Цикл документальных фильмов (Россия, 2010), 4 серии.
Авторы проекта: Марина Денисевич, Валерий Спирин
Режиссер-постановщик: Валерий Спирин
Автор сценария: Марина Денисевич
Оператор-постановщик: Кирилл Сперанский
Оператор: Дмитрий Дулов
Четыре фильма об истории и современности, постановках и закулисной жизни, о первых лицах и особом характере ведущих оперных театров — Венской государственной оперы, Парижской национальной оперы, Немецкой государственной оперы и театра "Ла Скала".
«Это проект, к которому канал подходил не один год. Он потребовал очень серьезной подготовки, работы огромного количества людей и серьезных вложений. За рубежом на нас смотрели с нескрываемой завистью: у нас есть возможность снимать подобные фильмы об элитных театрах, да еще в тот момент, когда над Европой – мрачная тень кризиса», – говорит один из авторов проекта Марина Денисевич. Cъемки снаружи и внутри театров, включая места, доступные лишь избранным, эксклюзивные интервью с директорами и режиссерами, звездами балета и оперы, многочисленными гримерами, костюмерами и другими театральными работниками. И, конечно, очень живое, украшенное интересными сведениями, легендами и пикантными подробностями повествование об истории и современности театров — через судьбы выдающихся музыкантов, через исторические факты и театральные мифы.
Важнейшей особенностью цикла является способ подачи материала. Это занимательное авторское кино, рассчитанное на самую широкую зрительскую аудиторию. Каждая программа - история как бы от лица людей, много слышавших об этих театрах, но впервые попавших в них, да еще со стороны служебного входа», — говорит Марина Денисевич. Для авторов важна индивидуальность, особенность каждого театра: «Каждый из четырех театров обладает характером живого человека». В сочетании субъективности и достоверности, в стремлении описать характер каждого театра, помочь почувствовать то, что не фиксирует камера, а именно дух театра, его атмосферу, своеобразие телевизионного рассказа.
В каждом фильме есть свой ведущий, оперный или балетный артист, наш соотечественник, прославившийся в театре, о котором рассказывает. Это Любовь Казарновская, Николай Цискаридзе, Владимир Малахов, Елена Образцова. Каждый из них непосредственно на месте событий поведал о собственном опыте работы в театре, своих впечатлениях, любимых местах и судьбоносных встречах.
Венскую государственную оперу представляет певица Любовь Казарновская. Ведущий программы о Парижской национальной опере - Николай Цискаридзе. Владимир Малахов проведет экскурсию по Немецкой государственной опере. Гид по театру "Ла Скала" - певица Елена Образцова.

ТЕАТР "ЛА СКАЛА"

За простодушной искренностью миланцев, готовых порой признаться, что важный футбольный матч им интересней, чем беседа о театре, скрывается очень бережное, любовное отношение к пению. Ведь Италия — родина бельканто. Итальянцы всегда были весьма чувствительны к красоте — визуальной и звуковой. И оперный театр стал для них тем мостиком, который соединил два воплощения красоты. Ни один музыкальный театр мира не имеет такой замечательной истории, как "Ла Скала". Здание театра, построенное архитектором Дж. Пьермарини, выдержано в строгом неоклассическом стиле и является одним из красивейших в мире. Настоящие ценители и любители классической музыки, оперы и балета называют этот театр одним из Семи чудес света.
В этот театр стремились все — от начинающих певиц до маститых примадонн. Возможно, было бы проще составить список тех знаменитостей, кто никогда не работал в театре "Ла Скала". Поэтому в центре рассказа — имена и судьбы. Мария Каллас, Франко Дзеффирелли, Ширли Веррет, Рената Тебальди. "Здесь я знала много триумфов. Поэтому для меня этот зал обладает магией, магией счастья. И еще он обладает магией переживаний — разных, страшных. Потому что в этом театре как нигде в мире знают, что такое опера", — рассказывает Елена Образцова. Также в программе множество любопытных фактов: кто такие лоджанисты и почему их все боятся, как хранят костюмы знаменитого Пикассо, как надо одеться, чтобы тебя впустили в театр…

