1862 - родился Леонид Осипович (Исаак Иосифович) ПАСТЕРНАК /Leonid Pasternak/ (1862 - 31.05.1945), художник, отец поэта.





Он родился в Одессе в 1862 году. Отец будущего художника содержал постоялый двор на окраине города. Мать, как и большинство еврейских женщин в черте оседлости, была неграмотна, но она была умным и сильным человеком. Леонид - самый младший из шестерых детей в семье и самый любимый. Способности к рисованию проявились у мальчика очень рано, но родителей это только раздражало: они болели за него душой и хотели, чтобы он вышел в люди - стал аптекарем, доктором или присяжным поверенным. А мальчик вытаскивал остывшие угольки из печи и разрисовывал ими и пол, и стены.

По требованию родителей он год учится на медицинском факультете, потом - на юридическом, но талант и стремление заниматься любимым делом берут верх: Леонид проходит по конкурсу в Королевскую Мюнхенскую академию живописи и едет в Германию. Это были два года вдохновенного и напряженного труда, становления его профессионального мастерства.

Закончилась учеба, и в течение года Леонид проходит обязательную военную службу в артиллерийской части, но каждую свободную минуту посвящает рисованию. После службы он едет домой, в Одессу, и здесь знакомится, влюбляется и удостаивается взаимности замечательной девушки, к тому времени уже известной в России пианистки, Розалии Кауфман. Их свадьба состоялась в Москве в 1889 году. И как свадебный подарок - еще удача: на выставке передвижников, куда Пастернак отдал картину "Письмо с родины", ее покупает для своей галереи Павел Михайлович Третьяков. Это дало возможность Пастернаку совершить поездку в Париж, о которой он мечтал всю жизнь. После поездки стиль художника несколько меняется, его кисть и карандаш становятся более свободными и изысканными. Пастернак начинает применять новую технику - сочетание темперы и пастели, много рисует углем. Его произведения становятся более выразительными, естественными и динамичными, они передают настроение изображаемой модели или пейзажа.

Через год в семье Пастернаков родился сын Борис, будущий замечательный российский поэт.

На очередной выставке передвижников картина Леонида Пастернака "Дебютантка" привлекает внимание Льва Николаевича Толстого. Их знакомят, и Пастернаки становятся частыми гостями Толстого в Москве и Ясной Поляне, где художник рисует писателя в кругу семьи и знакомых, занятого творческой работой и физическим трудом. Многие картины художника из толстовской серии находятся ныне в Третьяковской галерее. Пастернак создал также замечательные иллюстрации к "Войне и миру" и "Воскресению", которые были одобрены самим Толстым и отмечены медалью на Всемирной Парижской выставке 1900 года.

К этому времени Леонид Пастернак уже профессор прославленного Московского училища живописи, ваяния и зодчества и останется на этом посту более четверти века. Получение этой должности, как и все перемены в его жизни, сопровождалось очередным экзаменом на твердость духа. Пастернак знал, что кандидатуры профессоров утверждаются главой совета училища великим князем Сергеем Александровичем, известным юдофобом. Простейший, казалось бы, ход, к которому вынужденно прибегали многие российские евреи - креститься, изменить вере отцов, и тогда препятствие устранено. Но Леонид Пастернак в письме инспектору училища князю Львову заявляет: "Я вырос в еврейской семье и никогда не пойду на то, чтобы оставить еврейство для карьеры или вообще для улучшения своего социального положения". Так Пастернак выдержал экзамен на силу духа и преданности своему народу, и великий князь подписал желанное назначение. Укрепилось материальное положение семьи, где к 1902 году подрастало уже четверо детей.

Когда художнику было 43 года, Петербургская Академия художеств избрала его академиком живописи. Дом Пастернаков стал одним из культурных центров Москвы, где часто собирались художники и музыканты. Помимо преподавания, Леонид Осипович пишет портреты деятелей культуры и искусства: Горького, Брюсова, Скрябина, Рахманинова, главного раввина Москвы Мазе. Замечателен групповой портрет детей Пастернака, находящийся в Третьяковской галерее. Портреты эти отличались особой точностью духовной характеристики портретируемых.

В годы, предшествовавшие Октябрьской революции, Пастернак участвует в международных выставках в Германии, Австрии, Франции, в первые послереволюционные годы он участник ряда российских выставок. В 1921 году Леонид Осипович и Розалия Исидоровна уезжают в Германию на лечение: художнику требовалась операция глаза. С ними едут дочери, а сыновья Борис и Александр остаются в Москве. Уезжая, Пастернаки думали, что это ненадолго, и сохранили советские паспорта. Но счастливая судьба уберегает их от возвращения в СССР: после операции глаза у Леонида Осиповича появляется так много интересных тем и работ, которые нужно завершить в Германии, что он все откладывает и откладывает свое возвращение.
В 1927 и 1932 году в Берлине состоялись две персональные выставки Пастернака. В этот период усиливается его интерес к еврейской тематике, он издает на русском и иврите интереснейшую монографию "Рембрандт и еврейство в его творчестве". В 1933 году к власти в Германии приходит Гитлер, наступает мрачная эпоха нацизма. Пастернак с женой уезжают к дочерям, которые к тому времени уже живут в Англии.

Леонид Пастернак умер в Оксфорде 31 мая 1945 года. Работы художника сегодня представлены во многих музеях и частных коллекциях Европы, Америки, Азии и Австралии. Леониду Осиповичу было многое дано судьбой: любящие родители, жена - добрейшей души человек, преданный его друг и помощник, способные и красивые дети, один из которых - гениальный поэт Борис Пастернак. Художнику выпала счастливая судьба, и он заслужил это счастье.

http://www.ijc.ru/pastern.html
http://www.rulex.ru/01160612.htm
http://www.russianavantgard.com/Artists/pasternak/pasternakpalestina.html
http://www.artcyclopedia.com/artists/pasternak_leonid.html


Читать далее...

1885 - родился Николай Михайлович Чернышев (1885-1973), известный участник группы «Маковец», живописец, график, монументалист, автор трудов, посвященных технологии фресковой живописи.



Николай Михайлович Чернышев родился в селе Никольском Тамбовской губернии. В 1901–1911 годах учился в Московской школе живописи, ваяния и зодчества, последние два года – в мастерской В.А.Серова. Летом 1910 несколько месяцев провел в Париже, в мастерской Жюльена. В 1911–1914 годах занимался в Высшем художественном училище при Академии художеств в Петербурге, где изучал технику офорта, а главное – технику монументальной живописи. Первая известность пришла к художнику в 1915 году, когда появились его рисунки к «Мифологической азбуке», названные критиками «чудом графической поэзии» (А.А.Сидоров). В них начался длившийся всю жизнь своеобразный диалог Чернышева с античной культурой («Красота, спорящая с античностью, а подчас и превосходящая ее»).

В 1921 году Н.М.Чернышев стал членом Союза художников и поэтов «Искусство – жизнь», в 1922 году переименованного в «Маковец». Участие в этом объединении сыграло решающую роль в судьбе художника, в окончательном выборе им собственного творческого пути. Под воздействием «Маковца», участники которого мечтали о возрождении высокого искусства, о преемственности и синтезе с мастерами прошлого, определилась ведущая тема в творчестве Чернышева – юность, зарождающиеся и еще не осознающие себя красота и грация. Тогда же окончательно выявился интерес мастера к монументальному искусству, которому впоследствии он отдал немало сил.

1920-е годы стали временем творческого расцвета художника. Им были созданы пленительные образы, неповторимые в своей поэтичности и одухотворенности, которые отныне в искусстве стали «чернышевскими» образами: «Девочка с козленком», «Белье полощут», «Заплетает косу»… Художник писал пейзажи, в которых стремился передать неброскую красоту русской природы. Не раз он обращался к жанру автопортрета. Созданные им портреты близких по духу людей – художников и писателей, – глубоко раскрывающие внутренний мир моделей, перерастают в портреты-образы. Все эти темы прошли через все творчество Н.М.Чернышева и воплощались с неизменной искренностью и лиричностью.
Индивидуальный живописный язык Н.М.Чернышева – сплав московской школы живописи с ее интересом к жизни природы и световоздушной среде, уроков аналитического искусства, традиций фрески.

