступили его со всех сторон раскидистые замшелые деревья. Странные белые цветы выросли на краю этого озера. Одинокая женская фигура, собирающая их, торжественно застыла, склонившись за очередным цветком. Интимному, камерному, казалось бы, мотиву живописец придал значительность, своеобразно монументализируя лирическое переживание.
Художник Нестеров назвал эту картину «величественным реквиемом». И в самом деле, кажется, что эта женщина не просто рвет цветы, а собирает, двигаясь неслышными шагами, венок на чью-то могилу.
Необъяснимая притягательность, гипнотизирующее очарование исходят от картины. Достигается это тем, что реальный вид природы оказывается тесно переплетенным с нереальным, сказочным моментом, который передан и художественным строем пейзажа, и его символическим подтекстом.
Пейзаж, основанный на мотивах былин и древних сказаний, волнует нас нераскрытостью тайны этого озера. Но именно оттого, что сказка не рассказана до конца, не показаны ее герои, пейзаж кажется таким чарующим и загадочным.
По живописным качествам «Озеро» - вершина пейзажного наследия Аполлинария Васнецова. Тончайшая гамма разнообразных градаций зеленого цвета, его перламутрово-серебристых оттенков и контрастных охристых вкраплений доносит очарование холодной северной природы.
Обобщение пластических форм позволяет создать ощущение мира, связанного с чем-то нереальным, сказочным. Выразительно причудливое, почти неправдоподобное переплетение мохнатых, раскидистых лап деревьев, четко вырисовывающееся на фоне неба. Известная доля декоративной условности, резкость контрастов светлых и темных тонов усиливают выразительность и необычность природы.
В своем символическом подтексте картина «Озеро» содержит идеи соотношения природы и человека. Вечная жизнь земли, воды и неба противопоставлена бренности человеческого бытия. Величие Матери-земли и воды как символа времени, в котором утонули поколения людей, подчеркивает незначительность действий человека в этой среде.
Надо сказать, что художник при общей близости к приемам и формам развивающегося тогда стиля модерн нашел свой оригинальный язык, по-своему выразил эпичность, сказочность и национальное своеобразие северной русской природы.
«Озеро» завершало путь Аполлинария Васнецова как пейзажиста, мастера эпического жанра
источник:Геннадий Занегин>Арт Энциклопедия










Читать далее...

Василий Дмитриевич Поленов "Бабушкин сад". 1878
Холст, масло. 54,7 × 65 см.Государственная Третьяковская галерея, Москва

После переезда в июне 1877 года из Санкт-Петербурга в Москву молодой художник Василий Поленов снимал квартиру в центре первопрестольной столицы, недалеко от старого Арбата, близ Храма Спаса Преображения, на углу Трубниковского переулка.
В картине «Бабушкин сад» изображен тот же усадебный дом, окружённый садом, что и в «Московском дворике». Появились обе эти работы в одном и том же 1878 году.
Московский особняк и сад вокруг него играют в картине важную роль, давая зрителю наглядное представление о центре города того времени. После опустошительного пожара 1812 года Москва застраивалась дворянскими особняками в стиле классицизма. Представительность деревянным строениям придавали лепные украшения, штукатурка под каменную кладку, портик с колоннами и фронтоном. На картине, правда, усадебный дом выглядит уже несколько обветшало, штукатурка с изъянами, колонны и каменные ступени выщерблены.
В русской живописи Василий Поленов считается одним из зачинателей «пейзажей настроения» вслед за А. К. Саврасовым, перед И. И. Левитаном и К. А. Коровиным.
Если в «Московском дворике» открытое пространство, залитое солнечным светом, создаёт радостное настроение, то в «Бабушкином саду» замкнутость внутри затенённого сада вызывает у зрителя иные ассоциации.
В сюжет своих картин В. Поленов вводит не только природные и архитектурные мотивы, но и сценки повседневной жизни, называя это «пейзажным бытовым жанром». Будучи потомком дворянского рода, художник создает убедительные образы обитательниц «дворянского гнезда», что придает настроению картины ностальгический характер и вносит оттенок литературности. Композиционное решение перекликается с театральными постановками, посвящёнными уходящему миру российского дворянства, по произведениям русских классиков от И. С. Тургенева до А. П. Чехова.
Внимание и любовь к природе художник проявлял с раннего детства. Принципы пленэрной живописи Василий Поленов во многом воспринял от импрессионистов, с картинами которых знакомился во время зарубежной стажировки в качестве пенсионера Академии художеств.
Своё отношение к творчеству художник выразил кратко:
"Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит. "
источник:Геннадий Занегин > АРТ Энциклопедия

