Начинать работу над любым фильмом нужно с написания его концепции. Концепция — это прежде всего изложение-пересказ всей сюжетной линии, благодаря которому можно оценить необходимые для работы ресурсы и в дальнейшем написать полноценный сценарий. Здесь же описываются и характеры героев, на основе которых будут строиться диалоги и действия в сценарии. Структурирование разрозненных мыслей и идей на бумаге очень важно прежде всего для самого автора.

Многие сразу приступают к написанию сценария для фильма. Это не самый оптимальный подход, поскольку концепция позволяет наметить все основные сюжетные направления и оценить их в целом не затрачивая слишком больших трудовых и временных ресурсов. Как правило, до написании сценария концепция подвергается изменениям, которые идут фильму только на пользу. Если же сразу начинать со сценария, затраченные на него силы могут стать тормозом для его модификации.

Перед тем, как приступить к написанию концепции своего проекта, нужно понять несколько простых правил, которые позволят вам снять фильм именно так, как вы запланируете.

Трезвая оценка своих возможностей

Принцип выполнимости — один из важнейших принципов любительского кино. Вы должны трезво оценивать свои возможности. Бумага стерпит всё: и летящую над горами камеру, и взрывающийся автомобиль, и созданный на компьютере город. Однако снять в итоге не получится ничего. Многое из того, что показывают даже в «дешёвых» сериалах по телевидению, недоступно для простого любителя. Насколько бы талантливым и перспективным не казался вам ваш фильм, помните: никто никогда не даст вам на него свои деньги, никому не нужна реклама в нём, ни одна благотворительная организация не поддержит ваше начинание.

Если вы включаете в фильм сцену в кафе, баре или магазине — будьте готовы «отвалить» владельцу кругленькую сумму за возможность использовать его собственность в качестве декораций. Если вы хотите построить декорации космического корабля (и у вас даже есть идеи, из чего их можно сделать) — сначала найдите того, кто отдаст в ваше распоряжение целую комнату в своей квартире на длительный срок. Если вы хотите снять ночную сцену — сначала проверьте, как снимает ваша камера в условиях недостаточной освещённости...

Не переоценивайте свои возможности, не расчитывайте на чью-то помощь, и тогда у вас будет шанс закончить свой проект.

/www.smx.ru/pub/skins/air/loading.gif" target="_blank">http://www.smx.ru/pub/skins/air/loading.gif) no-repeat center 50%">  

Роли для актёров

Для начинающих съёмочных групп не существует большой альтернативы при выборе актёров на роли (как правило, человеку подбирают роль, а не человека на роль). У любого актёра, профессионального или нет, есть некое амплуа — характеры, которые удаются ему лучше всего. Понять амплуа каждого актёра до утверждения на роли — важнейшая задача для режиссёра.

На этапе написания концепции, если какие-то из актёров заранее известны, можно написать роли под конкретных людей. Это может существенно сказаться на качестве фильма, поскольку герои получатся максимально реалистичными.

В дебютных фильмах обычно заранее известна лишь пара актёров — остальных приходится искать (например, через интернет). Возникает замкнутый круг: чтобы найти добровольцев, нужна готовая концепция; чтобы написать хорошую концепцию, нужно заранее знать способности актёров. К сожалению, здесь рецепта удачи не существует. Наиболее верным будет написание предварительной концепции (без характеров героев), затем поиск активистов, и уже после личного знакомства с ними — завершение концепции.

Выбор верного жанра

Жанр фильма — это определяющее направление, от которого в любительском кино зависит очень многое. Каждый жанр предъявляет свои требования ко всем участникам проекта, и, в особенности, к актёрам. Почти любой человек (кроме стеснительных) будет отлично смотреться в комедийной роли, однако для драматической требуется совершенно иной уровень актёрского мастерства и опыта. Любая наигранность в «серьёзном» фильме очень сильно бросается в глаза и вызывает у зрителя либо неуместный смех, либо раздражение.

С ростом доступности кино— и видеотехники был изобретён приём, позволяющий маскировать бездарность съёмочной группы и актёров. Речь идёт о «концептуальном» кино, понимание которого, якобы, доступно лишь избранным. Подобные направления существуют во всех областях творчества: в изобразительном искусстве, в музыке, в литературе... Если у вас вдруг возникнет идея снять фильм в подобном жанре — бросьте читать это руководство немедленно и убейте себя об стену!

