Элегическое трио №2 С.В.Рахманинова |
Элегическое трио №2 in D minor "Памяти великого художника" П.И.Чайковского.
|
|
Жан Филипп Рамо. Музыка из оперы-балета "Le Temple De La Gloire" |
Жан Филипп Рамо( 25 сентября 1683, Дижон — 12 сентября 1764, Париж). Понимание эпохи Людовика XV невозможно без знания музыкального театра того времени. Постановки в Опере были не только основными культурными событиями в стране, затмив драматический театр; «Королевская Академия Музыки» была одним из основных репрезентативных атрибутов абсолютной монархии. После окончания монополии Жана Батиста Люлли и почти полвека метаний от эпигонских опусов к произведениям более талантливым в Опере наступает эпоха Жана Филиппа Рамо – одного из самых выдающихся художников своей родины. Его оперы и балеты составляют замечательное явление в истории французского музыкального театра, а его теоретические идеи и по сей день имеют основополагающее значение. Однако судьба его творческого наследия оказалась на редкость сложной: его музыка была, казалось, окончательно забыта после событий 1789 года. И только на рубеже XIX и XX веков, после тотального увлечения Вагнером, во Франции вновь приходит время Рамо. Он выдвигается такими композиторами, как Дебюсси, Дюка и д’Энри, как истинно французский композитор в противовес германской традиции. Несмотря на сложности с постановкой произведений Рамо на сцене, сама его музыка сейчас очень актуальна, в связи с возросшим интересом к вокальному искусству, предшествующему классико-романтической эпохе. Так же его творчество интересно со стороны изучения французской вокальной школы и её истоков.
|
|
«Свадьба в Малиновке» и «Трембита» |
|
|
Ленивые пельмени из лаваша |
 |
|
 |
|
Метки: кулинария |
Любимые советские оперетты (часть вторая) |
|
|
МЕЖДУНАРОДНЫЙ ДЕНЬ МУЗЕЕВ |
 О музее главного музыкального театра страны – Государственного Академического Большого театра – рассказывает его директор Лидия Глебовна Харина… |
|
|
Cоветские оперетты...(часть первая) |
|
Метки: оперетта |
Иоганн Филипп Кирнбергер — немецкий теоретик музыки, композитор и педагог |
Иоганн Филипп Кирнбергер (нем. Johann Philipp Kirnberger; крещён 24 апреля 1721, Заальфельд — 27 июля 1783, Берлин) — немецкий теоретик музыки, композитор и педагог.
По утверждению Ф. В. Марпурга, Кирнбергер в 1739—41 годах учился в Лейпциге у И. С. Баха, которого считал крупнейшим немецким композитором. Добивался публикации хоральных обработок Баха, о которых в письме лейпцигскому издателю Брейткопфу писал так:
По поводу хоралов Баха числом более 400, которые собрал К. Ф. Э. Бах и многие из которых переписаны его собственной рукой, мне исключительно важно, чтобы эти хоралы, которые ныне находятся в моем распоряжении, сохранились для будущих музыкантов, композиторов и ценителей музыки.
Эта публикация хоралов в четырёх томах под редакцией Кирнбергера (с предисловием, написанным К. Ф. Э. Бахом) была осуществлена после его смерти, в 1784-87 годах.
Собрание баховских хоральных обработок для органа BWV 690-713a ныне известно как «кирнбергерово».
Автор 8 научных и музыкально-педагогических трактатов, а также многих музыкальных статей в знаменитом словаре И. Г. Зульцера «Общая теория изящных искусств». Основной труд Кирнбергера, двухтомный «Kunst des reinen Satzes in der Musik», посвящён технике современной музыкальной композиции. В центре внимания автора гармония и контрапункт; в книге также рассматриваются виды фактуры, типы развёртывания мелодии, основы музыкального метра, обсуждаются проблемы строя и темперации. Разработал 3 темперации, из которых наибольшую известность приобрела третья (так называемая «кирнбергерова»).
Написал 10 флейтовых сонат (наиболее популярна соната es-moll), 10 трио-сонат и другую камерную музыку. Автор ряда сочинений для органа, в том числе прелюдий, вариаций и других обработок хоралов. Среди учеников Кирнбергера, в частности, Даниэль Штейбельт.
J.PH. KIRNBERGER, Concerto for Harpsichord, Strings and B.C. in C minor
Концерт для клавесина и струнных до минор
|
Метки: Кирнбергер композиторы |
МУЗЫКА ВОЙНЫ И ПОБЕДЫ |
В войну музыка помогала жить, и это не красивая метафора.
