Сегодня многие деятели искусства стремятся к более четким высказываниям в своих творениях, находя силу в том, чтобы донести до людей свои мысли. Однако не менее важны произведения, призванные вызывать конкретные чувства и эмоции, дарить радость, будоражить или напротив — успокаивать. Помня о терапевтическом эффекте, на который способно искусство, эксперты выбрали 9 картин — они могут подарить моменты спокойствия тем, кто обратится к ним за помощью.

Фредерик Лейтон «Пылающий июнь», 1895

 

Фредерик Лейтон «Пылающий июнь», 1895

Английский художник представляет официозный викторианский академизм. Эта картина долгое время не могла найти своего зрителя: сначала считалась потерянной, а затем не интересовала потенциальных покупателей. Однако на волне интереса к викторианскому искусству «Пылающий июнь» получил заслуженное внимание.

На картине напоминающая нимфу девушка спит скорее в театральной, чем удобной позе. Главный источник спокойствия картины — это мягкие, ласковые оттенки оранжевого.

Хироси Сугимото «Атлантический океан», 1989

Одной из главных тем творчества японского фотографа была быстротечность жизни. В 80-х он увлекся минималистичными видами океана и снимал серию «Морские пейзажи» по всему миру.

Каждое фото демонстрирует неяркий контраст воды и суши, а захватывающая перспектива напоминает, насколько человеческие проблемы несущественны. Отсутствие людей в кадре позволяет представить, как умиротворенно выглядела планета до нашего появления.

Ян Вермеер «Маленькая улица», 1657–1658

Культура традиционно воспевает неординарных героев и их выдающиеся судьбы. Однако нидерландский художник предлагает по-новому взглянуть на ничем не примечательную жизнь.

На картине, изображающей улочку в Делфте, дети играют, а женщины заняты повседневной работой. Ординарность подана с достоинством, которое мотивирует больше ценить свою жизнь и освобождает от волнений по поводу статуса и положения в обществе.

Каспар Давид Фридрих «Восход луны над морем», 1822

 

Один из главных романтиков-живописцев лишился матери в раннем возрасте и стал свидетелем смерти младшего брата. Пережитые страдания мотивировали его сделать меланхоличность частью своего творчества. Как ни странно, холодные и вызывающие ностальгию пейзажи Фридриха приносят больше умиротворения, чем яркие торжественные картины, популярные до него. Центральные фигуры этой работы кажутся статичными и незначительными, а природный фон, напротив, живым и могущественным.

Анри Руссо «Заклинательница змей», 1907

Большинство специалистов уверены, что французский художник-примитивист никогда не был в экзотических странах, а черпал вдохновение в Музее естественной истории и ботаническом саду в Париже. Однако его картины удивительно точно передают мир джунглей и привлекательность путешествий.

На этом полотне темнокожая Ева заклинает змею-обольстительницу, словно мистическое древнее божество. Сумрачность тонов и обездвиженность природы убаюкивают.

Рене Магритт «Стеклянный ключ», 1959

Картины бельгийского сюрреалиста знамениты благодаря своей примитивности и мистичности. Художник, как правило, изображал обыденные вещи в неожиданных положениях и обстановке, заставляя зрителя задумываться об объективности своего сознания. Магритт говорил, что его работы ничего не скрывают, но вызывают ощущение волшебства.

На картине «Стеклянный ключ» огромный камень грациозно расположился над массивной горой — и этот простой образ очищает голову от мыслей.

Хоакин Соролья «Поймать момент», 1906

 

Чаще всего испанский живописец создавал пляжные пейзажи. Вместе с семьей он каждое лето проводил в курортном французском городке Биарицц, который позднее стал популярным местом отдыха у знаменитостей: Чарли Чаплина, Уинстона Черчилля и Пабло Пикассо.

На картине дочь художника Мария готовится сделать фото камерой Kodak. Соролья, будто подражая уже популярному изобретению, пишет резкими, стремительными мазками.

Неизвестный автор «Чаша, отреставрированная методом Кинцуги», 1990

Японская традиция Кинцуги предписывает не выбрасывать разбитую посуду, а аккуратно склеивать кусочки составом с добавлением дорогой золотой пудры. За этим методом ремонта скрывается согревающая душу философия о том, что ошибки необязательно должны быть поводом для стыда и грусти.

В мире, где перфекционизм считается достоинством, чаша, которая с гордостью носит свои трещины, может стать источником успокоения и лекарством от паники.

Василий Кандинский «Синее небо», 1940

Русскому художнику не нравилось, когда его «Синее небо» сравнивали с «Охотником» Жоана Миро. «Я не сюрреалист», — настойчиво кричал он, по словам свидетелей. Картина действительно имеет мало общего с сюрреализмом.

На ее написание художника вдохновили окружающий мир и книга биолога Эрнста Геккеля «Красота форм в природе». Образы «Синего неба» похожи не на тревожные порождения сознания, а на реально живущих существ, которые будто бы улыбаются и задорно передвигаются по уютному пространству.

«Тихая обитель» И. Левитан

Этот пейзаж можно было поместить в список, только из-за названия. Но сама картина – просто квинтэссенция умиротворенности и спокойствия. Тихий летний вечер, спокойная гладь река, тропика, ведущая к монастырю, величавый лес, преобладание зеленых и голубых оттенков – все дышит покоем.

«Ночное» А. Куинджи

Этот неоконченный пейзаж считается прощальной картиной художника. А по настроению его можно сравнить только с колыбельной: тепло летней южной ночи, приглушенные полутона, бесконечные просторы, идеальная гладь реки – все это навевает сладкую негу сна и говорит: «завтра все пройдет».

