Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Он всегда был разным, но всегда – шокирующим. Знаменитые картины Пикассо – это необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства. Он настолько отдавался своим произведениям, что не замечал своего стилистического непостоянства. Да и не это главное в произведениях испанского живописца. Пабло Пикассо умело сочетал на холсте такие необыкновенные материалы как металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски. Великолепный художник не останавливался ни перед чем. Возможно, поэтому картины Пикассо так удивляют своей эмоциональностью и смелостью.



Среди многообразия его работ особенно выделяются композиции с образами женщин. Здесь полотна художника поистине шокируют многообразием причуд и неординарных фантазий. Стоит вспомнить хотя бы «Девушку перед зеркалом» (1932).


Девушка перед зеркалом

Пикассо создал шедевр в 1932 году.

Он изобразил любовницу, с которой познакомился еще в 1927 году. Ее имя – Мария Тереза Вальтер. Она стала его музой. Вальтер изображена очень необычно. Это не обычный портрет. Художник старается рассмотреть девушку в зеркале. Основной мотив этого произведения – точное изображение просто невозможно увидеть в зеркале.



У Пикассо это интерпретировано иначе. Каждый контур в зеркале обретает особую таинственность. Просто поражает такая интенсивность каждого цвета. Удивителен фон с такими причудливыми узорами. Округлые дуги на переднем плане полностью уравновешены диагональными линиями, которые мы видим на заднем. Ромбы на обоях очень похожи на костюм любимого Пикассо персонажа – Арлекина.

Художник считал себя похожим на него. Этим он специально подчеркнул, что и он присутствует на картине, наблюдая за всем происходящим.

Лицо поделено на совершенно разные половины. Одна напоминает настоящую маску из дерева, а другая – половинку луны (месяц). Нежно-розовый профиль и светлые волосы говорят о молодости героини. Лицо невероятно похоже на привычный нам полумесяц.

Мария Тереза протягивает к зеркалу руки, как будто хочет дотронуться до этого нереального отражения. Оно и манит, и пугает. Вся сущность в зеркале становится иной. Здесь раскрывается то, что таится внутри. Обычному взору это недоступно. Яркие пятна окружают отражение. Тело кажется в зеркале нарочито искаженным.

Противоположные страсти борются, и зритель может это видеть. Мария Тереза смогла увидеть свою сущность. Пятно на лбу героини – это особая сокровищница, в которой и скрыта вся внутренняя жизнь Марии Терезы.

Некоторые исследователи уверены, что Пикассо указывает на двойственность души Вальтер. Но вполне возможно. Что застенчивая девушка видит свои отрицательные черты, которые окружающие предпочитают не замечать.


Использованные линии и цвета ещё раз доказывают известный факт, что Пабло Пикассо очень не любил женщин. Именно поэтому так часто в его работах они удивляли несуразностью образов и форм. Особенной нелепостью увенчалась героиня «Утренней серенады» (1942).


1942 Laubade [La sВrВnade; Nu couchВ et musicienne assise]

Картина написана в 1942 году.

Это одна из картин, сюжет которых художник называл серенадами. Картин с таким названием он написал несколько в разные годы.

Пикассо признан самым дорогим гениальным художников. Уникальность его картин поражает и ломает привычное восприятие реальности.

В жизни Пикассо было несколько периодов, под воздействием которых он писал определенные сюжеты. Полотно «Серенада» написано в творческий период под названием «Герника» и пацифизм.

Герника – это город, который был разрушен фашистами во время войны. Он был культурным наследием басков. Под воздействием этого события Пикассо пишет полотно, которое также называется, как разрубленный город басков.

Его охватил ужас всего происходящего, что отражалось в его творчестве. Он превращает картины в разбитые геометрические блоки, которые сложны для восприятия большинства людей. Его полотна – это ребусы, которые мог разгадывать только он сам.

Пикассо считали женоненавистником, в силу того, что он искажал женское тело и лицо до неузнаваемости. Возможно, это связано с тем, что он не мог ладить со своей первой женой, русской балериной.

Неполадки в семье и влияние войны на психику художника отразились в его искажение людей, а женщин в особо жестких формах. Его обвиняли в том, что он издевается и ненавидит женщин. И это от части, правда, что можно понять по его полотнам.