На протяжении многих лет внимание художника привлекали теория и практика монументального искусства. В этой области Чернышев стал одним из крупнейших в стране специалистов. Результатом изучения древнерусской живописи явились книги «Техника стенных росписей» (1930), «Искусство фрески в Древней Руси» (1954). Художник писал статьи и доклады, участвовал в создании мастерских монументальной живописи, выступал консультантом и экспертом, выполнил ряд монументальных работ. В конце 1950-х он обратился к мозаике. Созданная Н.М.Чернышевым в 1957 году мозаичная композиция «Девочка с голубем» вызвала большой интерес и стимулировала развитие этой техники в отечественном искусстве.

Многие годы художник активно преподавал: во ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе, в ленинградском Институте пролетарского изобразительного искусства. Эта деятельность завершилась в 1949 году после массового увольнения преподавателей Московского государственного художественного института, среди которых был и Чернышев.

В одной из рукописей Николай Михайлович Чернышев писал: «Душа художника – словно Эолова арфа… Надо чутко прислушиваться к хаосу звуков, чтобы найти один созвучный себе. И искать его надо не ради оригинальности, а для выявления своих образов, своих эмоций, из которых складывается лицо художника».

http://www.tretyakov.ru/russian/exhibit/2005/0520/
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/cultpaper/ar...21&rubric_id=205&pub_id=649135
http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=109
http://www.museum.ru/N22316


Читать далее...

1975 - родился Виталий Петровский, российский живописец.

Виталий Петровский работает в жанре пейзажа, реже - портрета, натюрморта.

Основная тема его творчества - городской пейзаж. Выполнение этой работы требует от художника высокой точности.

Техника исполнения многослойна.

Сюжетная линия отличается простотой и реалистичностью.

В своей авторской манере исполнения художнику удаётся особенно выразительно передать красоту и романтичность города в разное время суток. Пытливый, наблюдательный глаз мастера улавливает тонкие нюансы всех времён года и состояний природы.

Каждая работа отличается своим настроением, которое непременно передаётся зрителю. Именно поэтому на картины Виталия Петровского хочется смотреть вновь и вновь, каждый раз открывая для себя что-то новое, не замеченное ранее.

http://artist.com.ua/ru/articles/about_us.html
http://artist.com.ua/
http://www.absolutearts.com/portfolios/p/petrov/
http://artboyko.com/artist;PVC;all


Читать далее...

1891 - родился Макс Эрнст /Max Ernst/ (1891 – 01.04.1976), немецкий, французский и американский живописец и скульптор, основатель дадаизма, один из ведущих сюрреалистов и создателей техники коллажа.




Макс Эрнст родился в городке Брюль в Германии. В 1908–1914 гг. параллельно с занятиями живописью и литературой изучал философию, психологию и историю искусства в Боннском университете. В 1919 г. в Кёльне Макс Эрнст участвовал в создании группы дадаистов – приверженцев движения, возникшего тремя годами ранее в Цюрихе среди художников, писателей и критиков, разочарованных войной и стремящихся опровергнуть установленные общественные, моральные и художественные ценности.

В том же 1919 г. художник создал свои первые коллажи. Для них он брал гравюры из научных изданий и старых каталогов, рекламные проспекты и плакаты, страницы популярных романов и т.п. Сюжет, изъятый из своего контекста и перенесенный в абсурдное окружение, превращался в сюрреалистический образ. Макс Эрнст делал целые серии таких работ, например «роман в коллаже» Стобезголовая женщина (1929), состоящий из 149 композиций.

В 1922 г. Эрнст переехал в Париж, где жил до начала Второй мировой войны. В 1924 он присоединился к Андре Бретону и окружавшим его художникам и поэтам, вместе с которыми основал сюрреализм – направление в искусстве, стремившееся передавать реальность подсознательного посредством «автоматизма» или техники свободных ассоциаций. В поисках техники, которая была бы более зависима от случая, чем коллаж, Эрнст изобрел фроттаж – перевод на бумагу текстуры какой-либо грубой или шероховатой поверхности. Например, лист помещался на необструганное дерево и протирался грифелем или углем; в результате на нем получалось изображение, напоминающее какую-либо узнаваемую форму, Эрнст дорисовывал его краской. Художник использовал и другие автоматические техники, например, брызгал краской на полотно или клал две только что написанные картины одну на другую и получал новые неожиданные рисунки на обоих холстах. Часто эти мотивы перерабатывались в какой-нибудь первобытный пейзаж с фактурой, напоминающей растительные формы, клубки переплетенных корней, лаву или стоячую воду. Художник населял такие пейзажи причудливыми существами, напоминающими дриад, морских коньков и насекомых.

В 1941 г. Макс Эрнст приехал в США и сначала поселился в Нью-Йорке, а затем в Аризоне. В 1951 г. он создал серию миниатюрных пейзажей Аризоны, некоторые из них были размером с почтовую марку; он назвал их «картинами-микробами».

В 1951 г. художник вернулся в Париж, где в 1959 Музей современного искусства организовал ретроспективную выставку его работ. Такие же выставки прошли и в Нью-Йорке: в Музее современного искусства (1961), в Еврейском музее (1966) и в музее Соломона Гуггенхейма (1975). В 1948 вышла его книга "За пределами живописи». Умер Макс Эрнст в Париже.


http://staratel.com/pictures/surreal/ernst_max/main.htm
http://www.abcgallery.com/E/ernst/ernst.html
http://www.krugosvet.ru/articles/57/1005789/1005789a1.htm
http://art.rin.ru/cgi-bin/index.pl?id=118&art=2436
http://smallbay.ru/ernst.html
http://www.peoples.ru/art/painter/max_ernst/
http://en.wikipedia.org/wiki/Max_Ernst
http://www.artcyclopedia.com/artists/ernst_max.html



Читать далее...

1827 - родился Уильям Холмен ХАНТ (в старом написании — Гольмен Гунт) /William Holman Hunt/ (1827 – 07.09. 1910), английский художник-прерафаэлит.



Настоящее имя — Уильям Хобман Хант, однако Хант сам изменил вторую часть имени, а под конец жизни она слилась с фамилией: Holman-Hunt.

Холмен Хант происходил из небогатой пуританской семьи и с трудом добился права посвятить себя искусству. С двенадцати лет он работал клерком и имел возможность заниматься живописью только в свободное время. В шестнадцать лет он бросает контору и перебивается копиями с чужих популярных картин и дешевыми заказами на портреты. В 1844 году после двух неудачных попыток он был принят с испытательным сроком в Школы Королевской Академии. Здесь Хант встречает Миллеса и Россетти, вместе с которыми в 1848 году основывает "Братство прерафаэлитов" /Pre-Raphaelite Brotherhood/.

В 1849 году он выставляет в Академии свою первую "прерафаэлитскую" картину - "Риенцы клянется добиться расплаты за смерть своего младшего брата, убитого в схватке между группировками Орсини и Колонна" . Уже в этой работе Хант старается следовать избранной технике: во всех подробностях рисует с натуры пейзаж, отказывается от подмалевка и асфальта. Однако, лишь в следующих работах - в полной мере проявляется страсть художника к локальным краскам и фанатичному выписыванию мельчайших деталей.

Поначалу картины Ханта не были особенно популярны, но затем он приобретает известность. Проведя два года (1854-55) на Востоке, он написал одну из самых известных своих картин — «Свет мира», которая возбудила в художественной критике горячие споры.

Холман Хант был единственным, кто до конца остался верен доктрине Братства прерафаэлитов и сохранил их живописные идеалы до самой смерти, однако в конце концов ему пришлось бросить живопись из-за все ухудшающегося зрения, и последняя картина — «Леди из Шалотта» /The Lady of Shalott/ — была закончена помощником, Эдвардом Хьюзом.