«На Волге» Б. Кустодиев

Эта картина нехарактерна для творчества художника, который любил яркие краски, кипучие эмоции, размах сюжета. Здесь же, все это преобразуется в какое-то спокойное русло. Сама картина напоминает иллюстрацию рассказа русского классика о первой юношеской любви – весенний вечер, река, гитара, и объект этой первой любви. И весь мир, вся вселенная сосредоточена вокруг тебя! Кустодиев четко, но при этом деликатно говорит: «Как хорошо быть молодым!».

https://emosurff.com/post/9788?utm_source=world&utm_medium=med0&utm_campaign=camp0&jump_tag_id=0

Скандинавская мифология одна из самых сложных и насыщенных героями и событиями. Следить за перипетиями судеб ее богов и героев невероятно интересно. Неудивительно, что эти истории вдохновляют современных художников, таких как Иэлис Куттанен (Eelis Kyttanen) из Финляндии.

 

Иэлис Куттанен талантливый молодой иллюстратор, родившийся и выросший в Финляндии. Сейчас он живет и работает в Канаде, но не изменяет главной теме своего творчества. Почти все работы мастера посвящены легендам и сказаниям его родины.

Иэлис Куттанен создает живописные полотна и цифровые иллюстрации, от которых невозможно оторваться. Он вырос среди удивительной финской природы и с раннего детства как губка впитывал в себя сказки и мифы своей суровой страны.

Человеку, не ориентирующемуся в финском фольклоре, сложно понять, что происходит на картинах Иэлиса. Его герои — древние лесные боги, горные духи и отважные воины, сражающиеся на стороне добра. Можно сказать с уверенностью — иллюстрации Иэлиса никого не оставят равнодушным, ведь они наполнены действием и таинственными образами.

 

Художник известен в основном своими картинами в жанре фэнтези. Он даже принимал участие в создании сериала Netflix «Принц-Дракон». Но Куттенен признается, что в свободное от работы время он также пишет пейзажи, в том числе городские. Возможно, когда-нибудь мы узнаем и об этой грани его таланта.

 

Художник Лю Йуньшен родился 1937 году в провинции Шаньдун на востоке Китая. Окончил Академию изящных искусств, завоевал множество профессиональных наград. В Китае Лю считается народным художником. Герои его картин будто бы сошли с тибетских высот, настолько реален каждый штрих на картинах Лю. Свои работы Йуньшен создает по памяти: каждый сюжет — это воспоминание художника из жизни на Тибете.

 

 

 

Изобразительное искусство всегда было под пристальным вниманием и активно обсуждалось. Но некоторые картины вызывали настолько сильные эмоции, что стали объектом запрета в различных странах. Попавшие в опалу полотна прятали, а некоторые фрески и вовсе были близки к полному уничтожению и сохранились до нашего времени лишь по случайному стечению обстоятельств. Однако иногда цензура бессильна перед настоящими шедеврами. Рассказываем о произведениях мирового искусства, которые то и дело пытались запретить.

 

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин, 1885 год

Весь мир знает картину под названием «Иван Грозный убивает своего сына». Когда Репин представил законченное полотно императору Александру III, ему и его семье сюжет и само натуралистичное и эмоциональное изображение очень не понравились. В связи с этим 1 апреля 1885 года картина была запрещена, став первой художественной работой, подвергшейся цензуре в Российской Империи.

«Страшный суд» Микеланджело Буонарроти, 1541 год

Не картина, а фреска «Страшный Суд» украсила алтарную стену Сикстинской капеллы. Заказчик папа Павел III остался работой доволен, но его восторга не разделил инквизитор, кардинал Корафа. Обнаженная натура, изображенная на фреске вызвала у последнего негодование и гнев. Уже став папой римским, кардинал приказал уничтожить произведение, однако его замыслу не дано было сбыться. Следующий папа римский Пий IV приказал закрыть срамные места на фреске, дорисовав складки ткани.

«Что есть истина?», Николай Ге, 1890 год

 

Картина русского художника Николая Ге вызвала негативный отклик со стороны церкви и властей. Работа спровоцировала серьёзный резонанс из-за необычного светового решения. Изображенный на ней Иисус находился в тени, а Пилат залит яркими лучами света, хотя в художественной культуре свет используется для изображения святости, а тьма — образ зла. Картина так не понравилась Священному Синоду и правительству, что её практически сразу сняли с выставки. Сейчас полотно находится в Третьяковской галерее, реабилитированная по просьбе самого Льва Толстого.

«Авиньонские девицы», Пабло Пикассо, 1907 год

Эта картина повергла общественность в шок. Чем именно, спросите вы? Ну разумеется, чрезмерно откровенным изображением работниц публичного дома. Яркая, агрессивная сексуальность не понравилась зрителю, из-за чего Пикассо был вынужден снять картину с выставки и долгие годы прятал её в закромах мастерской.

«Раздача продовольствия», Иван Айвазовский, 1892 год

Наиболее известная картина Айвазовского — «Девятый вал». А о произведении «Раздача продовольствия» слышал далеко не каждый. Оно и понятно, ведь картина не понравилась правительству и самому Николаю II, вследствие чего была запрещена. Сюжет работы Ивана Айвазовского посвящён доставке американской гуманитарной помощи в бедствующие на тот момент Среднее Поволжье и Черноземье. Посетив США, художник подарил работу Вашингтонской галерее.

«Святой Христофор», 17 век

 

Икона с изображением святого Христофора, известного также как Псоглавец, была не единственной в своём роде. Хоть, согласно преданию, у Христофора действительно была голова пса, церковь такое изображение юноши считала «противным естеству». В 18 веке почти все картины с изображением святого были уничтожены, запрещены или переписаны.

«Успение Девы Марии», Микеланджело Караваджо, 1604-1606 годы

Этот традиционный сюжет, изображающий смерть Девы Марии, заказали у Караваджо для церкви Санта-Мария делла Скала. Художник понял заказ слишком буквально и изобразил святую мёртвой в самом прозаичном смысле. Заказчиков возмутило распухшее тело, мертвецкий цвет кожи и грязные ступни Девы Марии, чьё тело на картине они хотели видеть нетленным, будто она всего лишь уснула крепким сном. Картина была отвержена священнослужителями, а чуть позже её приобрел герцог Мантуи.