На картине «Серенада» мы видим непонятную женскую фигуру, разбитую на геометрические куски, скрученную в непонятной позе. Фигура мужчины не менее загадочная и сложная.

Вокруг художник изобразил все в мрачных и темных тонах, олицетворявших пустоту и войну, которая его ужасно пугала. Его страх и психологическая неуравновешенность всплескивалась на картины. Не только полотна, но и скульптуры Пикассо отражали весь трагизм и безысходность того времени.

Пикассо создал свой индивидуальный стиль в живописи, который оказал влияние на не забываемое впечатление на весь мир. Его картины – это культурное достояние.


Здесь Пабло Пикассо постарался, как никогда. Рассеченные и раздутые тела, раздробленный профиль, странные шляпы – бурлескные формы были любимыми для знаменитого художника. Именно поэтому яркие сюжеты, пугающие своей силой и огромной притягательностью, так часто использовались автором, и до сегодняшнего дня не сходят с вершин художественного мира. Все просто. Ведь подобные картины Пикассо вызывают у зрителей неподражаемые, чувственные эмоции. А что ещё нужно для художника, который искренне передавал на холсте всю свою натуральную, подчас шокирующую, жизненную сущность.

текст Ксюша Корс.


ПАБЛО ПИКАССО - гений современного искусства

В Испании, в небольшом городе Малага, 25 октября 1881 года на свет появился малыш. Роды были тяжелыми, родившийся мальчик не мог дышать. Чтобы его легкие раскрылись, ему в носик вдули сигаретный дым. Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика» и вместе с тем величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо.

Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве. Его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить.

Пабло был избалованным ребёнком. Родители души не чаяли в их единственном и к тому же очень красивом сынишке. Он ненавидел школу и очень часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя из домашней голубятни.

Кроме голубей, он очень любил искусство. Когда Пабло было десять лет, отец часто брал его с собой в колледж, где работал учителем рисования. Он мог часами наблюдать, как отец рисовал, и иногда даже помогал ему. Однажды, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты. Когда он вернулся, то увидел, что Пабло закончил картину. Она была настолько прекрасной и живой, что он отдал сыну свою палитру и кисти и больше никогда не рисовал сам. Тогда Пабло было всего тринадцать, но он уже превзошел своего учителя.

С тех пор краски и кисти стали жизнью Пабло. Было очевидно, что он гениален. Но, к разочарованию многих, его искусство не было классическим. Он всегда ломал правила и каноны традиционного искусства и шокировал своими странными, но такими энергетически мощными картинами. Больше всего он был известен картинами в стиле «кубизм» – живопись с использованием простых геометрических фигур. Например, людей он изображал треугольниками и квадратами, вырисовывая части тела и черты лица совсем не в тех местах, где им положено быть.

Его работы перевернули представление людей о современном искусстве. Теперь оно ассоциируется с именем Пабло Пикассо. Одним из шедевров современного искусства считается его картина «Герника», написанная в 1937 году, на которой художник запечатлел бомбежку небольшого городка во время гражданской войны в Испании.


Герника, Пабло Пикассо, 1937

Картина является всеобщим протестом против бомбардировки нацистов на город Герника. Она наполнена чувствами насилия, агонии, горя и страдания. От неё веет трагическим ощущением смерти, уничтожением и разрушением. На картине нет ни бомб, ни города, только пламени огня.

Образы, изображённые на полотне, переданы достаточно в упрощённой форме. Создаётся ощущение нахождения в подвале. На лице мужчины и женщины, которые обращены к зрителю, выделяется широко открытый от крика рот, сдвинутые выше лба глаза и отверстия ноздрей. В правой части полотна можно наблюдать фигуры, которые бегут от горящего здания.

Их окна этого здания падает женщина. Возле мужчины, у которого подняты руки вверх, видны два человеческих очертаний лица, которые напряжены и встревожены, но наполненных решимости. В левой части полотна изображена рыдающая мать, с запрокинутой назад головой, держащая в руках умершего ребёнка. Это образ символизирующий горе всех матерей. Смерть их детей. Рядом с ней виден образ быка с явно выраженным равнодушием, который топчет падшего воина. В его руках сломанный меч, он находится в позе, чем-то напоминающее распятие.