«Прощание с Петербургом» — единственный вокальный цикл М.И.Глинки(1804 -1857), хотя романсы занимают важное место в его творчестве. Впрочем, и эти 12 романсов не задумывались как цикл. Об их возникновении композитор рассказал в своих «Записках»: «В день моих именин, т. е. 21 мая (1840 года. — А. К.), когда я шел из Ревельского подворья... мне пришла мелодия болеро «О дева чудная моя».
Я попросил Кукольника написать стихи для этой новой мелодии, он согласился, а вместе с тем предложил мне несколько написанных им романсов. По этому, кажется, поводу пришла Платону мысль о двенадцати романсах, изданных потом П. И. Гурскалиным под именем «Прощание с Петербургом». У меня было несколько запасных мелодий, и работа шла весьма успешно».
Это происходило в Петербурге, где Глинка, признанный создатель первой русской классической оперы «Жизнь за царя» (1836), работал над второй — «Руслан и Людмила». Он часто встречался с братьями Кукольниками, Нестором и Платоном, которые с 1839 года поселились в доме Мерца в Фонарном переулке. Там за несколько лет до того жил сам Глинка, туда же он вернулся в сентябре 1840 года. У Кукольников собиралась компания приятелей — литераторов, критиков, любителей музыки, — известная как братия.
Нестор Васильевич Кукольник (1809—1868) пользовался в то время широкой популярностью. Первый успех 29-летнему писателю принесла драматическая фантазия «Торквато Тассо»; в период расцвета за 6 лет (1840—1845) он написал 5 романов, 5 драм, 26 повестей, множество стихотворений. Кукольник называл себя родоначальником школы русских романтиков и признавал гениальную триаду в русской литературе (уже подарившей миру Пушкина!), живописи и музыке: Брюллова, Глинку и себя самого. Глинка написал на стихи Кукольника ряд романсов, в том числе «Сомнение», и музыку к его трагедии «Князь Холмский».
Над «Прощанием с Петербургом» композитор работал в июне-июле 1840 года и закончил «заказанные романсы» 9 августа. На следующий день он уезжал в свое имение Новоспасское, и Кукольник с братией устроил ему проводы, пригласив знакомых артистов и литераторов. Здесь впервые прозвучал заключительный номер «Прощания с Петербургом» — «Прощальная песня» для голоса с мужским хором, слова которой Кукольник посвятил Глинке, а Глинка музыку — друзьям. Композитор вспоминал: «Я пел с необыкновенным одушевлением прощальную песню, хор пела братия наша...» Другие номера также имеют посвящения друзьям: №3 — офицеру А. А. Скалону, №6 — Н. Ф. Немировичу-Данченко, родственнику Кукольников, прозванному рыцарем Коко, №8 — Л. А. Гейденрейху, врачу императорских театров, лечившему Глинку, №10 — А. Н. Струговщикову, известному переводчику и поэту.
Когда Глинка месяц спустя вернулся в столицу, «Прощание с Петербургом» было уже опубликовано (в начале сентября) издателем П. И. Гурскалиным, которому посвящен №5, и пользовалось успехом. Однако сборник не воспринимался в качестве единого целого. Как извещал Кукольник в своем «Художественном журнале», «каждый романс можно покупать отдельно, общей цены не полагается...» И впоследствии «Прощание с Петербургом» редко исполнялось в виде цельного произведения, а отдельные романсы пользовались различной известностью.

"Прощание с Петербургом" (вокальный цикл на стихи Н. Кукольника) «”Прощaние с Петербургом” – кaлейдоскоп кaртин и эмоций, объединенных блaгородной, но экспрессивной мaнерой вокaльного письмa Глинки: он включaет в себя стрaстное признaние в любви, грустные рaзмышления, колыбельную, неповторимый русский пейзaж (популярный в России “Жaворонок”) и зaрисовку петербургской пирушки в кругу восторженных и предaнных друзей. Здесь есть … использовaние итaльянской бaркaролы, испaнского болеро и еврейской песни» 1. Романс ("Кто она и где она") исп.И.Козловский Романс написан в форме песни.Открывается и завершается он кратким необычайно простыми фортепианным проигышем. Все проникнуто нежным чувством. Обаяние этой музыки в ее абсолютной безыскусности. 2. Еврейская песня ("С горных стран пал туман) исп.Г.Нэлепп Следующая запись, песня не песня, романс не романс, но Нестор Кукольник и Михаил Глинка назвали это совместное сочинение «Еврейская песня». К какому поэтическому жанру отнести стихотворение? Пожалуй, к философской лирике. Этот романс был написан М. Глинкой задолго до того, как возникла идея создания цикла «Прощание с Петербургом».

Ральф Воан-Уильямс (1872 — 1958)-британский композитор, органист, дирижёр и музыкально-общественный деятель.
 

