Рапсодия (греч. ραψωδια) - в музыке обозначает произведение в свободной форме на основе народных мелодий. Жанр рапсодии близок жанру фантазии, поэмы.

В Древней Греции рапсодами называли певцов-сказителей, которые слагали эпические поэмы и исполняли их нараспев. Одним из них был Гомер, а одними из античных рапсодий были его «Илиада» и «Одиссея».

Затем, в 19 веке, венгерский композитор и пианист Ференц Лист создал инструментальные рапсодии – фортепианные сочинения на народные темы. Листу принадлежит 19 «Венгерских рапсодий» с использованием цыганских мотивов, а также «Испанская рапсодия» (до Листа жанр фортепианной рапсодии был утвержден X.Ф.Д. Шубартом (1786), В.Р. Галленбергом (1802), В.Я. Томашеком (1813), Я.В. Воржишеком (1814)). Также рапсодии для фортепиано есть у младшего современника Листа - Иоганнеса Брамса, позднее – у Сергея Рахманинова.

Быстро, быстрее, еще быстрее – это главный принцип исполнения тарантеллы. Неистовый темп танца заставляет исполнителя выкладываться полностью, вовлекая в действо все новых и новых танцоров

     Тарантелла – это танец, появившийся на свет в 15-м столетии на юге Италии. Его , по одной из версий, происходит от названия ядовитого паука тарантула. По другой версии, танец получил свое название от итальянского города Таранто, где, как считают, и появилась тарантелла.

Сюита в музыке

Поклонникам, а в особенности знатокам, классической музыки понятие сюита очень хорошо известно. Это музыкальная композиция, которая чаще всего встречается в инструментальном виде и состоит из нескольких пьес, которые лаконичны по содержанию и находятся в контрасте между собой. Изначально сюита, как термин, применялся по отношению к циклам стилизованных танцев. Немногим позже им стали обозначать собрания пьес самостоятельного характера с зачастую программной основой, собрания фрагментов, входящих в состав балетов, опер, а также масштабных произведений иных жанров.

«Прародителями» сюиты вполне можно считать сочетание пары танцев – важного и медленного и в большей мере оживленного, а спустя некоторое время подобный цикл стал 4-х частным. Модель танцевальной, инструментальной сюиты была создана композитором Иоганном Фробергером, и представляла собой сочетание умеренного темпа аллеманду и в размере двудольном последовательность из утонченной куранты, жиги и степенной сарабанды.

Красоты природы Венгрии отлично дополняются зажигательными ритмами и мелодиями. Самый популярный национальный венгерский танец, чардаш, словно призван разгонять застоявшуюся кровь, разжигать в душе огонь радости и веселья. Характерные синкопы и искрящая импровизация – вот весь чардаш.

Любопытно, что чардаш – достаточно молодой танец, который окончательно сформировался примерно в середине 19 века. Считается, что чардаша – вербункош, «вербовочная музыка». Это музыкальное направление было особенно развито в 18 веке; именно вербункош трансформировался впоследствии в венгерский танец чардаш, который с цыганскими таборами и бродячими ансамблями быстро распространился по территории теперешней Венгрии, тогдашней Трансильвании, Словакии, Словении, Хорватии, Италии.

Существует в музыке такой жанр как марш. Это музыка для ходьбы - военные марши. Но кроме военных маршей существуют и другие виды. Они уже не предназначены для ходьбы. Это просто музыкальные пьесы, написанные в характере марша.  В них сохраняются  основные признаки марша, но есть и другие особенности.Музыка марша очень выразительна и эмоциональна. И потому многие композиторы включали его в свои крупные произведения - симфонии, оперы, балеты, для передачи  героических,торжественных событий и образов. Например, ,,Триумфальный марш в опере Верди  ,, Аида,, ,когда начинается празднество в честь победы парадным шествием под звуки марша.

Триумфальный марш из оперы "Аида"

От Севильи до Гренады
В тихом сумраке ночей
Раздаются серенады
Раздается стук мечей.

Эти строки поэта А. К. Толстого, положенные на музыку, и есть серенада. Наверное, вы ее не раз слышали. Серенадами назывались произведения, исполнявшиеся вечером или ночью на улице (итальянское выражение «al sereno» означает «на открытом воздухе») перед домом того, кому серенада посвящалась. Чаще всего - перед балконом прекрасной дамы.