Воин символизирует зрителю физическое страдание. Символ быка – это жёсткость, олицетворение фашизма, а лошадь –страдание невиновных. Женщина, изображённая с профилем античной богини, держит горящий светильник с выдвинутой вперёд рукой. Вместо зрачка у неё электрическая лампочка. Её рот широко раскрыт, она кричит, но её уже никто не слышит. Лошадь бьётся в припадке конвульсии. Над всеми этими изображениями расположена лампа накаливания.

Всё кругом гибнет и разрушается. Картина наполнена символами гнева, боли и мести. Большую роль играют линии, местами тонкие и круглые, а то вдруг острые и преломляющиеся. Они как бы выражают человеческую психику с ужасом и болью.


PICASSO GUERNICA,1937 MUSEO NACIONAL REINA SOFIA MADRID

В общей сложности Пикассо создал более 6000 картин, рисунков и скульптур. Сегодня его работы стоят несколько миллионов долларов. Однажды, когда министр Франции был в гостях у Пикассо, художник случайно пролил немного краски на его штаны. Пабло извинился и предложил оплатить счет за чистку брюк, но министр сказал: «Ни в коем случае! Вы всего лишь расписались на моих штанах!»

Пабло Пикассо ушел из жизни из-за сердечной недостаточности после перенесенного гриппа в 1973 году.


ПАБЛО ПИКАССО: все эпохи в одном художнике

На сегодняшний день Пабло Пикассо по праву считается одним из самых дорогостоящих художников по результатам современных аукционов. Свои первые работы нетривиальный испанский художник создал на заре 20 века, а всего на его счету – несколько десятков тысяч полотен и скульптур. Он не был «зациклен» на каком-то одном стиле, а искал способы и виды самовыражения в разных художественных направлениях. О работах Пикассо невозможно судить по одной-двум работам: свой богатый внутренний мир он переложил на язык красок, в каждой картине сделав это отличным от предыдущей способом. Внушительный почти столетний век его творчества принято делить на множество периодов:

Ранний период, когда происходила проба кисти, поиск настроений и смелые эксперименты. В это время он живет в Барселоне, затем уезжает в Мадрид, чтобы обучаться искусству, впоследствии – снова в Барселону.

«ГОЛУБОЙ» ПЕРИОД.

Переезд в Париж и знакомство с импрессионистами глубоко способствовали становлению и огранке таланта испанца. В картинах 1900-1903 года он увековечивал различные проявления печали, грусти, меланхолии.

Специалисты относят к этому периоду картины, датированные 1901—1904 годами. Преобладают глубокие холодные сине-зеленые и серо-голубые цвета, цвета уныния и печали. Пикассо считал голубой «цветом всех цветов».


Завтрак слепого

Картину «Завтрак слепого» Пабло Пикассо написал в 1903 году, когда ему было всего 22 года. Данная картина создана в ранний период творчества испанского художника. Период с 1901 по 1905 год творчества испанского гения критики назвали «голубым», так как в это время в работах Пикассо преобладал синий цвет, который он называл «цветом всех цветов».

В творениях «голубого периода» чаще всего изображены бедняки, нищие, одинокие и обездоленные люди. Данная тематика была очень популярна среди художников проживающих и творящих в Испании. Картина «Завтрак слепого», является характерной работой для раннего Пикассо, где в центре всегда стоит человек в окружении разных предметов и внутренних переживаний. С помощью тонких деталей, художник пытается передать зрителю меланхоличные, а местами и трагичные эмоции.

Главное внимание в работе «Завтрак слепого», сосредоточено на слепом человеке изображенного синими красками, который пытается правой рукой нащупать ярко коричневый кувшин с вином, символизирующий христианство. В левой руке у него маленький кусок хлеба, а на столе стоит пустая миска.

Худощавое вытянутое тело, длинные чувствительные пальцы, бедный стол в полной мере передают беспомощность, обреченность и страдание.

Усугубляет трагизм картины, глаза человека вместо которых, изображены две серых впадины. Картина заставляет зрителя почувствовать ту беспомощность и обреченность слепого человека, который живет в бедноте и полном одиночестве.

На написание такой печальной картины, художника безусловно подвигла, его бедная жизнь в Барселоне, так что в этом унылом образе слепого и бедного человека художник видел себя и пытался передать собственные эмоции и переживания, подчеркивает столь глубокие переживания синий холодный цвет.