«Сельский крестный ход на Пасху», Василий Перов, 1861 год

Картина Перова — одна из самых скандальных работ своего времени. Сама княгиня Мария Николаевна грозила художнику ссылкой за изображение представителей духовенства в неприглядном, порочащем церковь виде. Княгиня буквально приказала уничтожить работу. Но указ так и не был исполнен, ведь картину для своей личной коллекции успел приобрести купец Третьяков.

Представленная картина являлась последней масштабной работой художника. Здесь изображены не только рабочие, но и комиссар в военном костюме, старый крестьянин, солдаты, вернувшиеся с фронта, женщины и их дети. Время действия — весна 1922 года. Рабочая семья получает новое жильё, а её прежние хозяева, фабриканты или банкиры, сбежали за границу.

Полотно демонстрировало процесс перехода ленинградского пролетариата к мирному строительству, его вливанию в новое советское общество. Комиссия неоднократно отказывала художнику в просьбе выставить картину на всеобщее обозрение из-за неоднозначности трактовки сюжета.

«Святой Матфей и ангел», Микеланджело Караваджо, 1602 год

Картина была написана художником по заказу церкви. Однако, заказчиков работа не устроила, так как изображённый на ней апостол предстаёт с грязными босыми ногами. К тому же выглядит проповедник малограмотным, ведь даже писать ему помогает сам ангел, поддерживающий перо в его руке. Церковь отказалась от работы, и, нуждающийся в деньгах Караваджо, написал новую картину, учтя все правки. Сам первоисходник был утерян в 1945 году при штурме Берлина. Судьба картины неизвестна по сей день. Вероятно, работа хранится в чьей-то частной коллекции

«Принцесса Грёза», Михаил Врубель, 1896 год

Это панно Врубелю заказали для Нижегородской всероссийской выставки. Увидев набросок работы, куратор мероприятия Александр Бенуа тут же отправил телеграмму жюри, назвав работу «ужасной» и призвав немедленно снять её. Академики прибыли на выставку и единогласно постановили убрать панно. Позже панно были дописаны и выставлены в Москве.

«Святая Троица», фреска церкви Святой Агаты, 13 век

Смесоипостасная «Святая Троица» не является картиной в привычном понимании. Это икона с изображением трёх ликов Господа — Отца, Сына и Святого Духа. Смелая работа буквально возмутила общественность и самого папу Урбана VIII. Работу назвали еретической, кощунственной и непристойной. В Европе икону запретили в 1628, а в России в 1764 году.

«Освящение монополии» (Молебен в казенке), Николай Орлов, 1894 год/h2>

На скандальной картине Орлов изобразил освящение церковными служителями только что открытого заведения, где в том числе разрешена торговля спиртным. Художник продемонстрировал свою работу на выставке в 1904 году. Однако встречена работа была холодно, её тут же назвали «нецензурной» и потребовали убрать.

Картину у Орлова пытался приобрести Максим Горький, однако у него возникли финансовые проблемы. Тогда Орлов, остро нуждающийся в деньгах, начал искал покупателей среди русских коллекционеров, однако так и не нашёл желающих приобрести полотно. Неожиданно работой заинтересовался американец по фамилии Гринвальд. Орлов, обнадёженный радостной вестью, отдал картину, однако оплаты за неё так и не получил, покупатель просто пропал вместе с работой художника.

«Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Неврев, 1866 год

Картина не была запрещена фактически, однако во времена, когда она была написана, автору то и дело напоминали о том, что его работа безнравственна и больше походит на грубую карикатуру, чем на произведение искусства. Столь реалистичное изображение эмоций священнослужителя, а также его далёкое от аскетичного телосложение вызвало в православном обществе серьёзное негодование.

Скандинавская мифология одна из самых сложных и насыщенных героями и событиями. Следить за перипетиями судеб ее богов и героев невероятно интересно. Неудивительно, что эти истории вдохновляют современных художников, таких как Иэлис Куттанен (Eelis Kyttanen) из Финляндии.

 

Иэлис Куттанен талантливый молодой иллюстратор, родившийся и выросший в Финляндии. Сейчас он живет и работает в Канаде, но не изменяет главной теме своего творчества. Почти все работы мастера посвящены легендам и сказаниям его родины.

Иэлис Куттанен создает живописные полотна и цифровые иллюстрации, от которых невозможно оторваться. Он вырос среди удивительной финской природы и с раннего детства как губка впитывал в себя сказки и мифы своей суровой страны.

Человеку, не ориентирующемуся в финском фольклоре, сложно понять, что происходит на картинах Иэлиса. Его герои — древние лесные боги, горные духи и отважные воины, сражающиеся на стороне добра. Можно сказать с уверенностью — иллюстрации Иэлиса никого не оставят равнодушным, ведь они наполнены действием и таинственными образами.

 

Художник известен в основном своими картинами в жанре фэнтези. Он даже принимал участие в создании сериала Netflix «Принц-Дракон». Но Куттенен признается, что в свободное от работы время он также пишет пейзажи, в том числе городские. Возможно, когда-нибудь мы узнаем и об этой грани его таланта.

 

Цзэн Сяо Лянь (Zeng Xiao Lian) обладает талантом реалистичного изображения птиц, которые поражают своей детализацией и точностью исполнения, уникальной изысканностью и утонченностью. Картины Zeng Xiao Lian не только обладают достоверностью изображения и волшебной красотой, но и показывают, насколько прекрасна наша природа.

Цзэн Сяо Лянь (Zeng Xiao Lian) родился в 1939 г. в провинции Юньнань, Китай. Долгое время работал старшим инженером Ботанического Исследовательского института Академии Наук Китая, и всегда любил рисовать.

Со временем любовь к искусству и природе, переросла в желание передать ту красоту, что нас окружает, и Zeng Xiao Lian получил художественное образование в Пекине.

В наше время картины и иллюстрации Цзэн Сяо Лянь участвуют в выставках разных стран, в том числе в США, Канаде и Австралии, а в Китае опубликовано около пятидесяти книг с его иллюстрациями, в том числе – «Китайская Флора», «Флора и Рододендроны Юньнаня», и др.