Фильм посвящен музыкальной культуре, начиная с 1940, предвоенного, года, и заканчивая 1945-м. Когда грохотали пушки Второй мировой войны, музы отнюдь не молчали...
О документальном фильме "Музыка мира и войны"(три серии) рассказывает его автор, заслуженный деятель искусств РФ Валентин Тернявский:
"Фильмов о войне, как художественных, так и документальных, создано достаточно много, есть среди них и замечательные работы. Наш фильм рассказывает о музыке времен Великой Отечественной войны. Однако тема решена шире – это новый взгляд на то уникальное время, жестокое, страшное, но именно тогда вопреки войне были созданы великие музыкальные произведения. В фильме речь пойдет не только об отечественной музыке, но и о музыке союзников и поверженной Германии. Мне захотелось доказать теорему, что между 1940-м и 1945 годом в нашей стране было создано очень много музыкальных произведений, которые стали подлинным украшением русской культуры. Если говорить о симфонической музыке, то именно тогда Дмитрий Шостакович пишет свои грандиозные полотна-фрески: Седьмую и Восьмую симфонии. У композитора творческий подъем. К нему лояльно относятся власти предержащие. Достаточно сказать, что в эти годы его трижды награждают Сталинской премией.
|
|
Опера «Зори здесь тихие» |
  |
Кирилл Владимирович Молчанов (1922–1982) – автор восьми опер (среди них «Каменный цветок» по Павлу Бажову, «Ромео, Джульетта и тьма» по повести Яна Отченашека, «Неизвестный солдат»…), балетов «Три карты» и «Макбет», фортепианных пьес, вокальных циклов, музыки к десятку фильмов (в их числе «Дело было в Пенькове», «На семи ветрах», «Доживем до понедельника»), к тридцати драматическим спектаклям… 
|
|
Софроницкий Владимир Владимирович |
Софроницкий Владимир Владимирович, выдающийся музыкант, пианист. Владимир Софроницкий родился 8 мая 1901 года в Петербурге в семье педагога - физика, мать была из рода известных деятелей культуры прошлых веков - живописца В. Л. Боровиковского и поэта Л. И. Боровиковского.
В 1903 семья переезжает в Варшаву, где мальчик стал заниматься музыкой, брать уроки у серьезных педагогов, которые оканчивали консерваторию по классу фортепиано у Николая Рубинштейна.
В 1910 состоялось первое выступление маленького пианиста публично, его исполнение было отмечено критикой. По совету Глазунова Владимир Софроницкий начинает заниматься у пианиста Михалковского, славившегося своим исполнением Шопена. После переезда в Петербург в 1913 Софроницкий продолжает заниматься у этого педагога, ежемесячно ездит в Варшаву. В 1916 поступает в Петроградскую консерваторию, где занимается у Николаева по классу фортепиано и композиции у Штейнберга, ученика Римского- Корсакова.
В 1919 Софроницкий даёт свой первый самостоятельный концерт, а в 1921 оканчивает консерваторию. С этого времени пришла слава к пианисту, сделала его имя легендой как уникального исполнителя произведений Скрябина, Шопена.... "Многие считают Софроницкого по преимуществу лириком... вероятно, музыка целиком по преимуществу "Лирика", - слова пианиста Генриха Нейгауза.
|
Метки: пианисты |
Скрипичные сонаты Брамса |
Имя Иоганнеса Брамса олицетворяется в немецкой музыке с направлением, выступавшим против «музыки будущего», как иронично называли сторонников программной музыки Листа и музыкальной драмы Вагнера.
Идя путями, отличными от листовских и вагнеровских, Брамс создал уникальные симфонические, камерные, фортепианные и вокальные произведения, основанные на традициях народной музыки и национальной немецкой классики. Эти сочинения заняли достойное место в классическом музыкальном наследии.