Хант также является автором автобиографий «Прерафаэлитизм» и «Братство прерафаэлитов», цель которых — оставить точные сведения о происхождении Братства и его членах.

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A5%D0%B0%D0%BD%D1...%D0%BE%D0%BB%D0%BC%D0%B0%D0%BD
http://www.libfl.ru/pre-raph/win/index.html
http://www.libfl.ru/pre-raph/win/Hunt.html
http://www.2uk.ru/culture/kulture302
http://www.artcyclopedia.com/artists/hunt_william_holman.html


Читать далее...

1915 – родился Виктор Григорьевич Цыплаков (1915 - 1986) живописец и педагог



Учился в мастерской Г.М. Шегаля, в полиграфическом техникуме в Москве (с 1932), в МГХИ им. В.И. Сурикова. С 1947 г. – руководитель персональной мастерской, с 1948 г. – ведущий преподаватель МГХИ им. В.И. Сурикова, с 1962 г. – профессор.

Вошел в историю советского искусства как мастер больших тематических картин: «А.М. Горький на Волге» (1945), «В.И. Ленин с крестьянами» (1959) и др. Композиция «В.И. Ленин в Смольном» (1947) стала классическим образцом парадного историко-революционного «портрета» сталинской эпохи. Автор произведений на историко-революционные темы, а также портретов и пейзажей.

Участвовал в исполнении важнейшего государственного заказа на картину «Передовые люди в Кремле» (совместно с В.П. Ефановым, С.И. Дудником, Ю.П. Кугачом).

Персональные выставки художника проходили в Москве в 1956 и 1986 годах. Работы В.Г. Цыплакова хранятся в ГТГ, ГРМ, ГИМ и других ведущих музеях мира.

http://www.sovcom.ru/help/biography.php?CreatorID=107

http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=117



Читать далее...

1884 - родился Александр Сергеевич Никольский (1884 - 16.07.1953), советский архитектор, теоретик, идеолог и лидер ленинградского конструктивизма.



Родился в Саратове.

Окончил институт гражданских инженеров в Петербурге (1912), преподавал там же (с 1928 — профессор).

В 1920—30-х гг. активно участвовал в застройке Ленинграда (Тракторная улица, Серафимовский участок Кировского района, школы на проспекте Стачек, в Лесном, и др.). Никольский Александр Сергеевич построил ряд крупных спортивных сооружений, в том числе стадион имени С. М. Кирова в Ленинграде (1932—50, с соавторами; Государственная премия СССР, 1951), с трибунами, расположенными на искусственном земляном холме.

В 1923 г. организовал в Институте гражданских инженеров творческую мастерскую, сыгравшую значительную роль в развитии и утверждении новых методов архитектурного образования. Развивал функциональный метод проектирования, целью которого было достижение целесообразной организации протекающих в здании процессов, рациональное построение его внутреннего пространства и конструктивной системы. Однако Никольский никогда не разделял позиций ортодоксального конструктивизма. Он активно исследовал закономерности зрительного восприятия архитектурной формы, особенности ее психофизического воздействия на человека, взаимодействия с конструкцией, материалом и цветом. Его эксперименты были созвучны исканиям К.С. Малевича, работавшего в то же время в ленинградском Институте Художественной Культуры (ГИНХУК) над созданием моделей супрематической архитектуры - "архитектонов".

Открытия Малевича много значили для творческой эволюции Никольского, которого нередко называют "супрематическим конструктивистом". Тем не менее он был членом Общества Современной Архитектуры (ОСА), руководил ленинградской группой ОСА (1926-1932) и входил в состав редакционной коллегии журнала "Современная архитектура".

Связав творчество с задачей организации жизненных процессов, Никольский много работал над созданием новых типов жилища и общественных зданий, принял участие в проектировании первого в городе крупного жилого массива для рабочих на Тракторной улице (1925-1927, совместно с А.И. Гегелло, Г.А. Симоновым). В едином комплексе с жилой застройкой по проектам Никольского были возведены здания общественных бань (Баня "Гигант", 1928-1930) и школы им. 10-летия Октября (1925-1927).

Среди немногих осуществленных построек Никольского - баня в Лесном (1926-1927), фабрично-заводская школа в Лесном (1928-1930, перестроена), а также не дошедшие до наших дней стадионы "Красный спортивный Интернационал" (1927-1929, в соавторстве в Л.М. Хидекелем); "Красный путиловец" (1928-1929, в соавторстве с К.И. Кашиным-Линде); "Красный химик" (1931-1932).

С середины 1930-х гг. Никольский постепенно отошел от активной творческой практики. Его мастерская ограничила свою деятельность узкой специализацией -спортивными сооружениями и стадионами и полностью сосредоточилась на воплощении единственного грандиозного замысла - создании крупнейшего в Ленинграде стадиона имени С.М. Кирова на 100 тысяч зрителей и окружающего его парка (1932-1950, совместно с К.И. Кашиным-Линде и Н.Н. Степановым, Государственная премия, 1951).

Никольский много занимался педагогической и общественной работой, заведовал кафедрой архитектурного проектирования Института гражданских инженеров (1927-1932), был профессором архитектурного факультета Академии художеств (с 1933 г.). В 1936 г. Никольский стал почетным членом Королевского Института британских архитекторов, а в 1939 г. - доктором архитектуры и действительным членом Академии архитектуры СССР. Никольский входил в Правление Союза советских архитекторов (с 1932 г.) и являлся председателем его Ленинградского отделения.

Автор цикла рисунков, выполненных в осаждённом Ленинграде, и альбома рисунков «Парк имени С. М. Кирова» (издание 1950). В дни блокады вёл иллюстрированный дневник (частично опубликован в сборнике Советская архитектура, выпуск 18). Государственная премия СССР (1951). Похоронен на Литераторских мостках.

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9D%D0%B8%D0%BA%D0...%D0%B5%D0%B5%D0%B2%D0%B8%D1%87


Читать далее...

1840 – родился Илларион Михайлович ПРЯНИШНИКОВ (1840 - 24.3.1894), художник-передвижник.



Родился в с. Тимашово, Калужской губернии. Один из талантливейших художников-жанристов второй половины XIX в., И. М. Прянишников отразил в своем творчестве важнейшие тенденции развития реалистической живописи, стал яркой фигурой поколения передвижников.

Прянишников учился в МУЖВ (1856- 65) у С. К. Зарянко, ориентировавшего учеников на тщательное и строгое изучение натуры, но меньше уделявшего внимания образному обобщению натуры. Многое для себя Прянишников открывал самостоятельно, прокладывая путь новому, реалистическому видению в искусстве. Уже в первых работах начала 1860-х гг. ("Мальчик-коробейник", "Чтение письма в мелочной лавке") отчетливо проявились черты таланта художника: наблюдательность, способность к живым и точным социально-психологическим характеристикам, сочные цвета живописи.

А картина, написанная им в последний год обучения, - "Шутники. Гостиный двор в Москве" (1865)-сразу принесла ему широкую известность. В этом небольшом полотне дано оригинальное решение типичной для бытового жанра пореформенного десятилетия темы унижения человеческого достоинства, бездушия и жестокости в мире, где все продается и покупается. Изобразив подгулявших купцов-толстосумов, которые с издевкой заставляют плясать под гармошку бедного пожилого чиновника, художник с большой достоверностью продемонстрировал целую галерею образчиков морального уродства и самодовольного хамства. Картина вызвала негодование некоторых "ревнителей" официального академического искусства, считавших, что молодой живописец выступил разрушителем "высокого" предназначения искусства в идеальной форме выражать вечные истины.

Следующий этап развития творчества Прянишникова связан с картинами "Погорельцы" (1871), "Порожняки" (1872), которые экспонировались на I передвижной выставке и были признаны критикой крупными достижениями русской живописи. Произведения Прянишникова 1870-х гг. отличались от ранних большей композиционной цельностью и колористической насыщенностью. Пейзаж в этих картинах из условного фона превратился в опоэтизированную среду, обогащающую образный строй острохарактерных сцен, почерпнутых автором из народной жизни.

