Charles Clough’s The Arrow, 1972.

НАЧАЛО ОБЗОРА галереи Олбрайт-Нокс (Albright-Knox Art Gallery)

Картинная галерея Олбрайта-Нокса  имеет 150-летнний опыт коллекционирования, сохранения и показа предметов искусства и является одной из самых значимых коллекций произведений искусства в мире. Томас Ховинг (Thomas Hoving), историк искусства и бывший директор Музея искусств Метрополитен в Нью-Йорке, сказал, что "картинная галерея Олбрайта-Нокса должна входить в основной список галерей, необходимых для посещения как профессионалам так и любителям живописи.

Небольшой по размерам и уютный музей имеет одну из самых потрясающих  коллекций современного искусства в мире. Большинство коллекции находится в запасниках из-за недостаточного размера музея. Экспозиции музея периодически меняются, а также  картины из коллекции галереи Олбрайт - Нокс часто выезжают на гостевые выставки в ведущие музеи страны и мира.

Особенно богата коллекция послевоенным американским и европейским искусством, приобретенным благодаря  великодушию её покровителя Seymour H. Knox. В коллекцию галереи входят искусство Поп-арта, искусство от 1970-ых до конеца столетия, также как и исключительными работами от Аршиля Горки, Джексона Поллока, Энди Уорхола и Джаспера Джонса.

Henri Matisse - La Musique, 1939 at Albright-Knox Art Gallery Buffalo New York.

Посетителям галереи предложен обзор искусства периода нескольких столетий. Импрессионизм и постимпрессионизм хорошо представлены французскими художниками девятнадцатого века, такими как Поль Гоген и Винсент ван Гог. Кубизм, Сюрреализм, Конструктивизм и другие тенденции революционных двадцатых и тридцатых представлены большим количеством существенных работ Пабло Пикассо, Джорджеса Брака, Анри Матисса, Андре Дерена, Джоан Миро, Piet Mondrian, Александром Родченко и другими.

Поль Гоген. ( Paul Gauguin, Spirit of the Dead Watching 1892.)  А также см. Оригинал(1000×788)

“Дух Мертвых” название этой работы отсылает к бродящему по ночам сказочному образу tupapaú, найденного в таитянском фольклоре. Гоген пишет о tupapaú в письме домой во время его первого пребывания на острове: “Канаки очень боятся их и всегда оставляют лампу освещенной ночью. Никто не решится оказаться на дороге даже в светлую лунную ночь — и даже тогда никто никогда не пойдёт один. ” Гоген был очарован  “смертью и девой” мотивом, найденным здесь, и несколько картин этого периода  его творчества  показывают сопоставление юных женщин  с различными символами смерти и земных искушений.

http://www.albrightknox.org/collection/collection-...s/piece:gauguin-yellow-christ/

«Жёлтый Христос» (фр. Le Christ jaune) — полотно Поля Гогена. Художник создал картину в бретонском Понт-Авене осенью 1889 года. Наряду с «Зелёным Христосом» Гогена, творение считается одной из ключевых работ в символизме.

Летом 1886 Поль Гоген впервые посетил небольшую деревню Понт-Авен  в Бретани, где он был очарован  крестьянской жизнью, народными костюмами, обычиями и традициями. Там он написал многочисленные сцены крестьянской жизни и сельских пейзажей, включая Желтого Христа. Бретонский этап творчества Гогена, перемежающийся поездками к Ван-Гогу в Арль, характеризуется несколькими работами на религиозные темы, среди которых и данное полотно. Октав Мирбо назвал эту картину «тревожной и острой смесью варварской пышности, католической литургии, индийской медитации, готического вымысла и тонкого символизма»

Страдающий Иисус изображён в окружении трёх бретонских крестьянок, одетых в традиционные национальные одежды конца XIX века, на фоне типичного французского сельского пейзажа. К крестьянкам, возможно, приходит видение  или они просто молятся рядом с одной из многих придорожных часовен в сельской Франции.

