.

Читать далее

Dell Acqua Cesare.A Shared Moment 1868

Как хорошо иметь подругу,
Ей можно тайны доверять,
И поделиться новостями
И просто рядом порыдать!
А можно, нет уж настроенья,
С подругой просто посидеть:
Не говорить, не улыбаться,
Лишь только ей в глаза смотреть...
Она поймет, она простит,
Если плохо - погрустит!
Вместе радости разделит,
Если надо - защитит!
Так бывает очень часто-
Заменяет всех порой,
Знаю, дружба не напрасна,
За друг друга мы горой!

В музее Москвы (Новая пл.,12) проходит выставка из собрания Рязанского художественного музея имени И.П. Пожалостина "Народное искусство Рязанских земель".
Среди более двухсот экспонатов, на выставке представлены высокохудожественные элементы крестьянского костюма Рязанской губернии рубежа XIX – XX веков.Так же на выставке представлены работы современных мастеров рукоделия.
В Москве эта коллекция представлена впервые.
Немного фотографий с выставки...

http://community.livejournal.com/costume_history/538015.html

http://community.livejournal.com/retro_ladies/452338.html

Кто не знает этого шедевра Лиотара? Скромная и, несомненно, достойная девушка предстает перед нами на полотне. Проходят года, а она остается невинной и прекрасной, как майская роза. Среди современных поклонников «Шоколадницы» широко распространена легенда о создании этой картины: якобы в 1745 г. австрийский аристократ князь Дитрихштайн (Dietrichstein) случайно зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать модный в то время шоколадный напиток. В кофейне он и повстречал свою любовь – тихую официантку Анну Бальтауф (Anna Baltauf), дочь обедневшего дворянского рода. Дитрихштайн был покорён её обаянием, и, несмотря на возражения своей семьи и возмущения света, он взял девушку в жёны. Полотно Лиотара (модного в те времена художника) стало свадебным подарком для молодой княгини. Портретист изобразил невесту в костюме официантки XVIII века, увековечив скромность невесты и благословенную, посланную свыше, любовь с первого взгляда.

 Читать далее

Я уже как-то затрагивала тему подвязок. Но тут наткнулась на мастерицу, которая создает красивые и главное такие разные подвязки: кружевные, цветочные и не только белые, но и разноцветные.

Это цитата сообщения PKFNF [Прочитать целиком]

Вышитые абажуры в Викторианском и Арт-деко стиле(1860-1930).

Алена

Веера были из кружева, ткани , бумаги, украшенные драгоценными камнями; веера в стиле «бризе», из тонких, изящно обработанных пластинок слоновой кости, на веерах писали настоящие художественные миниатюры. Для изготовления вееров использовали драгоценные камни, золото, серебро, эбеновое дерево, перламутр, панцирь черепахи.

ЛАНА

Ранее начатый рассказ о художнике Константине Андреевиче Сомове будет неполным, если не вспомнить о женских портретах его работы. Как известно из биографии живописца его отношения с женщинами были в основном дружескими, виной тому и гомосексуальные наклонности, и восприятие женщин через призму истории. Можно сказать, что К. Сомов и преклонялся перед женщинами, и в тоже время их ненавидел. Современники художника ставили ему  в вину то, что его изображения женщин некрасивы, позы их неестественны и не чувствуется любви художника к изображаемым персонажам. На этот счет есть запись в  дневнике художника :"Женщины на моих картинах томятся, выражение любви на их лицах, грусть или похотливость - отражение меня самого, моей души...  А их ломаные позы, нарочитое их уродство - насмешка над самим собой и в то же время над противной моему естеству вечной женственностью. Отгадать меня, не зная моей натуры, конечно, трудно. Это протест, досада, что я сам во многом такой, как они.Тряпки, перья - все это меня влечет и влекло не только как живописца (но тут сквозит и жалость к себе). Искусство, его произведения, любимые картины и статуи для меня чаще всего тесны связаны с полом и моей чувственностью. Нравится то, что напоминает о любви и ее наслаждениях, хотя бы сюжеты искусства вовсе о ней и не говорили прямо..." 

Сомов К.А. Портрет Е.П.Олив 1914

Но тем не менее К.А. Сомов оставил нам большое количество женских портретов. Эти портреты, чего уж скрывать суровую правду жизни, его и кормили. Заказчиками были богатые дамы и их мужья, которые готовы были платить художнику огромные деньги за свои изображения. Многие из них стали шедеврами и сейчас украшают музеи и частные коллекции по всему миру.

