Эмиль Вальдтейфель — французский композитор, дирижёр и пианист, автор многих известных вальсов. Род...
Hecлoжнaя pacтяжкa вceгo тeлa для «дepeвянныx». - (0)Hecлoжнaя pacтяжкa вceгo тeлa для «дepeвянныx». 1. 2. 3. ...
Прототип отеля Бертрам Агаты Кристи - Браун в Лондоне. - (0)Этот отель, который создали камердинер и горничная лорда Байрона, входит в топ мировых лите...
ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ ЭДВАРДИАНСКОГО ПЕРИОДА - (1)ЮВЕЛИРНЫЕ ИЗДЕЛИЯ ЭДВАРДИАНСКОГО ПЕРИОДА Король Эдуард...
Либеральные наследники фюрера - (0)Призрак нацизма Отшумели торжества по случаю Дня Победы, отгремел праз...
Константин Горбатов |
Дневник |
Константи́н Ива́нович Горба́тов — художник, профессор Петербургской Академии художеств.
Константин Иванович Горбатов родился 17 мая (5 мая по старому стилю) в городе Ставрополь Самарской губернии (ныне город Тольятти).
В начале 1890-х годов начал учиться в Самаре у художников Ф. Е. Бурова и А. Егорова.
В 1895 году поступил в Центральное училище технического рисования барона Штиглица.
В 1896 году поступил на строительное отделение Рижского политехникума и продолжил обучение живописи в студии Джона Кларка.
В 1903 году Горбатов переехал в Петербург и в 1904 году он поступил на архитектурное отделение Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств. С 1905 по 1911 год учился на живописном отделении Высшего художественного училища у А. А. Киселёва и Н. Н. Дубовского. В 1911 году за картину «Приплыли» получил звание художника, заграничную поездку и золотую международную медаль на выставке в Мюнхене.
К. И. Горбатов, 1912 год
В 1912 году Горбатов поехал в Рим как пансионер Академии художеств. Сначала работал в Вечном городе, а потом по приглашению Горького переехал к нему на остров Капри.
Вид на старый город
После Италии Горбатов объездил почти всю Европу и вернулся в Россию. В России он постоянно работал: писал пейзажи, виды северных городов и маленьких волжских городков.
Некоторая старомодность картин и добротный стиль снискали Горбатову популярность в средних слоях населения, и его картины хорошо раскупались. Но после революции его доходы сошли на нет, и в 1922 году он с женой выехал из России. Он стал членом Общества им. А. И. Куинджи, участвовал в поздних выставках передвижников и Общества русских аквар
Подсолнухи 1933 год
С 1922 по 1926 год жил в Италии, на острове Капри, путешествовал по Европе. В 1926 году поселился в Берлине. В берлинский период жизни много путешествует: Финляндия, Великобритания, Палестина. Почти ежегодно ездил в Италию.
Работы Горбатова пользовались успехом в Германии, и по сравнению с русскими белоэмигрантами он жил довольно зажиточно. Но с приходом к власти нацистов в искусстве стал преобладать стиль нацистской Германии и работы Горбатова в Германии перестали пользоваться популярностью.
Отдых на веранде. Портрет жена художника. 1917 год
С началом Второй мировой войны Горбатов безвыездно жил в Германии, а с началом Великой Отечественной войны Горбатовым приходилось дважды в неделю отмечаться в полиции, они лишились возможности выезда из страны. Полученные новые временные паспорта супругам продлевало шведское посольство сроком на четыре месяца.
Зимний пейзаж с церквью.
К концу войны Горбатовы жили в страшной бедности, сам Константин Иванович болел. Он скончался в Берлине 24 мая 1945 года, его жена 17 июня 1945 года покончила жизнь самоубийством.
В 1960 году архив и сохранившиеся произведения Константина Ивановича Горбатова, вывезенные ранее в СССР, были переданы на хранение Историко-архитектурному и художественному музею «Новый Иерусалим» в Истре.
Метки: художники |
Сотворение Адама. Почему это шедевр Микеланджело |
Дневник |
Микеланджело расписал потолок Сикстинской капеллы в 1508-1512 годах по заказу Папы Римского Юлия II. Всего за четыре года он создал несколько десятков фигур!
Заказчику было достаточно 12 фигур апостолов, а остальное – покрыть растительным орнаментом. Но мастер настоял на собственной концепции, изобразив сюжеты из Ветхого Завета, в том числе “Сотворение Адама”. А также немалое количество фигур ветхозаветных пророков, древнегреческих сивилл и предков Христа.
Феноменально сложная работа за невероятно короткий срок. Но, несмотря на такой адский труд, работа вышла потрясающей. И особенно изумляет “Сотворение Адама”. Пожалуй, это самое известное изображение потолка Сикстинской Капеллы. Но с чем это связано?
Почему, допустим, “Сотворение Евы” не так известно?
Микеланджело. Сотворение Евы (фреска потолка Сикстинской капеллы). 1508-1512. Сикстинская капелла. Gallerix.ru.
Эта фреска находится также в центральной части потолка, рядом с “Сотворением Адама”.
Или почему изображение вот этой сивиллы менее известно, чем рассматриваемая нами фреска?
Микеланджело. Эритрейская сивилла. 1508-1512. Сикстинская капелла. Wikimedia Commons.
Уже не говоря о том, что “Сотворение Адама” гораздо более известно, чем любая фреска другого художника в Сикстинской капелле. А ведь её стены расписывал и Перуджино, и Боттичелли.
Перуджино. Передача ключей апостолу Петру. 1481-1482. Фреска в Сикстинской Капелле, Ватикан.