Читать далее...

Исаак Ильич Левитан "Вечерний звон", 1892, Холст, масло 87 х 107,6, Государственная Третьяковская галерея, Москва








Мастер несколько раз обращается в своем творчестве к удивительной гармонии русской природы и православных ценностей.
Идея написать монастырь в лучах заходящего солнца зрела у автора достаточно долго. Он тщательно выбирал натуру, приглядывался, делал бесконечные наброски, пока, наконец, не увидел небольшую обитель на берегу Волги.
Обрамляющая монастырь зелень, ленивая река, мостки, а, самое главное, освещение в утренние и вечерние часы, произвели на художника такое сильное впечатление, что вдохновения хватило сразу на две живописные работы, созданные с разным настроением, написанные в разных ракурсах и различающиеся тематически.
В картине четко читаются три плана с символическим значением.
На первом плане берег, затемненный вечерними сумерками. К берегу ведет узкая тропинка, на песчаном пляже устроена маленькая пристань для лодок.
Две пустые лодки ожидают пассажиров, третья, полностью нагруженная уже достигла середины реки.
Символическое значение переднего плана картины несомненно связано с миром земным, суетным и сумрачным. Тонкая тропинка - путь, с которого начинается духовное возрождение.
Сама река в картине, как Стикс в древнегреческой мифологии, символизирует границу между мирами. Лодочная переправа снова отсылает зрителя к мифам Греции: Харон - перевозчик душ за плату в две монеты. Река у мастера становится символом препятствий и соблазнов на пути к Богу.
Главным в работе является дальний план. Здесь мы видим обитель залитую лучами вечернего солнца. Противоположный берег начинается с широкой дороги прямо от воды до монастырских ворот. Башни и купола храмов скромны и сдержанны. Все величие духовного пристанища создается золотистым вечерним светом и розовыми отблесками облаков в небе.
Автор наполнил свою картину призывом к духовному возрождению, которое ведет к жизни в гармонии с природой. Буйная зелень, обрамляющая монастырь со всех сторон, в отличие от скудной растительности на "ближнем" берегу, подчеркивает созвучие и гармонию между храмом и природой.
Автору блестяще удалась водная гладь, отражающая "светлую" сторону реки. Буйство красок, которое расцветило небо на картине, добавляет в настроение работы сказочную и загадочную нотки. Многоплановость и глубокий смысл работы делает ее одной из самых интересных в творчестве великого мастера.
источник:Геннадий Занегин > АРТ Энциклопедия

Василий Григорьевич Перов "Голубятник" - 1874. Холст, масло. 107х80,7, Государственная Третьяковская галерея.

