ВОЗРОЖДЕНИЕ
Эпоха в истории европейской культуры 13-16 вв., ознаменовавшая собой наступление Нового времени. …Первым его признаком, как казалось современникам, явился «расцвет искусств» после долгих веков средневекового «упадка», расцвет, «возродивший» античную художественную мудрость, именно в этом смысле впервые употребляет слово rinascita (от которого происходит французский Renaissance и все его европейские аналоги) Дж. Вазари. При этом художественное творчество и особенно изобразительное искусство понимается теперь как универсальный язык, позволяющий познать тайны «божественной Природы». Подражая природе, воспроизводя ее не по-средневековому условно, а именно натурально, художник вступает в соревнование с Верховным Творцом. Искусство предстает в равной мере и лабораторией, и храмом, где пути естественно-научного познания и богопознания (равно как и впервые формирующееся в своей окончательной самоценности эстетическое чувство, «чувство прекрасного») постоянно пересекаются.
Искусство Италии 15 века. Ренессанс.

Картина художника Сандро Боттичелли носит название «Афина Паллада и Кентавр» или «Минерва и Кентавр».  Наряду с другими работами Боттичелли исполнил по заказу Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи композицию «Афина Паллада и Кентавр», которая находилась в его флорентийском палаццо. Ранее в картине «Афина Паллада и Кентавр» видели политическую аллегорию, посвященную проницательности и искусству Лоренцо Великолепного в делах дипломатии.

Считалось, что Афина Паллада (римская Минерва) олицетворяет победу Медичи над заговорщиками (заговор Пацци) или успех в противодействии агрессивным планам неаполитанского короля. Основанием для такой трактовки послужили медичейские эмблемы, которыми расшито одеяние богини. Однако другие подтверждения этой гипотезы отсутствуют. Во второй половине XV века еще не существовало традиции писать политические аллегории подобного типа. Более правомерно видеть в аллегории нравственную направленность. В основе картины идея Фичино о двойственности природы человека, соединяющего в себе животное начало, связанное с жизнью тела, и сферу духа и разума, устремленного ввысь к достижению небесной мудрости. И лишь божественная милость позволяет преодолеть муки души, томящейся в оковах тела. Кентавр воплощает у Боттичелли соединение в человеке низменного и высокого. Лук и стрелы в его руках указывают на животные страсти, но лицу Кентавра, прототипом головы которого послужил барельеф с античного саркофага, художник придал выражение глубокого страдания, свойственное святым на его картинах. В трактовке Афины Паллады Боттичелли также следует классическому образцу но и в этой фигуре заметно сходство с христианской святой. Неоплатоническому подтексту отвечает и пейзаж, составленный из мрачных скал и чарующих далей.

МАНЬЕРИЗМ
 На смену ясной гармонии пришли неустойчивость композиции, усложнённые, манерно изощрённые формы, деформированные фигуры. Красота детали становилась важнее красоты и гармонии целого. В искусстве маньеризма, ориентированном прежде всего на утончённые вкусы аристократии, возродились некоторые черты рыцарской культуры Средневековья. Ведущими представителями маньеризма в живописи были Я. Понтормо, Ф. Пармиджанино, А. Бронзино, Р. Фьорентино, Дж. Вазари, Б. Бандинелли, Ф. Цуккаро, Дж. Романо; в скульптуре Б. Челлини, Джамболонья.



Ф. Пармиджанино. «Мистическое обручение св. Екатерины». 1525—27 гг. Национальная галерея. Лондон



Я. Понтормо. «Снятие с креста». Ок. 1528 г. Капелла Каппони церкви Санта-Фелисита. Флоренция
Направление в западноевропейском искусстве 16 в., отразившее кризис гуманистической культуры Возрождения. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы  утверждали неустойчивость, трагические диссонансы бытия, власть иррациональных сил, субъективность искусства. Произведения маньеристов отличаются усложненностью, напряженностью образов, манерной изощренностью формы, а нередко и остротой художественных решений.

БАРОККО

Шулеры

Cтиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве. Барокко явилось развитием принципов, заложенных в эпоху Возрождения, однако в связи с радикальным изменением главной эстетической установки (уже не сотворческое следование природе, а совершенствование ее в духе идеальных норм красоты) придал этим принципам новый грандиозный размах, бурную динамику, изощренную декоративность.

Караваджо. Вакх.