29 июля 1783 года в семье Великого князя, наследника Павла Петровича родилась девочка, первая внучка Екатерины Великой. Маленькую Великую княжну назвали Александрой. Воспитанием Александры занималась назначенная Екатериной Шарлотта Карловна Ливен. Когда княжне было 11 лет, ее царственная бабушка так отзывалась о ней в письме барону Гримму: "она похорошела, выросла и приняла такую осанку, что кажется старше своих лет. Говорит на четырех языках, хорошо пишет и рисует, играет на клавесине, поет, учится без труда и выказывает большую кротость характера". Несмотря на столь юный возраст Александры, Екатерина уже начинает думать о возможном династическом браке и ее выбор падает на молодого шведского короля Густава IV. Вопрос о браке великой княжны считали уже решенным, Александру Павловну начали обучать шведскому языку, активно обсуждался вопрос вероисповедания будущей королевы Швеции. Великая княжна знала о своем будущем женихе с чужих слов и только хорошее, видела его портрет и уже любила его чистой первой любовью. Вскоре король был приглашен в Россию, с первой же встречи молодые люди прониклись симпатией друг к другу. Обручение Александры и Густава было назначено на 11 сентября 1796 года, но в этот день выяснилось, что в брачном договоре нет статьи, касающейся вероисповедания Александры Павловны. Король отказался признать право своей невесты на сохранение православия, что послужило причиной решительного отказа Екатерины II от брака ее внучки с королем. Вернувшись из Тронного зала в свою комнату, Александра Павловна, даже не успев отослать приближенных, горько разрыдалась. Так юная княжна оказалась жертвой политических игр. Вскоре Густав уехал из Петербурга, а затем и женился на Фредерике Баденской.

В преддверии пошива платья девушки из состоятельной семьи в Швейцарии конца XIV века, меня очень тревожит тема рукавов.
Так как я не историк моды, и вообще не историк, опираюсь я исключительно на миниатюры и надгробия. Но сдается мне, что не все спокойно в Датском королевстве миниатюры и надгробия, а так же редкие исторические находки, полного представления о средневековой моднице дать не могут, потому что фасонов могло быть великое множество, а художник средневековый обладает уникальным даром упрощения всего что рисует.

В качестве иллюстраций буду использовать в том числе и картины прерафаэлитов, так как после тщательного изучения признаю, что одежды на них соответствуют исторической действительности, и работа художниками по изучению костюма была проделана титаническая.

Моя хотела рукав вот такой:

Д. У. Уотерхауз. "Прекрасная Розамунда"

Но прекрасная Розамунда, которая была любовницей ГенрихаII Пантагенета, погибла в 1176 году (по легенде жена этого Генриха, Элеонора, отравила красавицу из ревности).  И рукава такого типа, актуальные для 12 века, на конец 14ого уже не тянут.

Типичные рукава на 14 век выглядят вот так:

Мы видим:

• Удлиненный рукав, который заворачивается.
• "Триперсы" - длинная золотая нашивка на второй картинке.
• Зауженный рукав, характерный для всего 14ого века.

• Зауженный рукав, удлиненный до середины ладони.
• Верхнее платье с отстегивающимся рукавом (появляется уже в конце 14ого века в Италии) - очень удобно, кстати, можно менять, отстегивать- пристегивать по необходимости.
• Расширенный рукав от локтя, чем длиннее - тем более знатная дама.

Обдумав все я решила, что на моем платье рукав будет вот таким:

Календарь моды  von Rudolph Ackermann (1764-1834),Лондон

Дорогие мои Друзья, Читатели и Те кто пробегает мимо! Позвольте мне поздравить вас с уже совсем наступившим 2010 годом. И пожелать, чтобы он у вас был таким же легким, веселым и беззаботным как бал-маскарад 18 века! С Новым Годом, мои дорогие!))

  Солнцев Федор Григорьевич.Народный костюм.