Давайте разберёмся, что же делает фреску “Сотворение Адама” такой узнаваемой и неповторимой.
Для своего времени Микеланджело создавал фигуры анатомически точные. И самое удивительное, что в этом он был в своё время одним из первых!
Дело в том, что мастера более старших поколений вообще не изображали обнаженных тел. Нельзя сказать, что это было запрещено. Всё-таки были сюжеты, где нагота была уместна. Например, при изображении Адама и Евы.
Не позволялось другое: нельзя было использовать модели для обнаженного позирования. И уж тем более посещать морги, чтобы изучать человеческую анатомию. Всё это считалось грехом.
В результате художники прятали своих героев в просторные одежды. Как Джотто.
Джотто. Тайная вечеря. 1315. Капелла Скровеньи, Падуя. Wikimedia Commons.
Либо фигуры были анатомически неточными.
Мантенья. Распятие. 1457-1459. Лувр, Париж. Wikimedia Commons.
Но ближе к середине XV века совпало несколько факторов.
Начали раскапывать древнегреческие скульптуры. А они были с анатомической точки зрения очень реалистичны.
Бельведерский торс. 1 век до н.э. Музей Пио-Клементино, Ватикан. Wikimedia Commons.
И вот уже начали появляться изображения, гораздо более близкие к реальной анатомии человеческого тела. Первым был Мазаччо.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.
К тому же в XV веке Флоренция была довольно независима от влияния Папы Римского. Художники почувствовали свободу. Один мастер, Полайолло, набрался смелости и начал посещать морг. Там он изучал, как крепятся мышцы к телу. И создал работы, в которых проявились уникальные для того времени знания. Но, конечно, под влиянием древнегреческих скульптур, того же Бельведерского торса.
В результате родились вот такие образы.
Поллайоло. Геркулес и гидра. 1475. Галерея Уффици, Флоренция. Wikimedia Commons.
Микеланджело было восхищён работами Мазаччо и Поллайоло. И именно у них он учился реализму человеческого тела.
Так и появилась прекрасная фигура физически крепкого Адама. Мало кому в то время такое ещё удавалось.
Микеланджело. Сотворение Адама. 1508-1512. Сикстинская капелла, Ватикан. Wikimedia Commons.
Давайте сравним с обнаженной фигурой, созданной Рафаэлем. Он был очень талантливым. Но в плане изображения анатомически правильного человеческого тела превзойти Микеланджело не мог. Вот на этой фреске видно, что Рафаэль не очень верно изобразил часть мышц, особенно на стопе, голени и бедре.
Рафаэль. Фрагмент фрески “Пожар в Борго”. 1514-1517. Станцы делла Сеньятура, Ватикан. Wikimedia Commons.
Обратите внимание на то, как много иллюзии движения в этом изображении. Это проявляется и в наполненном воздухом плаще вокруг Бога-Отца с ангелами, и в летящем ангеле с развевающейся зелёной накидкой.
Микеланджело. Сотворение Адама. 1508-1512. Сикстинская капелла, Ватикан. Wikimedia Commons.
Дело в том, что до Микеланджело живопись была более статичная. Современники мастера располагали героев в ряд или помещали их в условный треугольник, как Леонардо и Рафаэль.
Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506. Музей истории искусств, Вена, Австрия. Wikimedia Commons.
Фигуры получались застывшими. Нет никаких порывов или сложных ракурсов. Позы спокойные, расслабленные.
А вот Микеланджело буквально “заставляет” героев летать, да ещё с такой скоростью, что ткань раздувается, как паруса (это я о красном покрывале позади Бога и его свиты).
В результате получился очень эффектный контраст. Много иллюзии движения справа, в образах Бога и ангелов. И статичная, неподвижная фигура Адама. Словно столкнулись две эпохи живописи. Спокойное и размеренное Кватроченто (Возрождение XV века) и динамичное Высокое Возрождение.
Но не только в этом заключается секрет притягательности этой фрески.
Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.
Микеланджело использует ещё один новаторский приём. Обратите внимание на руки героев, которые вот-вот соприкоснутся пальцами.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”.
С одной стороны идея Микеланджело очень ясная. Человек уже физически существует. Его рука вытянута. Но она более расслаблена по сравнению с более напряженной и прямой рукой Бога Отца. Очевидно, что для того, чтобы стать полноценным человеком, ему чего-то не хватает. А именно Божьей искры, души.
Именно Бог Отец своим прикосновением пробудит человека, сделает его по-настоящему живым, наполненным духом.
Но самое интересное в другом. Микеланджело изображает… “мгновение до”.
Их пальцы не соприкасаются! То есть ещё секунда – и их пальцы соприкоснутся.
Почему художник НЕ изобразил их соприкоснувшимися? Почему не показал кульминацию, а лишь секунду до неё?
Дело в том, что в этом “мгновении до” заключена большая энергия. Она держит наше внимание. Мы невольно напрягаемся и ждём, когда кульминация наступит.
Но она не наступит никогда! Это мгновение застыло во времени.
Микеланджело понял волшебное воздействие такого образа на психику человека. То, что это будет приковывать наш взгляд.
И именно это делает эту фреску самой запоминающейся из всех, что написал художник на потолке Сикстинской капеллы.
Микеланджело. Фрески потолка сикстинской капеллы. 1508-1512. Ватикан. Wikimedia Commons.
Но не только в этой фреске он применил этот приём. О воздействии такого композиционного решения он догадался раньше. Ещё когда создавал своего Давида.