 

Стоит заметить, что в рунете часто пишут имя и фамилию, как — Зенг Ксяо Лянг что неверно.
В этой публикации смотрите картины Zeng Xiao Lian из серии — Птицы.

 

Каору Ямада — иллюстратор, копирайтер и AI-художник родился в Камакуре, Япония. После окончания университета три года учился во Франции, гулял по местным музеям и кладбищам.

Вернувшись на родину, начал работать копирайтером в рекламной компании. Занимался рекламой и промоакциями для компаний и брендов по всему миру: Braun, Nissan, Nestle Japan, Denso, JAL и East Japan Railway. А позже стал иллюстратором. Ему нравится рисовать сезонные пейзажи и повседневную жизнь.

 

 

 

Источник: 
https://emosurff.com/post/9738?utm_source=world&am...mpaign=camp0&jump_tag_id=0

Маартен Боффе (Maarten Boffe) был вдохновлен идеями минимализма и гиперреализма которые воплотились в поэтичных картинах вызывающих восхищение.

 

«Многие художники торжественно говорят, что живут для искусства. Я отношусь к этому с состраданием. Моя деятельность художника направлена на развитие чувства прекрасного, на понимание удивительной красоты мира, на понимание своего присутствия в нем. Я не живу для искусства. Искусство — моя жизнь». Маартен Боффе (Maarten Boffe).

Мартен Боффе родился в 1948 году в городе Тинен (город и муниципалитет в провинции Фламандский Брабант в Бельгии). О семье и детстве сведений нет.

Маартен Боффе был вдохновлен взрослением 1960-х годов. Искусство превратилось в средство распространения догм и других программ, а поп-музыка и минимализм одновременно стали самыми значительными художественными течениями десятилетия. Поп-арт в Нью-Йорке охватил культуру средств массовой информации и массового потребления, а такие художники, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Том Вессельманн, черпали вдохновение в своих произведениях на телевидении, комиксах, рекламных щитах и других продуктах подъема капитализма.

На другом конце страны, на западном побережье Калифорнии, расцветали первые признаки того, что впоследствии стало известно как концептуальное искусство.

Минимализм развил центральную идею о том, что искусство должно существовать в своей собственной реальности, а не пытаться имитировать физический мир. Рожденный желанием искоренить все предустановленные представления об искусстве, минимализм превратился в радикально прогрессивное движение, очень влиятельное во всем мире, с такими художниками, как Фрэнк Стелла, Дональд Джадд и Дэн Флавин в качестве ключевых фигур.

Минимализм стал популярным благодаря работам таких художников, как Виктор Вазарели и Бриджит Райли, в то время как поп-арт был важным побочным продуктом, в то же время критикуя и прославляя поп-культуру.

Знаковые движения современного искусства, отразившиеся в волне радикализма 1960-х годов, также имели свои особенности и масштабы, характерные для разных регионов или стран.

Маартен Боффе считается признанным современным художником, участвовал во многих национальных и международных выставках, обладатель многочисленных премий и наград. Живет и работает в Эмблеме недалеко от Антверпена, где он руководит прекрасной школой живописи.

 

 

Источник:
https://emosurff.com/post/9734?utm_source=world&utm_medium=med0&utm_campaign=camp0&jump_tag_id=0

 

«Большое видится на расстоянии» — это строчка из стихотворения Сергея Есенина, которая давно уже стала крылатой. Поэт говорил о любви, но эти же слова можно применить к описанию картин. В мире немало художественных полотен, которые впечатляют своими размерами. Любоваться ими лучше издалека.

 

Художники создают такие шедевры годами. Нарисованы тысячи эскизов, потрачено огромное количество расходных материалов. Для больших картин создают специальные залы.

Вот только рекордсмены постоянно меняются, многие художники хотят запечатлеть свое имя хотя бы таким образом. Для других же это возможность подчеркнуть значимость события или явления.

Если вы интересуетесь искусством или любите все выдающееся, наш рейтинг самых больших картин в мире вам обязательно понравится.

10. «Рождение Венеры», Сандро Боттичелли, 1,7 x 2,8 м

Этот шедевр хранится в галерее Уффици во Флоренции. Работу над полотном Боттичелли начал в 1482 году, закончил в 1486. «Рождение Венеры» стало первой большой картиной эпохи Возрождения, посвященной античной мифологии.

Главная героиня полотна стоит в раковине. Она символизирует женственность и любовь. Ее поза в точности копирует знаменитую древнеримскую статую. Боттичелли был образованным человеком и понимал, что этот прием по достоинству оценят знатоки.

Также на картине изображен Зефир (западный ветер) вместе со своей супругой и богиня весны.

Картина дарит зрителям чувство спокойствия, уравновешенности, гармонии. Изящность, утонченность, лаконичность – основные характеристики полотна.

9. «Среди волн», Иван Айвазовский, 2,8 х 4,3 м

Картина была создана в 1898 году в рекордно короткие сроки – всего 10 дней. Учитывая, что на тот момент Ивану Константиновичу было 80 лет, это фантастически быстро. Идея пришла к нему неожиданно, он просто решил нарисовать большую картину на морскую тематику. Это самое любимое его «детище». Айвазовский завещал «Среди волн» своему любимому городу – Феодосии. Она до сих пор находится там, в картинной галерее.

На полотне нет ничего, кроме бушующей стихии. Для создания штормового моря использовалась широкая гамма красок. Переливчатые светлые, глубокие и насыщенные тона. Айвазовскому удалось сделать невозможное – изобразить воду так, что она кажется подвижной, живой.

8. «Богатыри», Виктор Васнецов, 3 x 4,5 м

 

Полюбоваться этой картиной можно в Третьяковской галерее. Васнецов работал над ней два десятка лет. Сразу после завершения работ полотно приобрел Третьяков.