 Федор Григорьевич Солнцев родился 14 апреля 1801 г. в с. Верхне-Никульском Мологского уезда Ярославской губернии в семье помещичьих (крепостных) крестьян графа Мусина-Пушкина. После рождения сына Федора его отец, Григорий Кондратьевич, уехал в Петербург и стал работать кассиром при императорских театрах. Вскоре в северную столицу переехал и старший брат, Денис. Федор и его мама Елизавета Фроловна остались в деревне. Благодаря стараниям матери, бывшей грамотной женщиной, он начал учиться читать. Но учеба в целом давалась с трудом. Гораздо интереснее было рисовать или копировать лубочные картинки, играть на берегу ручья, впадающего в знаменитую реку Сить.Когда в 1815 г. отец, по обыкновению, навестил семью, ему пожаловались на нерадивого ребенка, интересовавшегося только рисованием различных деревенских и церковных предметов. Григорий Кондратьевич, по-видимому, обладая хорошим чутьем, забрал ребенка с собой в Петербург.

Valerie Maugeri
Сайт
Яркие, кричащие, словно вышитые на шелке ее картины как неповторимый запах корицы и куркумы. Восточные сказки на французский напев. В картинах Валери Мауджери мы видим богатство цветов как у индийского шаха и игру с деталями как у французских мастеров XVIII века.

История чулок началась еще в Древнем Египте. В одной из гробниц фараонов был найден детский вязаный носок. Большой палец был вывязан отдельно, так как в то время носили обувь, похожую на нашу пляжную.Первые вязаные носки были найдены в гробницах в V веке н. э., затем искусство вязания было надолго утрачено и восстановлено только в XIII веке. До этого времени чулки шили из полотна или тонкой кожи. В средние века чулок как самостоятельной части одежды не существовало, потому что до XVII века носили цветные, часто многоцветные, чулки-панталоны.

Marianne Preindlsberger "Сладкий сон"

Кто из нас не любовался «боярышнями» Константина Егоровича Маковского: чернобровыми, с длинными опущенными ресницами, меланхоличными или задорными, в кокошниках разной формы, с бантами, серьгами, ожерельями?!Любовались и, наверняка, разглядывали украшения на каждой из них, поражаясь точности, с какой они прорисованы.Мало кому известно, что самобытность, своеобразие и убедительность картин Константина Егоровича напрямую связаны с истинной страстью художника — художественным собирательством, которым Маковский увлеченно занимался на протяжении всей своей жизни (годы жизни 1839 - 1915).

Сорока/ кичка, рога/ - головной убор замужних женщин, состоявший из нескольких не сшитых друг с другом частей, надевавшихся на голову самостоятельно. Основными предметами, образующими в совокупности этот головной убор, были кичка, собственно сорока, позатыльник, налобник, платок. Дополнительными - различные украшения из бисера, перьев, лент, искусственных цветов.

Кичка представляла собой мягкую холщовую шапочку, на передней части которой укреплялось твёрдое возвышение, изготовленное из луба, деревянных дощечек, бересты, проклеенного или простёганного в несколько раз холста, холщовых валиков, набитых соломой, куделью. Сзади кичка затягивалась на вздёржку, плотно облегая голову.Сорока, называвшаяся также макушка, привязка, - это верхняя часть головного убора, чехол, надевавшийся поверх кички. Она обычно изготавливалась из кумача, шёлка, бархата на холщовой или ситцевой подкладке. Сороки сшивались обычно из двух - трёх частей ткани. Передняя её часть называлась чело, очелье, чёлышко; боковые части - крылья, задняя часть - хвост. Они соединялись таким образом, что головной убор принимал форму шапочки с прямоугольным, овальным верхом или верхом, вырезанным по форме рогов. Крылья, сшитые с очельем и частично с хвостом, имели завязки, которыми сорока крепилась на голове поверх кички. Если хвост сороки был короткий, то он почти полностью сшивался с крыльями, если длинный - то его значительная часть спускалась на плечи. Наряду с сороками в виде шапочек были распространены также сороки, сшитые не полностью: соединенными были только очелья с хвостом и крылья с очельем. Такие сороки в распластанном виде напоминали птицу с длинным хвостом и разложенными по сторонам треугольными крыльями.

"Мягкая, теплая, чрезвычайно комфортная, уютная, белая, необычной формы , думала я, проводя рукой по нежному меху муфты. Прошло 3 секунды и я вспомнила маленькую Герду и ее удивительную красную муфточку, которой она согревала свои ручки в стране Снежной Королевы."(с)

сказочный аксессуар

 Галстук, или   узел истории на вашей шее.

Мужчина стоит того же,
что и его галстук, – это он сам,
им он прикрывает свою сущность,
в нем проявляется его дух.