Микеланджело. Давид. 1504. Академия изящных искусств, Флоренция. Wikimedia Commons.
Ведь он изобразил его тоже за “мгновение до”. Мастера до этого, как правило, изображали Давида уже в качестве победителя. Например, такой образ создал Донателло.
Донателло. Давид. 1440. Национальный музей Барджелло, Флоренция. Wikimedia Commons.
Но Микеланджело изобразил Давида за секунду до того, как герой замахнётся и бросит камень в Голиафа. Художник показал всё напряжение его сил, собирание воли в кулак, напряжение мышц перед ударом.
Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину. Полотна и их описания смотрите по ссылке.
Так же он изобразил напряженную руку Бога Отца, которая готова через мгновение впустить в человека душу, вложить в него себя, свою искру.
Ничего удивительного, что это новаторство, может быть не до конца осознаваемое, так поразило современников мастера. И совершенно точно не оставляет равнодушными и нас.
Новаторства Микеланджело мы также изучаем в курсе “Дневник Возрождения”. Присоединяйтесь!
Угадайте, какую из этих работ создал Микеланджело, а какую – его подражатель.
Это изображение пророка Исайи. Однако одно из них создал Микеланджело, а второе – Рафаэль.
По сведениям их современников, Рафаэль увидел потолок Сикстинской капеллы ещё до завершения работ. Вообще Микеланджело работал при закрытых дверях и никому не хотел показывать незавершенные фрески.
Но Рафаэль тайно проник в капеллу. Он был так впечатлён увиденным, что внёс изменения в свою работу в церкви святого Августина. Он закрасил почти завершённый образ и создал другой под влиянием Микеланджело.
Именно такого пророка Исайю мы и видим на фреске слева (1513. Церковь Святого Августина, Рим. Gallerix.ru). Справа – тот же пророк, но созданный рукой Микеланджело (1508-1512. Сикстинская капелла, Ватикан. Artchive.ru).
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Метки: художники |
Иван Айвазовский «Среди волн» (1898) |
Дневник |
Иван Айвазовский «Среди волн» (1898)
Холст, масло. 284 x 429 см
Феодосийская картинная галерея им. И.К.Айвазовского
В 1898 году Айвазовский написал картину "Среди волн", которая стала вершиной его творчества. Художник изобразил бушующую стихию - грозовое небо и бурное море, покрытое волнами, как бы кипящими в столкновении одна с другой.
Он отказался от обычных в своих картинах деталей в виде обломков мачт и гибнущих кораблей, затерявшихся в безбрежном морском просторе. Он знал много способов драматизировать сюжеты своих картин, но не прибег ни к одному из них, работая над этим произведением. "Среди волн" как бы продолжает раскрывать во времени содержание картины "Черное море": если в одном случае изображено взволнованное море, в другом - уже бушующее, в момент наивысшего грозного состояния морской стихии.
Мастерство картины "Среди волн" - плод долгого и упорного труда всей жизни художника. Работа над ней протекала у него быстро и легко. Послушная руке художника кисть лепила именно ту форму, какую хотел художник, и клала краску на холст так, как это подсказывал ему опыт мастерства и чутье большого художника, не исправлявшего раз положенного мазка. Видимо, сам Айвазовский сознавал, что картина "Среди волн" значительно выше по исполнению всех предшествующих работ последних лет. Несмотря на то, что после ее создания он еще два года работал, устраивал выставки своих произведений в Москве, Лондоне и Петербурге, эту картину он не вывозил из Феодосии, завещал вместе с другими произведениями, находившимися в его картинной галерее, родному городу Феодосии.
Но картина "Среди волн" не исчерпала творческих возможностей Айвазовского. В последущее время им было создано еще несколько картин, прекрасных по исполнению и содержанию. В 1898 году, на восемьдесят первом году жизни, Айвазовский создает самое эмоциональное и величественное полотно "Среди волн".
Это плод долгого неустанного труда и поисков всей жизни мастера. Оно написано, как и большинство его произведений, свободным импровизационным методом. Картина полна движения и экспрессии. Только большой художник мог так поразительно легко, буквально на одном дыхании, изобразить на полотне кипящий, движущийся и пенящийся водоворот волн. Живописная палитра состоит из серовато-голубовато-зеленоватого цвета с тончайшими оттенками и нюансами. Луч солнца, проходящий по диагонали холста, усиливает цветовой строй настолько, что узкая полоса грозового неба не нарушает общего мажорного колорита. Мастерски прописанная белоснежная невесомая кружевная пена придает полотну особое состояние радости и приподнятости чувств. В душе художник до последних дней жизни оставался романтиком. Это полотно можно отнести к феноменальному явлению в изобразительном искусстве
Метки: художники |
О картине Леонардо да Винчи “Мадонна Бенуа”. (Дневник живописи) |
Дневник |
Молодая женщина с лысым лбом и опухшими щеками, беззубой усмешкой и морщинистой шеей! Жутковатый призрак старухи играет с ребёнком...
Эти слова произнёс в 1912 году знаменитый историк искусства Б. Беренсон о картине Леонардо да Винчи “Мадонна Бенуа”.
Да, можно с ним согласиться: Дева Мария выглядит необычно.
Для меня это было загадкой долгое время. Почему же Леонардо создал такую Мадонну?
Может, он тогда, в 1478-1480 годах не умел создавать лица по правилам золотого сечения? Ему ведь тогда было 26 лет. Молодой ещё.
Едва ли. В тех же годах свою Мадонну создал Боттичелли. Посмотрите в комментариях. Очень красивая и благородная у него Дева Мария. 100% Леонардо мог подсмотреть у коллеги, как писать такую красоту.