Жёлтое распятие представляет собой раскрашенную деревянную статую 17-го века, установленную в часовне Тремало, на окраине Понт-Авена.
Голова Христа представляет собой автопортрет Гогена — как и на других полотнах, написанных в этом же году.
Сидящие у креста женщиныпочти копии бретонок с картины «Видение после проповеди» (группа слева).
Ландшафт на заднем плане списан художником с натуры. Это Понт Авен и его окрестности.

Фигура Христа помещена на распятии в местной часовне около Понт-Авен, и Гоген сказал, что выбрал желтый цвет, чтобы передать свои ощущения от обособленности жизни крестьян в Бретани. Желтый также связывает Христа с пейзажем, который касается традиции и духовности бретонской жизни в течение столетий. Время года, представленное на картине, -  осень - время сбора урожая. Сельскохозяйственный цикл проходит параллелью к религиозному циклу христианской жизни — рождение, жизнь, смерть и возрождение на Небесах. Это также следует за Циклом Страсти Христа: осень, когда урожай собран, соответствует  распятию на кресте, далее следует зима, когда ничего не растёт, что ассоциируется с тремя днями Христа в могиле; и, наконец, приходит весенняя пора, когда всё возвращается к жизни, как бы празднуя возрождение Христа.

  Умиротворение, разлитое в воздухе, спокойные, покорные позы женщин, насыщенный «солнечным» жёлтым цветом ландшафт с деревьями в красной осенней листве, крестьянин, занятый вдали своими делами, не могут не входить в конфликт с тем, что происходит на кресте. Они резко контрастируют с Иисусом Христом, на лице которого отображается та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему его окружающему.

Противоречие безграничных мук, принимаемых Христом, и «незамечаемость» этой жертвы людьми, не считая горстки последователей; стремление художника понять и изобразить, а значит, попытаться ответить как живописец на главные религиозно-философские вопросы — всё это сближает Гогена с другими великими мастерами, обращавшимися к «вечной» тематике в своих работах. Картина «Жёлтый Христос» мало кого оставляет  равнодушным.

 

The Yellow Christ

В 1889 году Гогену сообщили, что его последние картины не пользуются спросом в Париже. Страшно расстроенный художник, пытаясь выразить свои переживания, написал несколько полотен на тему Страстей Христовых. Христос, напоминающий Гогена, везде изображен на фоне бретонских ландшафтов. «Желтый Христос» -не исключение. Меланхолическое настроение здесь подчеркивает осенний ландшафт. Бретонские женщины представляют собой трех Марий, традиционно изображаемых на картинах, трактующих этот сюжет. Картина поразила многих друзей художника. Октав Мирбо назвал эту картину «тревожной и острой смесью варварской пышности, католической литургии, индийской медитации, готического вымысла и тонкого
символизма.

В бретонский период в творчестве Гогена появилась целая серия произведений, посвященных библейской тематике. В них он часто исследовал границу (или ее отсутствие) между реальностью и видением — то выводя Иакова с ангелом бороться прямо перед взорами бретонских прихожанок, то примеряя на себя облик Христа, отвергнутого близкими друзьями.

В «Желтом Христе» крестная мука совершается прямо здесь, в окружении все тех же бретонок, среди чуть ли не идиллического пейзажа. Умиротворенность, впрочем, нарушается огненными пятнами деревьев, напоминающими окровавленные сердца. Христос высоко возносится над окружением, но крест срезан краями картины так, чтобы почти полностью заслонить небо. Женщины находятся вроде бы в молитвенном самоуглублении, но у зрителя нет ощущения, что они сострадают распятому «здесь и сейчас».

Людская отчужденность и от Бога, и от неба становится главным мотивом этой картины, и в выражении лица Христа читается не столько любовь к человечеству, сколько сомнения, не была ли напрасной его жертва. Схожие раздумья терзали и самого Гогена – художника, верившего в свое предназначение и всю жизнь страдавшего от непонимания окружающих. И не случайно он впоследствии использовал собственную картину, чтобы изобразить себя в знаменитом автопортрете в трех ипостасях: дикаря, страдающего Христа и собственно художника.