Идея создания родилась неожиданно. Виктор Михайлович задумал увековечить бескрайние русские просторы и богатырей, которые стоят на страже спокойствия. Они смотрят по сторонам и примечают, нет ли поблизости врага. Богатыри — символ силы и мощи русского народа.

7. «Ночной дозор», Рембрандт, 3,6 x 4,4 м

Экспонат находится в художественном музее Амстердама «Рейксмюсеум». Там для него выделен отдельный зал. Рембрандт написал картину в 1642 году. На тот момент она была самой известной и самой большой в голландской живописи.

Изображение воинственное – люди с оружием. Зритель не знает, куда они отправляются, на войну или на парад. Личности не вымышлены, все они существовали на самом деле.

«Ночной дозор» — групповой портрет, который лица, близкие к искусству, считают странным. Дело в том, что здесь нарушены все требования, предъявляемые к портретному жанру. А так как картина писалась на заказ, покупатель Рембрандта остался недоволен.

6. «Явление Христа народу», Александр Иванов, 5,4 x 7,5 м

Картина находится в Третьяковской галерее. На данный момент она там самая большая. Специально для этого полотна был построен отдельный зал.

Александр Андреевич писал «Явление Христа народу» 20 лет. В 1858 году после смерти художника ее купил Александр II.

Эта картина – бессмертный шедевр. На ней запечатлено событие из Евангелия. Иоанн Предтечи крестит людей на берегу реки Иордан. Вдруг все они замечают, что к ним приближается сам Иисус. Художник использует интересный метод – содержание картины раскрывается через реакцию людей на явление Христа.

5. «Воззвание Минина к нижегородцам», Константин Маковский, 7 x 6 м

 

Картина хранится в Нижегородском художественном музее. Самое крупное станковое полотно в нашей стране. Маковский написал его в 1896 году.

В основе картины события времен Смуты. Кузьма Минин призывает народ сделать пожертвование и оказать помощь в освобождении страны от поляков.

История создания «Воззвание Минина к нижегородцам» довольно интересна. Маковского настолько поразила картина Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», что он решил сотворить не менее значимый шедевр. Он добился высокого результата, и сейчас полотно имеет серьезную культурную значимость.

4. «Брак в Кане Галилейской», Паоло Веронезе, 6,7 x 10 м

Экспонат находится в Лувре. Сюжетом картины послужило событие из Евангелие. Веронезе написал ее в 1562–1563 годах по заказу бенедиктинцев монастырской церкви Сан-Джорджо Маджоре (Венеция).

«Брак в Кане Галилейской» – это свободная интерпретация библейского сюжета. Это и роскошные архитектурные декорации, которых не могло быть в галилейской деревушке, и люди, изображенные в костюмах разных эпох. Паоло совсем не смущало такое несоответствие. Главное, что его заботило – это красота.

Во время Наполеоновских войн картина была вывезена из Италии во Францию. По сей день организация, защищающая культурное наследие Италии, пытается добиться возврата полотна на родину. Сделать это вряд ли удастся, юридически картина принадлежит Франции.

3. «Рай», Тинторетто, 7 x 22 м

«Рай» называют венцом творчества Тинторетто. Он написал ее для Дворца Дожей в Венеции. Этот заказ должен был получить Веронезе. После его смерти честь украсить торцовую стену Большого Совета выпала Тинторетто. Художник был счастлив и благодарен судьбе за то, что на заре своей жизни он получил такой подарок. На тот момент мастеру было 70 лет. Он работал над картиной 10 лет.

Это самое большое полотно в мире, написанное маслом.

2. «Путешествие человечества», Саша Джафри, 50 x 30 м

Картина написана нашим современником. Саша Джафри – британский художник. «Путешествие человечества» он написал в 2021 году. Размеры картины сопоставимы с площадью двух футбольных полей.

Работа над полотном велась в отеле Дубая на протяжении семи месяцев. При создании его Саша использовал рисунки детей из 140 стран мира.

Картина была создана с благими целями. Джафри собирался разделить ее на 70 частей и реализовать их на аукционах. Деньги он собирался пожертвовать детскому фонду. В итоге картину не стали разрезать, ее приобрел Андре Абдун. Он отдал за нее 62 миллиона долларов.

1. «Волна», Джуро Широглавич, 6 500 м x 1,7 м

Эта картина занесена в Книгу рекордов Гиннеса. Джуро Широглавич написал ее в 2007 году. Цель очевидна – установление мирового рекорда. Действительно, размеры впечатляют. Видели ли вы когда-нибудь картину протяженностью 6 км? 2,5 тонны краски, 13 тысяч м?. Вот только что с ней делать? Ее не повесить в галерее, даже создание отдельного зала здесь бессмысленно.

Однако художник не желает, чтобы его «Волна» пылилась и была невостребованной. Он решил поделить ее на части и продать на аукционе. Вырученные деньги Джуро пожертвовал в благотворительный фонд, который оказывает помощь детям, пропавшим во время войны на Балканском полуострове.

Иван (Иоганн-Александр) Августович Вельц (Ivan Augustus Weltz) — живописец-пейзажист, график, обладатель превосходного чутья цвета, создавал великолепные пейзажи, настолько реалистично, что смотрящему на полотно казалось что он находится внутри картины. Иван Августович Вельц продолжая традиции классической русской пейзажной школы, близкой к художнику М. К. Клодту, умело сочетая академические принципы построения картины, вносил свое новое видение, создавая картины более реалистичные и живые.

 

Иван Августович Вельц имеет звание Классного художника I степени в области пейзажной живописи, был удостоен несколькими серебряными, малыми золотыми медалями и одной большой золотой медалью за картину «Вид на имение Тентентникова».

И.А. Вельц — Вид на имение помещика Тентетникова. 1891

Иван Августович Вельц имеет звание Классного художника I степени в области пейзажной живописи, был удостоен несколькими серебряными, малыми золотыми медалями и одной большой золотой медалью за картину «Вид на имение Тентентникова».

