Александр_Ш_Крылов все записи автора
Творческая судьба Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939) складывалась счастливо. Превращение сына сапожника в знаменитого живописца, его стремительное перемещение из волжского захолустья в центры европейской культуры (Петербург, Москва, Мюнхен, Рим, Париж), его соседство с крупнейшими деятелями русского искусства в рафинированных столичных кругах - все это кажется фантастичным. В искусстве Петрова-Водкина цельно отобразился парадоксальный строй его личности: провинциально-цепкое, хозяйски-бережливое отношение к материалу духовной деятельности, с одной стороны, и космический размах гипотез, проектов, удивительная свобода мышления, интеллектуальное бескорыстие - с другой.





"Богоматерь Умиление злых сердец" 1914-1915

Первые робкие опыты привели пятнадцатилетнего юношу в Классы живописи и рисования Ф. Е. Бурова (Самара). В 1895 году с помощью меценатов он отправился в Петербург и поступил в Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. Однако спустя два года, осознавая свое живописное призвание, Петров-Водкин перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1904 году. Здесь ему посчастливилось работать в мастерской Валентина Серова. Кроме того, в 1901 году он был в Мюнхене, где посещал художественную школу А. Ашбе. Годы пребывания в МУЖВЗ отмечены литературными занятиями (проза и драматургия), подчас столь интенсивными, что художник даже колебался в выборе между живописью и литературой. Путешествие в Италию, длительное пребывание во Франции, учеба в парижских студиях, знакомство с современным европейским искусством расширили художественный горизонт Петрова-Водкина, окончательно определив выбор пути. Поездка в Северную Африку послужила основой работ, показанных в парижском Салоне (1908), а затем и на родине. В 1909 году в редакции журнала "Аполлон" состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина. На следующий год художник стал членом объединения "Мир искусства", с которым был связан до его роспуска (1924).



"Автопортрет" 1907



"Яблоко и вишня" 1907



"В мастерской художника" 1901



"Театр. Фарс" 1907



"Театр. Драма" 1907



"Кафе" 1907



"Портрет Марии Федоровны Петровой-Водкиной, жены художника" 1907



"Натурщик" 1906



"Натурщица" 1907



"Негритянка" 1907



"Берег" 1908



"Портрет Анны Пантелеевны Петровой-Водкиной, матери художника" 1909



"Старухи" 1909

Уже в ранний период творчество Петрова-Водкина отмечено символистской ориентацией ("Элегия", 1906; "Берег", 1908; "Сон", 1910); здесь, безусловно, сказалось влияние старших современников (Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов, П. Пюви де Шаванн; в области литературы - Морис Метерлинк). Общественный резонанс первых выступлений художника носил противоречивый характер. Картина "Сон" вызвала бурную полемику и принесла молодому живописцу широкую известность, поскольку лагерь критики возглавил сам Илья Репин, а защиту - Александр Бенуа. Одни видели в Петрове-Водкине "новейшего декадента", у других с его творчеством связывались "аполлонические" ожидания, утверждение неоклассической тенденции. Сам же художник не мог судить о себе столь определенно: называя себя "трудным художником", он не лукавил. Дальнейшая эволюция показывает, что символизм художественного языка коренился в самой натуре живописца, равно как и в иконописной традиции, новое открытие которой состоялось именно в это время. "Играющие мальчики" (1911) и особенно "Купание красного коня" (1912) знаменуют принципиально важный рубеж в творчестве Петрова-Водкина. Хотя пластическая проработка объемов вступает в известное противоречие с условностью цвета и уплощением пространства, здесь ясно прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций, оказавшемуся столь плодотворным.



"Голова Юноши" 1910



"Сон" 1910



"Женщина в хитоне" 1910



"Изгнание из Рая" 1911



"Купание красного коня" 1912



"Женская голова" 1912



"Автопортрет" 1912



"Натюрморт с яблоками" 1912



"Астры" 1912



"Портрет Наташи Грековой (Казачка)" 1912



"Юность (поцелуй)" 1913



"Мать" 1913

На протяжении 1910-х годов амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации ("Девушки на Волге", 1915), возникают психологизированные образы в "оболочке" почти натуралистической формы ("На линии огня", 1916).



"Портрет мальчика" 1913



"Девушки на Волге" 1915



"На линии огня" 1916



"Скрипка." 1916

Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина ("Мать", 1913; "Мать", 1915; "Утро. Купальщицы", 1917).