Так в чём же дело?
Леонардо НЕ стал идеализировать черты лица модели, которая ему позировала для образа Девы Марии!
А девушка была очевидно с неправильным прикусом, небольшой нижней челюстью и мелкими зубами.
В этом случае подбородок выпирает существенно вперёд. А при улыбке мелкие зубы не видны. И из-за этого возникает иллюзия западания нижней челюсти.
Именно поэтому Беренсон сравнил Марию со старухой. На самом деле это лишь такое строение лица, не зависящее от возраста.
Но что тогда с её лбом?
Мода такая была: выбривать волосы надо лбом, делая его зрительно более высоким.
На шее Марии мы видим складки, и Беренсон характеризует её как морщинистую.
На самом деле, у модели, скорее всего, были проблемы с щитовидкой. Отсюда - большой зоб, при котором образуются характерные складки. У Крупской такая же шея была.
И пару слов про опухшие щеки, на которые Беренсон нам тоже указывает.
Дело в том, что Леонардо написал Марию в том возрасте, когда она реально родила младенца Христа. Ей было не больше 15 лет! По сути, она была ещё ребёнком. И опухшие щеки - это на самом деле пухловатые щёчки, свойственные именно детям.
И в этом Леонардо опять более правдив, чем Боттичелли. Последний изображает Мадонну более зрелой женщиной лет 25.
Ещё обратите внимание на нижнюю часть платья Марии. Там "зашит" ещё один секрет Леонардо. Его новаторский ход, который никто до него не делал! Об этом написала в своей статье: https://www.arts-dnevnik.ru/madonna-benua-leonardo-da..
Метки: художники |
Экскурсия по выставке «Архип Куинджи» |
Дневник |
Метки: художники |
Творчество Ильи Репина (1 часть) |
Дневник |
Подготовка к экзаменам" (1864, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) - первая значительная, проникнутая духом студенчества, ироничная и озорная работа Репина. В ней изображены два молодых двое молодых художников, "активно" готовящихся к экзаменам. Один из них дремлет на кровати, прижав к груди книгу, а другой, отставив на подоконник этюд, через окно общается с барашней и посылает ей воздушный поцелуй.
Компазиция картины посроена в виде креста, центром которого является фигура влюбленного студента. Автор иронично представляет образ своего.героя, наделив его фуражку шутливым хвостом-метелкой.
Подружившись с Крамским Репин часто стал быватьв его "Артели четырнадцати". Вскоре из сообщества бунтарей-художников родилось Товарищество передвижников. Увлекаясь, как и вся интелегентная молодежь того времени, народновольческими идеями, Репин зарисовал то лицо казненного Каракозова, который в 1866 году устроил покушение на Александра II, то образы бурлаков, заменнчанных на берегу Волги.Однако дипломную работу надо было написать наодин предложенных коммисией евальгельских сюжетов. Дипломная работа "Воскрешение дочери Иарира"(1871, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург) - монументальное полотно, в котомром нашли отражения не только все академические требования, но и переживания мастера. Работая над полотном мастер вспомнил как переживали родители смерть его младшей сестры и в их доме поселилось горе. Как они оплакивали умершую его сестру. Именно эту важную интонацию старался передать художник , выполняя правую затемненную часть, где затоились, убитые горем родители. В центре гортины стоит Христос., освещенный тремя свечами.И сжимает руку мертвой дочери Иарира. Строгость всей компазиции, благародство цветовых отношений и сдержанность жестов героев передают всю чудодейственную силу человеческого Духа. За эту работу Репин получилбольшую золотую медаль, звание художника первой степени и право на шестилетнюю пенсионерскую поезку за границу.
Метки: художники |
АРТ-ЛИКБЕЗ. ОСНОВНЫЕ СТИЛИ И НАПРАВЛЕНИЯ В ЖИВОПИСИ |
После выставки Серова интерес к живописи у граждан заметно повысился, чтобы быть в тренде, неплохо бы научиться отличать кубизм от супрематизма или хотя бы знать «поименно» основные направления живописи ХХ века. Аудио-гид, конечно, есть в любом музее.
Для начала придется усвоить, что живопись ХХ века условно делится на два периода: модернизм и постмодернизм. В каждом было немало течений.
Модернизм
Альтман Ахматова 1914 г. (Фрагмент)
Зародился в 1863 году в Париже, на открытии «Салона Отверженных» — выставки, призванной показать миру «другое искусство», новый, порой эпатирующий взгляд на вещи в пику устоявшимся канонам академической живописи. Говоря иными словами — это была звонкая пощечина общественному вкусу. Это в наши дни Олег Кулик может скакать голышом — дескать, перформанс, и вызывать при этом аплодисменты, а в середине XIX века даже малейшее отступление от канонов живописи каралось как минимум общественным порицанием. В 1863 году в парижском Дворце промышленности должен был состояться очередной Художественный салон, жюри отклонило более четырех тысяч работ, в результате раздосадованные художники-новаторы, среди которых были Мане, Сезанн, Писсаро и Ренуар, устроили собственный «Салон Отверженных» — Salon des Refuses.
Метки: художники картины |
Гармония сражений: морские бои Айвазовского |
Дневник |
Со времен Петра Великого море было для Российской империи окном в Европу и залогом будущего развития и потому — одним из важнейших полей сражений. И в лице Айвазовского государство нашло отличного певца своих побед. Сам художник был очарован русским флотом и охотно брал государственные заказы. Недаром, едва выпустившись из Академии художеств, он был направлен самим императором Николаем I сопровождать его сына, великого князя Константина, в практическом плавании по Балтике. На протяжении своей жизни Айвазовский не раз обращался к теме войн. Вспомним самые яркие полотна.