Иван Августович Вельц — Зимний пейзаж, 1895

Иван (Иоганн-Александр) Августович Вельц родился 6 июня 1866 г. в селе Софьино Самарской губернии в семье австрийского купца. В 1885 г. Иван Августович Вельц поступил в Петербургскую Академию художеств, где учился в мастерской пейзажной живописи М. К. Клодта. В то время это учебное заведение было самым известным и престижным заведением, где учились В. М. Васнецов, И. И. Шишкин, А. И. Куинджи и многие другие талантливые художники.

Иван Августович Вельц — Весной в окрестностях Петербурга, 1896

 

Еще в годы обучения И.А. Вельц стал известен своими первыми самостоятельными работами, за которые был удостоен несколькими золотыми и серебряными медалями. Также в 1889 г. он принял русское подданство. В 1891 г. И.А. Вельц успешно окончил Академию художеств в звании классного художника I степени, получил большую золотую медаль, дающую право на заграничную поездку в Италию, Германию и Францию, для совершенствования своего мастерства.

В 1894 г. И.А. Вельц возвратился в Петербург, продолжая получать пенсию от Академии, в течении двух лет после возвращения. После возвращения Иван Августович Вельц много путешествовал по России, а также использовал свои летние поездки в Крым, по окрестностям Петербурга, чтобы представить на академические выставки воплощенную на холсте увиденную природу: «Восход солнца в Крымских горах», «В Ялте», «Деревня Гурзуф», «Деревня Кокоз в Крыму», «Ночь в Петербурге», «Пасмурная погода», «Парк в Крыму», «Ранняя весна». Не редко его изображения использовались для изготовления открыток.

Иван Августович Вельц — Итальянский пейзаж. 1898

И.А. Вельц был представлен на выставках Московского Общества любителей художеств (1887—1899) и Санкт-Петербургского (затем Петроградского) Общества художников (1894—1916).

В 1909 г. Вельц становится членом Общества А. И. Куинджи, и принимает участие в выставках Общества (1917—1926). После революции 1917 г. он участвует в выставках Общества художников-индивидуалистов. И. А. Вельц сотрудничал с товариществом передвижников и вступил в Петроградское общество художников.

Иван Августович Вельц — Украинская ночь, Зима, 1898

 

И.А. Вельц продолжал активно работать практически до конца своей жизни и оставил большое количество замечательных картин. Умер Иван Августович Вельц 22 октября 1926 г., и похоронен в Ленинграде (ныне Санкт-Петербург).

Иван Августович Вельц — Вид Ялты, 1900

В настоящее время работы Ивана Авустовича Вельца хранятся во многих музейных и частных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, ХМ Иркутска, Курска, Пензы, Перми, Омска и др.

Иван Августович Вельц — Летний пейзаж с пастушком и коровами, 1901

Иван Августович Вельц — В крымских горах, 1902

Вельц Иван Августович.- Вид северной Италии, 1902

Иван Августович Вельц — Первый снег, 1904

Иван Августович Вельц — Мыс Аю-Даг, 1904

И.А. Вельц -Начало зимы, 1904

Иван Августович Вельц — Летний пейзаж с хатами, 1907

Иван Августович Вельц — Летний пейзаж с парусными лодками, 1912

Иван Августович Вельц — Летний пейзаж с прибрежными скалами, 1912

Иван Августович Вельц — Парусник в бухте, 1914

Иван Августович Вельц — Зимнее солнце, 1919

Иван Августович Вельц — Сосновый лес, 1920

Иван Августович Вельц — Балтийское побережье

Иван Августович Вельц — Деревня Кокоз в Крыму

Иван Августович Вельц — Имение

Иван Августович Вельц — Крымский пейзаж

Иван Августович Вельц — Лето. Стога

Иван Августович Вельц — Рыбацкие лодки

Иван Августович Вельц — Украинский пейзаж

Иван Августович Вельц — Осень, мост в парке

Иван Августович Вельц — Березовая роща, 1905

Иван Августович Вельц — Иней, 1906

Иван Августович Вельц — Зимний пейзаж

Иван Августович Вельц — Лунный свет

Иван Августович Вельц — Туман над рекой

Источник:  

https://emosurff.com/post/9608?utm_source=world&utm_medium=med0&utm_campaign=camp0&jump_tag_id=0

Канадский художник Эндрю Кисс (Andrew Kiss ) пишет просто потрясающие пейзажи! Природа на его полотнах завораживает, притягивает, хочется их смотреть еще и еще…

В них как по волшебству оживают картины времен года, зримые, яркие, красочные, и одновременно, душевные и романтические.

 

Andrew Kiss родился в Венгрии в 1946 году, а в 1957 году он вместе с семьёй эмигрировал в канадский Ванкувер.

Эндрю Кисс (Andrew Kiss) пишет потрясающие картины маслом. Основное направление его творчества – садово-парковое искусство, однако на этих картинах изображена красота дикой природы леса, степей и саванн.

Прелестный вечер! В сладком обаяньи
Душа притихла, словно в чудном сне.
И небеса в безоблачном сияньи,
И вся земля почила в тишине.

П.А. Вяземский

 

 

Источник: https://emosurff.com/post/7700?utm_source=world&am...mpaign=camp0&jump_tag_id=0

 

На протяжении существования человечества стандарты красоты непрерывно менялись, что находило отражение в изобразительном искусстве. А на них, в свою очередь, влияли самые разные факторы — начиная от доступности пищи и заканчивая религиозными догматами. Разбираемся, кто, когда и почему живописал людей «в теле».

Тамара Лемпицка. Розовая туника. 1927

 

Эволюция Венеры

Один из наиболее древних памятников телесности — статуэтка, обнаруженная археологами в Австрии больше ста лет назад, которая получила название Венеры Виллендорфской: ее возраст составляет около 30 тысяч лет. Для людей палеолита наиболее важными частями женского тела были те, которые гарантировали успешное размножение — полная грудь и широкий таз. Поэтому статуэтки этого периода, найденные в разных регионах, нередко обладают этими признаками. Они символизировали плодородие и выступали в качестве своеобразного оберега, защищавшего племя от вымирания.