Ощущением счастья, молодости и свободы наполнена эта работа художника. Сюжет прост, легок и понятен, он лишен всяческих сложностей и глубинных смыслов. Перед нами молодой человек, занятый любимым делом.
Голубятни - любимая забава не только московских мальчишек, но и взрослых людей. Развлечение это характерно для натур романтических и энергичных.
Автор создал картину, раскрывающую образ голубятника - сильного, простодушного, открытого молодого парня. Только несколько деталей - выбитый передний зуб, нательный крестик на груди и растрепанные русые волосы - говорят о герое гораздо больше, чем долгие рассказы.
Перед нами несомненно добрый, общительный молодой человек, эмоционального и взрывного темперамента (отсутствие переднего зуба говорит об участии во множестве драк, обычных для мальчишки). Он уверенно держится на козырьке крыши голубиного дома.
Взгляд голубятника обращен высоко в небо, где кружит стая голубей. Вечная мечта человека о полете в этом взгляде, светлая зависть и безграничное счастье. Все говорит о том, что предметом изображения стала молодость и счастье. Видно, что голубятня обустроена с любовью к питомцам, предусмотрена даже занавесь. Сами голуби, выписанные автором точно и со знанием дела, совершенно не боятся человека, видно, что они привыкли доверять своему хозяину и никогда не видели от него никакого зла.
Солнечный свет заливает крышу дома, голубое летнее небо занимает едва ли не половину композиции. Вся композиция картины словно устремлена вверх.
Умело сочетая летние, легкие и спокойные цвета, игру света и тени, автор наполнил свою работу необыкновенной теплотой и жизнелюбием. Зритель заражается положительной энергией и совершенно детским восторгом, царящими к работе мастера жанровой живописи.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин










Читать далее...

Читать далее...

Борис Михайлович Кустодиев "Купчиха за чаем" . 1918. Холст, масло. 120,5х121,2. Государственный Русский музей.

Одним из излюбленных персонажей произведений Кустодиева была дородная, пышущая здоровьем купчиха. Купчих художник писал множество раз — в интерьере и на фоне пейзажа, обнаженными и в нарядных платьях.
Картина «Купчиха за чаем» уникальна по своей впечатляющей силе и гармонической цельности. В сидящей на балконе за столом, уставленным яствами, дебелой, необъятной толщины русской красавице, образ купчихи приобретает подлинно символическое звучание.
Большую смысловую нагрузку несут в полотне детали: трущийся о плечо хозяйки толстый ленивый кот, купеческая чета, пьющая чай на соседнем балконе, изображенный на заднем плане город с церквами и торговыми рядами и, в особенности, великолепный «гастрономический» натюрморт. Спелый красный арбуз с черными косточками, жирный кекс, булочки, фрукты, фарфор, большой самовар — все это написано необыкновенно вещно и осязаемо и в то же время не иллюзорно, а нарочито упрощенно, как на лавочных вывесках.
В голодный 1918 год, в холод и разруху больной художник мечтал о красоте, полнокровной яркой жизни, обилии. Однако смакование сытого, бездумного существования сопровождается здесь, как и в других произведениях Кустодиева, легкой иронией и беззлобной усмешкой.
Вместе с тем, творчество Кустодиева более оптимистично, жизнерадостно и национально.
Помимо станковых произведений Кустодиев, работавший также и в советскую эпоху, выполнил ряд книжных иллюстраций и театрально-декорационных оформлений.
источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин










Борис Кустодиев работал в плакате и в книжной графике. Автор серий картин о провинциальном и крестьянском быте, создавал композиционные портреты, вписывая своих героев в окружающий пейзаж или интерьер.
Учился в Высшем художественном училище при Академии художеств (1896-1903) у В. Е. Савинского и И. Е. Репина.
В 1903 получил звание художника, с 1909 - академик. В 1910 преподавал в частной мастерской Е. С. Зарудной-Кавос, в Новой художественной мастерской в Петербурге.

Михаил Нестеров был художником настроения. Описывая его картины, современники так и сыпали этим словом. Незатейливые срединнорусские пейзажи, с пожухлыми травами и тонкоствольными березками, трогательные и в то же время необъятные просторы стали называть «нестеровскими». Меланхоличных хрупких девушек, чьи лица озарены внутренним светом, также завеличали «нестеровскими». Особое, опять же «нестеровское», настроение было и в полотнах на религиозные сюжеты – за это художника ценили и приглашали расписывать соборы.

В «Видении отроку Варфоломею» живописец собрал все свои «фирменные» наработки. Что из этого получилось?


1889–1890
Холст, масло. 160×211 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва. fotki.com

ДАЛЕЕ

Константин Егорович Маковский. "Свидание" 1866. Картон, масло, 67,2 x 54. Частное собрание.

