Хуарес Мачадо родился в 1941 году в городе Joinville, в штате Санта-Катарина, Бразилия.  Он учился в Школе искусств в штате Парана, в городе Куритиба, и активно участвовал в его художественном движении. В 1966 году он поселился в Рио-де-Жанейро. В дополнение к живописи он также пробовал себя в иллюстрировании, сценографии, скульптуре.
>>>

Остров

У них - один дом, одна семья, одна мастерская. Когда все собираются вместе, возникает удивительная атмосфера тепла, света и радости. Взаимопонимание основывается на единстве мировоззрения, преданности искусству, уважительном отношении к мнению исканиям другого, взаимоподдержке, исключающей вмешательство или диктат. И еще - открытость новым идеям, неумение и нежелание останавливаться на достигнутом.

Движение (кликабельно)

Надежда Николаева – тонкий мастер графики, и одаренный изысканный живописец. Она обладает богатейшей фантазией и особым вкусом к красноречивым и слегка зашифрованным деталям-ассоциациям.
Окончила художественное училище им. В.А. Серова и институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мастерскую проф. Г.Д. Епифанова. Член Союза художников России.

Лейла Казбекова, недавно закончившая Академию художеств, успешно и много работает. За это время она уже создала несколько циклов иллюстраций, серии станковых листов. Лейла виртуозно оперирует различными графическими техниками, блестяще компонует и строит. Но при всей своей легкости, молодой энергии, она основательна и серьезна. Как и родителей, ее не привлекает внешнее. Она строит пространство вглубь, добиваясь, порой, почти скульптурной иллюзии объема.

Но наибольшим авторитетом, лидером в семье является Латиф Казбеков. Лирик и философ, постоянно повышающий планку, устремленный к новым вехам и рубежам, он задает настрой для всех.

Время

Художественный мир Латифа Казбекова велик, его ощущение жизни и искусства включает и дерзкий эксперимент (сочетание живописи с рельефом, фактурные "диалоги"), и глубокую, постоянно совершенствуемую культуру. Он всегда узнаваем и всегда нов. Какова цена этого неуклонного движения и верности себе, знает только он, а благодарный и непраздный зритель черпает в его искусстве уверенность в том, что истинное качество и истинная индивидуальность по-прежнему остаются синонимом художественного достоинства.

Как говорил Матисс: "Когда я работаю, я думаю, что со мной Бог. А когда закончил, оказывается, я работал один". Вот у меня в основном так, потому что я каждый раз, начиная работу, думаю: "Сейчас я сделаю нечто, иначе говоря, шедевр". Потом идёт процесс, я этот шедевр продолжаю делать, а потом думаю: "Да, шедевр не получился. Надо делать заново, новый шедевр". И этот процесс бесконечен.
Хочу верить в то, что всё-таки главная картина впереди. Меня радует, что пока у меня есть внутреннее ощущение, что я гораздо сильнее, чем то, что я до сих пор делал.

Ожидание весны

Пташка

Пташка

  В 1913 году на «Армори-шоу» были выставлены произведения мастеров, которые относились к различным направлениям постимпрессионизма. Американские художники разделились: некоторые из них обратились к исследованию возможностей цветовой и формальной абстракции, другие: Чарлз Берчфилд (1893–1967), Реджинальд Марш (1898–1954), Эдвард Хоппер (1882–1967), Фэрфилд Портер (1907–1975), Эндрю Уайет (1917- 2009)..., развивали реалистической традиции.

  Уайет, Эндрю (Wyeth, Andrew) - американский художник, представитель магического реализма - певец нордического северо-востока США. Он писал акварелью и темперой трагические портреты домов, дорог, вещей, времен года, ручьев и людей. Его работы, отнесенные искусствоведами к категории реалистических, возбудили, тем не менее, бесконечные дебаты о природе модернизма, и разделили общественное мнение еще резче, чем дебаты по поводу его современника, Эндрю Уорхола.

  Предпочитая темперную технику, позволяющую особенно тонко прорабатывать детали, Эндрю Уаёет продолжил традиции американского романтизма и магического реализма, посвятив свое творчество подчеркнуто «почвенным» пейзажным мотивам своего непосредственного окружения, а также своим соседям, представленным в виде архетипических фигур «американской мечты». Его пейзажи и жанровые портреты (Зимний день, 1946, Художественный музей Северной Каролины, Роли; Мир Кристины, 1948; Молодая Америка, 1950; Дальний гром, 1961...) с годами обретали все более символически-обобщенный характер. Обыденные ландшафты сельской глубинки, старые здания и интерьеры, люди провинции, выписанные кистью Уайета, выглядят как наглядные этапы национальной истории, представленные в живых, чуть сентиментальных образах. Среди его поздних циклов наиболее значительны Портреты Хельги, полные мягкой, поэтической эротики.  