Соната для скрипки и фортепиано № 1 соль мажор создавалась под впечатлением известия о смерти Феликса Шумана – сына композитора Роберта Шумана, с семьей которого Брамса связывала многолетняя дружба. Автобиографическую направленность сонаты выявляет включение тем брамсовских песен, созданных на слова Феликса Шумана и Клауса Грота – поэта, чьи стихи наиболее соответствовали мировосприятию композитора. В основе замысла произведения – столкновение юной жизни и смерти. Содержание песен определяет «программу» сочинения: Брамс цитирует мотивы из цикла «Песни юности»; тему «Песни дождя», связанной с воспоминаниями о навсегда утраченном детстве, вызываемыми стучащими в окно дождевыми каплями – в песне «Эхо» эти капли сравниваются со слезами… «Слезная» символика гармонирует с движением траурной процессии в первой части, контрастом к которой выступает состояние просветленного покоя во второй. Тема второй части появляется и в заключении необычного для мажорной сонаты скорбного финала, принося с собой успокоение.
|
Метки: Брамс скрипичная музыка |
Памяти Мстислава Ростроповича |
- Не волнуйтесь. Я зайду в комиссию, сделаю шаг вперед, два шага назад и спрошу: "Что делать?"
( Он обыграл Ленинское выражение "НЭП следует рассматривать как временную передышку, как шаг назад, для того, чтобы сделать два шага вперёд".
Всесоюзное признание пришло к Мстиславу Леопольдовичу в 1950 году после того, как он победил в Праге на конкурсе имени Гануша Вигана. Ростропович стал преподавателем Московской консерватории, где работал в течение 26 лет. В Ленинградской консерватории Ростропович преподавал 7 лет. С 1959 по 1974 годы Ростропович работал профессором Московской консерватории. Звание почётного профессора Московской консерватории он получил в 1993 году.
|
|
"Золушка" - чудесная история о великих чувствах |
«Золушка» – чудесная история о великих чувствах и, пожалуй, ярчайший феномен мировой культуры. Прославляя вечные ценности и основополагающие добродетели, эта сказка с древнейших времен фигурирует в преданиях почти всех народов мира. Да и кто из нас не был очарован ею хоть однажды?..
И, конечно, на свете нет более популярного и актуального сюжета для воплощения на сцене. Поэтому не будет преувеличением сказать, что программа «Бал»(на радио "Орфей") на этот раз подошла к важнейшему из своих экскурсов, а в сопровождающие взяла, пожалуй, три наиболее известных шедевра мировой музыкальной культуры на тему Золушки –
лирико-комическую оперу итальянского композитора Джоаккино Россини,
|
|
Любовь, разочарование и восторг в музыке Михаила Ивановича Глинки |
14 фортепианных пьес.
Имя Михаила Ивановича Глинки не случайно стоит в истории русского искусства рядом с именем Пушкина. Они были современниками, почти ровесниками (Глинка на пять лет моложе), композитор не раз обращался к творчеству поэта, писал романсы на его стихи, создал оперу «Руслан и Людмила».
Но к Пушкину обращались многие и до Глинки, и после него. Важно то, что у обоих гениальных художников была единая задача, блистательно ими решенная: найти дорогу, по которой русские художники выйдут в один ряд с классиками мирового искусства. Это сделали, прежде всего, они сами — Пушкин и Глинка, став основоположниками русской литературной и музыкальной классики. Пушкина и Глинку сближает и ясный, светлый и оптимистический взгляд на мир, вопреки всем его несовершенствам и противоречиям. Отсюда такая стройность и ясность их собственных произведений.
Глинка осознал свое призвание очень рано. В помещичьем доме села Новоспасского, близ города Ельни, где он родился и провел детские годы, музыка звучала постоянно: играл крепостной оркестр, музицировали приезжавшие в гости любители музыки. Миша Глинка учился играть на фортепиано, немного на скрипке, но более всего любил слушать музыку.
«Музыка — душа моя»,— сказал однажды мальчик учителю, упрекавшему его за то, что на другой день после одного из домашних музыкальных вечеров он был необычно рассеян и думал вовсе не об уроках.
|
|
Чарующая музыка арфы |
Много веков насчитывает история арфы - одного из древнейших
музыкальных инструментов. Появилась она еще на заре человеческой
цивилизации и стала прародительницей всех струнных инструментов.
Было это, возможно, так: однажды, натягивая тетиву лука, охотник заметил,
что она издает нежный мелодичный звук.
Он проверил свое впечатление, и звук
понравился еще больше. Тогда он решил натянуть рядом еще одну тетиву,
покороче, -- и получилось уже два музыкальных звука различной высоты.
Стало возможным сыграть простенькую мелодию. Это было великое
открытие: возник первый струнный щипковый инструмент.