За свою творческую карьеру Константин Маковский попробовал множество стилей, жанров, техник и композиционных построений. Удивительно, но когда смотришь на работы художника разных периодов, не сразу можно поверить в то, что все они принадлежат кисти одного мастера – Маковский был очень разным и многогранным.
Представленная работа была закончена в 1866 году, и отнести её можно и к портрету, и к жанровой сцене. Молодой автор уже набирал стремительную популярность как талантливый портретист, и изображение героини в картине «Свидание» соответствует основным стилистическим характеристикам Маковского-портретиста.
Фигура девушки выступает на фоне более тёмных декораций (в данном случае это приоткрытая дверь), и в этом отчётливо видно влияние Карла Брюллова и Ильи Репина; облик полон нежности и сдержанного достоинства, а матовая кожа является примером филигранного владения светотени, переданного переливами мягких красок на открытых плечах девушки.
Ещё одна примета женских портретов автора – насыщенные вишнёвые губы, которые мы можем заметить и у очаровательной героини, готовящейся ко встрече с возлюбленным.
«Говорящими» являются и глаза – большие, глубокие, а ещё кроткие и одновременно любопытные, они передают всё состояние дамы. Ещё бы! Ведь через небольшой зазор открытой двери мы видим её гостя, и это юноша с залихватскими усами и в военном мундире.
Зритель стал невольным свидетелем их тайного свидания, а максимальное приближение героев к краю полотна и вовсе делает нас соучастниками этого романтического момента.
Наверняка, сюжет картины соответствовал душевному настрою самого Константина Маковского - в этом же году он сочетался браком с артисткой драматического театра красавицей Еленой Бурковой. Их брак был очень счастливым, хотя и недолгим.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Орест Адамович Кипренский "Бедная Лиза", 1827. Холст, масло. 45 х 39 см., Государственная Третьяковская галерея, Москва.

В 1792 году была опубликована сентиментальная повесть Н. Карамзина «Бедная Лиза», а спустя 35 лет художник Орест Кипренский написал одноименную картину на сюжет этого произведения. В его основу легла трагическая история юной крестьянской девушки, соблазненной дворянином и брошенной им, в результате чего она покончила с собой. Слова Карамзина «И крестьянки любить умеют» многие считали ключевой фразой, объясняющей замысел картины Кипренского. Однако у художника были и глубоко личные мотивы, заставившие его обратиться к этой теме.
Название «Бедная Лиза» действительно отсылает в первую очередь к повести Карамзина.
К тому времени, когда был написан портрет – 1827 год – интерес к этому произведению уже поутих, однако художник посчитал нужным напомнить публике о трагической судьбе девушки.
Есть версия, что эта картина была данью памяти Карамзину, ушедшему из жизни в 1826 году. По сюжету повести, после смерти отца бедная крестьянка вынуждена трудиться не покладая рук, чтобы прокормить себя и мать. Весной она продавала ландыши в Москве и познакомилась там с молодым дворянином Эрастом. Между ними вспыхнули чувства, но вскоре юноша охладел к соблазненной им девушке и оставил ее. А позже она узнала, что он собирается жениться на пожилой богатой вдове, чтобы поправить свое состояние. В отчаянии Лиза утопилась в пруду.
Повесть Карамзина стала образцом русской сентиментальной литературы, а в начале XIX в. на смену сентиментализму пришел романтизм. Романтики провозгласили торжество чувства над разумом, духовного над материальным. В русской живописи того времени постепенно становится доминирующей тенденция выявлять в портретируемом не столько его социальный статус, сколько раскрывать психологическую глубину персонажа.
Кипренский изобразил Лизу тоскующей, с красным цветком в руках – символом ее любви. Однако переживания девушки были близки и понятны художнику не только из-за способности сопереживания литературному персонажу, но и по личным причинам.
По предположению исследователей творчества Кипренского, работая над портретом «Бедной Лизы», он думал о своей матери, судьба которой сложилась драматически из-за ее бесправного положения и социального неравенства с избранником.
Мать Кипренского, так же, как и литературная героиня, стала жертвой законов крепостного времени. Поэтому художник хорошо понимал реальные причины, погубившие бедную Лизу. Иначе он и не мог изобразить крестьянку, чья любовь не имела будущего, так как с ее чувствами никто не считался.
На полотне изображен портрет юной девушки, почти девочки, в которой трудно угадать крестьянку. В изображении все символично — ее одеяния нежнейшего жемчужно-белого и розового цвета призваны подчеркивать невинность девушки, а цветок в руках — символ первой наивной и трогательной любви, жестоко растоптанной неверным любовником.
Нежная цветовая гамма, тщательно прописанные детали, мельчайшие складки рубашки героини, ее выразительное лицо, чуть тронутое румянцем, положение головы — все это приемы романтизма, призванные подчеркнуть наивную свежесть девушки.
Но эпоха Карамзина безвозвратно минула, поэтому на полотне изображен не трагический момент самоубийства Лизы, а ее портрет как символ безвинно загубленной юной жизни. Безупречное мастерство художника навсегда сохранит в нашей памяти образ бедной Лизы.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин









Читать далее...

Часами наблюдая за балеринами, прачками, прислугой, завсегдатаями кафешантанов, Эдгар Дега искал пульс жизни. А затем используя свой новаторский склад ума и настойчивость перфекциониста, он искал способы передачи впечатлений. Это был импрессионизм в полном смысле, хотя сам художник и был во многом не согласен с теми, кто так или иначе причислял себя к этому направлению. Вихрь кружения, прозрачность текстур, динамика и мимолетность - Дега пришлось серьезно постараться, чтобы заворожить зрителя кажущейся легкостью.


Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897
Бумага, пастель. 65 × 65 см
Музей искусств им. А. С. Пушкина, Москва, Россия. Викисклад

ДАЛЕЕ

«Золотая осень» — картина русского художника Василия Поленова (1844—1927), написанная в 1893 году. Из собрания Государственного мемориального историко-художественного и природного музея-заповедника В. Д. Поленова

Картина «Золотая осень» была написана Поленовым в 1893 году, через три года после того, как он поселился в усадьбе «Борок», расположенной на Оке, у деревни Бёхово. На картине изображён вид на Оку в сентябре, в сторону Очковых гор. Многие деревья покрыты жёлтой осенней листвой. Вдали, в правой части полотна, видна белая церковь с колокольней. Для организации пространственной композиции Поленов использовал дугу, соответствующую изгибу реки.
Искусствовед Элеонора Пастон так писала в своей книге о творчестве Василия Поленова:
« В «Золотой осени» художник как бы воплотил свою мечту о высоком искусстве, очищенном от всего прозаического, будничного, о величавых образах искусства, возвышающих душу. Замерла умиротворённо-торжественная природа с её изумительно чистыми красками ранней осени — с мягкой пожелтевшей зеленью лугов и золотом деревьев, прозрачной голубизной реки и нежными красками неба от серо-зелёного и голубого к палево-жёлтым и розовым тонам. Пейзаж дан в широком панорамном развороте, но открывается не сразу. У него свои затейливые ритмические ходы. Зритель легко «входит» в него слева и оказывается в замкнутом пространстве. Дорожка легко выводит его в глубину картины, он мысленно огибает речку и поднимается по плавным текучим линиям холмов — до горизонта, обозначенного белой церковкой с колоколенкой. Отсюда открываются завораживающие своей красотой дали. Небо низко опускается к земле и линия горизонта очерчена так мягко, что непонятно — небо ли является продолжением земли или земля есть продолжение неба. Беспредельность мира, где эта прекрасная уютно-обжитая земля с церковкой является точкой отсчета, — вот основа для того созерцательного настроения, которое вызывает поленовский пейзаж. »
автор: Крюкова Ольга

Григорий Григорьевич Мясоедов "Пристань в Ялте" 1890. Холст, масло. 47.5 x 64 см. Владимиpо-Суздальский музей-заповедник.

