Работа масляными красками
Источник
Для того чтобы работать масляными красками, необходимо иметь хотя бы три вещи: первое – сами краски, второе – на чем работать: холст, картон, грунтованную бумагу, и третье- чем работать, то есть кисти. Да, чуть было не забыл четвертое и, пожалуй, самое главное: желание работать, желание писать.
Начнем сначала. Какие краски выбрать. Разумеется, белую и черную. И три основных: синюю, желтую и красную. Почему основные? Потому что, смешивая их между собой, получите из синей и желтой – зеленую, из синей и красной – фиолетовую, из желтой и красной – оранжевую. Конечно, для полноценной живописи этого мало. Нужны и промежуточные краски, например, коричневые. Их можно получить из уже перечисленных: оранжевая и черная с добавкой белой дадут коричневатый оттенок. Но стоит ли усложнять жизнь, занимаясь смесями, они всегда непрочны, если есть готовые доброкачественные коричневые. Набор красок (художники говорят – палитра) не должен быть слишком большим. Особенно у начинающих, легче наизусть знать свойства красок, их смеси и возможности при ограниченном количестве. Вот минимум масляных красок, которыми можно начинать занятия живописью:
белые: цинковые или свинцовые белила;
черные: кость жженая, виноградная или персиковая черные, тиоиндиго черная (конечно, достаточно одной из них);
коричневые: сиена жженая (хорошо бы еще умбру жженую, или натуральную);
желтые: охра светлая или золотистая. Сиена натуральная;
желтая яркая: любые кадмии желтые (нет возражений и против стронциановой);
красные: красная охра или английская красная, кадмий красный, крапплак;
синие: кобальт синий, ультрамарин;
зеленые: изумрудная зелень.
Эти краски в умелых руках позволяют разрешить колористическую задачу любой сложности. Сейчас в стране с красками туговато. Поэтому, если попадутся вам какие-либо, помимо перечисленных, советую купить.
Красками прямо из тюбика писать не станешь. Чтобы получить нужный оттенок какого-либо цвета, краски необходимо смешивать. Для этого употребляется особая "смешивательная" дощечка – палитра. Следует сказать, что в художественных салонах продаются специальные ящики (этюдники), иногда даже на ножках. Это особенно удобно для живописи на природе, да и дома, в мастерской, если нет специального мольберта. В комплект этюдника входит обработанная, готовая палитра. Отличную палитру можно изготовить и самому, пропитав несколько раз фанеру или тонкую дощечку (толщиной не более 3 мм) любым маслом для живописи.
А в каком порядке разложить краски на палитре? Тут без системы не обойтись. И самое время сказать об одном из главных принципов цветоведения: об условном делении всех цветов на теплые и холодные. К теплым относятся цвета, напоминающие о тепле, огне, солнце,- красные, оранжевые, желтые. К холодным – перекликающиеся с холодом, зимой, льдом, то есть синие, зеленые, лиловые.
Конечно, следует иметь в виду, что это деление условно, относительно.
На палитру краски выдавливаются ближе к краю, чтобы оставить больше места для смешивания. Основных способов расположения красок на палитре – два. Один такой: белила выдавливаются на край любого угла, находящегося ближе к живописцу. Рядом с ними светлые желтые, затем оранжевые, красные, коричневые, и так через зеленые и синие – к черной. Существует и другой путь. Белила помещаются в середине ряда. Направо – теплые цвета, налево – холодные. Или наоборот: направо холодные, налево теплые. Дело вкуса. Надо сказать, что с опытом приходит своя, индивидуальная, наиболее удобная для автора система.
Чем же смешивают краски? Разумеется, кистями. Но есть еще и специальный нож для работы в живописи и счищения красок с палитры – мастихин. Мастихины бывают разные: от широких шпателей до малюсеньких, ножеобразных. Важнейшее качество мастихина – гибкость.