Венера Виллендорфская. Известняк. 29-е тысячелетие до н.э. Музей естествознания. Вена, Австрия. Источник: itinari.com

С расцветом религии и философии в древнеримской и древнегреческой культурах наступил затяжной период культа атлетического телосложения. Это было связано с одной стороны с верой в то, что божества имеют человеческий облик, поэтому их тела должны быть безупречны с точки зрения пропорций. С другой стороны, сыграли роль убеждения древних философов о том, что увлечение едой и другими чувственными удовольствиями свидетельствует о болезни и неподобающем поведении. Обычно толстый персонаж в греческих комедиях Аристофана и других авторов был пьяницей, обжорой или бездельником. Хотя по современным меркам древнегреческие Венеры все еще достаточно полнотелые.

Венера Милосская Шедевры неизвестных художников

Если греки стремились уменьшить удовольствие от еды, христиане предпочитали полностью его подавить. Некоторые богословы Средневековья считали, что прием пищи отвлекает от религиозных занятий: озабоченность едой рассматривалась как путь, ведущий к худшим грехам — похоти и лени.

Брак в Кане. Сцены из жизни Христа Джотто ди Бондоне 1306, 185×200 см

Поэтому в средневековом искусстве долгое время отдавалось предпочтение не тронутым печатью порока худым телам. Естественно, кроме случаев, когда на картине изображались реальные личности с присущими им особенностями телосложения. Либо напротив — герои мифов или сказок, обладавшие характерными чертами внешности.

Портрет Магдалены Дони, урожд. Строцци Рафаэль Санти 1506, 63×45 см

Первый значительный прорыв в живописании полновесных персонажей произошел в период Высокого Возрождения. Повышенный интерес к античной культуре и подражание древнегреческому культу тела привел к появлению большого количества картин с прекрасной Венерой, которую традиционно изображали с ярко выраженными женственными формами — округлыми плечами и полными бедрами.

Венера, Церера и Юнона Джованни да Удине • Фреска, 1517

Тело как улика

Строго говоря, у средневековых художников было не так уж много поводов рисовать полных моделей. Долгие европейские зимы, быстро истощавшие запасы еды, регулярные эпидемии чумы и другие болезни не оставляли шансов среднестатистическому гражданину для набора лишнего веса. Неограниченный доступ к пище долгое время оставался недостижимой мечтой.

Страна лентяев Питер Брейгель Старший 1567, 51.5×78.3 см

 

Ситуация начала меняться с открытием Американского континента и внедрением в Европе таких высококалорийных и неприхотливых культур, как картофель и кукуруза. К концу 16 века также значительно ослабло давление религиозных догм и церковь начала терять безусловный авторитет в социальной и государственной жизни европейцев. Появление на картинах обнаженных персонажей стало все больше распространенным явлением, а их полнота превратилась в синоним благополучия и сытой жизни.

В начале 17-го столетия Амстердам обогнал Антверпен в статусе крупнейшего международного порта на севере Европы, а также ее главного банковского центра. Возможно, именно с этим фактором связан расцвет в Голландской республике живописи, свидетельствующей об уменьшении перебоев с полноценным питанием. Больше других прославился на этом поприще, конечно, Рубенс. Именно его творчество приводят в пример в первую очередь, когда говорят о «бодипозитиве» в классическом искусстве.

Туалет Венеры Питер Пауль Рубенс 1615, 137×111 см

Но не только изображение женского тела в его естественной форме получило индульгенцию в это время. В 1620-х годах сразу несколько европейских художников написали картины с участием Силена — древнегреческого бога, воспитавшего покровителя виноделия Диониса. Его традиционно изображали вечно веселым и пьяным, с плотно набитым закусками выдающимся животом.

Пьяный Силен Хосе де Рибера • Гравюра, 1628, 35×27.6 см

Если персонажи Рубенса пышут жизнелюбием и красотой, то у его соотечественника Рембрандта полные могут быть и бедными, и больными, и некрасивыми, что подчеркивает доступность пищи в изобилии для всех категорий населения.

Сидящая обнаженная Рембрандт Харменс ван Рейн 1631, 17.6×16 см

Одновременно с тем, как росло благосостояние среднего европейца, постепенно люди в теле становились героями картин все большего числа художников. Среди импрессионистов они встречаются у Ренуара, Дега и прочих.
Эдгар Дега. Женщина, в

После купания Пьер Огюст Ренуар • Живопись, 1900

На протяжении долгого времени крупное телосложение не было чем-то знаковым или символичным в искусстве и рассматривалось всего лишь как часть отображения действительности.

В течение около четырех столетий, примерно между 1500 и 1900 годами, солидный вес и объем тела, как для мужчин, так и для женщин, считался привлекательным. В зависимости от страны и века этот стандарт несколько варьировался, но в целом считалось не только красивым, но и естественным выглядеть полным.

Купчиха, пьющая чай Борис Михайлович Кустодиев • Живопись, 1923, 81×99 см

Женщина в красном фартуке Филипп Андреевич Малявин • Живопись, 1900-е

Тело как протест

Когда доступность еды окончательно перестала быть показателем статуса в индустриальном обществе, постепенно начал формироваться новый идеал красоты — стройное и подтянутое тело. Лишь некоторые редкие художники 20-го века исследовали на своих картинах телесность во всех ее проявлениях, а современники часто находили их картины вызывающими и даже отвратительными.

Сидящая обнаженная с рубашкой Амедео Модильяни 1917, 92×67.5 см

Британский художник Люсьен Фрейд писал обнаженных людей обоего пола любой комплекции, словно изучая все вариации физического проявления человека. Но одними из самых знаменитых его работ стали картины, для которых ему позировала социальная работница Сью Тилли весом 127 кг. Полотна с «Большой Сью» бьют рекорды на аукционах: «Социальная смотрительница спит II» (1995) в 2015 году продана на Christie’s за 56,1 млн долларов.