Все жанры любительского кино можно условно разделить на «серьёзные» и «несерьёзные» (разумеется, по общему настрою происходящего на экране, а не по отношению к работе). Серьёзность налагает очень высокие требования к актёрскому составу, которыми, к сожалению, сегодня не обладают даже некоторые актёры «большого кино».

Если вы не хотите, чтобы над вашим фильмом смеялись там, где вы этого не задумывали, выберите для него «лёгкий» жанр. Особенно важен подобный выбор для дебютного проекта.

Просто и нескучно

Одна из самых частых ошибок начинающих сценаристов в том, что перипетии сюжета бывает трудно объяснить без дополнительных описаний. Длинные монологи, требующиеся для понимания зрителем сюжета, вызывают скуку (особенно при повторном просмотре фильма). В идеале сюжет должен быть выстроен таким образом, чтобы его рассказывали действия на экране, а не герои фильма. Во время написания концепции каждый раз чётко представляйте себе, как вы покажете (а не расскажете) очередной поворот истории. Не стоит чересчур усложнять и запутывать повествование.

На пользу фильму явно пойдут:

• смена мест действия;
• яркие и незатянутые диалоги;
• больше действия в кадре;
• интригующий и захватывающий сюжет.

Создать концепцию в таком стиле сложно, но возможно. Постарайтесь уделить этому аспекту наибольшее внимание!

Продолжительность

Любой любительский фильм воспринимается зрителями «тяжелее», чем голливудские блокбастеры. В связи с этим не переборщите с продолжительностью своего фильма! Помните: то, что нескучно смотреть в течении 5 минут может отправить публику в глубокий сон уже через полчаса.

На сегодняшний день у любительских фильмов существует несколько «классических» продолжительностей:

• клипы/приколы: менее 4 минут;
• стандартные фан-фильмы: не более 10 минут;
• фильмы для фестивалей и участия в конкурсах: 20-25 минут.

Учтите, что любительские фильмы с продолжительностью более получаса гораздо сложнее в производстве и до просмотра воспринимаются потенциальными зрителями более скептично. Кроме того, при распространении через интернет многие люди не захотят скачивать большой файл, опасаясь получить бездарное и неинтересное любительское видео. Лишь при появлении многочисленных положительных отзывов о фильме, его будут смотреть в таких же количествах, как и короткие клипы.

Но придумывать сюжет, рассчитывая на заданную продолжительность, не стоит. Главное — сделать его законченным, интересным и понятным, а уж какой длины он будет — совершенно не важно.

Оценка концепции

Итак, следуя описаным принципам, приступайте к изложению своих идей на бумаге. Пишите так, как вам удобнее, но с расчётом на то, что текст будут читать и другие люди.

После завершения сделайте паузу хотя бы на один день и прочтите концепцию снова. Исправьте найденные опечатки, ошибки и неудачные речевые обороты.

/www.smx.ru/pub/skins/air/loading.gif" target="_blank">http://www.smx.ru/pub/skins/air/loading.gif) no-repeat center 50%">  

Пришло время выслушать оценку вашей концепции! Отправьте текст двум-трём друзьям (не участвующим в проекте), желательно с разными предпочтениями по жизни. Выслушайте их критику, не пытаясь защищать свою концепцию. Найдите те вещи, которые во всех рецензиях схожи. Это объективные недостатки вашей работы — постарайтесь их исправить даже если они кажутся малозначительными. В случае, когда рецензенты присылают совершенно разные мнения, верить им или нет — решать вам.

Модифицируйте концепцию до тех пор, пока она не окажется наилучшей. Помните, что в любой концепции можно найти минусы (и любую «идеальную» концепцию можно загубить на следующих стадиях кинопроизводства), так что остановитесь на том варианте, который покажется вам лучшим.

Когда концепция будет готова, её можно показать остальным участникам проекта. Если после этого никто не откажется работать с вами дальше, можете считать свою концепцию удачной! Можно приступать к поиску активистов через интернет и написанию сценария.

http://www.smx.ru/Video/Concept

 

СЪЕМКА: СОВЕТЫ НАЧИНАЮЩИМ ТЕЛЕВИЗИОНЩИКАМ [2]

 

ОСНОВНЫЕ МЕТОДЫ СЪЕМКИ:

Несинхронная съемка, т.е. обычная съемка без звука. Главный совет здесь: никогда не пытайтесь использовать случайно записанный камерной “пушкой” звук в качестве синхрона. Этот микрофон предназначен ТОЛЬКО для записи интер-шума и только для него этот звук и годится. Остальное – уже операторское мастерство.