Пабло Пикассо (1881-1973) Период: 1889-1907: 1901 Le gourmet (Le gourmand)"
Гурман

Уже с маленького возраста маленький мальчик Пабло начал рисовать некоторые детали на картинах отца, а через год была им написана более взрослая работа с названием «Пикадор».

Далее, становление Пикассо, как художника, было стремительным. Окончив блестяще Королевскую Академию изящных искусств в Мадриде, он приезжает в Париж и почти ежедневно посещает там различные выставки и музеи, изучая полотна великих Веласкеса, Эль Греко и Гойя. Немаловажную роль на его творчестве сыграл большой интерес к работам Делакруа, Ван Гога и Гогена. Испытав на себе влияние импрессионизма, он уже к 20 годам приобретает индивидуальный стиль письма, а Париж настолько его впечатляет, что в 1904 году он навсегда переезжает сюда.

В конце 1901 года у Пабло происходит поворот в новую гамму живописи – голубой и холодный синий тонам. По возвращению в Барселону, начинается голубой период художника, и он пишет главные свои шедевры.

В картинах «голубого» периода преобладают акценты синего цвета и его оттенков. Однако, это не единственная особенность его работ. В это время наиболее ярко выражается индивидуальность художника. Если в первых полотнах прослеживался след постимпрессионизма и импрессионизма, а также академизма, то в последующие работы принципиально новые по жанру. Уже более чётко выражен образ, всё лишнее из композиции убрано, и остаётся только главное, что раскрывает авторский замысел, передавая его эмоциональное состояние.

На картине «Гурман» изображён грустный ребёнок, возможно, из нищей семьи, который доедает последний капли похлёбки и маленького куска хлеба. Кроме этих яств, видимо, ему более нечем питаться.

В картинах «голубого периода» художник достаточно ярко выражает темы старости, смерти, нищеты и меланхолии. Печаль – вещее звено этого периода. Он изображает опечаленных и страдающих людей.



«Нищий старик с мальчиком»

Пикассо пишет картину «Нищий старик с мальчиком» в 1903 году, этот период его творчества принято называть «голубым». Картины мастера этих лет привлекают внимание голубыми и насыщенно-синими красками. Для Пикассо это цвета печали и грусти, душевной меланхолии и тоски.

Художник взволнован проблемами одиночества, физических увечий и бедности, передавая волнение и зрителям картин. Частые персонажи полотен «голубого» периода – нищие, убогие, бродяги, проститутки и алкоголики. Люди на картинах имеют отрешенный вид, они потеряли счет времени и гармонию, как с окружающими, так и с собой. Погружение в голубой цвет Пикассо было вызвано самоубийством его близкого друга.

«Нищий старик с мальчиком» — ранняя картина мастера, на которой видно, что до коронного кубизма тот еще не дошел. Главное изобразительное средство здесь – линия и монохромность. Старик и мальчик написаны четко, правдиво, без прикрас. Картина полна поэзии, лирики и гармонии.

Прототипов персонажей, изображенных на полотне, Пикассо мог без проблем наблюдать в Барселоне, где проживал на тот момент. Именно поэтому старик и мальчик так правдивы. Четкими линиями мастер прорисовывает и показывает зрителю изнеможённость людей, предел их сил, они голодны, тощи и почти бесплотны. Это и делает персонажей Пикассо одухотворенными. Фигуры статичны, но линиями художник показывает их беспокойство, внутреннюю работу мысли. Мальчик грустен и думает о чем-то своем, доедая последнюю пищу. Старик смотрит грустным взглядом вперед, он загадочен и кажется величественным подобно статуе.

Картина «Нищий старик с мальчиком» по цветовому спектру признана самой «голубой» в этом периоде. Фигуры людей и задний фон прописаны глубоким синим цветом. На синей стене фона четко выделяются фигуры нищих благодаря темным линиям.



Пикассо «Женщина со скрещенными руками»

Стоит сразу сказать, что картина Пабло Пикассо, — «Женщина со скрещенными руками» является одним из самых дорогих полотен в мире. Теперь непосредственно о полотне, которое по всему его виду можно отнести к «голубому периоду» мастера, и, естественно, входит в тот список картин, которые оставляют после себя большое количество разных вопросов и загадок. Полотно было написано в тот период жизни, когда Пикассо метался между Испанией и Францией.