Широкую известность получила картина "Эпизод из войны 1812 года" (1874). Первым из живописцев Прянишников изобразил Отечественную войну как народную. Не полководцы, а бедно одетые партизаны-крестьяне, ведущие по снежной равнине пленных французов, предстали в этой скромной, но очень выразительной картине как истинные творцы победы над армией Наполеона. Суровость исторического мотива не помешала Прянишникову добиться тонкого, изысканного колорита картины, передать свое восхищение красотой русской зимы.

В 1880-90-х гг. Прянишников работал над масштабными полотнами, изображавшими многоликую народную массу и позволявшими объединить в общем действии различные типы и характеры русской деревни: "Спасов день на Севере" (1887), "Общий жертвенный котел в престольный праздник" (начало 1890-х). А рядом в его творчестве возникали камерные, "сумеречные" по настроению образы и сюжеты "В мастерской художника" (1890), "В провинции" (1893). Они роднили Прянишникова с устремлениями живописцев следующего, "чеховского" поколения.

Прянишников был участником ТПХВ с самого его основания, а со II передвижной выставки стал бессменным членом правления Товарищества. Он был преподавателем в МУЖВЗ (1873-94), учителем многих известных впоследствии живописцев - С. В. Иванова, Н. А. Касаткина, К А. Коровина, М. В. Нестерова, В. К. Бялыницкого-Бирули и др. В 1893 г. Прянишников был избран действительным членом АХ, но начать преподавание в ней не успел. И последняя картина Прянишникова - "Крестный ход" - осталась незаконченной из-за смерти автора.

http://www.staratel.com/pictures/ruspaint/494.htm
http://www.peoples.ru/art/painter/pryanishnikov/
http://www.rulex.ru/01160713.htm
http://www.c-cafe.ru/days/bio/13/017_13.php
http://www.arttrans.com.ua/sub/artists/474/Pryanis...larion_Mikhailovich/list1.html
http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=149
http://smallbay.ru/pryanishnikov.html
http://www.ogoniok.com/archive/1997/4524/41-32-33/


Читать далее...

1858 — родился Роман Иванович (Роберт Юлиус) Клейн (1858—03.05.1924), российский архитектор, мастер позднеромантического историзма, работавший в Москве.



Родился в Москве, в семье богатого коммерсанта, потомственного почетного гражданина Москвы Ю.(И.) Клейна. Посещал Московское училище живописи, ваяния и зодчества (1873–1874), затем поступил в 1875 г. младшим чертежником в мастерскую В.О.Шервуда. Обучался также в петербургской Академии художеств (1877–1882), а окончив ее, два года стажировался в Италии и Франции, в т.ч. в Париже, в мастерской Ж.Л.Ш. Гарнье. Вернувшись в Москву, работал в 1885–1887 гг. у разных московских архитекторов, а с 1888 г. начал самостоятельную практику.

В 1888–1889 гг. принял участие в конкурсе на застройку Красной площади. Получив лишь вторую премию (первой был удостоен проект Верхних торговых рядов А.Н.Померанцева и В.Г.Шухова), Клейн, тем не менее, стал благодаря этому достаточно известной фигурой и вскоре там же, на Красной площади, возвел Средние торговые ряды (1890–1892) – магазин оптовой торговли, сооруженный на месте пришедших в негодность торговых лавок между Ильинкой и Варваркой.

Этот комплекс, образующий замкнутый четырехугольник, развивал ту же архитектурную тему, что и Верхние ряды Померанцева и Шухова, обрамляя площадь со стороны, противоположной Кремлю, и создавая удачно перекликающийся с ним ансамбль; элементы «русского стиля» (средневековые формы окон и наличников, высокие кровли) сочетаются здесь с продуманной практической функциональностью многочисленных помещений. Подобный «проторационализм» в сочетании с историко-стилистическим декором вообще стал весьма характерным для Клейна, выражая главные тенденции европейской архитектуры того времени.

В 1890–1893 гг. Клейн построил на Мясницкой улице Чайный дом, заказанный крупным чаеторговцем С.В.Перловым; здание, ставшее весьма популярным у москвичей, решено в духе «китайщины», с лепными драконами и змейками на фасаде, а также резными прилавками и огромными фарфоровыми вазами внутри.

Особо значительным этапом в судьбе зодчего явилась победа в 1898 в конкурсе на создание Музея изящных искусств на Волхонке (ныне Музей изобразительных искусств имени А.С.Пушкина). Удобно связанные друг с другом и удачно освещенные (благодаря стеклянным конструкциям Шухова) залы включили в себя целый ретроспективно-исторический комплекс с Белым залом, напоминающим 2-х ярусную античную базилику, Греческим и Итальянским двориками, а также Египетским залом. Главный фасад, облицованный уральским мрамором, украшен колоннадой, прообразом которой послужили ионические портики Эрехтейона на афинском Акрополе. В 1912 строительство музея было завершено.

Впечатляюще-новаторским для своего времени явилось 9-этажное (7 этажей над уровнем земли и 2 подвальных) здание торгового дома «Мюр и Мерилиз» на Петровке (ныне Центральный универсальный магазин; 1906–1908). Здесь Клейн, оформив фасады в неоготическом духе, в то же время одним из первых в России применил прогрессивную металлическую конструкцию, изобретенную американскими инженерами, – несущие перекрытия опираются тут на чугунные квадратные колонны, стоящие на бетонных фундаментах. Органически соединившись с готическим нарядом, эта структура породила в итоге масштабное, светлое и зрительно-легкое сооружение, близкое к архитектурным концепциям чикагской школы.

Среди других значительных сооружений мастера – неоклассический мавзолей Юсуповых в Архангельском под Москвой (1909–1916), с центральным храмом, увенчанным купольной ротондой, и двумя широкими закругленными в плане колоннадами по бокам; 3-пролетный Бородинский мост через Москву-реку (1912–1913), выстроенный к 100-летию Отечественной войны 1812 и соответственно оформленный в ампирном духе,- с парными полукруглыми колоннадами, обелисками, а также военными трофеями (работы скульптора А.Л.Обера); неоклассические кинотеатр «Колизей» на Чистых прудах (ныне театр «Современник»; 1912–1914) и здания Геологического и Минералогического институтов при Московском университете (1914–1916). Целый ряд своих произведений (в т.ч. Музей изящных искусств, мавзолей в Архангельском, Бородинский мост и «Колизей») Клейн создал при участии архитектора Г.Б.Бархина.

Зодчий активно занимался и промышленным строительством (Трехгорные пивоваренный завод и мануфактура, 1890-е; и др.), а также интерьерным дизайном (оформил, в частности, интерьеры Московской хоральной синагоги; 1906). Проектируя сооружения разнообразных типов и применяя широкую палитру стилей – от греко-римского до византийского и восточных – он всякий раз удачно увязывал их с назначением построек, избегая чисто внешней, «фасадной» нарядности.

Клейн также много и плодотворно работал как педагог – в своей собственной мастерской, а также в Рижском политехникуме (1910–1918) и Московском высшем техническом училище (1918–1924).

http://www.liveinternet.ru/users/leonsija/post71033562/
http://www.krugosvet.ru/articles/120/1012010/1012010a1.htm
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%BB%D0%B5%D0...%D0%BD%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87
http://www.dwelling-house.ru/arh100/page/62.html
http://www.peoples.ru/art/architecture/klein/
http://oculus.ru/names.php?id=88
http://www.arstudia.ru/klein/



Читать далее...

1880 - родился Пятрас Пятрович Калпокас /Petras Kalpokas/ (1880-05.12.1945), литовский художник





В творчестве Калпокаса преобладают пейзажи и портреты. Художник написал немало портретных и темических композиций, фресок, оформил несколько спектаклей Государственного театра, написал "учебник техники живописи".