Одно из сражений Русско-турецкой войны, которое произошло близ острова Хиос в Средиземном море. Русская эскадра, которую возглавлял Алексей Орлов, одержала победу над вдвойне превосходящими силой турками. На картине изображен ключевой момент боя — столкновение кораблей «Святой Евстафий» и «Бурдж-у-Зафера».
Важнейшее сражение той же войны, благодаря победе в котором Алексей Орлов получил почетное прозвание Чесменский. Оно произошло на следующий день после Хиосского — турки отступили из Хиосского пролива в Чесменскую бухту под прикрытие береговых батарей. На картине изображен момент, когда один из русских брандеров поджигает вражеское судно, а шлюпка с экипажем, покинувшим горящий брандер, подходит к нашему флагману «Три иерарха».
Победоносный бой во время Русско-шведской войны — и опять в царствование Екатерины Великой! Умела она подбирать командиров. Русским флотом командовал адмирал Василий Чичагов. Столпотворение на море было огромным — только со стороны шведов участвовали 35 линейных кораблей и фрегатов и 366 малых кораблей. За победу Чичагов стал первым из флотоводцев, пожалованным орденом Святого Георгия I степени.
Наваринское сражение, которое состоялось в одноименной бухте Ионического моря, близ полуострова Пелопоннес, — редкий пример битвы XIX века, в которой Англия, Франция и Россия сражались на одной стороне. Их противником был флот Османской империи, который выступал против попыток Греции освободиться из-под ее владычества. Айвазовский запечатлел флагман «Азов», на котором, кстати, служили тогда еще никому не известные лейтенант Нахимов и мичман Корнилов. Корабль поврежден, однако берет на абордаж турецкое судно.
Сражение, изображенное на картине, случилось в 1829 году, когда русский бриг «Меркурий» патрулировал пролив Босфор. Из-за слабого ветра он не смог уйти от погони и был атакован турецкими линейными кораблями «Селимие» и «Реал-бей». Имея всего 18 пушек против 200 вражеских, маленький храбрый «Меркурий» сумел повредить обоих турок и, потеряв четырех человек убитыми, вернуться в Севастополь.
Операцию, которая прошла в 1839 году, молодой Айвазовский видел собственными глазами: адмирал Михаил Лазарев пригласил его стать свидетелем битв Кавказской войны. Ныне Субаши — это сочинский район Головинка, а в те годы это были дикие черкесские территории. Раевский высадил десант в устье рек Шахе и Субаши, отбил территорию у горцев и построил на ней форт. Айвазовский участвовал в высадке, делая зарисовки. На обороте картины есть надпись: «Принадлежит старшему в роде Раевских, без права продавать».
Крымской войне, непосредственным свидетелем которой он был, Айвазовский посвятил не одну работу. Синопский бой стал чуть ли не последним крупным сражением парусных флотов — позже наступила эра паровых кораблей, хотя Айвазовский в своих картинах еще полвека останется преданным парусам и реям. Русский флот возглавлял вице-адмирал Нахимов. Он же поручил князю Виктору Барятинскому на месте набросать схему расположения кораблей, которая была передана Айвазовскому для работы. Картину художник написал действительно по горячим следам.
Метки: художники |
Объединение "Бубновый валет" |
Дневник |
Самое крупное объединение раннего русского авангарда, которое, впрочем, просуществовало всего шесть лет. В основе творческого мировоззрения «Бубнового валета» — живопись Поля Сезанна с ее эмоциональной игрой цвета и фактуры.
В объединение входили Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов, Роберт Фальк, позже Казимир Малевич, Михаил Ларионов, Наталия Гончарова. После их ухода в объединение вошли Марк Шагал, Владимир Татлин, Иван Пуни.
Манеру, которую они выработали, называли русским сезанизмом. Их натюрморты и портреты на выставках соседствовали с работами Анри Матисса, Пабло Пикассо и Поля Синьяка.
Петр Кончаловский. Первый снег. Синяя дача. 1938. Частная коллекция
Аристарх Лентулов. Небозвон (Небосвод. Декоративная Москва). 1915. Ярославский художественный музей
Роберт Фальк. Лиза на солнце. 1907. Музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Казимир Малевич. Утро после вьюги в деревне. 1912. Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк, США
Михаил Ларионов. Голова быка. 1913. Третьяковская галерея, Москва
Наталия Гончарова. Весна. Белые испанки. 1932. Третьяковская галерея, Москва
Марк Шагал. Я и деревня. 1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Владимир Татлин. Продавец рыб. 1911. Третьяковская галерея, Москва
Метки: художники |
Джон Констебл. "Собор в Солсбери" 1825 |
Метки: художники англия |
Врубель. История Рсского музея |
Дневник |
Метки: художники |
Импрессионизм в авангарде. Редкие работы великих художников |
Метки: художники |
АМЕРИКАНСКАЯ ГЛУБИНКА ГЛАЗАМИ SUSAN BRABEAU |
Что поражает в работах Susan Brabeau, современной американской художницы, так это её сверхъестественный талант "фотографирования" людей.
Сюзан способна "схватить" их настроения, их особенности, и даже их язык тела. Художник может через ряд частных моментов рассказывать целую историю о том или ином человеке, историю, которая трогает сердце, разжигает воображение и восхищает чувства. Все её работы отражают любовь к прошлым и простым временам...