Шли годы, десятилетия, века. К прежним струнам прибавлялись все новые и
новые; но музыкальный инструмент продолжал иметь форму лука. Его
держали в руках и играли, перебирая пальцами струны. Арфу любили в
Древнем Египте, Финикии и Ассирии. в Древней Греции и Риме. В Средние
века арфа получила огромное распространение в Европе. Особенно славились ирландские арфисты,
которые исполняли свои сказания -- саги -- под аккомпанемент маленькой
переносной арфы. Ее изображение даже вошло в национальный герб
Ирландии. Но постепенно арфа стала аристократическим инструментом.
На арфе играет лишь тот,
Кто свободен и знатен,
Она никогда не звучит
Под рукою раба...
так говорили поэты.
Арфу богато украшали -- золотом, перламутром, мозаикой. Играли на ней, как
правило, женщины. "Волшебным инструментом" называли арфу поэты,
восхищенные ее нежными звуками.
В XIX веке считалось, что каждая благовоспитанная девица из "порядочного
общества" должна уметь играть на арфе. Лев Толстой в "Войне и мире"
рассказывает, как играла на арфе Наташа
Ростова. Сейчас арфа используется и как солирующий инструмент, и как один из
инструментов оркестра. Конечно, она очень сильно отличается от своих
средневековых предков. У нее сорок пять -- сорок семь струн, натянутых на
треугольную металлическую раму изящной формы, украшенную резьбой.
При помощи семи педалей, укорачивающих струны, когда это необходимо, на
арфе можно извлечь все звуки от ре контроктавы до фа четвертой октавы.
|
|
Ламара Чкония - первые творческие успехи |
1963 год, 17 сентября, г. Киев
Киевский оперный театр по уровню и по официальной государственной категории уравнен с московским Большим и ленинградскими театрами. Таких театров в Советском Союзе только три. Когда говорю о категории этих театров, то подразумеваю огромные материальные ресурсы, возможности и большие зарплаты. Киевский театр десятилетиями украшала певица мирового уровня, народная артистка СССР, любимица украинского народа Зоя Михайловна Гайдай. Я не имела счастья слушать ее со сцены, так как за два года до моего приезда в Киев она оставила сцену и всю свою энергию отдавала воспитанию молодых певцов в консерватории. И вот через полтора месяца после моего приема в театр был назначен мой дебют в роли Татьяны в опере «Евгений Онегин» П. Чайковского.
Зоя Гайдай
Роль Татьяны для дебюта я избрала потому, что она у меня еще в Тбилиси была готова, но тогдашнее тбилисское руководство театра приложило все усилия, чтобы не допустить меня к этой роли. И вообще, после того как в опере «Даиси» роль Маро я спела успешно и в музыкальном мире города, а также в прессе появились положительные отзывы, руководство театра вместо того, чтобы поощрить начинающую артистку, в течение четырех лет, все силы приложило, чтобы я оставила театр.
В киевском театре на первых репетициях я почувствовала, что все вокруг буквально дышит воспоминаниями о Зое Гайдай: «Вот, наша Зоя это место так исполняла!.. Вот наша Зоя эту фразу так пела!.. Вот, наша Зоя эту фразу с таким подтекстом мыслила!». Дирижер, Режиссер и партнеры – все стремились как-то помочь мне достойно спеть спектакль. И я старалась учитывать их советы одновременно не потерять свою индивидуальность. Тем более, что в детстве в Батуми во время занятий в русской школе я всего «Евгения Онегина» знала наизусть. И даже имела свое индивидуальное видение образа Татьяны.
Генеральные оркестровые репетиции уже закончились, и мой дебют в роли Татьяны хорошо прошел. В зале был полный аншлаг. Люди стояли в проходах. Спектакль дирекция театра хорошо разрекламировала – по всему Киеву расклеены были огромные афиши. К этому добавились интервью директора театра по радио, телевидению и прессе.
После спектакля многие поздравляли меня с успехом. В переполненную людьми гримерную заглянул радостный директор Виктор Петрович Гонтарь и с порога громогласно заявил: «Вот, только сейчас можете считать, что вас приняли в театр, а не два месяца назад, когда зарплату назначили!».
Ламара Чкония - работа художника А. Отрешко
|
Метки: певцы |
"Бриллиантовый" голос Елизаветы Шумской |
Эти слова народной артистки РСФСР Елизаветы Владимировны Шумской можно поставить эпиграфом ко всей ее творческой жизни, исполненной непрерывного труда, целеустремленного, освещенного преданной любовью к своему делу.