Пейзажи П.Калпокаса лиричны. Одни из них - реалистические, другие имеют черты импрессионизма. Портреты - психологические, точно нарисованные. Фрески - декоративной, динамичной композиции.

Некоторые наиболее известные произведения П.Калпокаса: "Золотые берёзки"(1907), "Речка весной"(1907), "Лесная дорога"(1912), "Швейцарский пейзаж"(1915), "Мостик через Ронже в Паланге"(1930), "Ветер с моря"(1942), портрет Юргиса Шлапялиса (1924), портрет Йонаса Яблонскиса(1938), портрет Саломеи Нерис(1945), автопортреты(1910.1921,1935), "Испанка"(1925). "Амазонка"(1933), "Спокойная жизнь"(1926), "Алкоголик"(1935), "Цветок папоротника"(1939), "Лес и облака"(1926), "Букет цветов в кувшине".

http://visaginart.narod.ru/LitvA/kalpokas.htm
http://muziejai.mch.mii.lt/vilnius/kalpoko_virtuali_paroda2.htm


Читать далее...

1835 — родился Джон Лафарж /John LaFarge/ (1835 - 1910), американский художник-монументалист французского происхождения



Джон Лафарж начинал с пейзажей и натюрмортов, позднее занялся фресковой церковной живописью и витражами.


Среди наиболее известных работ - фрески в бостонской церкви Троицы и нью-йоркских церквах Вознесения .

Автор нескольких книг о живописи

http://www.museumsyndicate.com/artist.php?artist=384
http://www.artcyclopedia.com/artists/la_farge_john.html


Читать далее...

1896 - родился Владимир Давидович (Ладо) Гудиашвили (1896–1980), грузинский живописец и график





Родился в Тифлисе в семье железнодорожного служащего.

Учился в Тифлисской школе живописи и скульптуры (1910–1914), в парижской частной Академии Ронсона (1919–1926).

Примыкал к группе грузинских поэтов «Голубые роги» (1914–1918), стремившихся органически соединить национальную просодию с образной структурой французского символизма. В Париже был завсегдатаем знаменитого «Улья» («La Ruche»), колонии художников, где познакомился с И.Зулоагой, А.Модильяни, Н.Гончаровой и М.Ларионовым. Испытал большое влияние Н.Пиросманашвили.

Ранние картины мастера с их романтикой национального быта сочетают драматический гротеск с обаянием поэтической тайны («Рыба цоцхали», 1920, Музей искусств Грузии, Тбилиси). Близость к традициям старокавказского и персидского искусства усиливается с его возвращением на родину в 1926. Теплей становится мерцающая цветовая гамма, вместе с тем усиливается ощущение «мира-театра» (многие картины Гудиашвили написаны на сюжеты оперных и балетных спектаклей либо представляют собой портреты костюмированных актрис).

Как и его соотечественники-писатели (Г.Робакидзе, К.Гамсахурдия), он охотно прибегает к мифологическим аллегориям («Прогулка Серафиты», 1940, там же), в центре которых обычно – грациозно-величавая красавица, предстающая загадочной «Богиней Земли».

Гудиашвили выступал и как монументалист, он заново расписал церковь (храм Кашвети в Тбилиси, 1946), за что был исключен из коммунистической партии и уволен из тбилисской Академии художеств, где преподавал с 1926.

В огромном «антифашистском цикле» рисунков тушью (1942–1943) Гудиашвили предстает своего рода «грузинским Гойей»: зверочеловеческие монстры, окружающие здесь руины искусства и обнаженных «богинь», символизируют идеи гибели культуры. Плодотворно работал также как книжный иллюстратор (рисунки к «Мудрости лжи» С.-С.Орбелиани, 1939), художник театра и кино.

В 1976 ему было присуждено звание Героя социалистического труда.

Умер Гудиашвили в Тбилиси 20 июля 1980.

Не умещаясь в жестких догмах,
передо мной вознесена
в неблагонравных, неудобных
святых и ангелов стена.

Но понимаю, пряча робость,
я, неразбуженный дикарь,
не часть огромной церкви –роспись,
а церковь – росписи деталь.

Рука Ладо Гудиашвили
изобразила на стене
людей, которые грешили,
а не витали в вышине.

Он не хулитель, не насмешник.
Он сам такой же теркой терт.
Он то ли бог,и то ли грешник,
и то ли ангел, то ли черт!

И мы,художники,поэты,
творцы подспудных перемен,
как эту церковь Кашуэты,
размалевали столько стен!

Мы, лицедеи-богомазы,
дурили головы господ.
Мы ухитрялись брать заказы,
а делать все наоборот,

и как собой не рисковали,
как не страдали от врагов,
богов людьми мы рисовали
и в людя хвидели богов!

Евгений Евтушенко

http://raf-sh.livejournal.com/160736.html#cutid1
http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/Culture/Lipat/58.php
http://www.darial-online.ru/2004_1/tsxovreb.shtml
http://www.batumionline.net/forums/index.php?showtopic=505&st=0


Читать далее...

1746 - родился Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес /Francisco José de Goya y Lucientes/(1746 - 16.04.1828), испанский живописец.





Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес - сын мастера-позолотчика и дочери обедневшего дворянина. С 1760 г. учился в Сарагосе у Х. Лусана-и-Мартинеса. Около 1769 отправился в Италию. В 1771 г., получив вторую премию пармской Академии художеств за картину на тему из античной истории, вернулся в Сарагосу, где писал фрески в традициях позднего итальянского барокко.

Около 1773 г. Гойя обосновался в Мадриде. Вначале работал в мастерской Ф. Байеу, в 1776-80 и 1786-91 гг. выполнил для королевской шпалерной мануфактуры свыше 60 панно, которые служили образцами (картонами) для ковров. Опираясь на опыт венецианских живописцев середины XVIII века (особенно Дж. Б. Тьеполо), Гойя противопоставил ещё сильным тогда в испанском искусстве традициям парадно-торжественного барокко и рассудочности классицизма, прививаемого мадридской Академией художеств, дух темпераментного наслаждения бытием и жизнерадостного демократизма.

С начала 1780-х годов Гойя получает известность и как портретист.

В эти годы Гойя постепенно переходит к тонко разработанной, не яркой, но звучной цветовой гамме. Фигуры утрачивают рельефность, словно растворяясь в дымке. В 1780 г. Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 вице-директор, а с 1795 — директор её живописного отделения): в 1786 г. был назначен придворным живописцем, с 1799 - первый живописец короля.

Характер искусства Гойя резко меняется с началом 1790-х годов, когда Карл IV в страхе перед событиями Великой французской революции стал на путь реакции. Жизнеутверждение в творчестве Гойя сменяется глубокой неудовлетворённостью, возрастающей до степени трагизма, праздничная звучность и утончённость светлых оттенков — резкими столкновениями тёмного и светлого, напряжённой монохромностью, увлечение Тьеполо — освоением традиций Веласкеса, Эль Греко, а позже Рембрандта,

В его живописи всё чаще царит подвижный ночной мрак, поглощающий фигуры, которые то едва проступают сквозь тьму, то ненадолго разгоняют её, вспыхивая тревожным сиянием. Близость с испанскими просветителями обостряет неприязнь Гойя к феодально-клерикальной Испании. В его искусстве появляется яростная сила сопротивления гнёту действительности. В это время (осень 1792 — зима 1793) тяжёлая болезнь приводит художника к глухоте.

В 1790-х — начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло его портретное творчество В нём остро звучат и чувство одиночества, уязвимости человека в тревожном и мужественное противостояние, даже вызов окружающему. Но главными становятся беспримерная до того прямота обнажения истины и откровенность личного отношения художника к миру, которые заставляют содрогаться при виде жёсткой обесчеловеченности лиц или почувствовать таинственную притягательностьобнаженной женщины.