"Утро" 1917



"Полдень" 1917



"Яблоки" 1917



"Женская голова" 1918



"Микула Селянинович. Голова" Этюд. 1918



"Головы мальчиков" 1918

В то же время созревают идеи, приведшие Петрова-Водкина к созданию единственной в своем роде художественной системы. На первый план выдвигается проблема пространства, находящая разрешение в "сферической перспективе". Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы - в расчете на динамику зрителя. Вместе с тем это организация символического пространства, адресующая к восприятию любого фрагмента действительности с "планетарной" точки зрения. Разнообразие пространственных позиций в картине связано с законом тяготения: наклонные оси тел образуют как бы веер, раскрытый изнутри картины. Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень. Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935) и др. Понимание пространства как "одного из главных рассказчиков картины" вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина.



"1918 год в Петрограде" 1920



"Голова мальчика-узбека." 1921



"Автопортрет" 1918

Космологический символизм сказывается и в портретах ("Автопортрет", 1918; "Голова мальчика-узбека", 1921; "Портрет Анны Ахматовой", 1922, и др.). Художник считал живопись орудием усовершенствования человеческой природы и стремился обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства, сделать каждое конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Может быть, именно это позволяло ему читать судьбу по лицам.



"Портрет Анны Андреевны Ахматовой" 1922



"Автопортрет" 1921



"Голова мальчика-узбека" 1921



"Композиция" 1921



"Ташкент (в чайхане)" 1921



"Утренний натюрморт" 1918



"Портрет дочери художника" 1923



"Портрет Н.А. (Женский портрет)"




"Селедка" 1918

В первые послереволюционные годы Петров-Водкин особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918; "Натюрморт с зеркалом", 1919; "Натюрморт с синей пепельницей", 1920). Предметы включены в то же единство всеобщей, космической связи: взятые с высокой точки зрения, в ясно обозримых пространственных отношениях, они активно взаимодействуют, общаются друг с другом на своем предметном языке. Вместе с тем натюрморты с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918).



"Скрипка" 1918



"Натюрморт с синей пепельницей" 1920



"Натюрморт с зеркалом" 1919



"Скрипка" 1921



"Натюрморт. Цветы и женская голова" 1921



"Мадонна с младенцем" 1923



"После боя" 1923



"Портрет Мадам Боден" 1924



"Портрет Любови Михайловны Эренбург" 1924



"Эскиз грима Бориса к спектаклю " Борис Годунов" 1924



"Эскиз грима Марины Мнишек к спектаклю "Борис Годунов" 1924



"Париж. Нотр-Дам" 1924



"Натюрморт с письмами" 1925




"Работница (девушка в красном платке)" 1925

Многие произведения Петрова-Водкина построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920; "После боя", 1923; "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа.



"Автопортрет" 1926



"В Шувалове" 1926



"Девушка у окна" 1928



"Утро в деревне (весна в деревне)" Эскиз 1928



"Смерть комиссара" 1928



"Автопортрет" 1929



"Портрет Сергея Дмитриевича Мстиславского" 1929



"Яблоко и лимон" 1930

На рубеже 1920-х и 1930-х годов Петров-Водкин, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, вновь обратился к литературному творчеству. Именно тогда им написаны автобиографические повести "Хлыновск" и "Пространство Эвклида", в которых он широко развил свои взгляды на природу и возможности искусства.



"Натюрморт. Черёмуха в стакане " 1932



"1919 год. Тревога" 1934

Последнее значительное произведение Петрова-Водкина - "1919 год. Тревога" (1934). Хотя своим названием картина адресует к конкретным историческим событиям, она сочетает в себе контрастные смыслы и вырастает до символа целой эпохи. Тревога за отечество, за человеческие судьбы, за будущее детей в 1934 году приобрела иной смысл, нежели в 1919.



"Весна" 1935

Ориентация на вечные ценности, присущая творчеству Петрова-Водкина, не могла быть принята советской идеологией сталинского времени. После смерти художника его имя оказалось полузабытым. Только в середине 1960-х годов произошло новое открытие Петрова-Водкина, благодаря чему теперь ясен истинный масштаб его дарования и ценность творческого наследия.




"Новоселье" 1937



" Кормление ребёнка"




"За самоваром"



"Портрет Андрея Белого." 1932



"Семейный портрет (автопортрет с женой и дочерью)" 1933



"Натюрморт (Стакан чая, Чернильница и яблоко на столе)" 1934



"Натюрморт. Виноград и Яблоко" 1934



"Землетрясение в Крыму." 1927



"Портрет дочери художника" 1935



"Дочь рыбака" 1936



"Девочка с куклой (портрет Татули)" 1937



"Натюрморт. Букет цветов и лампа" 1937



"Портрет ученого Леонида Витальевича Канторовича" 1938



"Пушкин в Петербурге (Пушкин на Неве)" 1937-1938