БАРКАРОЛА (итал. barcarola, от barca - лодка; франц. barcarolle, нем. Barkarole) - первоначально песня венецианских гондольеров (называется также гондольерой), «песня на воде». Для народной баркаролы типичны размер 6/8, мягкое, «колеблющееся» движение мелодии, монотонный ритмический рисунок сопровождения, ассоциирующийся с ударами вёсел, покачиванием лодки на волнах, минорный лад. Характер баркаролы - лирический, нередко с оттенком меланхолии или светлой мечтательности.

В 18 в. баркарола стала жанром профессиональной музыки; особое распространение получила в 19 в. В таких баркаролах некоторые типические признаки народной баркаролы иногда отсутствуют (например, используются мажорный лад, размер 12/8, 3/4 и т. п.). Начиная с оперы «Венецианский праздник» А. Кампра (1710), баркарола применялась в операх главным образом итальянских и французский композиторов - Дж. Паизиелло, Ф. Герольда («Цампа»), Ф. Обера («Немая из Портичи», «Фра-Дьяволо» и др.), Дж. Россини («Вильгельм Телль»), Ж. Оффенбаха («Сказки Гофмана») и др.

 Из Википедии - термин романс впервые возник в Испании в средневековье. Так стали называть светские песни лирического содержания, тексты для которых писались на испанском (романском - простонародном) языке, в отличие от духовных песнопений, исполняемых на общепринятом латинском. Жанр романса развился из песенного и стал жить самостоятельной жизнью. Расцвет романса начался во второй половине XVIII века ( есть сведения о появлении этого жанра в XIV - XV вв) в Германии, Франции и Россией. Большое влияние на развитие романса оказали стихи великих поэтов того времени. Авторами музыки к романсам стали почти все великие композиторы мира, трудно назвать композитора, не писавшего романсов. В числе авторов романсов были Шуман, Шуберт, Брамс, Бетховен, Берлиоз, Массне, Гуно и другие. В русской музыкальной культуре романс имел огромное распространение - Мусоргский, Глинка, Римский - Корсаков, Чайковский, Рахманинов - это лишь наиболее известные имена.Огромный в создание романсов внесли Алябьев, Гурилёв, Варламов. Наши замечательные исполнители романсов - вертинский, Вяльцева, Панина, Плевицкая. а позже и Пётр Лещенко, Изабелла Юрьева, Алла Баянова, Тамара Церетели, Вадим Козин - явились настоящими пропагандистами жанра. В наше время романсы возродили на нашей сцене такие исполнители, как Николай Сличенко, Валентина Понамарёва, Нани Брегвадзе и ещё многие певцы и певицы.

Колоратурное  сопрано - самый  высокий  и подвижный женский  голос (диапазон: до первой октавы – фа (соль) третьей  октавы).  Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения - колоратуры. Голос  очень  хрупкий,  изящный    с   беспредельным  серебряным  верхним   регистром. Металллическая окраска тембра. Ноты головного звучания. Колоратурное сопрано более подвижное, чем лирико-колоратурное. Легкость  позволяет  исполнять  сложнейшие   рулады,  широкие  скачки,   изящные   мелизмы и невероятно  бравурные  пассажи.
Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц - спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков.

Рекорд России «Самое высокое колоратурное сопрано»   Светлана Феодулова делает первые шаги на оперной сцене. Нельзя сказать, что они робкие. Во всяком случае, в «Книге рекордов России» уже появилась новая запись, непосредственно связывающая рекорд и голос Светланы - «Самое высокое колоратурное сопрано».

АРИЯ. Вы включили радио и услышали: "Ни сна, ни измученной

душе..." Конечно, вы сразу узнали, что это ария Игоря из оперы А. Бородина

"Князь Игорь". Томясь в плену, Игорь тяжко переживает свое поражение,

свое вынужденное бездействие. Вспоминает о любимой жене -- Ярославне.

Музыка арии рисует портрет князя -- полный и многогранный, портрет

человека, мучительно переживающего судьбу отчизны, воина, любящего мужа.