Программно-заострённым воплощением настроений Гойя явилась первая большая серия офортов «Капричос», в которой в гротескно-трагической форме было всесторонне раскрыто уродство моральных, политических и духовных основ испанского «старого порядка». Гойя первым из художников противополагает безличному классицистическому рационализму страстность чувств, откровенность мыслей, дерзостный полёт воображения.

Последние четыре года жизни Гойя провёл во Франции. В добровольном изгнании он пишет портреты своих друзей-эмигрантов, осваивает новую тогда технику литографии. К этому времени влияние Гойя на художественную культуру начинает приобретать общеевропейское значение.

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D0%BE%D0%B9%D1...D0%BE%D1%81%D0%B5_%D0%B4%D0%B5 http://www.artcyclopedia.com/artists/goya_francisco_de.html
http://smallbay.ru/goya.html
http://www.world-art.ru/people.php?id=34744
http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=12618&cat_ob_no=12615
http://www.peoples.ru/art/painter/frantsisko_hose_goya/


Читать далее...

1467 - умер Ханс МУЛЬЧЕР /Hans Multscher/ (около 1400-1467), немецкий скульптор, резчик по дереву и живописец.

Работал в Ульме (с 1427). Стиль Мульчера сложился под влиянием Робера Кампена, нидерландской и французской скульптуры Раннего Возрождения (Клаус Слютер и др.).

Одновременно с К. Вицем и Л. Мозером Мульчер обратился к изучению натуры, в религиозной композиции вводил бытовые мотивы, стремился придать своим персонажам индивидуальную характеристику посредством гротескно-выразительной мимики и жестикуляции (Ландсбергский алтарь, прежде считался алтарём из Вурцаха).

Как скульптор Мульчер более консервативен.

http://www.artcyclopedia.com/artists/multscher_hans.html


Читать далее...

1970 – родился Дмитрий Кустанович, художник




Родился в г. Минске. Окончил Белорусский Государственный Педагогический Университет в 1996 г.

Занимается живописью с 1990 года.

Работы находятся в галереях и частных коллекциях Беларуси, России, США, Германии, Франции, Португалии, Швейцарии, Италии, Турции, Чехии, Испании, Англии, Канады, Израиля и Польши.

http://www.dkust.com/index-rus.html
http://basik.ru/painter/kustanovich/


Читать далее...

1901 – родился Владимир Иосифович Ингал (1901 – 29.03.1996)



Родился в Екатеринодаре. Учился в Академии художеств в Ленинграде у В. Л. Симонова, В. В. Лишева, Р. Р. Баха (1926-30).

С 1929 работал в содружестве с В. Я. Боголюбовым. Наиболее значительное произведение - памятник Н. А. Римскому-Корсакову (1944-48, открыт в 1952 на Театральной площади, арх. М. А. Шепилевский).

В 1949-66 преподавал в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им. В. И. Мухиной (проф. с 1951).

В.И.Ингал - автор памятника Сталину на Поклонной горе, установленного в 1949 году и демонтированного вскоре после падения культа личности.

Было бы крайне несправедливо связывать с именем скульптора Ингала только памятники Сталину и Ленину, над которыми долгое время он трудился. Владимир Ингал был настоящим петербургским скульптором, работавшим на благо города. Не его вина, что творить ему пришлось в такое время, когда, чтобы получить признание на родине, нужно было в первую очередь лепить изваяния вождей.

Сегодня, живя в все-таки относительно свободной стране, нам подчас уже трудно представить себе, в какие тиски истории попадали люди в то время. Но и в этих условиях Ингалу удалось раскрыть свой талант. Среди истинно петербургских его работ, которые, можно с уверенностью сказать, навсегда заняли свое достойное место в нашем городе - памятник Римскому-Корсакову (создан вместе с В. Я. Боголюбовым), установленный на Театральной площади, а также великолепные надгробные памятники актрисе В. А. Мичуриной-Самойловой в некрополе мастеров искусств в Александро-Невской лавре и балетмейстеру и педагогу А. Я. Вагановой на Литераторских мостках. В конце 1950-х годов он работал над памятником Л. А. Говорову и монументом в ознаменование 250-летия Кронштадта. К сожалению, тяжелая болезнь не позволила завершить многие работы...

Даже неоднократное прославление в скульптуре образов "великих вождей", которое должно было служить доказательством его лояльности властям, не стало гарантией личной неприкосновенности Ингала и его родственников. Его племянник Георгий, бывший студент Литературного института, сидел в тюрьме по политической статье. Только в конце 1980-х годов родственники узнали о дальнейшей судьбе Георгия Ингала: его убили в тюремном бараке уголовники - за то, что он что-то писал по ночам. Они подозревали - доносы. А потом оказалось, что это был роман о французском композиторе К. Дебюсси.

Cам В. И. Ингал в марте 1953-го года, уже после смерти Сталина, едва не подвергся организованной травле. В "Литературной газете" была опубликована статья "Дельцы от искусства", в которой Ингал и несколько других ленинградских скульпторов обвинялись в продаже авторских копий как оригиналов и в эксплуатации студенческого труда. Поступки Ингала назывались безобразными, и автор статьи взывал к широкой общественности осудить "дельца" Ингала. Это сегодня мы уже привыкли к пустой болтовне на страницах желтой прессы, а в те времена такая статья могла означать только одно: вечная опала с печальными последствиями, вплоть до смертного приговора.

Статья была явной клеветой, и Ингал сделал все, что защитить свое честное имя. Он собирал документы, писал в правительство, доказывал свою правоту. И ему удалось неимоверное - отстоять свое право на жизнь и свободу. 7 апреля 1955 года в той же "Литературной газете" последовало официальное опровержение. Правда, все это стоило Владимиру Иосифовичу инфаркта.

http://www.dux.ru/enpp/newspapers/nevrem/2001/arts/nevrem-2516-art-3.html


Читать далее...

1898 - родился Аминадав Моисеевич Каневский - график, народный художник СССР



Родился в уездном украинском городе Елисаветграде (Кировоград). В 1921 году из воинской части Каневский был командирован учиться во ВХУТЕМАС и в 1924 году, по окончании рабфака, принят на его графический факультет. Учился у П.Я.Павлинова, Н.Н.Купреянова, В.А.Фаворского, Д.С.Моора. Член Ассоциации художников революционной России.

Первые рисунки Каневского появились в печати в том же 1924 году, в журнале "Безбожник у станка". В конце двадцатых постоянно работал в журналах "Пионер" и "Даешь", в газете "Комсомольская правда", с середины 30-х - в "Крокодиле". Многие поколения наших сограждан выросли на книгах, иллюстрированных этим художником. Рисунки к "Золотому ключику, или Приключениям Буратино" А. Н. Толстого, увидевшие свет в конце 40-х годов и с тех пор многократно переиздававшиеся, органически соединились с текстом книжки, полной сказочного очарования и лукавого юмора. В те же годы были сделаны иллюстрации к "Мойдодыру" и "Тараканищу" К. И. Чуковского, чуть позднее были проиллюстрированы "Кошкин дом" и "Вот такой рассеянный" С. Я. Маршака, книги А. Л. Барто и С. В. Михалкова, "Сатира" В. В. Маяковского, "Веселая семейка" и "Витя Малеев в школе и дома" Н. Н. Носова...

Помимо книжных и журнальных рисунков, традиционно представляющих богатое творческое наследие Аминадава Каневского, сохранились почти не известные зрителю его станковые произведения 1930-1960-х годов, свободно и уверенно выполненные в технике акварели. Эти вещи раскрывают личность известного художника с весьма неожиданной стороны, обнаруживая в нем мастера лирического пейзажа и талантливого портретиста.

http://www.museum.ru/N24609
http://www.sovcom.ru/creators/?symbol=&CreatorID=37
http://j-art.ladimir.kiev.ua/pq/dic/g--P/a--KANEVSKIJ_AMINADAV_MOISEEVITCH
http://www.ng.ru/accent/2005-12-09/23_nostalgie.html
http://www.cultinfo.ru/fulltext/////1/001/008/058/521.htm
http://www.rcart.net/exhibitions/real/45/index.html
[url http://community.livejournal.com/cartoonianet/10365.html[/url]

1931 - родился Евгений Николаевич Широков, художник.