А кисти? Какого размера должны быть кисти? Тоже разного. От мелких (№ 1, 2, 3) до крупных. Существуют еще флейцы – очень большие кисти. Они в основном применяются для грунтовки. Величина кистей зависит в первую очередь от размера этюда. Для небольшого и кисти поменьше, для более просторного – кисти крупнее.
А когда-то в прошлом мастера так говорили своим ученикам: "Запасайтесь большим терпением и маленькими кистями". Так-то!
Кисти делаются из разного волоса : беличьего, колонкового, из щетины свиньи и барсука (барсучьи чуть мягче). Вот они-то, щетинные кисти, и являются наиболее подходящими для масляной живописи. Хотя есть мастера, которые даже большие картины пишут беличьими и колонковыми кистями.
Хочу предупредить. Кистями (их полно в магазинах канцтоваров) для клея пользоваться нежелательно. Концы у них обрезаны. Художественные же подбираются волосок к волоску специалистами этого дела: мастерами-кистевязами. Если уж совсем нечем писать, можно употребить в дело и предварительно обработанную щетинную кисть для клея. Делается это так. Кисть окунают в водорастворимый клей (столярный, желатиновый), дают высохнуть и затем обтачивают на бруске для точки ножей, пока конец кисти не будет достаточно острым. Теплая вода смоет клей.
Теперь вопрос, на чем писать? Можно писать на картоне, бумаге, фанере, доске, железе, только предварительно загрунтовав. Лучше же всего на холсте, натянутом на подрамник.
Рецептов грунта колоссальное количество. Почти у каждого мастера свой секрет, соответствующий его привычкам, методу работы.
А как организовать рабочее место дома? Ведь дома-то и стены помогают. Встанем так, чтобы этюд находился в тех же условиях освещения, что и натура. Это касается натюрморта и портрета. При работе над интерьером все зависит от места, с которого он изображается, от выбора точки зрения. Скажу лишь одно: чем ближе холст находится к источнику освещения (окну), тем больше опасность перечернить его. Чем дальше от света, тем больше опасность перебелить. Этот факт объясняется научно, но делать сейчас это не обязательно, прошу уж поверить на слово.
Все, что касается приготовления к началу живописи, технические условия, можно сказать, мы выяснили. Теперь самое важное – процесс работы. Композиции, средств выразительности, вообще чувства, которое любой художник обязан вложить в произведение, я не касаюсь. Речь идет только о необходимой последовательности, поэтапности в ведении этюда. Легче, нагляднее всего последовательность объяснить на натюрморте. Хотя это вовсе не означает, что при живописи головы, фигуры нужны какие-то другие приемы. Нет, те же самые.
По традиции, вполне обоснованной, начинают с предварительных набросков, так называемых "нашлепков", почеркушек акварелью, гуашью, маслом, выявляющих композиционный и общий пластический замысел будущего произведения. Рабочий процесс идет пока вне холста, "вприглядку". Но вот почти все решено. Пора! Пора начинать живопись на холсте. В данном случае "холст" – то, на чем будем писать, это может быть и картон, вообще любое основание для живописи. Дальше, говоря о работе, буду употреблять этот термин в широком смысле.
Вот холст перед нами. Чистый, белый… Не терпится положить первый мазок… и боязно. Страшновато нарушить нетронутую белизну, целостность. Он сам смотрится произведением искусства. Ведь чистый холст содержит как бы ненаписанный шедевр. Надо только выявить его. Итак…
Вначале натуру необходимо нарисовать. Чем? Каким материалом? Мастера рисуют сразу кистью, краской. Есть такое выражение – "рисунок должен быть на кончике кисти". Если это трудно, присутствует чувство неуверенности в своих силах (от него надо стремиться избавиться), то рисуют более подвижным материалом. Углем, например. Его легко смахнуть тряпкой, стереть резинкой или хлебным мякишем.