Крым – одно из любимейших мест художника Григория Мясоедова. В Ялте мастер приобрёл землю прямо близ набережной, где выстроил несколько домов, в том числе и свою мастерскую.

Любуясь красотой этого края, Мясоедов забывал о жанровой специализации, к коей он, несомненно, принадлежал, и становился романтичным художником-пейзажистом. Причём, пейзажи Мясоедова получили признание как у публики, так и у многих критиков и ценителей искусств. Особенно положительно отзывались о крымских пейзажах П. Третьяков и В. Стасов.

В представленной работе мастер ещё раз демонстрирует как филигранно он владеет передачей солнечного света – яркие лучи играют на воде и освещают спущенный парус лодки и шпиль ротонды, исполненной в восточном стиле. Композиция отличается глубиной, она завораживает и затягивает зрителя - сначала взгляд выхватывает тщательно выписанные лодки и занятых людей, а после устремляется вглубь, где в дымке возвышаются могучие крымские горы.

Ценность этой картины бесспорна для сегодняшней публики: как автор любовно изображал Русь уходящую в своих деревенских пейзажах, так и Крым мясоедовский – дело давно минувших дней. Давно стёрся с этого живописного места восточный колорит, не стоят у причала парусники с поднятыми носами, и лишь величавые горы всё так же обступают ялтинское море, которое так любил живописец.
Источник: Арт Энциклопедия >Геннадий Занегин










Читать далее...

Читать далее...

Страдная пора (Косцы) - Григорий Григорьевич Мясоедов. 1887. Холст, масло. 179х275
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Сергей Садов - Сказания о земле Русской

Конец лета. Начался сбор урожая. Для деревенских крестьян это самое то время когда забываются все домашние хлопоты и всей семьёй выходят в поле. Вот и у художника как раз и написано то самое время. Впереди как и положено старший в семье. Он и косьбу начинает, он и заводила в поле дальше жена и дети.

Идёт работа, тяжёлая работа. Нужно успеть до непогоды, а она уж точно будет, потому что на небе вон и тучки собираются, а птицы летают довольно низко. Тут уж точно не ошибёшься, низко летят – к дождю. А работать всей семьёй сподручней, ничего не пропустишь – всё соберётся до последнего колоска. Взрослые не увидят, так малые узрят, сразу всё в сноп и сложат.

Художник Мясоедов часто использовал именно вот такие планы, крестьянские-бытовые. И это вовсе не желание быть поближе к народу. Это именно то, когда хочется рассказать что-то понятное.

И вот же ведь всё ясно: семья на сенокосе, торопится быстрее собрать то, что было засеяно и заботливо выращено. Пока действительно непогода не разыгралась. Дождь попортит сено, испортит зерно и почём зря все труды будут. А там и батюшка Голод не заставит себя ждать, это если конечно, что не так пойдёт.

И ведь как всё точно художник описал. Как поймал то неуловимое в уверенных движениях косарей и главное, если заметили, что работа практически закончена. А это значит что всё таки успели до непогоды урожай собрать. А это значит, что зимой будет, что на стол подать.

А вообще именно благодаря таким художникам как Мясоедов столичная публика вдруг узнавала, что там за городом есть тоже жизнь. Ведь бывали и такие, которые всю жизнь в городе прожили и даже носа своего не вытаскивали за город. Для таких это полотно было дико и необычно, а главное даже обидно. И ведь были возмущения. Дескать, что больше некого было рисовать?

Мясоедов лишь разводил руками и улыбался. По-видимому, некого. Но для него как раз те кого он изобразил, и были людьми, а не вот эти столичные «штучки».
Источник

Серия сообщений "история шедевров: картины":

Часть 1 - История одного шедевра | "Менины" испанского художника Веласкеса.
Часть 2 - История одного шедевра: "Портрет четы Арнольфини" художника Яна ван Эйка.
...
Часть 25 - История шедевра: "Осеннее утро" - Григорий Мясоедов.
Часть 26 - Описание картины: "Возвращение из города" - Корзухин А.И.
Часть 27 - История шедевра: "Страдная пора" - Григорий Мясоедов.
Часть 28 - Описание картины "Меншиков в Берёзове" Василия Сурикова.
Часть 29 - История шедевра: "Московский дворик" художника Василия Поленова.