Евгений Николаевич Широков - Народный художник СССР (1986), один из ведущих художников Урала, яркий мастер русского реалистического искусства II пол. XX века. Награжден орденами «Знак почета»(1981) и «Петр Великий», дипломом Академии художеств(1979), медалями и грамотами Министерства культуры СССР и РСФСР, Верховного Совета РСФСР(1973).

Он избирался делегатом четырех съездов Союза художников СССР и РСФСР(1963-1985); много лет являлся членом правления Союза художников РСФСР (с 1973); входил в состав зонального выставкома «Урал социалистический»; более 30 лет возглавлял художественный совет Пермской организации художественного фонда РСФСР.

Евгений Николаевич родился в 1931 году в городе Касли Челябинской области, двенадцатилетним начал работать на всемирно известном заводе художественного литья. Раннее трудовое взросление развило способности понимать жизнь и людей, общение же с искусством привило взгляд на него как на повседневный, обязательный труд, убедительно показало, что красота выходит из усилий работающей руки.

Учеба в Свердловском художественном училище, а затем в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище им. В. И. Мухиной дала необходимые навыки и знания, утвердила в правильности намеченного себе пути.

Местом жизни и работы Широков избрал Пермь (1958). Путь к самостоятельному творчеству лежал через усвоение профессиональной школы, опыта традиции, приобретение навыков работы с натурой. Его эволюция видится не столько в развитии, сколько в раскрытии таланта, раскрытии личности в себе, внутреннем обретении себя.

Время в своих полотнах художник отразил и широко, и разносторонне, со взлетами и прозрениями, заблуждениями и молчанием. В художественном наследии автора – монументальные росписи (не сохранившиеся), станковые работы всех жанров: портреты-типы, монументальные портреты - картины, цикл полотен ленинской тематики, серия картин на тему Великой Отечественной войны, пейзажи (всегда уральские), натюрморты. Но свое неповторимое слово он сказал именно в портрете. Портретная концепция Широкова сложилась под воздействием идей и художественного языка так называемого «сурового стиля», одного из наиболее заметных направлений художественных поисков начала «хрущевской оттепели», активно противопоставившее свое творчество официозным явлениям искусства. Среди его лидеров - крупнейшие московские художники- шестидесятники: Н. И. Андронов, В. И. Иванов, П. Ф. Никонов, Т. Салахов и др. Они активно вели поиски современного героя, утверждали простоту и мужественность.

Яркость социального самоощущения личности, ценность общественно-творческого начала, утверждение высокой этики профессионального труда определят главный нерв портретных композиций Широкова. На какое-то время ведущим становится тип монументального портрета. Его отличает крупный формат, обобщенная манера письма, широкие цветовые планы. Подобный характер живописи выводил образ из «натурных» координат, укрупнял его, придавал символическое звучание. Образы становились знаком масштабных свершений времени.

Портреты представителей творческой интеллигенции поначалу Перми, позднее Свердловска, Москвы, Ленинграда определят основные вехи творческой судьбы Широкова. Среди моделей Широкова - известнейшие личности, лидеры своего времени, определявшие современные пути развития искусства. То же можно сказать о пермских деятелях культуры. Портретный ряд, созданный Широковым, включает образы Д. Б. Кабалевского, Г. А. Товстоногова, Е. З. Копеляна, Е. А. Лебедева, А. А. Миронова, К. Ю. Лаврова, В. А. Тихонова, Ю. А. Друниной, А. Каплера, Н. В. Павловой, Ю. В. Никулина и М. И. Шуйдина, И. М. Смоктуновского, Е. И. Гудина, Л. Чурсиной; из пермских деятелей культуры - Е. В. Гейденрейх, Т. Е. Коваленко, М. В. Тарасовой, Л. И. Мосоловой, М. Б. Подкиной, В. В. Радкевича, Л. П. Сахаровой, Е. А. Панфилова.

Первыми большими удачами стали портреты известного композитора, пропагандиста музыки и общественного деятеля Д. Б. Кабалевского и, особенно, портрет В. П. Астафьева, жившего тогда в Перми и занимавшегося правкой корректуры повести «Пастух и пастушка». За этим занятием и изобразил его Широков. Портрет Астафьева стал для автора определенным рубежом, обобщением всего предыдущего опыта, обретением нового качества. Образ Астафьева в широковской интерпретации воспринимается как символ пришедших в активное движение разбуженных сил современности. Портрет был сразу же приобретен в коллекцию Третьяковской галереи. С этими портретами Широков вошел в отечественное искусство.

Портретные образы известных деятелей культуры, которым посвятил свои труды и дни Е. Н. Широков- свидетельство интереса автора к проблемам поиска человеком самого себя, своего места в духовной жизни общества. Одной из наиболее востребованной тематической разновидностью портрета почти на десятилетие станет портрет-раздумье. Размышляют Е. Копелян и Г. Товстоногов, Ю. Друнина, и А. Каплер, Т. Коваленко, и Л. Чурсина. Но это не герои размышляют перед художником, а художник выспрашивает героев о продуманном, о сути мира.

Интересна смена во времени интонаций и патетики этих работ. В 1960-е годы портретные образы предстают носителями преобразующей динамичной силы, обязательно предполагающие наличие умного сочувствующего зрителя, втянутого в сотворчество. Перед нами мир мужественный и энергичный. 1970-е годы отличают рационализм, отвлеченность мышления от живой реальности. Создается не столько образ конкретного, неповторимого человека, сколько мысль по поводу него. В 1980-е годы более всего о переменах в общественном умонастроении свидетельствует «Автопортрет» (1983). На смену волевой собранности работ 1960-1970-х годов пришли расслабленность, рефлексия и тревога. Это образ затишья истории, ее усталости.

Особое место в творчестве Широкова занимает портрет-картина «Баллада о художнике. Е. Гудин» (1876). Е. И. Гудин - сокурсник Широкова по свердловскому художественному училищу, известный уральский художник - пейзажист, участник Великой Отечественной войны. Образ, созданный Широковым, наделен множеством ассоциаций. Работник, ратник и творец, потомок Хабарова и Беринга, надежный продолжатель лучших традиций русского пейзажа, особенно одной из них - стремления к правде. Он воплощает собой особый духовный склад и тип личности, вошедший в отечественную историю под именем странника. Странников отличает та свобода духа, которая дается лишь тем, кто не слишком поглощен жаждой земной прибыли. Они легко принимают тяжесть, но во имя жизни высшей.

Странническая душа Гудина умиротворяется сознанием исполнения своего предназначения, радостным ощущением сотворчества с миром. Созданный Широковым образ является образно-пластическим открытием автора.

Уже в перестроечное время, на первом его обнадеживающем взлете, Широков создает своеобразный алтарь Духовно-исторического центра из 40 портретов деятелей отечественной истории, науки, культуры, с которого на нас смотрят великие лики России: А. Рублев, А. Невский, М. В. Ломоносов, А. С. Пушкин, С. А. Есенин, Г. К. Жуков, Ю. А. Гагарин и многие другие.

Замечательно точные слова о творчестве Широкова найдены известным критиком и писателем В. Я. Курбатовым: «История русского искусства уже не мыслима без вклада Е. Н. Широкова, где каждое отдельное слово может быть и не громко, но где все вместе - речь, в которой нет ничего неопределенного и расплывчатого, где все неотъемлемо ЕСТЬ».

Творчество Широкова может свидетельствовать о прошедших днях тем, кто придет после нас. Ибо, помимо чисто эстетических и пластических достоинств, его работы содержат в себе волнующий человеческий документ, отпечаток личности их создателя, живущего напряженно и активно. И это большой и достойный уважения дар - не опережать свое время и не отставать от него, а идти с ним вровень, не отклоняясь от его забот. Этим даром природа наградила Е. Н. Широкова в полной мере.