Социальный смотритель спит Люсьен Фрейд 1995, 219×314.2 см

Некоторые современные художники сделали изображение полных людей своим фирменным стилем или частью идеологии. Французская художница и скульптор Ники де Сен-Фалль, выступавшая против стереотипных представлений о роли женщины в обществе, одной из форм протеста выбрала создание в 1960-х годах серии скульптур под общим названием «Нана». Масштабные фигуры из стеклопластика, ярко расписанные акриловыми красками, изображали полную жизнерадостную женщину в различных танцевальных и акробатических позах.

Нана Ники де Сен Фалль XX век

Фернандо Ботеро, один из наиболее известных современных художников Латинской Америки, пишет исключительно полных людей и зверей. Однако он утверждает, что его персонажи не толстые, а «объемные». «Я не рисую полных женщин. Никто не верит мне, но это правда. То, что я рисую — объемно. Когда я пишу натюрморт, я также делаю его объемным. То же самое касается животных и пейзажей, — говорит он. — Кого бы я ни писал — женщину, мужчину, собаку или лошадь, — я всегда делаю это с идеей объема, а не потому, что одержим толстяками».

Семейная сцена Фернандо Ботеро • Живопись, 1969, 210×194.5 см

К концу прошлого века индустрия моды довела стремление показывать на подиумах и обложках журналов исключительно экстремально худых моделей до такого абсурда, что маятник неминуемо качнулся в обратную сторону. Все больше и больше людей стало заявлять о своем праве не вписываться в узкие модельные рамки. Но еще в 1994 году, когда в лондонской галерее Саатчи впервые показали триптих «Стратегия» британской художницы Дженни Сэвилл, в прессе появилось много негативных отзывов из-за «чрезмерного» объема и веса модели.

Дженни Сэвилл. Стратегия, 1994. Холст, масло, на трех панелях. Источник: artnews.com

Сэвилл подчеркивает, что в фокусе ее внимания вовсе не была полнота ее подруги, которая позировала для картины. «Я попросила ее стать моделью, потому что считала ее красивой, — отмечает художница. — Я не представляла себе, что изображение вызовет такую реакцию. Но меня очень тронуло количество людей, которые написали мне, что моя картина стала первым разом, когда они увидели на холсте кого-то похожего на себя».

Автор: Наталья Азаренко

Яркие, реалистичные, потрясающие цветы Ольги Одальчук никого не оставят равнодушными.

 

Ольга Николаевна Одальчук родилась 25 апреля 1961 года в г. Новокузнецк, Россия. В 1982г. закончила Новосибирское художественное училище, отделение живописи.
В своём творчестве она отдаёт преимущество реалистическому стилю живописи.

Дипломант Международного конкурса художников «2000 лет под звездой Вифлеема», 1998г. Дипломант 1-го 2006г. 2-го 2007г. Международных арт-фестивалей г. Киев. Дипломант Международного пленэра в Черногории 2009г. Персональные выставки проведены в Администрации Президента Украины, Верховной Рады Украины, Конституционном Суде Украины, Посольстве Украины в Российской Федерации, г. Карлсруэ в Германии, а также в галереях города Киева, Москвы, Одессы.

Её работы имеют один из высоких рейтингов в своём жанре на аукционах.
Деревенское раздолье и природные пейзажи в живописных картинах Ольги Одальчук:

 

 

Картины Ирины наполнены чувствами и эмоциями настоящего человека. Ведь на самом деле мы открываем душу, не для того, чтобы показать какие мы слабые, а показать насколько мы сильны, уникальны и неповторимы.

 

Художница Ирина Рыбакова известна своими шикарными пейзажами и деревенскими сюжетами, в которых ярко отображает красоту природы и души человека.

Ее работы отражают кроткий характер, любовь к чистой, нетронутой красоте, к детям и природе. Художницу часто можно встретить на телевидении, где она выступает как защитник русской школы живописи.

 

Её картины находятся во многих галереях мира, а также в частных коллекциях зарубежных ценителей настоящего искусства.

 

https://emosurff.com/post/8394/Dushevnye_kartiny_Iriny_Rybakovoy.html

Говард Беренс (Howard Behrens) — американский художник-живописец, которого заслуженно именуют Моне XXI века. И он чуть ли не единственный в своем роде, кто создает шедевры с помощью техники «ножом по палитре», то есть используя нож вместо кисти.

Предлагаем Вам подборку его работ, в которых все напоминает о солнце, море и путешествиях.

 

 

 

Гиперреалистичные портреты художницы Алены Литвин заставят вас протереть глаза от изумления: неужели ЭТО нарисовано обычными карандашами?! Портреты получаются невероятно детальными, а люди на них выглядят совсем как живые.

 

Гиперреализм ─ это всегда визуальное удовольствие. Это тот вид искусства, который заставляет нас пристально вглядываться в картины и не верить своим глазам, потому что-то, что на них изображено, кажется, не может быть нарисованным ─ настолько реалистично выглядит. Российская художница Алена Литвин обладает этим талантом: она пишет невероятно реалистичные портреты людей, используя лишь цветные карандаши. Ее мастерством уже восхищается более 180 тысяч подписчиков в социальных сетях, куда она выкладывает свои впечатляющие работы. И на многих из них ─ российские и зарубежные знаменитости.

 

 

 

Источник: https://emosurff.com/post/9516/Giperrealistichnye_...andashami_ot_Aleny_Litvin.html

Итальянский художник Витторио Джардино родился 24 декабря 1946 года, в Болонье. Здесь в 1969 году он получил высшее образование в электротехнике. В возрасте 30 лет решил оставить свою работу и посвятить себя комиксам и живописи. Интересно, что известным он стал благодаря комиксам на политические темы. Иногда он рисовал также эротические комиксы про девушку по имени Little Ego. Но в его творчестве можно найти и такие очаровательные картины, которые, благодаря необычной технике, великолепно передают атмосферу жаркого лета в Италии.

 

 

 

Витторио Джардино

https://emosurff.com/post/8990/Italyanskoe_leto_ot_khudozhnika_Vittorio_Dzhardino.html