Читать далее...

История одного шедевра: «Тайная вечеря» да Винчи

 

Знаменитую фреску Леонардо да Винчи создал в трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане. Написана она была так, словно Иисус с апостолами ели одновременно с церковниками. Свет исходит не из нарисованных окон, а слева — как и в самой трапезной. Столы и посуда точно копируют те, что были в церкви. Тем самым Леонардо хотел показать, что Иисус и Иуда (добро и зло) гораздо ближе к людям, чем кажется.

ДАЛЕЕ

Перов призывал переосмыслить бытие, вернуться к истокам, моральной чистоте. Однако многим сюжет полотна казался наглой «чернухой». Цвета, как на овечьем тулупе, клевета, смерть высокого искусства - такими оценками встретили Синод и общество картину Василия Перова «Сельский крестный ход на Пасхе». Источник Спасибо за ваши комментарии!

«Петр I допрашивает царевича Алексея в Петергофе»
Ге



Читать далее...

Великому флорентийцу Данте от великого флорентийца Боттичелли по заказу богатого флорентийца Лоренцо Медичи. «Божественная комедия» первого вдохновила второго на деньги третьего создать десятки манускриптов, подробнейшим образом иллюстрирующих литературный шедевр XIV века. Наибольший интерес вызывает своего рода инфографика Ада - карта, следуя по которой за героями «Божественной комедии» можно в деталях рассмотреть мучения, которым подвергаются грешники. Зрелище не для слабонервных.

Сюжет

Боттичелли изобразил Ад в виде воронки. Некрещеные младенцы и добродетельные нехристиане в лимбе преданы безболезненной скорби; сладострастники, попавшие во второй круг за похоть, терпят кручение и истязание ураганом; чревоугодники в третьем круге гниют под дождём и градом; скупцы и расточители перетаскивают тяжести с места на место в четвертом круге; гневливые и ленивые вечно дерутся в болотах пятого круга; еретики и лжепророки лежат в раскалённых могилах шестого; всевозможные насильники, в зависимости от предмета надругательства, мучаются в разных поясах седьмого круга — кипят во рву из раскаленной крови, терзаемы гарпиями или изнывают в пустыне под огненным дождем; обманщики не доверившихся томятся в щелях восьмого круга: кто влип в кал зловонный, кто кипит в смоле, кто в цепи закован, кто мучим гадами, кто выпотрошен; и девятый круг уготовлен тем, кто обманул. В числе последних и вмёрзший в лед Люцифер, который терзает в трёх своих пастях предателей величества земного и небесного (Иуду, Марка Юния Брута и Кассия — предателей Иисуса и Цезаря соответственно).


Увеличив карту, можно в подробностях разглядеть мучения грешников. Эмоции и чувства каждого из персонажей подробно выписаны

Карта Ада была частью большого заказа — иллюстрирования «Божественной комедии» Данте. Неизвестны точные даты создания манускриптов. Исследователи сходятся, что Боттичелли начал работу над ними в середине 1480-х и с некоторыми перерывами был занят ими до смерти заказчика — Лоренцо Великолепного Медичи.



Сохранились не все страницы. Предположительно, их должно быть около 100, до нас дошло 92 манускрипта, из них полностью раскрашено четыре. Несколько страниц с текстом или цифрами пусты, что говорит о том, что Боттичелли не завершил работу. Большинство же — это эскизы. В то время бумага была дорогой, и художник не мог просто взять и выбросить лист с неудавшимся наброском. Поэтому Боттичелли сначала работал серебряной иглой, выдавливая рисунок. На некоторых манускриптах видно, как менялся замысел: от композиции в целом до положения отдельных фигур. Только когда художник был удовлетворен эскизом, он обводил контуры чернилами.
Читать далее...