Произведения Широкова хранятся более чем в 15 музеях России, в том числе в главной сокровищнице национального искусства - Государственной Третьяковской галерее. Есть его работы и в частных собраниях России и за рубежом.

У Евгения Николаевича есть ученики: с 1993 года он - профессор отделения живописи факультета искусств Пермского государственного института искусств и культуры.

Широков - Почетный гражданин Перми (1998) и Пермской области (1999). С полным основанием можно утверждать, что у Широкова счастливая творческая судьба.

http://www.gallery.permonline.ru/exhibitions/archive/40/f1.htm


Читать далее...

1824 — родился Алексей Петрович Боголюбов (1824 – 07.11.1896), художник-маринист, пейзажист.



А. П. Боголюбов - "моряк-художник", как он сам себя назвал, - был замечательным пейзажистом и не менее замечательным человеком. Всю жизнь он совершенствовал свое мастерство, целеустремленно и вдумчиво работал, не позволяя себе ни на минуту расслабиться, - и оставил очень интересное художественное наследие. Кроме того, много сил и все свое весьма значительное состояние отдал делу развития русской художественной школы. В среде русских художников пользовался глубочайшим уважением.

Родился Боголюбов в селе Померапье, Новгородской губернии в семье ветерана Отечественной войны 1812 г., по матери он - внук А. И. Радищева. В 1841 г. окончил Морской кадетский корпус и служил на флоте, побывал во многих странах. С 1849 г. посещал классы Петербургской Академии художеств (АХ), учился у М. Н. Воробьева и Б. П. Виллевальде. Однако наибольшее влияние оказал па пего И. К. Айвазовский.

В 1853 г. Боголюбов выходит из стен АХ с большой золотой медалью и аттестатом 1-й степени на звание классного художника. Одновременно он добивается отставки от службы и назначается художником Главного морского штаба. В 1854-60 гг. ездит по Европе, упорно и много работает с натуры, не упускает случая вновь поучиться у значительных художников. В Риме знакомится с А. А. Ивановым, который хвалит его работы, отмечает живописную одаренность и советует больше внимания обратить на рисунок. В Дюссельдорфе Боголюбов берет уроки у А. Ахенбаха. В Париже восхищается барбизонцами и одновременно критикует их. Французские художники, в свою очередь, оценили оригинальность Боголюбова, его преданность натуре, нежелание заниматься сочинительством в пейзаже. В мастерской Боголюбова любил бывать К. Коро. Ш.-Ф. Добиньи обменивался с русским художником этюдами.

Возвратившись в 1860 г. в Россию с огромным количеством картин и этюдов, Боголюбов показал свои работы на выставке в АХ и получил от изумленного академического Совета звание профессора и особую благодарность. Некоторое время он преподавал в АХ. В 1860-х гг. совершил три поездки по Волге. Великая русская река поразила Боголюбова ширью необъятной и красотой мест. Именно тогда из произведений Боголюбова окончательно исчезает романтический налет в духе Айвазовского и остается красота самой действительности, появляется другая нота - эпическая. Он пишет пейзажи с широким охватом пространства, передает определенное освещение, состояние дня.

По заказу Главного морского штаба Боголюбов в 1850-70-х гг. выполняет серии картин, посвященных морским баталиям Крымской и русско-турецкой войн, а также историческим битвам XVIII в. Условия заказа диктовали точность в изображении всех деталей корабельной оснастки и передаче исторических подробностей. Отсюда - известная сухость этих произведений.

С 1873 г. и до самой смерти Боголюбов по совету докторов зимние месяцы проводит во Франции, только летом приезжая на родину. Во Франции его живопись становится более свободной, открытой, пленэрной. Нет тщательной выписанности, гладкости письма прежних работ, зато в пейзажах много непосредственного, живого чувства. Этюд постепенно завоевывает права картины. В Париже. Боголюбов всячески опекает русских пенсионеров (И. Е. Репина, В. Д. Поленова, К. А. Савицкого, В. В. Верещагина, А. К. Беггрова и др.), знакомит их с французским искусством, достает выгодные заказы, устраивает выставки русских живописцев, наконец, в 1877 г. основывает Общество взаимного вспоможения и благотворительности русских художников.

В России он состоит в правлении ТПХВ, всячески поддерживает идеи И. В. Крамского и в определенный момент оказывается почти единственным в окружении главы передвижников, кто его понимает. В 1885 г. Боголюбов создал в Саратове на основе собственного собрания первый в России провинциальный художественный музей и дал ему имя своего деда А.Н. Радищева. Позже при музее открылась рисовальная школа. Музею и школе Боголюбов завещал все состояние, "дабы возвысить образовательное дело юношества". Умер художник в Париже, но тело его привезли в Россию и похоронили в Петербурге.

http://www.peoples.ru/art/painter/bogolybov/
http://staratel.com/pictures/ruspaint/077.htm
http://www.tonnel.ru/index.php?l=gzl&uid=924
http://www.picture.art-catalog.ru/gallery_group.php?mode=1&id_artist=59
http://www.varvar.ru/arhiv/gallery/marina/bogolyubov/index.html
http://www.gmgs.spb.ru/memoria06/bogolubov.htm


Читать далее...

1472 – родился Фра Бартоломмео (Баччо делла Порта)/Fra Bartolommeo(Baccio della Porta)/(1472 - 6.10.1517), итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения, мастер флорентийской школы.



Родился во Флоренции. В 1480-е годы учился у Козимо Росселли, затем открыл мастерскую совместно с М.Альбертинелли. Испытал влияния Пьеро ди Козимо, Перуджино, Боттичелли, а также нидерландской живописи. В 1500 г. под воздействием проповедей Дж. Савонаролы вступил в монастырь Сан Доменико в Прато, отрекшись от занятий живописью, однако в 1504 г. вновь вернулся к искусству, оставаясь монахом.

От ранних, подражательных вещей перешел к большим алтарным картинам, отмеченным ясной композиционной гармонией, изящной взаимной соразмерностью крупных фигур (нередко представленных на фоне тонко выписанного пейзажа) и в то же время подспудным драматизмом, выражающим контраст между земным и небесным началами. Обогатил свой художественный арсенал, побывав в Венеции (1508), а в 1513 в Риме, – где проникся впечатлениями от работ Микеланджело и Рафаэля (на последнего он в свою очередь заметно повлиял).

Среди характерных работ Фра Бартоломмео – «Видение св. Бернара Клервоского» (1504–1507, Уффици, Флоренция), «Бог Отец со свв. Марией Магдалиной и Екатериной Сиенской» (1508–1509, музей виллы Джуниджи, Лукка), «Мистическое обручение св. Екатерины» (1511, Лувр, Париж), «Богоматерь Милосердия» (ок. 1515, музей виллы Джуниджи, Лукка),» Богоматерь с младенцем и ангелами» (1515, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Писал также фрески (Св. Марк для монастыря Сан Марко во Флоренции, ок. 1515, ныне в галерее палаццо Питти, Флоренция), оставил богатое графическое наследие.

Фра Бартоломео умер. во Флоренции. Здесь же находится большинство его работ, в особенности в галерее дворца Питти, где имеются две превосходные его картины: изображение евангелиста Марка и "Воскресение" - обе отличающиеся возвышенностью замысла и красотою исполнения; в флорентийской академии имеются фрески Фра Бартоломео, в Лукке находится его "Madonna della Misericordia", в Безансоне другая, не менее замечательная по исполнению, "Мадонна", наконец, в Вене, в Бельведере, хранится одно из лучших его произведений - "Введение во храм". Характеристическими чертами этого мастера следует признать искренность чувства, возвышенное настроение и изящную простоту, соединенную с наивностью.

http://www.artcyclopedia.com/artists/bartolommeo_fra.html
http://www.krugosvet.ru/articles/100/1010095/1010095a1.htm
http://painting.narod.ru/66.html
http://www.abcgallery.com/B/botticelli/bartolomeo1.html


Читать далее...