Солнечные акварели Кристиана Гранью

Якоб Врель (Jacob Vrel, активен в 1654 - 1662 годы).

Якоб Врель (Jacob Vrel, активен в 1654 - 1662 годы). Женщина у окна, машущая девушке. Масло, дерево, 45,7 x 39,2 см. Париж, Fondation Custodia (collection Frits Lugt).
Единственное, что о нем известно, - подпись на картинах. И картины - насчитывают 38. Исследователи полагают, что он был художником-любителем. По меркам Золотого века голландской живописи его живописная манера достаточно незатейлива (хотя нам этот его аскетизм кажется очень стильным). А вот его умение изобразить гулкую пустоту - невероятно. 

Джейкоб Vrel (1617-1681) 
Альтернативные названия Якобус "Фрэл" Ян "Фрэл", Якобус Frelle, Ян Frelle, Якобус Vreele, Ян Vreele, Якобус Vrel, Якобус Vrelle, Января Vrelle, Якобус Vriel, Января Vriel

Преимущественно фотографии Horace Warner, David Octavius Hill&Robert Adamson  и Lewis Carroll.

РЕАЛИЗМ

Дмитрий Левин (1955 г.р.) - талантливый художник, признанный мастер русского пейзажа, проявивший себя в направлении русского реализма. Родом он из города Моршанска, что в Тамбовской области. За плечами художника Пензенское художественное училище им. К.А. Савицкого. Уже много лет Дмитрий - член Творческого союза художников России, Международного художественного фонда, Федерации Профессиональных художников, академик Международной академии творчества. Мастер имеет награды «за вклад в искусство», отмечен золотым знаком Международной академии творчества. Входит в Европейский каталог выдающихся живописцев, который издается во Франции. А еще он обладатель множества дипломов и грамот. Дмитрий Левин регулярно участвует в отечественных и международных выставках. Его работы с большим успехом экспонировались в ведущих галереях Люксембурга, Франции, Германии, США, Китае, Австрии, Словакии, Дании, Италии, Голландии и других странах. На счету живописца более шестидесяти персональных экспозиций. Пишет Дмитрий Левин и изумительные деревенские летние пейзажи, зачаровывающие своей неповторимой красотой. И здесь - сочная палитра красок, яркий свет, удивительная простота с глубоким смыслом - основной конек мастера. 

ВИДЕОРОЛИК О ХУДОЖНИКЕ В КОНЦЕ

 

 

 

 

«Ожидание друга». Автор: Дмитрий Левин.

  Анна Анатольевна Чарина – современный московский художник; любимые темы её живописи – это городские и природные ландшафты, цветочные натюрморты. Центральная тема её творчества – это Москва.

     Анна Чарина родилась в Москве в 1975 г. После окончания детской художественной школы им. Серова продолжает обучение на художественном факультете в Московском государственном университете печати. Уже в студенческие годы становится членом Творческого союза художников России, а чуть позже членом Международного художественного фонда. Участвовать в выставках художница начала с 1994 года и уже через пять лет вышла на международный уровень: её работы приняли участие на выставке-аукционе в столице Турции. Позже картины Анны Чариной неоднократно выставлялись в ЦДХ (Центральный Дом художника) и Московском доме Кино. Персональные выставки мастера проводятся с 1997 года.Последняя выставка "Сквозь призму дождя" была в марте 2013 г. в выставочном зале "Творчество" на Таганке.

     Стиль написания, скорее всего, можно отнести к экспрессионизму. Здесь присутствуют характерные сильные густые мазки, благодаря которым картина приобретает объем и особую драматичную яркость. Работая с масляными красками, художник создает необычные образы, которые возникают из-за эффекта перетекания красок, что больше характерно для акварели. Кстати в акварельных пейзажах этот прием еще более выражен. Чарина придает большое значение детализации, которая отображает глубину сюжета.

     Основной целью Анны является запечатление старой Москвы и ее истинного характера. В ее произведениях редко встретишь знойное лето, по большей части художник пишет межсезонье. Фундаментальным цветом для этих картин выступает серый, который мастерски заполняется тончайшими линиями других цветов наиболее полно отображающих общее настроение засыпающей природы. Весенние пейзажи более оптимистичны, от них веет чистотой и свежестью еще не запыленных улиц умытых недавним дождем. Чарина показывает нам другую Москву, немного печальную, погруженную в раздумья, но в тоже время обладающую нескрываемым очарованием.    