Источник

Vincent van Gogh - La Maison de la Crau (The Old Mill), 1888, at Albright-Knox Art Gallery .

В феврале 1888 Винсент Ван Гог оставил холодную, серую зиму Парижа и переехал в город Арль в южной Франции. Яркие цвета и свет юга вдохновили  Ван Гога, и он создал более  двухсот картин за период пятнадцати месяцев, включая The Old Mill (Старую мельницу).

В живописи Ван Гога цвет имеет наиважнейшее значение. Ван Гог был одним из первых художников, пришедших к свободному цвету от просто описательной функции; то есть, объекты не должны были быть воспроизведены в их естественных цветах. Вместо этого он использовал их, чтобы выразить своё ощущение предмета — Старая Мельница демонстрирует его радость цвету, красоте, свету и теплу юга.

Ван Гога часто критиковался за то, что он затрачивал на работу слишком мало времени. Но если рассматривать картину Старая Мельница более внимательно, мы увидим, как продуманно художник наносил мазки. Он использовал различные типы ударов для различных частей пейзажа: например, короткие, направленные для листвы; длинные, вертикальные для фиолетовых столбов забора; и гладкие, кривые удары для неба. Ван Гог написал, что продумывал каждую картину подробно заранее, таким образом, мог работать достаточно быстро, когда , наконец, начинал писать. По этому поводу однажды он сказал, “Когда кто-то говорит, что картина написана слишком быстро... они смотрели на неё слишком быстро.”

Клод Моне. "Дорога в Аржентье"  (Claude Monet "Chemin de halage à Argenteuil" ).   A также см. Оригинал(1280×759)

Клод Моне был одним из ведущих импрессионистских художников, он стремился захватить мимолетный свет, цвет и атмосферу определенного момента времени. На картине "Дорога в Аржентье" он написал пейзаж конца зимы с тающим снегом и с проступающей землёй из под него. Тепло-розовые и жёлтые оттенки акцентируют облака. Путники идут по дороге, по которой обычно лошади тянули лодки вдоль реки Сены.

На картине представлен Парижский пригород Аржентье, где Моне и его семья жили с 1872 до 1876. Это было одно из излюбленных мест парижан для проведения выходных дней, где в летнее время на реке проводились регаты. Когда Моне впервые приехал в Аржентье, там было совсем немного промышленности, на дальнем плане картины  можно заметить фабричные башни. Они отражаются в реке так мягко, что можно принять их за деревья. Когда Моне уезжал из Аржентье в 1876, город значительно изменился — промышленности стало больше, река уже  не была такой чистой, и население  ежегодно увеличивалось более, чем на пятьсот человек.

Camille Pissarro - Farm at Montfoucault, 1874

John Singer Sargent - Venetian Bead Stringers, 1882

Слева картина Пикассо, справа Модильяни.

Amedeo Modigliani. La Jeune bonne (The Servant Girl), 1918

Пабло Пикассо. "Туалет". (Picasso’s La Toilette, 1906)

Розовый период (1904-1906). В это время Пикассо создает целый ряд полотен с обнаженными женскими телами, моделью для которых служит Фернанда, среди них - нечто вроде цикла работ на тему Туалет, или Женщина перед зеркалом. Пикассо создает классически уравновешенные композиции с фигурами в стиле, отсылающем к греческой и египетской традиции.

В 1905 году Пикассо на короткое время приезжает в Голландию. По возвращении в Париж его работы приобретают классическую ауру с большими мужскими и женскими фигурами, расположенными фронтально или в профиль, наподобие того, как это делалось в раннем искусстве Древней Греции. Одна из лучших картин этого периода, „Туалет” (La Toilette, 1906) находится в галерее Албрикс-Нокс в Буфало, США (Albright-Knox Gallery in Buffalo, NY).