Если верить одной из теорий, то «Женщина со скрещенными руками» имеет такое холодное название и свое воплощение, в основном из-за того, что Пикассо выполнял свои работы в основном в ночное время суток, а именно после захода солнца и до того момента, когда она взойдет.

Такой оттенок картины обусловлен тем, что при искусственном освещении они приобретают более голубоватый оттенок, при этом сам художник еще более усиливал этот эффект добавляя более насыщенного и глубокого голубого оттенка.

На полотне в профиль изображена женщина, лицо которой достаточно сложно полностью разглядеть, но понятно в ее образе только то, что ее одолевает какая-то проблема, боль или горе. Из-за большой серьезности происходящего, вполне ясно создается впечатление о том, что женщина имеет большой жизненный опыт, но ее жизнь омрачилась глубокой трагедией.

Особенное внимание акцентировано именно на позу этой дамы, которая скрестила свои руки. Вся эта поза говорит о том, что женщина смирилась со своей жизнью, по всей видимости довольно горестной и она смиренно несет свой крест.

При первом просмотре картины, может показаться, что она достаточно проста, но она поражает своим глубоким смыслом. Картина признана настоящим шедевром «голубого периода» художника, ей продолжают восхищаться все зрители, которым посчастливилось увидеть ее в оригинале или хотя бы репродукцию.


Picasso Amant de l'absinthe. 1901. 73 x 54 cm. Oil on canvas

«Любительница абсента» гениального Пабло Пикассо была представлена на суд зрителей в 1901 году. Надо сказать, что это была далеко не первая картина, изображающая абсент – столь популярный среди парижской богемы того времени напиток. Молодой Пикассо в каком-то смысле отдал дань тогдашней моде, посвятив ему одно из своих творений.

На картине мы видим типичный для того периода сюжет – одинокий человек в кафе. В случае с Пикассо эта усталая женщина, пьющая абсент. Как известно, он славится своим умением погружать людей в мир фантазий и галлюцинаций. Последним, кстати, и объясняется его популярность у творческих личностей. Полынный напиток был своеобразной музой многих художников и писателей той поры. Поэтому не исключено, что героиня картины также является человеком искусства.

Впечатление от картины может сложиться довольно тягостное, т.к. изображенная сцена исполнена драматизма. Обреченный вид женщины выражает крайнюю степень одиночества и даже заброшенности. На это намекает и чересчур большая кисть правой руки – словно дама пытается обхватить и от чего-то защитить ею себя. Или, быть может, отгородиться от людей и всего этого мира. По лицу можно понять, что женщина глубоко погружена в свои мысли и находится где-то далеко за пределами этого кафе.

Вместе с тем у зрителя может создаться ощущение, что взгляд героини обращен прямо на него, как будто она изучает и пытается разгадать его. На губах женщины некое подобие улыбки, но улыбка эта не радостная, а скорее саркастичная. Лицо женщины угловатое, взгляд сумрачный и опустошенный. Тело ее застыло в своей неподвижности, даже как будто окаменело. И в то же время фигура выдает ощущение нервности и напряженности.

«Любительница абсента» представляет собой полотно невероятной степени колористики. Столь контрастные краски были выбраны художником не случайно. Они призваны подчеркнуть контраст человеческой жизни и ее обстоятельств. Краски излучают, с одной стороны, внешнее спокойствие, а с другой – говорят о внутренней борьбе, происходящей в душе героини. Позади виден угол, который очерчивает темная полоса. Возможно, он символизирует жизненный тупик, в котором оказалась эта несчастная женщина.

РОЗОВЫЙ ПЕРИОД

«Розовый» период ознаменовался новыми персонажами в его шедеврах: артистами, циркачами. К этому периоду относится и «Девочка на шаре» из Пушкинского музея. Атмосфера грусти в творчестве Пабло разбавлена более светлыми, романтичными настроениями.


Picasso Acrobate a la boule (Fillette a la boule). 1904-5

Это, пожалуй, одна из самых известных картин Пикассо. Свой шедевр художник написал в 1905 году. «Девочка на шаре» знаменует собой новый период в творчестве Пабло Пикассо, который исследователи назвали «розовым». Полотна художника становятся более жизнерадостными и позитивными. Основные герои его картин в это время – люди циркового искусства. Стоит отметить, что в выборе тематики Пикассо был не одинок. Многие художники в начале века запечатлевали циркачей, ощущая с ними некое духовное родство.