Оноре де Бальзак
«Искусство ношения галстука», 1827 

Портрет  работы сэра  Питера  Лели  * 1666- 67*. Музей  Виктории и  Алберта ,  Лондон.

Оноре де Бальзак писал: "Галстук не просто защищает от насморка, простуды, зубной боли, флюса, боли в шее и прочих прелестей, он до сих пор неотъемлемая и обязательная часть наряда и в своих разнообразнейших формах способен многое нам рассказать о своем владельце..."
Современный галстук, таким, каким мы его знаем (кроме галстука-бабочки), появился на свет совсем недавно, в 1924 году, когда американский фабрикант галстуков Джесс Ленгсдорф решил выкраивать галстуки по диагонали и сшивать их из трех частей. Он сделал состояние, продав патент практически во все страны мира... Но откуда взялся все же сам галстук, от которого нынче часть человечества пытается избавиться?

«Лувуа, что это за странные платки повязаны на шеях у этих всадников? Они мне понравились. Позаботься, чтобы завтра же у меня была дюжина таких же платков».

Эти слова были сказаны в 1663 году, на заре абсолютизма. Строится Версаль, огромный пышный дворец к юго-западу от Парижа. Во главе Франции, вышедшей из тридцатилетней войны и явно окрепшей, стоит 25-летний Людовик XIV — король, уделяющий внимание всему прекрасному.

ЛЮДОВИК ХIV Бурбон Louis XIV - французский король (1643-1715).

В мире, где на голове носили такое, изобретение гильотины было видимо неизбежным....
 

ВИКТОРИАНСКАЯ ОДЕЖДА

 Пейсли— декоративный орнамент каплеобразной формы. Родиной орнамента считается Персия (по некоторым источникам — Индия). Данный орнаментальный мотив (бута) был характерен для Персии со времён династии Сафавидов. Он завоевал популярность в России и в Западной Европе в новое время благодаря импортируемым с Востока кашемировым тканям с «огуречным» узором. А среди знатоков текстиля, модельеров и историков моды его принято величать «пейслийским» или «пейсли». В Великобритании «индийский огурец» получил широкое распространение после того, как возвращавшиеся из колоний служащие британской армии привозили домой восточные ткани. Основным центром производства тканей с таким орнаментом в Западной Европе стал шотландский город Пейсли (в честь которого орнамент и получил своё название на Западе).  Именно там примерно в 1800 году началось производство относительно недорогих тканей и шалей, имитирующих подлинные восточные. Так «огурец» с Востока, сделавшийся доступным благодаря британским текстильщикам, покорил всю Европу. В конце XVIII века европейскую аристократию увлекла мода на кашмирские шали с таким рисунком. На подлинную кашмирскую шаль можно любоваться часами, рисунок притягивает и завораживает. Вскоре мода на восточные шали проникла и в Россию. Платки, шали, всевозможные ткани, украшенные так называемым "огуречным" рисунком, никогда не выходят из моды. Этот мотив именуют также "турецким бобом", « слезой Аллаха», "индийским пальмовым листом", "персидским кипарисом". В народе этот незатейливый, но весьма эффектный орнамент называют «огурец», «турецкий огурец», «восточный огурец» или «индийский огурец».Так что же означает "восточный огурец"? По форме он напоминает проросший боб, завязь, зародыш. Это гимн производящим силам природы. В Индии считают, что подобная форма - один из символов движения, развития, энергии. Не случайно "огуречный" орнамент украшает свадебный наряд индийской невесты. Иногда "огурец" изображают с ножкой-черешком и тогда его называют "пальмовым листом". Название "персидский кипарис" тоже неслучайно: это старинная традиция народного искусства показывать целое через его часть. Один лист представляет все дерево, а кипарис - дерево священное. В Иране изображение "восточного огурца" - пожелание счастья, благополучия дому. Как видите, это очень доброжелательный знак. 

Поистине, нет современной женщины, которая не хотела бы иметь красивого зонтика. Так как зонтик – это не только защита от солнца или дождя, но и деталь туалета. 

Ещё в XYII веке зонты использовались как модная деталь костюма. Но свое прямое функциональное назначение - защита от дождя – они начали выполнять только в конце девятнадцатого столетия. Причина была проста. Как написано в книге «Умение хорошо одеваться, изданной ещё в 1913 году: «До нашего столетия дамы не носили дождевых зонтов, потому что они не ходили пешком в плохую погоду. Теперь все ходят пешком, и даже знатные дамы имеют дождевой зонтик».