Синхронная съемка: сразу, до съемки решайте, как вы будете его снимать. В общем виде все синхроны делятся на официальные выступления и интервью, открытые и скрытые.

1. Официальное выступление: здесь все должно быть подчиненно задаче акцентирования внимания на выступающем. Т.е. никаких лишних деталей, тем более личного характера. Основные планы - средний и американский средний. Ракурс обычно берется фронтальный «от пупа». Общий план достаточно дать 2 - 4 раза, чтобы зритель сориентировался в пространстве, напр. в начале и в конце, под титры (можно использовать также в качестве перебивки, только снимать тогда нужно так, чтобы не было видно губ говорящего). Т.е. здесь требуется предельная строгость и даже аскетизм кадра. Микрофон должен быть или скрыт, или стоять на столе, прикрытый чем-нибудь (напр. настольным календарем и т.п.), но не в коем случае не в руках у выступающего.

2. Официальное интервью напоминает выступление, но предполагает большую открытость (не в коем случае не акцентированную) ситуации съемки, присутствие в кадре журналиста, который однако в этом случае так же не может быть персоной, а выступает как «представитель зрительской аудитории». Прямое обращение к зрителям здесь возможно только в начале и в конце интервью. Никаких перебиваний и, тем более, спора с выступающим быть не может: вопрос, ответ с четкой точкой в конце, следующий вопрос. Микрофон может быть в руках у журналиста, но лучше его поставить на стол. Акцент здесь, как и в случае официального выступления, делается именно на интервьюируемом.

3. Открытый синхрон, как интервью, так и монолог, уже дают гораздо больше свободы. Это и возможность присутствия в кадре журналиста, и его открытая работа на камеру (вплоть до регулярного прямого обращения к зрителям), попадания в кадр съемочной и другой аппаратуры. Здесь вы можете творить все, что угодно: от официоза, до полного абсурда – в зависимости ит выбраной Вами стилистики и жанра.

4. Скрытый синхрон, так же не важно, в монологе или диалоге, подразумевает создания у зрителя ощущение подсмотренности, непреднамеренности ситуации. Все, что как то касается технической стороны и самой ситуации съемки должно быть предельно скрыто. Никаких микрофонов, фонарей, проводов, вопросов из-за камеры и т.п. в кадре быть не может. Даже взгляд героев в камеру может быть только случайным. Т.е. у зрителя должно создаться ощущение скрытой камеры. Прятать же микрофон можно где угодно: начиная от скрытой по лацканом пиджака петлички, до записи с микрофонной “пушки”. Если нет ни того, ни другого, соорудите муляж книги (коробку формата большой книги с наклеенной обложкой), положите ее корешком к камере и спрячьте туда микрофон (в торцах делаются мелкие дырки, а остальное пространство внутри обклеивается поролоном). И таких муляжей можно придумать сколько угодно.

Съемка движущихся объектов. Не забывайте, что и видеокамера имеет выдержку - скорость срабатывания электронного затвора. Чем выше скорость объекта, тем выше должна быть скорость затвора. Хотя если очень нужно подчеркнуть динамику движения, можно наоборот поставить минимальную скорость и таким образом получить смазку объекта, как бы шлейф за ним. И еще: чем крупнее снят объект, чем длиннофокусней оптика, тем больше ощущение динамики движения (вспомните столбы рядом с окном поезда и в отдалении). Только опять-таки не переборщите. Это же относится и к съемке с движения.

Съемка с движения: главное - убрать или хотя бы минимизировать тряску. Такие кадры приходится снимать в основном с рук - если у вас нет спецоборудования, компенсатором служит сам оператор. Правило 1-е - минимизировать площадь контакта, чем меньше опор, тем лучше. Прежде чем нажать кнопку, постарайтесь подстроиться к ритму движения и качке. Если она ритмизирована, как в поезде, это не сложно. Но в машине рытвины и ухабы не предсказуемы. Поэтому, глядя в видоискатель, попытайтесь почувствовать, настроиться на ощущения тела. При определенной тренировке вы начнете чувствовать начало толчка и большинство из них сможете компенсировать.