Творческий путь Е. В. Шумской начался в 1928 году на сцене только что организованной Ивановской самодеятельной рабочей оперы. Это было время, когда молодая советская интеллигенция активно претворяла в жизнь выдвинутый партией лозунг; «искусство в массы». Студентка Ивановского музыкального техникума Елизавета Шумская со всей присущей молодости энергией выступала вечерами в рабочих клубах, днем — прямо в цехах ткацкой фабрики; с такими же, как и она, студентами выезжала на концерты в Ивановскую область. Репертуар диктовался наличием аккомпанемента: под фортепиано пела оперные арии и романсы, под баян — русские народные песни. Эти концерты давали хорошую творческую практику, способствовали созданию репертуара, а главное — рождали непосредственное ощущение того, как нужно искусство самым широким массам молодой Республика Советов.
На сцене Ивановской оперы Е. В. Шумская впервые спела партии Микаэлы («Кармен» Бизе), Маргариты («Фауст» Гуно), Чио-Чио-Сан.
.
|
Метки: певцы |
Классика исполнительского искусства. Фильм-концерт "Горовиц в Москве 1986 г". |
Чудесный фильм. В нем все прекрасно, и музыка, и исполнительское искусство пианиста, и, конечно же, прекрасен сам музыкант. А с каким восторгом принимает его публика, это все надо видеть.
В ряду великих пианистов XX века: Артура Рубинштейна, Артура Шнабеля, Эмиля Гилельса, Святослава Рихтера имя Владимира Горовица знаменовало величайшую веху в истории пианистического искусства. Жизнь В.Горовица, это большой путь, пройденный артистом в России, в Европе и Америке.
Вольтер писал: «Чтобы иметь успех в области искусства, нужно иметь «чертика» в сердце». Присутствием «чертика» объясняли современники игру великого скрипача Н.Паганини. Успех В.Горовица — в какой-то мере следствие его «чертика».
Задолго до выступления, еще до прикосновения к роялю им овладевал ни с чем не сравнимый трепет, но за первым звуком, когда робость оставляла его, Горовиц преобразовывался до неузнаваемости, у него появлялась огромная энергия, и он исполнял произведение с азартом.
В 1925 году пианист эмигрировал за границу. Хотя на первых концертах В.Горовица в Берлине, Гамбурге и Париже слушателей было мало, так как его имя еще не было известно, в последующие дни билеты брались с боя.
Шумная слава Горовица началась следующим эпизодом. В Гамбурге в его номер гостиницы вбежал запыхавшийся антрепренер и попросил заменить заболевшего солиста в Первом концерте Чайковского. Выступать надо было через полчаса. Горовиц бросился в зал, где дирижер сказал ему:
- Следите за моей палочкой, и, бог даст, ничего страшного не случится.
Уже через несколько тактов ошеломленный дирижер сам следил за игрой солиста, и когда концерт окончился, восхищенная публика за полтора часа раскупила билеты на его последующие сольные концерты.
В.Горовиц триумфально входил в музыкальную жизнь Европы.
В 1928 году новые овации принесли Горовицу выступления на американском континенте. «После исполнения в Карнеги-холле концерта Чайковского с оркестром и сольной программы, ему была устроена самая бурная встреча, на которую может расчитывать пианист», — писала пресса. В дальнейшем, после перерыва на несколько лет из-за болезни, по настоянию своего друга Рахманинова и дирижера А.Тосканини (на дочери которого он был женат)
|
Метки: Горовиц пианисты |
Франко Корелли (1921 - 2003) |
"Голос героической силы и необычайной красоты, исполненный мрачной чувственности и таинственной грусти, но прежде всего голос грома и молнии, огня и крови..."
Герберт фон Караян о Франко Корелли
Франко Дарио Корелли практически всю свою исполнительскую жизнь посвятил выступлениям на оперной сцене. Сольные концерты Корелли были редкими. Он не получал систематического музыкального образования, многие знания он черпал от друзей, учившихся в консерватории. Учился Корелли на родине Россини, в Пезаро. Для развития верхнего регистра некоторое время стажировался у Лаури-Вольпи.
Корелли внимательно изучил записи и технику Дель Монако, начав с простой имитации его пения. Эта техника заинтересовала его, несмотря на то, что голосовые связки подвергались чрезмерному напряжению. Корелли смог приспособить ее для себя, выработав технику «плавающей гортани», что позволило ему сделать звучание голоса менее одноцветным, чем у Дель Монако и петь мецца воче и свои легендарные диминуэндо на высоких нотах.
|
Метки: певцы |