Некоторые художники советуют сделать подробный светотеневой рисунок углем. Затем обвести контуры тушью, а уголь смахнуть. Эта рекомендация может показаться спорной: зачем уничтожать сделанный рисунок? Его необходимо либо зафиксировать (снятым молоком, жидким желатиновым клеем при помощи пульверизатора), чтобы писать уже по тонально подготовленному холсту. Либо точно найти силуэты и размеры предметов по отношению друг к другу, зафиксировать или обвести кистью.
Вот наконец мы добрались до живописи. Краски! А в чем, собственно, сходство и разница между акварельными, гуашевыми, темперными и масляными красками?
Первые разводятся водой, а масляные разбавителями и маслами. Водорастворимые краски довольно быстро сохнут (причем темпера по высыхании становится нерастворимой), а масляные- медленно. Три дня краска остается сырой. Полное высыхание требует времени. Не меньше двух-трех недель и до полугода. Акварельными красками пишут без белил, сильно разводя их водой, чтобы сквозь красочный слой просвечивала белая бумага. Гуашевыми и темперными красками тоже можно писать акварельным способом, то есть на просвет. И маслом некоторые художники начинают работу жидко, без белил.
Краска разводится специальными разбавителями для масляных художественных красок. Можно писать на скипидаре, льняном или ореховом масле. В старой Академии художеств писали обычно на "тройнике" – 75 процентов растворителя, 15 – масла, 10 процентов лака. Но все-таки по своей сути эти краски кроющие, перекрывающие цвет грунта. Нынче любят белый холст, а до середины XIX века применяли преимущественно грунты, определенным образом затонированные: серые, коричневатые, красноватые. При первой прописке кистями пошире смело раскрывают холст за один сеанс (рисунок-то зафиксирован). В следующем переходят к живописи с белилами.
К несчастью, новые слои красок, наложенные более пастозно, плохо сочетаются с акварельным слоем. Поэтому можно начинать достаточно жидкой краской, но с небольшим количеством белил. Рисунок все равно будет просвечивать сквозь тонкую пленку. Это облегчит дальнейшую живопись. Основной технологический принцип, освященный вековой традицией, гласит: "Жирным по тощему". То есть плотность, пастозность кладки ближе к окончанию вещи должна возрастать.
До наших дней дожили рецепты техники XIV-XV веков, периода расцвета живописной технологии. Все приемы, средства и последовательность ведения работы целенаправлены: обеспечить хорошую сохранность произведения, не допустить почернения, растрескивания, вообще любого изменения красочного слоя. Меняются времена, меняются изобразительные материалы, способы их применения. Раньше художники сами терли
краску, а мы покупаем. Но главное техническое правило незыблемо и для нас. А именно: пишут либо по целиком просохшему, либо по-сырому. Другого не дано. Старые мастера в процессе живописи сушили свой холст не менее трех раз.
А возможность писать по подвижному, сырому слою составляет отличительную черту масляной живописи, ее прелесть. Позволяет добиваться необыкновенно мягких переходов света и цвета.
Итак. Натюрморт нарисован и закреплен на холсте. Работаем дальше. Разные художники начинают живопись по-разному. Кто как привык. Одни сначала прокладывают тени, другие берут самые светлые места, третьи намечают самые яркие удары цвета. Четвертые, что, пожалуй, самое трудное, ведут холст "по частям", ориентируясь на живую, предельно точную передачу отдельно взятой частности. Все эти способы вполне правомочны, имеют право на существование.
Начнем с расколеровки от темных. Колер – это цвет и светлота (цветотон по-художнически) смеси красок. Заметим, больше двух-трех красок, не считая белил, смешивать не рекомендуется. Вообще к смесям надо относиться внимательно. Не только синие, зеленые, оранжевые, но и зелено-голубые, зелено-бирюзовые, синеватые, а также нежно-персиковые и бледно-розовые, бархатисто-фиолетовые, и так до бесконечности.
Раскрываем колерными смесями весь холст от самого темного до самого светлого предмета постановки. Берем и фон и драпировки, участвующие в натюрморте. Особенно следя за отношениями, условно разделяя их по светлоте на три группы – темную, среднюю и светлую. Живопись отношениями – это сравнение цветовых пятен между собой. Постоянно сравниваем, какое пятно светлее – какое темнее, какое теплее – какое холоднее. Удерживаем все колера в поле зрения, сохраняя целое.