Скрытая камера: понятно, что в этом случае не должно быть видно ни камеры, ни оператора, ни микрофона, ни проводов, ни света. В профессиональной съемке для этого используются прозрачные только в одну сторону зеркала или такие же затемненные стекла. Достать их сложно, поэтому можно поступать проще: кусок бархата или черной ткани натянутой на раму или выполненный по драпировку. Место это должно быть затемнено и защищено от прямого света, чтобы не было блика от объектива. В ткани прорезается дырка точно под объектив. Края могут быть прикрыты мебелью и т.п. Хорошо еще перед этой ширмой поставить какую-нибудь тумбочку и вазу с цветами или еще что-то, соответствующее интерьеру. В крайнем случае можно наложить кучу чемоданов, кинуть на них ту же тряпку и извиниться перед героем за беспорядок или спрятать оператора под задрапированным столом. Свет ставится так, чтобы герой был освещен либо естественным, либо отраженным светом и только, естественно, бытовых светильников. Микрофон прячется на столе, провода под ковры, дорожки и т.п. (опять же не рассчитывайте на камерную “пушку”).

И еще вариант: иногда нет нужды даже прятать камеру, достаточно ее направить в другую сторону и разыграть там какой-то диалог. И использовать зеркало (лучше 2 - 3). Тогда даже свет, поставленный якобы на другую площадку, можно зеркалами направить туда, куда нужно. Если вы будете достаточно точны и элегантны и сами не продадите себя взглядами на оператора, то скроете камеру лучше, чем даже пряча ее. Только не забывайте об этике: сразу после монтажа, когда еще есть время что-то изменить, обязательно покажите этот эпизод герою и получите его согласие на показ. В сомнительных случаях (если не уверены в порядочности человека) - письменное. Может помочь избавиться от судебного разбирательства.

Двойная экспозиция: этот метод относится уже к комбинированным съемкам. Допустим (не обязательно в сказке), вам нужно показать двух героев - великана и лилипута, в одном кадре. Делается это так: один из героев снимается в нужном пространстве с нужной крупностью и запасом места для расположения второго персонажа. Второй снимается либо на синем фоне и заводится в кадр по маске (рир-проекция), либо на очень черном фоне (бархат или черный провал, например ночью на улице), высвеченный очень сильным точечным светом, и заводится в кадр на микшере. Оба способы имеют свои недостатки. Рир-проекция (хромокей) дает ощущение аппликативности, во втором есть опасность, что детали фона будут просвечивать через персонажа. И в любом случае вам будет необходим монитор, на котором будет видна готовая картинка - без него точно скорректировать движение и положение второго персонажа практически нереально.

Проще такие вещи делать на компьютере: некоторые монтажные программы имеют функцию отслеживаемой маски. Здесь вы отмечаете контуры снятого объекта и электронная маска отслеживает его перемещения. Хотя и здесь все не так просто, это практически ручная работа.

Домакетка и дорисовка декораций: если у вас нет возможности поехать в Индию или построить в центре Канска дворец индийского раджи, а снять персонажа на его фоне зачем-то очень нужно, то достаточно найти картинку этого дворца или, лучше, местного умельца, который сделает вам этот дворец из картона или фанеры в масштабе 1 : 100 (конечно, чем больше, тем лучше). Дальше - та же рир-проекция. А чтобы скрыть аппликативность и дать героям возможность как-то взаимодействовать с пространством, элементы 1-го и 2-го плана выполняются в натуральную величину и устанавливаются в павильоне. Иногда достаточно пары напольных ваз с цветами или каких-нибудь картонных колонн, которые при проходах будут перекрывать героя. Технологию виртуальной студии здесь рассматривать нет смысла: люди, имеющие технику такого уровня обычно на обучение персонала тоже не очень скупятся.

Съемка под фонограмму: понятно, что сначала нужно иметь саму фонограмму. Сейчас большинство исполнителей имеют возможность изготовить их самостоятельно и более-менее приличного качества. А вот дальше уже ваша работа.

Основная проблема съемки под фонограмму - это обеспечение точной синхронности. Если вы намереваетесь снять песню одним куском и потом врезать в нее планы города или любые другие несинхронные - проблемы нет. Берите “минусовку”, через звуковой микшер, который может раздобыть и сам исполнитель, выстраивайте баланс между вокалом и аккомпанементом, заводите звук с пульта и картинку с камеры на видеомагнитофон - и пишите столько дублей, сколько хочется.

Но если у вас есть подозрение, что дубли придется монтировать или захочется перейти склейкой со среднего плана на крупный - ситуация меняется принципиально. И при малейшей ошибке головная боль на монтаже от отчаянных попыток попасть в синхрон вам обеспечена.