Метки: художники |
Запах Парижа |
Метки: европа художники |
Художник Kam Redlawsk |
Дневник |
В 20 лет я отправился учиться в бакалавриат по промышленному дизайну. В то же время я начал испытывать таинственные физические симптомы, симптомы, которые привели меня к невообразимому будущему.
Судьба круто перевернула мою жизнь. Она отняла тонус в моих мышцах. В дальнейшем я уже бегал и вел активную жизнь, используя брекеты для ног, трости и сегодня полный рабочий день проходит в инвалидном кресле. После 5 лет прохождения иследования я узнал название своей болезни - HIBM оно же GNEM. Наследственные миопатии тела включения. HIBM представляют собой гетерогенную группу очень редких генетических нарушений, которые имеют разные симптомы. Как правило, это нервно-мышечные расстройства, характеризующиеся слабостью мышц у молодых людей. Это редкое заболевание затрагивает от одной до трех тысяч человек по всему миру. Мое состояние известно медицинскому миру как «болезнь сирот», ироничность с тех пор, как я родился сиротой в Южной Корее. Все врачи сказали мне, что нет никакой надежды нет. Заболевание на столько редко,, чтобы встретиться с другим пациентом, как Я,.должен бросить колледж и вести менее амбициозную жизнь. Согласно их медицинским учебникам, мое будущее выглядело мрачным.
По окончанию бакалавров я полетел в Калифорнию и нашел дизайнерскую работу в качестве дизайнера игрушек. Я также нашел братьев, у которых было мое забование. Один из них - врач, другой - научный сотрудник. Вместе они намеревались помочь продвинуть пропагандистскую и научную науку для HIBM. Я больше не был одинок, и медицинский мир был неправ.
Мой мир открылся, и я начал пропагандировать, чтобы помочь рассказать о моем заболевании.. Я предложил свои дизайнерские услуги и получил фандрайзинг (сбор пожертований), но людям трудно сопереживать описаниях медицинских терменов, поэтому я начал вести блог о моем личном опыте с HIBM. Затем я понял, что некоторые люди реагируют на рассказы визуально. Поэтому я научил себя иллюстрации и начал извлекать свой опыт для повышения осведомленности. Я надеялся, что мои простые рисунки не только обучат зрителя о HIBM, но и зритель сможет увидеть себя на моих рисунках и связать его с собственной борьбой.
18 лет я привязана к инвалидному креслу, но жизнь еще больше, чем когда я был в состоянии. Я постоянно путешествую и участвую в трюках смельчака. Моя верхняя часть тела начала ослабевать, и однажды она может быть неподвижной, неспособной рисовать ... Итак, что вы будете делать, когда узнаете свое будущее, будет отличаться от того, что вы думали? Вы рисуете, вы живете.
1.
Это будет хорошо.
Рисуя этот рисунок я еще гулял. Но я мог буквально почувствовать, как мои шаги ускользают от меня. Поскольку я еще не привык к своему первому инвалидному креслу. Это была важный момент, надеясь, что я смогу уйти от инвалидного кресла.стул. Я был похож на дерево.HIBM было похоже клубок шерсти. Его распространение во мне напоминает шерсть, которая цепляется на коре дерева , как распространяется болезнь во мне цыпляясь пряжей за кору, приближаясь к моим органам все ближе и ближе. Я назвал иллюстрацию «Это будет хорошо», потому что, то что я говорю себе, это когда я продвигаю все более сложные этапы этого состояния.
2.
Я не хочу сегодня быть вдохновением.
Я являюсь адвокатом его стояния. Я часто слышу «Ты вдохновение». Я говорю это и другим. Но, и ногда я не хочу быть вдохновением. Иногда этот слова заставляет меня чувствовать себя мошенником. Как будто я на пьедестале под ложными предлогами. «Вдохновение» просто хочет быть нормальным, желательно неизвестным.
3.
Пожалуйста, не оставляй меня.
Родина детства.
Будучи усыновленным, это была моя мечта иметь детей, особенно дочь. Но некоторые мечты никогда не сбываются. Чтобы продолжать двигаться, вы должны осторожно отправить их в космос и перейти на новые мечты.
5.
Девушка ворон.
Цикл жизни. От боли есть красота, от красоты есть боль.
Серия сообщений "Победы над болезнью":Победи свои болезни, Победи свою болезнь, Победи твою болезньЧасть 1 - Стань немного добрее и заметишь их, так помоги им.
Часть 2 - Любовь невсесильна, но она дает тебе счастье
Часть 3 - Любовь до последнего стука сердца
Часть 4 - Художник Kam Redlawsk
Метки: художники победи свои болезни |
Художница Karen Noles. Дети. |
Метки: художники |
10 женщин со знаменитых картин, о чьих судьбах многие не знают. |
Дневник |
О картине мы прежде всего знаем две вещи: ее автора и, возможно, историю полотна. А вот о судьбах тех, кто смотрит на нас с холстов, нам известно не так уж и много.
1. Жанна Самари.
1.
Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877г.
Актриса Жанна Самари хоть и не смогла стать звездой сцены (играла она преимущественно служанок), но повезло ей кое в чем другом: некоторое время она жила недалеко от мастерской Ренуара, который в 1877-1878 годах написал четыре ее портрета, тем самым прославив куда больше, чем это могла бы сделать ее актерская карьера. Жанна играла в спектаклях с 18 лет, в 25 она вышла замуж и родила троих детей, затем даже написала детскую книжку. Но прожила эта обаятельная дама, к сожалению, не долго: в 33 года заболела брюшным тифом и скончалась.
2. Чечилия Галлерани.
2.
Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем», 1489-1490 гг..
Чечилия Галлерани была девушкой из благородной итальянской семьи, которая в возрасте 10 (!) лет уже была помолвлена. Однако когда девочке было 14, помолвка по неизвестным причинам была расторгнута, а Чечилия отправлена в монастырь, где и познакомилась (или же все это было подстроено) с герцогом миланским Людовико Сфорца. Завязался роман, Чечилия забеременела и герцог поселил девушку в своем замке, но тут пришло время вступить в династический брак с другой женщиной, которой, конечно же, присутствие любовницы в их доме не понравилось. Тогда после родов Галлерани герцог забрал себе сына, а ее выдал замуж за обедневшего графа.
В этом браке Чечилия родила четверых детей, держала чуть ли не самый первый в Европе литературный салон, бывала у герцога в гостях и с удовольствием играла с его ребенком от новой любовницы. Спустя время супруг Чечилии погиб, наступила война, она потеряла свое благосостояние и нашла приют в доме сестры той самой жены герцога − вот в таких замечательных отношениях она умудрялась быть с людьми. После войны Галлерани вернула свое имение, где и жила вплоть до своей смерти в возрасте 63 лет.
Метки: художники |
Мрачные картины Франсиско Гойя |
Дневник |
«Мрачные картины» («Чёрные картины») — название серии из четырнадцати фресок Франсиско Гойя, написанных в технике al secco (на стене, по увлажнённой штукатурке). Были созданы для стен своего дома, который он приобрел в феврале 1819 года, с интересным названием «Дом Глухого» олучивший название еще при жизни бывшего владельца, вероятно, страдавшего глухотой. Эти фрески переносились на холст с 1874 года, на сегодняшний день они хранятся в музее Прадо в Мадриде.
В 1819 году Гойя покупает «Кинта дель Сордо» (Дом Глухого) - деревенский дом с поместьем, который располагался на возвышении над дальним берегом реки Мансанарес на окраине Мадрида. Вскоре после поселения в этом доме художник серьезно заболел. За время своего пребывания в «Доме Глухого», Гойя расписал маслом стены двух главных комнат первого и второго этажа. Рентгенографический анализ показал, что изначально стены дома, возможно, были расписаны пейзажами в ярких оттенках, композиция которых была значительно более спокойной, чем у тех работ, которые нам известны сейчас.
1.
Схема первоначального размещения Мрачных картин в Кинта-дель-Сордо.
Поверх этих пейзажей Гойя нанес то, что получило название черной живописи, загадочные композиции, которые могут рассматриваться как продолжение и резюме его серии офортов Диспаратес (Пословицы),
Темы произведений цикла «черной живописи» мрачны: зло, жестокость, невежество, смерть.
Для всех произведений характерны преувеличенно-неестественные жесты персонажей, свободный мазок, характеризующийся энергичными движениями кисти, в некоторых случаях напоминающий брызги, а также сильными контрастами света и цвета. Манера Гойи полностью освободилась от академизма: художнику удалось передать странную красоту и эмоции удивительной глубины.
Цикл картин, которым Гойя не дал названий, был каталогизирован в 1828 году другом художника Антонио Бругадой и включает следующие работы: Атропос или Судьба, Два старика , или Старик и монах, Два старика едят суп, Поединок на дубинах, Шабаш ведьм, Читающие мужчины., Юдифь и Олоферн , Фестиваль в Сан-Исидро, Смеющиеся женщины, Паломничество к источнику Сан-Исидро, Собака, Сатурн, пожирающий своего сына, Донья Леокадия Соррилья и Фантастические видения или Асмодей.
1.
«Сатурн, пожирающий своего сына»
2.
«Поединок на дубинах»
Метки: художники |
Бруклинский художник Келли Денито |
Бруклинский художник Келли Денито работает в самых разных отраслях промышленности и медиумах. Она профессионально работает в анимации, иллюстрации и дизайне с такими клиентами, как Nickelodeon, American Eagle Outfitters, Clinique, InStyle Magazine и Timex. Денато также регулярно демонстрирует свои картины, рисунки, скульптуры и мягкие скульптуры в галереях по всей территории США. То, что вдохновляет Денато, - это красота оптимизма и присущая ему трагедия, перед разочарованием. Ее картины, отмеченные темнотой, а также радостное изобилие, - это эмоциональные выражения этого неуловимого стремления к значению и одновременности злополучного счастья. Техника рисования Денито характеризуется тщательными и крошечными штрихами, нанесенными на текстурированный фон. Ее цвета блестят и похожи на конфеты, часто поднимая своих персонажей из темноты, как если бы они были вырезаны из-за рваных цветов. Ее гениальность - это ее способность богато рисовать краску, все еще используя экономию в использовании ее линии, сохраняя чуткий смысл жестов. Ее персонажи часто плывут и запутаны, нарисованы с мастерски тонкой рукой иллюстратора и глазом для причудливого сардонизма. Процесс Денато говорит с сюрреалистичным и колеблющимся миром, в котором живут ее подданные. По словам художника, «Все начинается с рисования. Я буду рисовать как можно чаще в каком-то потоке сознания. По мере того как модели, образы и символы начинают появляться, появляется тема. Как тест Роршаха на мои собственные каракули, я интерпретирую смысл из этих символов. Затем я развиваюсь оттуда, символы, вносящие смысл и смысл в символы в бесконечной петле ». «Я часто чувствую, что мои персонажи либо выплывают в космосе, либо наблюдаются в растворе под микроскопом. Я всегда ищу способы привнести турбулентность в мою спокойную, студенистую среду. Волосы позволяют мне огибать или запутывать моего персонажа, а также вытягиваться в остальную среду из основного тела композиции. Я использовал другие инструменты для такого взаимодействия; Призраки, трубки, слезы, гуп, но волосы, безусловно, наиболее приятно рисовать. И это дает мне широкую возможность рисовать светом, что является большой частью моей работы ». - Келли Денато (журнал Clutter)
Метки: художники |
Риджионализм (США) |
Дневник |
Риджионализм ( от англ. regional – местный), регионализм, художественное направление в искусстве США 1920-1940-х гг., в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной исключительности и самобытности развития, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.