Воан Уильямс-один из крупнейших композиторов первой половины XX века, сыгравший важную роль в возрождении интереса к британской академической музыке. Его наследие весьма обширно: шесть опер, три балета, девять симфоний, кантаты и оратории, сочинения для фортепиано, органа и камерных ансамблей, обработки народных песен и многие другие произведения. В своём творчестве он вдохновлялся традициями английских мастеров XVI - XVII веков (возродил жанр английской маски) и народной музыкой. Произведения Уильямса отмечены масштабностью замысла, мелодизмом, мастерским голосоведением и оригинальной оркестровкой.
 

Фантазия на тему ирландской народной песни

О происхождении самой песни «Greensleeves» (Зеленые рукава)известно немного.
 

Написание текста баллады часто приписывают английскому королю Генриху VIII, который якобы адресовал эти стихи своей возлюбленной, предположительно Анне Болейн, ставшей второй женой Генриха.
Она не поддалась попыткам короля совратить её, и этот отказ отражён в словах песни.
Впервые текст «Greensleeves» был опубликован в 1566 году в Лондоне в сборнике «Приятные сонеты и истории», который был переиздан под названием «Горсть приятных наслаждений» в 1584 году.
Этот вариант, дошедший до наших дней, включает 18 четверостиший и рефрен, однако обычно принято считать, что только четыре четверостишия и рефрен являются подлинными. Всего же существует огромное число куплетов (по некоторым оценкам до 1800), обыгрывающих одну и ту же тему — сетования автора на возлюбленную, покинувшую его несмотря на все его старания.

Существует множество пародий на неё и на другие темы; «Greensleeves» — одна из самых пародируемых песен.
Название песни отражает прозвище неверной возлюбленной, к которой обращается автор.
Считается, что зелёные рукава могли являться атрибутом одежды куртизанок в средневековой Англии.
В Кентерберийских рассказах зелёный цвет упоминается как «цвет лёгкости в любви», поскольку после «свободной любви» на одежде девушки оставались пятна от травы.
В основных своих вариантах песня "Зеленые рукава" - печально-лирического характера.

источник-Википедия

источник  http://patriotka.livejournal.com/121865.html

 

 

И вновь,я хочу вас познакомить с очередной программой радио "Орфей"....
 

Михаил Казиник начинает программу с обескураживающей загадки. Четыре фрагмента музыки – один быстрее и изощреннее другого, а также сбивающие с толку подсказки автора: «Он – ученик Бетховена», «Все великие пианисты – прямо или косвенно его ученики», «Сам Лист брал у него уроки игры на фортепиано». Кто же это?..Его творческое наследие насчитывает свыше тысячи опусов. Среди них есть Реквием, кантаты, симфонии, квартеты, трио и сонаты, но в историю музыки он вошел как автор «библии для пианистов» и создатель огромного количества этюдов для фортепиано. Речь, конечно же, идет о Карле Черни, без чьих пьес, связанных с разработкой техники игры на фортепиано, не обходится ни одна пианистическая школа! А чтобы вы полюбили этюды Черни еще больше, Михаил Казиник дарит всем радиослушателям исключительный музыкальный сюрприз – знаменитые (а для кого-то, может быть, даже и пресловутые) этюды Черни в версии для симфонического оркестра. «Послушайте, это будут все краски мира – здесь всё расцветет!»

Карл ЧЕРНИ (21 февраля 1791 — 15 июля 1857) — австрийский пианист и композитор чешского происхождения; считался в Вене одним из лучших преподавателей игры на фортепиано. Знаменит созданием огромного количества этюдов для фортепиано.
Карл Черни родился в семье пианиста и педагога Венцеля (Вацлава) Черни, ставшего первым учителем Карла. Под его руководством Карл начал концертировать в 9-летнем возрасте. В 1800—1803 годах обучался игре на фортепиано у Людвига ван Бетховена. В этот же период учился у И. Н. Гуммеля и Муцио Клементи.
До 1815 года вёл концертную деятельность: ему Людвиг ван Бетховен доверил исполнение своего Третьего фортепианного концерта. Однако в 1815 году Черни прекратил фортепианное исполнительство и сосредоточился на педагогике и композиции. Работал преимущественно в Вене, за исключением нескольких гастрольных поездок в Лейпциг (1836), в Париж и Лондон (обе в 1837 году).
В середине XIX века Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано. К числу его учеников принадлежали выдающиеся музыканты второй половины века: Ференц Лист, Сигизмунд Тальберг, Теодор Лешетицкий, Леопольд де Мейер, Теодор Куллак и многие другие.

Творческое наследие Карла Черни насчитывает больше 1000 опусов, состав некоторых приближается к 50 и более номерам. Также Черни создал множество литературно-методических книг, посвящённых проблемам преподавания игры на фортепиано. Помимо собственных сочинений, Карл Черни создал собственные редакции «Хорошо темперированного клавира» И. С. Баха и сонат Доменико Скарлатти, а также клавираусцуги опер, ораторий, симфоний и других оркестровых произведений.