    Живописный стиль Анны Чариной раскрывается на весьма рискованных эстетических территориях: Чарина – тоналист, и любимые тона её живописи – находятся в границах сине-фиолетовой гаммы. «Игра с фиолетовым цветом» - игра весьма опасная для художника: за последние сто лет этот цвет устойчиво вошёл в гламурную цветовую гамму и смог уничтожить репутацию многих художников. Главная же опасность тонализма – опасность однообразия, угроза утраты индивидуальности. Живопись Анны Чариной – в лучших её проявлениях – этих угроз смогла избежать.

    Устойчивость цветовой гаммы, присущий стилю этого художника, порождает своеобразный эффект единообразия всех тех мест, которые оказываются изображёнными на картинах. При этом – если смотреть сразу много картин Чариной – может возникнуть ощущение некоего присутствия в особой реальности, внутри которой происходит постоянная смена времён года, дня и ночи, различных погодных настроений, но все эти изменения кажутся внешними сиюминутными по отношению к некоему изначальному основанию реальности, не знающему перемен в принципе. Смотрящий на эти картины занимает особую, вневременную точку наблюдения, в связи с которой изменчивость мира не имеет большого значения…

    Мир на полотнах Анны Чариной слегка «плывёт»: создаётся впечатление, что мировой ландшафт стремиться смыть с себя всё внешнее, поверхностное, «вернуться к первоистокам». И это стремление к возвращению в первозданное и подлинное – и есть главное экзистенциальное содержание современности, - так она показывает себя на этих картинах.

    А специфика мест, привлекающих внимание художника, достаточно чётко указывает на то, в каком направлении следует эти первоистоки искать. – Анна Чарина не любит писать современные индустриальные и модернистские пейзажи, для неё Москва это, прежде всего, носитель глубинного, исторического наследия. Именно там – в московском, и шире – в русском – прошлом и располагаются те самые первоистоки, к которым, по убеждению художника, наш современный мир так настойчиво стремится вернуться.

"Балчуг. Малый Москворецкий мост", 2013

"Балчуг"

«Переполненный зал гудел, возбужденный предощущением встречи.И вот слева, из–за красного занавеса, со скромным достоинством вышел даже с виду очень талантливый европеец с седеющей головой, очень умным, чуть удлиненным, смуглым, каким-то, я бы сказал, знойным лицом — темпераментный вырез ноздрей, очень высокий лоб, огненный взгляд — одновременно мягкий и непреклонный. Раскланялся приветливо, обратился к оркестру, обвел музыкантов взглядом ласково, поощрительно и взволнованно. Настала тишина, такая бывает, если ждут откровения…»

Всё это памятью сердца, необыкновенно чуткого к музыке, сохранил восемнадцатилетний студент Ленинградского университета, в будущем знаменитый писатель и рассказчик Ираклий Андроников. Его воспоминания о  Бруно Вальтере можно рассматривать как самостоятельное явление культуры, не только благодаря повествовательному таланту автора, но и в силу значительности события, о котором идет речь. Выступления Вальтера в Ленинграде в 1927 году (а до этого в 1913/14 и 1923 годах в Москве) обогатили русское исполнительское искусство, вызвали симпатии и любовь слушателей, не померкшие с течением лет.

Вальтер писал: «Оркестр Ленинградской филармонии, труппа оперного театра и публика радовали меня энтузиазмом, придававшим музыкальной жизни России особенную эмоциональную силу». Он воодушевленно исполнял музыку — от Глинки до Шостаковича, осуществив европейскую премьеру Первой симфонии Дмитрия Дмитриевича. Любил мечтательную прелесть Петербурга, что предстает в произведениях «несравненной русской литературы».

Композитор Феликс Мендельсон известен практически каждому — все слышали свадебный марш. Этот марш и ряд других музыкальных произведений были написаны композитором в 1842 году для спектакля "Сон в летнюю ночь" по пьесе Шекспира. Премьера спектакля состоялась 14 октября 1843 года в Потсдаме — там марш прозвучал впервые. В качестве свадебного гимна марш Мендельсона первый раз был использован во время венчания Дороти Кэрью (Dorothy Carew) и Тома Дэниэла (Tom Daniel) в церкви Св. Петра в Тивертоне (Великобритания) 2 июня 1847 года. Но настоящую популярность марш обрёл после того, как прозвучал на свадьбе принцессы Виктории и кронпринца прусского Фридриха 25 января 1858 года. Увы, автор марша до этого времени не дожил.