Во-первых, в этом случае пользуйтесь только “плюсовкой”. Ни один даже самый крутой профессионал идеально, до 1/25 доли секунды, в фонограмму никогда не попадет.

Во-вторых, не используйте для воспроизведения фонограммы никакими, даже самыми идеальными аудиомагнитофонами - у них слишком нестабильна скорость воспроизведения. Эта девиация скорости не воспринимается на слух, но для серьезной рассинхронизации ее вполне достаточно.

Абсолютно точно выдержать скорость воспроизведения может только магнитофон с кварцевой стабилизацией скорости ведущего вала. Такая стабилизация исполь­зу­ется в аудиомагнитофонах “Nagra”, “Ритм-репортерах”, некоторых моделях “Ритмов” и т.п. профессиональной теле-, кинотехнике. И абсолютно во всех, даже бытовых, видеомагнитофонах. Поэтому первое, что нужно сделать при подготовке к съемке под фонограмму, это переписать “плю­совку” на видеомагнитофон. Причем переписать только 1 раз. Если вы захотите упростить себе жизнь и переписать ее, чтобы не отматываться при дублях, несколько раз с обычного кассетника, то получите то же расхождение синхрона из-за нестабильности скорости. Вот с видеомагнитофона можете переписывать уже сколько угодно. За 1-2 секунды до фонограммы желательно записать короткий звуковой сигнал – «пик». Он поможет потом подогнать синхрон.

Более того именно с этой кассеты (она и будет теперь у вас мастер-фоно­грам­мой), нужно сделать копию на другую видеокассету, с которой вы будете воспроизводить фонограмму на съемке. Мастер-кассета, как более высокого качества, должна использоваться только на монтаже.

Далее возможны две технологии съемки:

1-я - если на месте съемки у вас есть нормальная розетка 220 в., вы воспроизводите фонограмму с любого видеомагнитофона на усилитель и снимаете столько дублей, сколько требуется.

2-я - если вам приходится снимать в открытом поле или на городской улице, где негде установить и подключить видеомагнитофон (аккумуляторные В/М есть не на всех студиях), вы переписываете фонограмму на видеокассету столько раз, сколько дублей нужно будет снять, вставляете эту кассету ее в камеру, аудио выход камеры подключаете к любому усилителю с портативным питанием, и снимаете дубли в режиме “вставки по видео” (“Insert”).

Качество воспроизведения фонограммы на съемке значения не имеет - этот звук вы будете использовать только для ориентировки на монтаже. Важно только обеспечить разборчивость и внятность звука для исполнителей, чтобы они сами могли попасть в свою фонограмму.

На монтаже вы берете мастер кассету и входя в СНХ с фонограммой (лучше всего это делать по акцентам и сильным долям, например ударника) накладываете картинку, так же в режиме “вставки по видео” на фонограмму. Если не ошиблись в технологии подготовки, попали точно в такт и исполнитель вам не открыл рот поперек своей же фонограммы - синхронность вам обеспечена.

Лучше всего монтировать в такой последовательности (не обязательно, но удобней): синхронизируется и накладывается на фонограмму крупный план вокалиста. Потом в него, в соответствии с монтажным планом делаются врезки средних и общих планов, а затем делаются врезки инструменталистов.

Причем с последними можно использовать т.н. “ложный синхрон”, т.е. кадры которые не точно соответствуют исполняемому месту, но похожи на него по общему абрису движения и попадают в ритм.

Этот прием особенно выручает, когда нет возможности снять музыкальный номер под фонограмму. Тогда вы снимаете на самой песне только вокалиста, а инструменталистов доснимаете на других номерах. И подкладываете в ложном СНХ.
Если даже в ложном СНХ трудно попасть в ритм (особенно часто это случается с барабанами), здесь может спасти ситуацию стробирование кадров и различные размывки, засветки и т.п. приемы, смазывающие точное восприятие синхрона (только не используйте их на вокалисте).

Вот основные проблемы, с которыми сталкиваются на съемке начинающие, и способы их решения,. Возможно я что-то упустил как несущественное или понятное default – пишите, постараюсь ответить.

А если Вы профессионал и у Вас есть что добавить к этому краткому пособию для начинающих, буду рад возможности расширить этот раздел и Вашими советами.

Успешной работы, коллеги!

http://v-montaj.narod.ru/publik/publik.html

 

http://v-montaj.narod.ru/publik/publik.html