Любовь к прихотливой метафоре, словесной или зрительной, к аллегории и эмблеме достигает теперь, казалось бы, своего апогея; однако сквозь причудливые, порой полуфантастические формы и смыслы, сквозь все метаморфозы в барокко проступает крепкое натурное начало (к примеру, витиеватые декоративные детали архитектуры постоянно в духе анаморфозы уподобляются живым природным стихиям, а литературный язык обретает новую живописность, порой еще теснее сближаясь с национальными традициями фольклора). Различные виды искусства взаимодействуют (в сравнении с Ренессансом) более активно, составляя многогранный, но единый «театр жизни», сопутствующий реальному бытию в виде его праздничного двойника.

КЛАССИЦИЗМ

Парис и Елена. Давид Жак Луи.

Стиль и направление в литературе и искусстве 17 — нач. 19 вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в 17 в. во Франции. В 18 в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов. Соответственно возвышенным этическим идеям, воспитательной программе искусства эстетика классицизма устанавливала иерархию жанров — «высоких» (трагедия, эпопея, ода, история, мифология, религиозная картина и т. д.) и «низких» (комедия, сатира, басня, жанровая картина и т. д.).

РОКОКО

Cтилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трех четвертей 18 в.Он представлял собой не столько самостоятельное художественное явление, сколько фазу, определенный этап общеевропейского стиля барокко. Термин «рококо» возник во Франции в конце 18 в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства 18 в.: изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины,— его главный признак. Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками.
Счастливые возможности качелей. Художник Фрагонар.



Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар достиг особой  проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы.  Произведения художника, исполненные трепетной эмоциональности,  чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной  декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными  композиционными ритмами.

Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность.

Итальянцкий живописец Batoni Pompeo (Золотая Классика)
Batoni Pompeo (1708-1787), известный итальянский живописец стиля рококо и неоклассицизма. Видна  приверженность Батони к ювелирной отточенность и изяществу формы. Учился в Риме у Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Первые произведения, в которых общих чертах оформляется стиль Батони, относятся к началу 1730-х годов.  Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и находило неизменное признание у современников. Основное направление работ Батони - картины на мифологические и аллегорические сюжеты ("Падение Симона-мага", 1741, Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме; "Ахилл у дочерей Ликомеда", 1745, Флоренция, Уффици; "Диана и Купидон", 1761, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; "Святое семейство", 1777; "Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком", 1765; "Воздержанность Сципиона Африканского", 1772 - все три Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) и портреты (императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского, Художественно-исторический музей, Вена; портрет маркиза Джона Монтермера, собрание герцога Баклей, Ратлэнд и др.).

"Диана и Купидон" 1761

НЕОКЛАССИЦИЗМ

Общее название художественных течений 2-й пол. 19 и 20 вв., основывавшихся на классических традициях искусства античности, Возрождения и классицизма. В 1870-80-х гг. немецкие «неоидеалисты» — живописцы Х. Маре, А. Фейербах, скульптор А. Хильдебранд — противопоставляли противоречиям жизни «вечные» эстетические нормы. Классическая традиция часто противопоставлялась индивидуалистическому произволу (в 20 в. архитекторы О. Перре во Франции, П. Беренс в Германии, И. В. Жолтовский, И. А. Фомин в России; скульпторы А. Майоль во Франции, А. Т. Матвеев в России). Связанные с неоклассицизмом течения «новая вещественность» в Германии, «метафизическая живопись» в Италии выразили отчуждение мира от человека.

Неоклассицизм в России

ARTinvestment.RU – 23.10.2008, 15:53

  АЛЕКСАНДР САМОХВАЛОВ Девушка в футболке. 1932 ВАСИЛИЙ ШУХАЕВ и АЛЕКСАНДР ЯКОВЛЕВ  Автопортрет. Алекин и Пьеро. 1914

Значительное число неоклассических произведений экспонировалось на  состоявшихся ранее в Русском музее выставках «Мир искусства», «Портрет ХХ века», 
персональных выставках А. Е. Яковлева и В. И. Шухаева, Б. М. Кустодиева, В. А. Серова, З. Е. Серебряковой.