На холсте «Девочка на шаре» Пикассо изобразил бродячую труппу акробатов. В центре композиции находятся двое артистов – девочка-гимнастка и силач. Ребенок балансирует на шаре, репетируя свой номер. Фигурка девочки грациозно изогнута, она подняла руки, чтобы удержать хрупкое равновесие. Атлет сидит неподвижно, его мощное тело исполнено спокойствия. Двое артистов резко контрастируют друг с другом. С одной стороны, хрупкость и порывистость тоненькой девочки на шаре, а с другой – сила, мощь и статичность мужчины, сидящего на кубе.

Основным выразительным средством Пикассо по-прежнему остается линия. Но в отличие от картин «голубого» периода, здесь мы видим еще и перспективу. В полотне «Девочка на шаре» строится с помощью нескольких горизонтальных линий и маленьких фигур на заднем плане (женщина с ребенком и белоснежная лошадь). Из-за этого картина не выглядит плоской, в ней есть легкость и воздушность.

В качестве фона выбрано изображение голой пустыни или степи. Эта обстановка не слишком соответствует настроению цирка. Тем самым художник подчеркивает, что жизнь этих людей не состоит только из веселья, ликования и аплодисментов зрителей. В ней есть также нужда, горе, болезни.

Очень характерна и цветовая гамма, выбранная художником. Голубой цвет, столь любимый Пикассо, остался лишь в одежде атлета и гимнастки. А в остальном в картине преобладают оттенки розового цвета.



Мальчик с трубкой 1905

Ярким представителем «розового периода» творчества испанского художника Пабло Пикассо является картина «Мальчик с трубкой». В момент написания этого полотна гению кисти было всего лишь 24 года; писал он ее на Монмарте, в общежитии Бато-Лавуар в 1905 году. На картине можно видеть неизвестного человека-мальчика, который держит трубку в левой руке, а на голове его надета корона из больших ярких роз.

Портрет «Мальчик с трубкой» на протяжении долгого времени являлся особенным, главным произведением в собрании известного коллекционера Америки – Дж. Уитни. В недалеком 2004 году изображение неизвестного ребенка ушло с аукциона «Sotheby’s» за 104 млн. доллара. Стартовая цена в 70 млн. долларов уже была беспрецедентной для рынка искусства.

Насколько высокая стоимость вполне объяснима. В первую очередь, провенанс портрета был безупречным. Во-вторых, картина «Мальчик с трубкой» уникальна – работы раннего Пабло Пикассо очень редко можно встретить на рынке; практически все представители его «розового» и «голубого» периодов относятся к музейным экспонатам.

Такая цена в тот момент стала рекордной, обогнав цену, которая держалась на протяжении 15 лет на картину кисти голландского мастера Ван Гога под названием «Портрет доктора Гаше». Рекорд суммы за «Мальчика с трубкой» держался 6 лет, до 2010 года.

В выборе красок мастер отдал предпочтение розово-золотистым, розово-серым тонам; синий костюм на ребенке является символом болезненности и отрешенности этого человека от всего мира.

Интересны обстоятельства написания шедеврального полотна Пикассо. Он являлся представителем парижской богемы, яркими представителями которой был Гийом Апполинер, художник Жорж Брак, Амадео Модильяни, Анри Матисс. Но с другой стороны он проживал в очень бедном квартаре, общаясь с местными жителями, совершенно нищими и потерянными людьми.

В круг его знакомых входили проститутки, бродячие артисты, уличные торговцы. Портрет «Мальчик с трубкой» изображает маленького Луи, уличного мальчишку, который стал приятелем великого испанского художника. Ребенок часто наблюдал за работой мастера, и с течением времени сам стал персонажем его полотен.

Не удивительно, что такая загадочная работа занесена в книгу рекордов Гинесса как одна из самых дорогих картин. Результат «розового периода» великого Пикассо «Мальчик с трубкой» уверено занял пятую позицию в этом списке.


АФРИКАНСКИЙ ПЕРИОД.

«Африканский» период был первым вестником перехода автора к собственно кубизму.