Picasso’s La Toilette, 1906,

Когда Пабло Пикассо переехал в Париж в 1904, он арендовал студию в богемном районе Монпарнаса.  Однажды осенью 1904, когда художник набирал воду из единственного крана в подвале, он встретил молодую женщину по имени Фернанд Оливье. Фернанд позировала для картины "La Toilette", в который Пикассо отражает своё представление о двух различных сторонах её индивидуальности.  Одна из натур Фернанды представлена нагой фигурой,  стоящей в расслабленной и очень открытой позе и смотрящей в зеркало, которое подразумевает тщеславие, в то время как её более скромная  натура представлена полностью одетой фигурой, спокойно стоящей в профиль и держащей зеркало.  Фигура слева представлена в тёплых розоватых тонах, в то время как другая написана, в основном, в прохладном голубом.

Две фигуры также представляют различные влияния на живопись Пикассотого времени. Нагая фигура в своей позе и  типе телосложения отражает древнюю римскую скульптуру, которая часто идеализировалась. Другая фигура и позой и одеждой напоминает живопись древних египетских гробниц. Композиция малого пространства, в котором расположены фигуры, отражает и римские и египетские культуры.

Nude Figure (1909-10) by Pablo Picasso

George Inness - The Coming Storm, 1878

Джордж Иннесс (англ. George Inness; 5 мая 1825 — 3 августа 1894) — американский художник-пейзажист. На его работы оказали влияние мастера школы реки Гудзон, Барбизонской школы, и учение шведского ученого-естествоиспытателя Эммануила Сведенборга, которое нашло яркое выражение в зрелых работах Иннесса.

В девятнадцатом веке американская идея природы была пантеистической и духовной. Природа считалась созданием Бога и, как полагали, обладала силой, которая нравственно и духовно возвышала всякого, кто проводил время в её созерцании. Джордж Иннесс, в отличие от многих его современников, не писал обширные пространства дикой местности. Он предпочитал писать пейзажи, которые окружали людские поселения, например, такой как пейзаж "The Coming Storm", предположительно написанный в  Нью-Хэмпшире.

Иннесс увлекался идеями шведского философа Эмануэля Сведенборга, который учил, что Бог присутствует в каждом живом существе и что визуальный мир содержал внутреннюю сущность, которая открывалась тем, кто был настроен на такое восприятие. Иннесс полагал, что это была роль художника-отражать на холсте эти духовные качества природы, чтобы помочь другим людям суметь это тоже увидеть.

Наступление шторма, любимая тема творчества художника, отражает эту философию, наряду с верой Иннесса, что отношения между человеком и природой находятся в гармонии и не преобладают одно над другим. Например, несмотря на то, что  приближается сильный на вид  шторм, фермер спокойно продолжает работать в то время, как его скот мирно пасется на пастбище. Жильё, вписанное в левый верхний угол пейзажа, создаёт впечатление уюта и спокойствия. Дым из трубы сливается с тёмными тучами, резко контрастирующими со светлым участком неба, создавая необычный световой эффект, вызванный штормом. Непрерывность и возобновление жизни отражены в самих  крестьянских угодьях, а также сопоставлением пня и начинающего расти  молодого деревца в правом нижнем углу картины.

Pierre Auguste Renoir - Little Blue Nude (Petit nu bleu), 1879.   А также см. Оригинал(886×1024)

Paul Cezane - Morning in Provence, 1906 at Albright-Knox Art Gallery Buffalo New York.