Академический вокалист, специализирующийся на исполнении альтовых и (или) сопрановых партий.
Голос такого вокалиста (мужской альт или мужское сопрано).

Тенор — это самый высокий тип мужского голоса. Особую красоту тенорового голоса представляют верхние ноты, так называемый, верхний регистр. По характеру и силе звучания теноров подразделяют на лирические и драматические.  Из наиболее известных оперных арий можно отметить такие арии, как ария Альфреда  (Дж. Верди «Травиата»), Владимира Игоревича (А. П. Бородин «Князь Игорь»), Водемона (П. И. Чайковский «Иоланта»), Германа (П. И. Чайковский «Пиковая дама»), Герцога (Дж. Верди «Риголетто»), дона Хозе (Ж. Бизе «Кармен»), Графа Альмавивы (Дж. Россини «Севильский цирюльник»), Каварадосси (Дж. Пуччини «Тоска»), Канио (Р. Леонкавалло «Паяцы»), Ленского (П. И. Чайковский «Евгений Онегин»), Отелло (Дж. Верди «Отелло»), принца Калафа (Дж. Пуччини «Турандот»), Радамеса (Дж. Верди «Аида»), Фауста (Шарль Гуно «Фауст»).

Одна из лучших оперных теноровых арий - ария Ленского из оперы П.И.Чайковского "Евгений Онегин" звучит в исполнении Сергея Лемешева.

Кавати́на (итал. cavatina, уменьшительное от итал. cavata) — небольшая лирическая оперная ария. Произошла от каваты. С конца XVIII века часто - выходная ария в опере (каватина Фигаро в опере «Севильский цирюльник», каватины Князя, Алеко). Небольшая и несложная песенная форма в небыстром темпе в духе арии с одной нежной темой. В XIX—XX вв. наряду с виртуозной (каватина Розины и др.) распространена каватина созерцательного плана в умеренно-медленном темпе, с песенной мелодикой (две каватины в оратории «Времена года» Й. Гайдна; каватины Агаты, Антониды; каватина Невесты в симфонии-кантате «На поле Куликовом» Шапорина; каватина Тома в опере «Похождения повесы» Стравинского). Некоторые каватины являются развёрнутыми ариями (каватины Людмилы, Кончаковны, Владимира Игоревича). Каватинами иногда называют певучие инструментальные пьесы.

Rossini The Barber of Seville - Rosina's Cavatina

2231 просмотров

Вот это дрессировка:)))

Борис Березовский родился в самом центре Москвы, на Арбате, в музыкальной семье. Учился в специальной музыкальной школе имени Гнесиных у Ирины Радзевич и Измаила Альтермана. В 1986 г. поступил и в 1990 г. окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано у Элисо Вирсаладзе. Правда, без диплома, который не получил из-за участия в конкурсе им. Чайковского, совпавшего по времени с выпускными экзаменами. В 1988 г. Борис Березовский с большим успехом дебютировал в Лондоне в Вигмор-холле. В 1989 г. состоялось его первое выступление во Франции, в — в концертном зале Лувра. В 1990 г. завоевал Первую премию (Золотую медаль) на IX Международном конкурсе имени П. И. Чайковского. Уже после победы на конкурсе Чайковского брал частные уроки у Александра Саца, который помог найти свой стиль, раскрыл молодому пианисту творчество Николая Метнера и «очень многое в новой музыке». В 1991 г. уехал за границу. Долгое время жил в Лондоне, затем — в Брюсселе. Женат. Трое детей: двое дочерей и сын. Старшая дочь Эвелина Березовская — пианистка.  Один из наиболее известных и востребованных исполнителей на Западе, регулярно выступающий и в России. Борис Березовский — пианист редкого сценического обаяния. Игра Березовского отличается невероятной техникой и глубоким звуком, изумительной «летучестью» и потрясающе красивым пиано. «Бесспорно, мы имеем истинного последователя великой русской фортепианной школы», — такова оценка влиятельного журнала Gramophone. Играет с лучшими музыкальными коллективами мира. 

Википедия.

Ф.Шопен. Революционный этюд.

207 просмотров

Прикол с тараканом Борисом:)))