Неоклассицизм — ретроспективное по своей окраске направление в искусстве  Европы и США начала ХХ века, представители которого, стремясь к созданию «большого 
стиля» будущего, обращались к высоким традициям античности, эпохи Ренессанса и классицизма. А. Н. Бенуа писал: «Красота  есть последняя путевая звезда в тех сумерках, в которых пребывает душа современного  человечества». Однако неоклассики не жили прошлым — они были устремлены в будущее. В большей мере, чем в остальной Европе, русский неоклассицизм 1910-х  годов позиционировал себя как «охранитель» высоких традиций национальной культуры,  традиций мирового классического искусства, которые, по мнению художников-неоклассиков,  находились под угрозой гибели в связи с наступлением авангарда. Известны картины  К. С. Петрова-Водкина
(«Мать», 1915), З. Е. Серебряковой («Баня», 1913; «Беление холста», 1917),  А. Е. Яковлева («Скрипач», 1915)

Неоидеализм

Течение в немецком искусстве, созданное эстетиком К. Фидлером, скульптором Адольфом фон Хильдербрандом и живописцем Хансом фон Маре в 1860 – 1880-х годах; к нему относят также некоторых художников, идейно и стилистически близких неоидеализму (Ансельм Фейербах и других). Противопоставляя себя академизму, натурализму и эклектизму, представители неоидеализма провозглашали следование извечным идеалам красоты, возрождение пластической ясности, безмятежности и монументальности классического искусства. Искусство рассматривалось как возможность преодоления «хаоса», а формотворчество – как отражение специфической «формы видения» художника. Основные положения неоидеализма тесно смыкаются с принципами неоклассицизма.

Маре (Marees) Ханс фон.

(24 декабря 1837 г., Эльберфельд, Северный Рейн-Вестфалия - 5 июня 1887 г., Рим)

Немецкий живописец. Учился у К. Штеффека в Берлине (1854-1855 г.). В 1864-1870 г. и с 1873 г. жил в Италии. Под влиянием искусства итальянского Возрождения обратился к монументально-декоративной живописи, добиваясь жизненной конкретности изображаемого (фрески Зоологической станции в Неаполе, 1873-1874 г.)

Разделяя эстетические взгляды А. Хильдебранда и К. Фидлера, Маре стремился в аллегорических образах воплотить мечту о «золотом веке» человечества, добивался выразительности чисто пластических элементов своих произведений («Золотой век», 2 варианта, 1879-1885 г., Новая галерея, Мюнхен). Его поздние сюиты-триптихи на мифологические темы отличаются ясным распределением основных масс, мерной ритмикой форм, известной звучностью колорита; плоскостностью композиции и контурной линеарностью они предвосхищают живопись «модерна». Вместе с тем тяготение к абстрактному, построенному на ассоциациях с классическим искусством, художественному идеалу вносит в произведения Маре элемент холодной отвлечённости («Суд Париса», 1880-1881 г., Национальная галерея, Берлин; «Геспериды», 1884-1887 г., Новая галерея, Мюнхен).

Хильдебранд, Гильдебранд (Hildebrand) Адольф фон.

(6 октября 1847 г., Марбург, Гессен, - 18 января 1921 г., Мюнхен)

Немецкий скульптор и теоретик искусства. Учился в Художественной школе в Нюрнберге (1864-1866 г.) и в Мюнхене (1866-1867 г.)

С 1867 г. попеременно жил в Италии и Германии. Художественно-теоретические взгляды Хильдебранда, сложившиеся в общении с Х. фон Маре и К. Фидлером, во многом обусловили основные черты его произведений - внутреннюю замкнутость, некоторую холодность образов, пластическую ясность, компактность и известную статичность форм, лаконизм, и архитектоническую чёткость композиции («Адам», 1878 г., Музей изобразительных искусств, Лейпциг; «Юноша», оба - мрамор).

Идеалистические концепции Хильдебранда, абсолютизировавшие в искусстве основные закономерности взаимодействия форм и пространственных представлений, были развиты в немецком искусствознании конца 19 - начала 20 в. (Г. Вёльфлин, А. Ригль).

Фейербах (Feuerbach) Ансельм (живописец).

(12 сентября 1829 г., Шпейер, 4 января 1880 г., Венеция)

Немецкий живописец. Внук А. Фейербаха, племянник Л. Фейербаха. Учился в академии художеств в Дюссельдорфе (1845-1848 г.), Мюнхене (1848-1850 г.), Париже (1851-1854 г.)

С 1855 г. жил в основном в Италии (в 1857-1873 г. в Риме, с 1876 г. в Венеции). Испытал влияние Г. Курбе, П.П. Рубенса, итальянских мастеров 16 в. Стремясь возродить монументальное искусство в духе эпохи Возрождения, создавал огромные полотна на темы античных легенд, отмеченные величавой идеальностью и вместе с тем жизненной весомостью образов, плавной ритмикой форм, декоративизмом тональной цветовой гаммы («Ифигения», 1862 г., Музей земли Гессен, Дармштадт; «Пир Платона», 1869 г., Кунстхалле, Карлсруэ).