Жан Франсуа Милле. Jean-Francois Millet - The Cliffs of Greville, 1872

Милле Жан Франсуа (Millet Jean-Francois) (1814-1875)

Французский живописец и график, один из основателей барбизонской школы. Родился 4 октября 1814 года в крестьянской семье в деревне Грюши на берегу пролива Ла-Манш. В 1837-1838 учился в Париже у Поля Делароша; работал в Париже, Шербуре, Барбизоне. В 1840-х годах Милле писал тонкие по настроению портреты, мифологические композиции, галантные сцены в духе Франсуа Буше, к концу десятилетия сблизился с художниками барбизонской школы и обратился к изображению повседневной крестьянской жизни, наделяя образы сельских тружеников, изображенных обычно на фоне пейзажа, достоинством и внутренним величием.  Милле никогда не писал картин с натуры. Он любил ходить по лесу и делать маленькие зарисовки, а потом по памяти воспроизводил понравившийся мотив. Художник подбирал цвета для своих картин, стремясь не только достоверно воспроизвести пейзаж, но и достичь гармонии колорита.

Произведениям Милле свойственны торжественная лаконичность монументальной композиции, богатый валёрами землистый колорит. Как график Милле работал главным образом в технике офорта. Не менее выразительны рисунки Милле, которые отличаются скульптурной лаконичностью форм и монументальностью. Скончался Жан Франсуа Милле 20 января 1875 года.

Эжен Делакруа.  Улица в Мекнесе.  Eugène Delacroix. Street in Meknes, 1832

Фердинан Виктор Эжен Делакруа основатель направления романтизма во французской живописи.

В начале 1832, Эжен Делакруа сопровождал графа Шарля де Морнэ в его  поездке и визите дружбы к Султану Марокко в Мекнесе от имени Короля Франции.  Делакруа должн был засвидетельствовать миссию в своей живописи, и в течение пяти месяцев он вёл журнал путешествия с заметками и эскизами для использования в будущих картинах.

До того времени не ступала ещё нога европейского человека в  Мекнес, и группе графа де Морнэ дали разрешение изучить город. Для этй цели для группы  графа, включая Делакруа, необходимо было нанять вооруженную охрану, так как определенные области были опасны для иностранцев.

Улица в Мекнесе, написанная после возвращения художника в Париж, является объединанием нескольких эскизов, предназначенных, частично, чтобы удовлетворить европейское любопытство об экзотических народах и местах. Архитектура с ее аркой Исламского стиля и окном, глиняной посудой и текстилем в алькове, и одеждой людей даёт некоторое представление о марокканской культуре. Художника был  особенно зачарован  жителями, которые здесь смотрят на него с аналогичным любопытством.

George Bellows - Elinor, Jean and Anna, 1920

Эдгар Дега/Edgar Degas - Portrait of Rose Caron, 1895

Анри Руссо/Henri Rousseau - Flowers in a Vase (Nature morte), 1909

Fernand Leger - Smoke, 1912

Robert Delaunay - Sun, Tower, Airplane, 1913 .

Солнце, Башня, Самолет отражают энтузиазм Роберта Делоне по поводу технического прогресса  времени, в котором  жил художник. Для него технология не была антитезой природы; он полагал, что они могли сосуществовать гармонично. Таким образом, солнце, упомянутое в названии, заливает весь холст теплыми цветами и энергией, окружающей три символа технологического успеха.

В 1889 Эйфелева башня, самая высокая постройка своего времени, была установлена в Париже для Всемирной выставки. Разработанная французским инженером Александром Эйффелем, она позволяла Парижанам рассматривать свой город с новой и захватывающей точки обзора. Хотя много людей считали её "бельмом на глазу", Delaunay был очарован башней и неоднократно её писал. Выше над башней взлетает биплан. Братья Райт успешно управляли первым бипланом в Китти-Хоуке (Северная Каролина) за десять лет до того, как художник написал картину. Включение биплана в картину - дань уважения французскому летчику и изобретателю Луи Блерайоту, который  в 1909 первый перелетел через Ла-Манш.

С крайней правой стороны картины изображено Первое колесо обозрения, изобретённое в 1893 году американским инженером Джорджем Вашингтоном Гейл Феррисом (George Washington Gale Ferris, Jr.) для Всемирной колумбовской выставки в Чикаго. Колесо создавалось как американский ответ на башню Эйфеля в Париже.