Выдающиеся музыкальные сочинения
- более 300 духовных сочинений;
- более 800 произведений, связанных с разработкой техники игры на фортепиано («Ежедневные упражнения» op. 337, «Большая фортепианная школа» op. 500, «Школа беглости» op. 299, «Искусство беглости пальцев op. 740» и др.), до сих пор используемых в педагогической практике;
- оркестровые, камерные сочинения; ансамбли, хоры; музыка к драматическим спектаклям и др.
(из Википедии)

ИСТОЧНИК

АВТОР МК : Симона7152 

Клавесин, скорее всего, был изобретен в Италии в XV веке. В клавесине бывает одна или две клавиатуры (реже три), а звук извлекается защипыванием струны плектром из птичьего пера (наподобие медиатора) при нажатии клавиши. Струны клавесина расположены параллельно клавишам, как у современного рояля. Звук концертного клавесина — довольно резкий, но слабый для исполнения музыки в больших залах, поэтому в пьесы для клавесина композиторы вставляли множество мелизмов (украшений) для того, чтобы длинные ноты могли звучать достаточно протяженно.Клавесин использовался также для аккомпанемента к светским песням и в камерной музыке .
Л. Михеева.

"Brilliant Harpsichord Sonatas"



Джованни Бенедетто Платти((ок.1692(1697?) - 1763)
итальянский композитор

Sonata op.1 Nr. II in C major







Джованни Баттиста Пешетти (1704 – 1766)
итальянский органист и композитор
Sonata in E major






Бенедетто Марчелло ( 1686 -1739 )
итальянский композитор

Sonata VII in A minor






Винченцо Манфредини (1737- 1799)
итальянский композитор, музыкальный теоретик
и писатель о музыке.

Sonata III in D minor






Бальдассаре Галуппи (1706-1785)
итальянский композитор

Sonata II C major

источник

ХХ век дал человечеству ярчайшее созвездие великих музыкантов, в том числе пианистов. Но когда мы слышим имя «Софроницкий», то возникает исключительное ощущение: он – один, таких не было и не будет. Он не вписывается ни в какие классификации и не подпадает ни под какие определения. Единственное, что всегда безошибочно прибавляют к его имени, – это эпитет «великий романтик». И есть какая-то загадка в том, что именно ХХ век – в целом антиромантический, в котором дефицитом стали искренность, душевный порыв, тонкость чувств, «сжигание» себя, – породил музыканта, в котором эти качества обрели высочайшее воплощение.
По воспоминаниям слышавших его в концертных залах, между ним и аудиторией устанавливалась невидимая, но всеми ощущаемая связь, в которой было, вероятно, само существо музыки. Высочайшая одухотворенность, точность попадания в «нерв» были свойственны ему в такой степени, как никому из пианистов, – по меньшей мере, из тех, чье искусство нам доступно хотя бы в записях.
Наиболее точной характеристикой искусства и всего облика Софроницкого может служить простое слово: красота. Она пронизывала все: он и сам был, по словам Г. Г. Нейгауза, «красив, как юный Аполлон». Софроницкий явился в жестокий ХХ век, возможно, как напоминание о том, как может быть красив человек и создаваемое им искусство.
Феномен Софроницкого привлек внимание уже при первых его появлениях на широкой публике. Публика боготворила Софроницкого. Он мог отменять концерты – все беспрекословно принимали волю своего кумира, надеясь на то, что в следующий раз повезет, и они станут свидетелями чуда. При возможности слушатели ходили на одну и ту же программу по два раза подряд: он всегда играл по-разному.
Среди коллег он пользовался почти мистическим авторитетом. Середина ХХ столетия была временем ярчайшего расцвета для российского исполнительского искусства: в одно время творили Генрих Нейгауз, Константин Игумнов и Самуил Фейнберг; Лев Оборин и Мария Юдина; Григорий Гинзбург и Яков Флиер; в зенит входили Гилельс и Рихтер. Но Софроницкий имел особую «нишу» среди своих блистательных коллег. Все их внутреннее соперничество его не касалось совершенно; все они поклонялись ему.
Однажды, подняв тост за дружбу, Софроницкий провозгласил Рихтера "Гением", на что Рихтер cтреагировал немедленно, назвав Владимира "Богом". Гилельс, узнав о смерти своего коллеги, сказал: "Величайший пианист в мире умер".
Он «сгорел» в 60 лет. Его приход и уход в нашем искусстве сверкнул яркой, неземной кометой.
  Остались записи...