Главными представителями этого движения были Томас Харт Бентон, Грант Вуд, Джон Стюарт Кэрри. Каждый художник разрабатывает свою линию: Вуд обращался к темам родного штата Айова, Джон Кэрри «бытописал» жизнь канзасских фермеров, сюжеты картин Бентона – деревенские пейзажи. Опираясь на эстетические принципы натурализма, риджионалисты соединили их с примитивистской техникой письма, подражая американским художникам-самоучкам 18-19 вв.
Несмотря на местный колорит и национальную идею, риджионализм не получил широкого распространения в художественных кругах. К 1940-м гг. его популярность пошла на убыль, и он превратился в одно из проявлений общепатриотических настроений, которые преобладали во время Второй Мировой войны.
Мастера риджионализма: Томас Харт Бентон, Гранд Вуд, Джон Стюард Кэрри, Чарльз Бёрчфилд, Бен Шан, Эдуард Хоппер.
Томас Бентон
На своих полотнах Томас Бентон показывал сцены из повседневной жизни простых американцев, зачастую из родного ему Среднего Запада. Особенно ярки и удачны картины сельской жизни, изображающей будни доиндустриальной эпохи.
1.
homas Hart Benton | On The Way
2.
Georges Schreiber - Portrait of Thomas Hart Benton, 1945 at Whitney Museum of American Art New York City NY
Гранд Вуд,
3.
Грант Вуд. Американская готика. 1930 Институт искусств (Чикаго)
Самая известная картина Гранта Вуда (1891 – 1942) «Американская Готика» (1930) - одно из наиболее узнаваемых произведений американского искусства. Наверно, по уровню культурной знаковости эту картину можно без преувеличений сравнить с «Моной Лизой» да Винчи или с «Криком» Эдварда Мунка. Впервые она выставлялась Чикагском Институте Искусств в 1930 г., там же она хранится и сегодня. За эту картину Вуд получил почти мгновенную славу. Образ стал расхожим, его используют и в рекламе, и в мультфильмах, и в карикатурах. Самобытность и многогранность этого произведения, обеспечившие ему всемирную славу, прежде всего в самом, очень мощном визуальном образе, но и помимо этого, в возможности самых различных трактовок – вплоть до прямо противоположных. Вуд видел в сельской Америке мужество и упрямство первопроходцев, пионерский дух и решимость в преодолении любых препятствий. Ещё одна трактовка предполагает смешение почтительности и легкой насмешки. Вуд вдохновлялся неоготическим стилем особнячка Элдона (южная Айова), особенно четко эти неоготические черты просматриваются в арочном окошке на втором этаже. Вуд решил изобразить этот дом, а на переднем плане людей, которые, по его мнению, должны были бы жить в нем. На картине изображен фермер рядом со своей дочерью, старой девой. Художнику позировали его дантист и его сестра Нэн (1900-1990). Сестра Вуда как раз и настаивала на версии, что на картине изображена дочь фермера, а никак не жена, так как ей хотелось думать о себе как о более молодой женщине. На женщине передник с рисунком колониальных времен, вилы в руке фермера призваны олицетворять тяжелый труд, позы и выражение героев картины заставляют думать о традиционном, патриархальном укладе жизни. Пристальные, напряженные, почти застывшие взгляды карих и голубых глаз завораживают и пугают. Композиционная строгость и проработанность деталей отсылают нас к Северному Возрождению, которое Грант особенно пристально изучал во время своих посещений Европы.
4.
Грант Вуд Женщина с цветком.Сидар-Рапидс музей. 1929 год
На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, сеточку морщин вокруг глаз, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини.
5.
Джон Стюарт Кэрри Tornado Over Kansas. 1929 год.
6.
ДжонСтюарт Кэрри Kansas Pastoral: Planter's Family. 1942
Эдвард Хоппер
7.
Edward Hopp |
8.
Эдвард Хоппер Китайское рагу
9.
Эдвард Хоппер |
Полуночники. 1942
|
Полуночники» (англ. Nighthawks) — самая известная картина американского художника Эдварда Хоппера и одно из наиболее узнаваемых произведений искусства США.
Сюжет картины навеян закусочной в районе Гринвич-Виллидж на Манхэттене, по соседству с домом художника. В настоящее время на её месте находится автостоянка Mulry Square. Хоппер начал работу над картиной сразу же после нападения на Пёрл-Харбор, когда по всем Соединённым Штатам распространилось чувство мрачности и подавленности, переданное в картине. На полотне изображены ночные посетители закусочной, погружённые в собственные мысли. Единственный работник, на мгновение оторвавшись от своих дел, смотрит в окно мимо клиентов. Улица возле столовой пустынна и темна, её освещает только свет из по-видимому единственного работающего в столь поздний час заведения. Если приглядеться, можно заметить, что нет ни одного видимого выхода наружу из этого заведения, что ещё больше нагнетает чувство ограниченности и замкнутости
Метки: художники |
Страницы: | [2] 1 |