Чувства Делоне к технологическим чудесам отражены в живых, энергичных линиях и формах в теплых и ярких цветах. Подобные диску формы представляли для него ритмы вселенной и современного сознания, которое включало природу, технологию и людей.

А также см. пост: Делоне Робер (Delaunay Robert)

Henri Matisse - A Glimpse of Notre Dame in the Later Afternoon, 1902

Джорджия О'Кифф. "Чёрное пятно No.3" (Georgia O'Keeffe - Black Spot No.3, 1919)

Пост Georgia O'Keeffe в дневнике

Пост Творчество Georgia O'Keeffe в соо LM

 Коллекция продолжает представлять главные новые тенденции в современном искусстве двадцать первого столетия. В последние годы Галерея приобрела основные работы таких художников, как Мэтью Барни, Марк Брэдфорд, Тара Донован, Тересита Фернандес, Лиэм Джиллик, Феликс Гонсалес-Торрес, Мона Хэтум, Джим Лэмби, Кэтрин Опи, Хорхе Пардо, Дженнифер Стейнкамп и Филип Таафф ( Matthew Barney, Mark Bradford, Tara Donovan, Teresita Fernandez, Liam Gillick, Felix Gonzalez-Torres, Mona Hatoum, Jim Lambie, Catherine Opie, Jorge Pardo, Jennifer Steinkamp, and Philip Taaffe).

Jaume Plensa Laura, 2012-

Жауме Пленса является одним из самых выдающихся и авторитетных скульпторов современности. Его работами могут похвастаться крупнейшие мировые арт-площадки. Его работы погружают зрителя в поэтическое настроение и ставят перед ним философские вопросы существования.
 Другие наружные скульптуры Пленсы можно найти также в Барселоне, Тенерифе, Сен Денисе, Токио, Йоркшире, Гейтсхеде, Иерусалиме, Пистойя, Кимпо (Корея), Вашингтоне, Лондоне и Торонто.

Jaume Plensa  Laura, 2012

Скульптор Жауме Пленса родился в 1955 году в Барселоне. До 1990-х годов он работал в первую очередь с классическими материалами. Расширив свой творческий диапазон, в настоящее время он делает скульптуры из искусственной смолы, стекла, бронзы, металла, а также работает с «нематериальными» субстанциями, такими как свет, слово и звук. Его работы давно приобрели интернациональное значение.

Люди, привычно живущие в окружение звуков, слов и изображений, — основные герои произведений скульптора. Творения Жауме Пленса заставляют зрителя остановиться на мгновение, чтобы подумать о себе и об основных аспектах человеческого существования. Все его работы проникнуты поэтическим смыслом, найти который каждый волен самостоятельно — автор предоставляет такую возможность. Жауме Пленса признался в одном из интервью, что для него скульптура — это «самый лучший способ задать вопрос». Его работы являются скульптурными идеями, которые ставят вопрос об основах жизненного опыта. Он показывает частное в общем, особенное в нормальном с помощью простых, но глубоких картин, которые не сразу открываются для наблюдателя.

Более подробно о творчестве Жауме Пленса см. пост Скульптор Жауме Пленса (Jaume Plensa)

ПЕРВАЯ ЧАСТЬ темы Олбрайт-Нокс (Albright-Knox Art Gallery)

The Albright-Knox has nearly 7,000 works in its Collection.
Search our Entire Fine Art Collection

Ещё картины из коллекции галереи Олбрайт-Нокс

ПЕРВАЯ ЧАСТЬ темы Олбрайт-Нокс (Albright-Knox Art Gallery)

Официальный сайт галереи: http://www.albrightknox.org/,  http://albrightknox.tumblr.com/

Продолжение осмотра галереи и знакомства с экспозицией следует.

Серия постов о Буффало:

Буффало: Город с Сердцем

Буффало: Фрэнк Ллойд Райт.

Буффало: Луис Генри Салливан

Буффало: галерея Олбрайт-Нокс