Но и в дальнейшем дамский зонтик продолжает оставаться деталью модного туалета. В 50-е годы девятнадцатого столетия высота его была невысока, около 52-54см, напротив, дождевые зонты – трости имели высоту до метра и ещё длинный до 10-13см шпиль. Дождевые зонты начала ХХ столетия были темного цвета, практически без декора. Иногда по краю проходила полоса другого цвета. 

Вот  пример современного роскошного зонта с невероятно красивой ручкой... Купол зонта обтянут двумя слоями шелка! Внешний слой украшен сотней стразов, которые переливаются всеми цветами радуги словно бриллианты! Это изумительное зрелище, которое сложно поддается описанию. Думаю что под таким зонтом чувствовала бы себя  самой неотразимой. 

 Кружевные зонтики конца XIX века, в 90-х годах выходят из моды, чтобы снова стать популярными в 1915 году. Цвета солнечных зонтов разнообразнейшие, но непременно подходящие по цвету к платью. Ткань вышивали гладью, бисером. Зонтики украшали тесьмой, кружевом, оборками. 

Зонтик - Британия, 1870-е гг. Слоновая кость, шелк, кружево, плетенное на коклюшках.
Изготовлен из брюссельских кружев, нашитых на сетку машинного производства.


он же.


Зонтик. Лондон, 1810-1811. Шелк,сталь,серебро. Ручная работа. Оригинальная телескопическая ручка.

В 1910-1913 годах купол зонтика приобретает более выпуклую форму. Это было обусловлено изменением формы и увеличением объёма шляпок. Именно тогда появляются шляпки с широкими полями, украшенные цветами, перьями, чучелами птиц, крыльями ласточек, искусственными фруктами и тому подобным. «Некоторые зонты похожи на колокол, другие на тюльпан. Их пышно украшают вышивкой, плиссированными оборочками и гирляндами цветов…Носят очень много белых зонтов и из тафты шанжан» Ручку делают очень длинной, чтобы можно было защитить от солнца и дождя шляпку», - писал в 1912 году «Журнал для хозяек». 

http://www.vintagestory.ru/

Галантные французы считают, что женщина без шляпки, как Париж без Эйфелевой башни. На протяжении веков шляпа была неотьемлемой частью женского образа. Но мы живем в век высоких технологий, когда во всех сферах бытия главенствует принцип удобства и практичности. Это относится к одежде и ее деталям, в том числе, к головному убору. В отличие от прошлых веков, большинство эмансипированных женщин уже не придают столь важного значения такому атрибуту одежды, как шляпа, и даже зимой предпочитают ходить без головного убора, не говоря уже о теплых летних месяцах.И все таки приятно отметить, что еще не перевелись дамы, которые сохраняют верность шляпке, и благодря им, она постепенно начинает возвращать свои позиции модного элемента дамского гардероба. Ведь еще 100 лет назад, на рубеже XIX - XX веков, шляпка становилась атрибутом, определяющим характер дамы и ее склонность к творческому самовыражению. Более того, она представляла собой почти культовый предмет, существующий на грани художественной фантазии и обыденной жизни.Но давайте вернемся в прошлое и попробуем заглянуть в те времена, когда шляпа, являлась истинным произведением искусства и вдохновляла художников и поэтов к написанию шедевров. В начале 2003 года в выстовочном зале Государственной Третьяковской галерии проходила уникальная выставка «Дело в шляпе». Посетители выставки были удивлены, насколько высокое, а порой и главенствующее положение в иерархии модных аксессуаров занимал головной убор. С древних времен его наделяли магическими свойствами. Исторически он был символом власти, успеха, знатности, богатства - недаром еще греки украшали голову воина, победителя соревнований или поэта венком из строго определенных "материй" - от листьев дуба или лавра до овечьей шерсти. В переводе с латинского, слово "корона" означает венец. Его магическое значение для правителей государств был известно давно: например, символом самодержавной власти в России была шапка Мономаха, которую Петр I заменил на императорскую корону.