Феликс Мендельсон Бартольди (3 февраля 1809 г. — 4 ноября 1847 г.) прожил 38 лет. Но его не очень длинная жизнь была яркой и насыщенной.
Он был не только выдающимся композитором, но прославился также как замечательный пианист, вокалист, преподаватель и дирижёр. Обладал навыками игры не только на фортепиано, но и на других музыкальных инструментах. В частности, прекрасно играл на альте, давал концерты как скрипач и органист. Мендельсона считают крупнейшим представителем романтического направления в классической музыке. Он является основателем и первым руководителем Лейпцигской консерватории.

В приведенном ролике можно услышать "Песню венецианского гондольера" в исполнении израильского дирижёра и пианиста Даниеля Баренбойма.

Феликс Мендельсон был одним из самых просвещённых людей своей эпохи. Он был прекрасно образован, знал множество иностранных языков, увлекался философией, любил литературу, изучал математику. Но сегодня хочется рассказать ещё об одном таланте Мендельсона. Оказывается, он интересовался живописью, творчеством старых мастеров. Большое впечатление на Мендельсона произвели, в частности, картины Тициана. Композитор писал:

"Так творить может только художник, почувствовавший самое сокровенное в жизни земной и в жизни небесной, только человек, познавший величайшее счастье и глубочайшее горе."

Феликс Мендельсон - Центр города Унтерсина, Швейцария
При этом Мендельсон сам неплохо рисовал. Он много путешествовал, и часто увиденные красивые виды служили источником вдохновения, темой акварельных работ. В течение жизни Мендельсон создал более 300 акварелей, сохранилась значительная их часть. Увидеть акварельные работы композитора воочию можно, например, в музее Мендельсона в Лейпциге. Ну а я предлагаю посмотреть некоторые репродукции , те , что удалось найти в интернете, и поразмыслить о том, как живопись дополняет музыку.

За право покупки картины «Деревенской любви» на посмертной выставке работ Бастьена-Лепажа Музей в Люксенбургском саду спорил с С.М. Третьяковым. В результате картина отправилась в Россию и стала настоящей гордостью коллекции мецената.

ФРАНЦУЗСКИЙ НАТУРАЛИЗМ

Российская публика с восторгом встретила незамысловатый сюжет, разглядев в нём особую, чистую и светлую романтику любви.

Луиза Катерина Бреслау при жизни считалась выдающейся художницей-портретисткой, ею восхищался Эдгар Дега, а правительство Франции наградило орденом Почетного легиона. И еще большее удивление и восхищение вызывала сама ее жизнь – стремление к творчеству вопреки слабому здоровью и общественным предрассудкам, твердое и осуществленное намерение жить так, как того требует душа, с теми, к кому влечет сердце. Сегодня ее имя незаслуженно забыто, и тем прекраснее обнаружить в ее нежных, будто бы призрачных работах – трогательные сцены женской дружбы, возвышенные и чистые образы, точный и честный психологизм.


Женские портреты.
Мария Луиза Катерина Бреслау - родилась в семье ассимилированных польских евреев в Германии, однако вскоре они перебрались в Швейцарию, поскольку отец, талантливый медик и педагог, принял должность профессора и главного врача акушерства и гинекологии в Цюрихском университете. Ей было тогда два года. А в десять она осталась без отца – во время патологоанатомического исследования он заразился стафилококковой инфекцией и умер. Бреслау с ранних лет страдала астмой и, по-видимому, тяжелая потеря ухудшила и ее физическое состояние. Поэтому мать отправила ее… в монастырь – как в санаторий (еврейских традиций, в том числе и религиозных, в семье не придерживались). Любознательной девочке с длинным именем там было ужасно скучно. Тем более, что ей было предписано лежать в постели.

Читать далее

Серия сообщений "немецкие художники":

Часть 1 - Художница Sulamith Wulfing. Колыбельная.
Часть 2 - Немецкая художница Elvira Amrhein и её Ангелы.
...
Часть 7 - Восхитительные горные пейзажи немецкого художника Эрвина Кеттермана.
Часть 8 - Художница Хайде Прессе (Heide Presse). Простые удовольствия прошлого.
Часть 9 - Художница Луиза Катерина Бреслау. Женская дружба и тонкий психологизм.

В воскресенье в церкви Сен-Филипп-дю-Руль, Париж (Sunday at the Church of Saint-Philippe-du-Roule, Paris)_1877_59.4 х 81_х.,м._Нью-Йорк, музей Метрополитен

За кулисами Оперного театра (Les Coulisses de Opera)_1889_38 х 54_х.,м._Париж, музей Карневал