Наконец ни одного незакрашенного пятнышка не осталось. Но это не значит, что сеанс закончен. Необходимо еще раз проверить, уточнить большие отношения, разницу предметов и пятен в цветотоне. Дело в том, что темные тона, положенные на светлый фон, кажутся слишком темными в окружении большой массы белого (при белом грунте). Поэтому они невольно берутся светлее. В результате, прописав всю работу, закрыв белое, только теперь станет ясно видно, насколько пересветлен этюд. В натуре темнее.
Все в природе находится в конкретных условиях освещения. Нет света – мы ничего, кроме темноты, не увидим. Как у слепых, у нас остается для ориентации и различения окружающих вещей только чувство осязания. Но оно ничего о цвете и светлоте сказать не может. Оно может что-то сообщить о форме предмета. Раз есть освещение, свет, то само собой возникают и тени. Тени тоже входят в систему больших отношений. Нужно их прокладывать сразу, сравнивая между собой и добиваясь гармонии теневого единства. Иначе и освещенные части будут выглядеть неубедительно. Широко проложенные тени придадут изображению большую достоверность, позволят точнее сравнивать холст с моделью.
Как сравнивать? Холст должен находиться близко к оси зрения, направленной на модель. Сравнивают путем быстрого "перебегания глаза" (особенно полезно для начинающих) с полотна на модель, с модели на полотно. Так интуитивно улавливается разница между состоянием модели и работой.
Что же у нас получилось? Изображение освещенных предметов с намеком на объем. Однако все в природе находится не только в условиях всезаливающего света, но и во всеохватывающем пространстве. Предметы в пространстве расположены по-разному. Одни ближе к нам, другие дальше, третьи совсем далеко (например, в пейзаже). Следующий этап посвящаем "утряске" пространства. Каждая вещь должна знать свое место.
Теперь начинается живописная филигрань, оттеночные тонкости. Нахождение нюансов. Нюанс – это и есть оттенок, небольшое различие в цвете или светлоте родственных тонов. А отчего возникают нюансы в натуре? Вследствие разной удаленности от источника света, от неравномерной окраски, от объемности изображаемых предметов, каждая часть которых находится под особым углом к свету. Меняется угол, меняется освещенность (прямой свет, скользящий свет, отраженный – в тени), меняется цвет и тон. Умение различать разнообразные, порой едва заметные оттенки и передавать их достигается внимательностью и длительной практикой. Это самый ответственный этап, определяющий то, что мы и называем, собственно, живописью.
Предположим, вдруг наступил долгожданный момент, когда работа уже удовлетворяет изощренному вкусу "взыскательного художника". Чего еще? Возникает требование общей цельности. Проблема среды, воздуха, теснейшей взаимосвязи всего изображенного.
В доброе старое время художники заканчивали картины "лессировками с одной точки". Лессировка – прием, состоящий в нанесении тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок разного цвета по-сухому. Мастер становился в удобной точке так, чтобы и натура и изображение легко "ложились на глаз". Не двигаясь, с места, "перебегал глазами", затем подходил к работе, лессировал и снова занимал исходную позицию, добиваясь сильного впечатления целого, чтобы не было невыразительного перечисления предметов, взятых отдельно. Цельность – очень точное соотношение всех тонов произведения.
Вот и делу конец. Натюрморт через несколько недель окончательно просох. Можно покрыть его лаком. Фисташковым, пихтовым, даммарным, мастичным. Любым из них.
Хочу добавить. Все мои рекомендации годятся скорее для учебных этюдов-студий, этюдов усовершенствования, которые в случае неудачи не обязательно сохранять. При работе над серьезной вещью технология должна быть основательнее. Для этого полезно обратиться к фундаментальным трудам, посвященным технике и методам масляной живописи.
"Юный художник" №11 , 1990г.