Silver Celluloid
H: 10.5 cm (4.13 in)  W: 12 cm (4.72 in) 
Marks: 'H.K. HAEGE' 'Handarbeit' '935'
German, c.1920

 Жизнь художника и гравёра Willem Pietersz Buytewech была очень коротка: он умер в возрасте 33 лет. Родился он в Роттердаме, а учился живописи и работал в Хаарлеме, городе, где его художественный талант стал процветать. Там же состоял в Гильдии Святог Луки.В начале 17-го века он был одним из передовых молодых художников Голландии.Willem Pietersz Buytewech одним из первых использовал в качестве предмета живописи группу людей, сцены кутежа, что не приветствовалось частью Гильдии Святого Луки, состоявшей в основном из ремесленников.В это время и произошёл раскол в гильдии - художники не поддерживали ремесленников, а те - были часто против  художников.Willem Pietersz Buytewech является одним из  самых интересных художников первого периода голландской живописи.Его прозвали "Летящий Виллем",т.к. по характеру, задору он был очень стремительным, весёлым, лёгким.Его картины, изображающие  сцены в кабаках, модных девиц в компании с хмельными  парнями,создали в то время особую категорию жанра- "весёлая компания" -  "Merry Company".Гравюры его более многочисленны и включают жанровые сцены и тему сельской голландской местности.Был близок по стилю с художником Frans Hals .Willem Pietersz Buytewech оказал большое влияние на развитие живописи в Голландии в тот период, по сути он является основоположником бытового жанра.                                                                                                                                                                       

                                                              Dignified Couples Courting.(Любовные пары)1618

   Многие изделия, выполненные крючком в технике ирландского кружева хранились особо бережно и передавались из поколения в поколение. Благодаря этому они сохранились до наших дней. И теперь мы можем любоваться на творения талантливых мастериц, создавших эти уникальные вещи, перенимать их опыт в этой технике вязания и равняться на лучшие образцы.

Кружевное болеро, 1905 г.

Болеро выполнено крючком из хлопчато-бумажных ниток. Застёгивается на маленькие перламутровые пуговицы. Рукава колоколообразные. Очень функциональная вещь, которую можно носить в виде накидки на любой наряд. Особый шарм придают объёмные элементы.

Алексей Михайлович, второй русский царь из династии Романовых, сын Михаила Фёдоровича и его второй жены Евдокии, родился 19 марта 1629 года

Неизвестный художник. Портрет царя Алексея Михайловича.

Из апрельского номера журнала мод.1831г.Париж.

XIX век вполне можно считать «колыбелью» многих нынешних стилей: именно в конце теперь уже позапрошлого столетия зародились все те тенденции, которыми многие модные дизайнеры руководствуются и по сию пору. Разумеется, мода XIX столетия не обошлась без революций, подарив миру и самых первых кутюрье. Уже довольно долго главным средством для внесения моды были различные журналы мод. С 1829 года журнал Эмиля Жирарди "La mode" всегда был лидером среди подобной литературы. Здесь вся информация придерживалась общественно-философского стиля изложения. А главное все сопровождалось изображениями, которыми занимался Поль Гаварни - знаменитый художник во Франции. С первым журналом в иллюстрации моделей мог соперничать другой Венский журнал. Здесь их выполнял профессор Королевской академии искусств Франц Штебер.1830 г. для многих стран Европы стал временем, когда романтизм стал преобладающим стилем в искусстве. Здесь очень ценились такие качества, как сила личности, стремление к свободе, борьба за нее и т.д. Средневековые времена для романтизма стали идеальной моделью жизни. Романтизм преобразил внешность людей и придал им черты страсти, возвышенности, так же ценилось богатство души и мечтательность. Костюм для мужчин не меняется конструктивно, однако, много внимания уделяется различным дополнительным элементам. Применяются ткани из дорогой шерсти или тонкого льна. Бальный фрак выполнялся бархатом, а жилет шили из парчи разных цветов. Так же характерным для средневековья было возвращение плащей и туфлей с острыми длинными носами. Женские костюмы в основном всегда носили с жестким корсетом, делающим талию очень узкой, а рукава от верха до локтя были невероятно широкими. Уровень плеча заниженный, а юбка достигала щиколоток и была достаточно широкой. Платье шилось из атласа светлых оттенков и бархата. Ленты и кружева с оборками являются основными украшениями такого платья. На голове - объемный головной убор с двумя или тремя перьями страуса или цветами. Присутствовали и драгоценности. Одежда мужчин и женщин романтизма имеет общие характерные черты: плечи, расширенные рукава, широкие бедра и обтянутая грудь с талией.