Les Demoiselles d'Avignon
Авиньонские девицы



Сама картина известного испанского художника и скульптора Пабло Пикассо под названием «Авиньонские девицы» практические возникла на почве его впечатлений от девушек публичного дома, расположенного в квартале Авиньон в городе Барселона (Испания). При этом сразу же стоит сказать, что первоначальная версия картины, была совсем другой, то есть на ней были изображены моряки и еще студент-медик который держал в руках череп, которые сидели около проституток. Череп обозначал смерть, а проститутки секс согласно замыслу художника. Однако идея вскоре претерпела изменения и Пикассо оставил на картине только пять «жриц любви», которые стоят перед шторой, открытой только наполовину. Также на картине изображен небольшой натюрморт из фруктов, размещенный в нижней части полотна.

Картина была написана Пикассо еще в начале прошлого века, то есть в 1907 году, и сама суть того стиля, в котором она была выполнена означает не что иное, как некий психологический вызов. А все потому, что изображенные на картине люди имеют достаточно резкие формы, больше напоминающие некую живую изгородь, нежели реальных людей. Это фирменный стиль Пикассо, который принес ему всемирную славу.

Процесс творения данной картины можно разделить на два этапа, каждый из которых имеет свои особенности. Причем первый из них был, по сути, наиболее продуктивным, потому как именно во время него художник смог изобразить три центральные фигуры девушек легкого поведения, за исключением головы женщины слева. В этой картине Пикассо презирает все правила основ художественного искусства времен Ренессанса, потому как специально изображает колени и груди девушек угловатыми, и обращает особое внимание на носы и тяжелые подбородки. Эксперты утверждают, что именно эта работа и стала предвестницей нового жанра искусства, а именно кубизма.



"Эрмитаж: Пикассо, Пабло - Три женщины

Картина «Три женщины» принадлежит к африканскому периоду Пабло Пикассо. В то время вдохновением для Пикассо служил некоторый примитивизм африканского искусства в сочетании с огромной магической составляющей. Африканские художники не старались передать достоверность или красоту. Им было важно заговорить природные силы, противостоящие человечеству в течение всей его истории.

В картине можно увидеть необычное сочетание африканских мотивов и новейших идей кубизма. Три женщины на картине Пикассо больше похожи на скалы – та же угловатость, резкие черты, даже цветом они неотличимы от скалы рядом.

Пикассо разрушает привычные формы предметов. Предметы и люди на картине статичны, застыв в определенных позах. Их фигуры состоят из множества плоскостей, выгнутых и вогнутых. Картина появилась в период, когда самого термина «кубизм» еще не существовало, он появился через несколько месяцев, не без влияния самого художника. Пикассо выступает одновременно консерватором (африканский сюжет) и новатором.

Это одна из первых кубических стилизаций, где Пикассо работает не с неживыми предметами, а с людьми. В своих натюрмортах того времени он вовсю использует сферы, конусы, цилиндры и иные геометрические формы. В отличие от картин, появившихся через несколько лет, в «Трех женщинах» еще нет полного отказа от формы, можно различить тела, лица, позы. Фигуры словно созданы грубоватым скульптором или плотником, вырубившим их при помощи примитивного топора. «Срезы» скульптуры закрашивались в различные оттенки красного цвета.

Несмотря на то, что не все оценили новое направление в живописи, для Пикассо картина стала поворотным моментом. Художник стал пользоваться уважением многочисленных коллекционеров (в частности, «Трех женщин» приобрели супруги Стайн) и окончательно перестал испытывать какие-либо материальные трудности


1908 La driade (Nu dans une forИt)
Пабло Пикассо «Дриада»

Великолепную габаритную картину «Дриада» или «Обнаженная в лесу», Пабло Пикассо написал маслом на холсте в свой африканский период.

Искусство Африки всегда привлекало художника. Он восхищался выставочными экспонатами в музеях, восторгался необычной притягательной силой магии скульптур, которые часто были грубыми, однако очень притягательными.

Картины была написана в 1908 году. Живописец изобразил на картине не то женщину, не то идола из дерева. Создается впечатление, что он просто вытолкнул из чащи древний лесной дух-божество – дриаду. Мастер кисти считал, что магию матушки-природы можно с легкостью передать магией красок. В раннем кубизме картина «Дриада» выгодно выделяется тем, что она наполнена энергией жизни, ведь деревянный истукан – не застывшая фигура, а жестикулирующая Галатея.

О том, что к написанию «Дриады» Пикассо подошел по-особенному, свидетельствует размер полотна. Тщательно продуманную композицию художник перенес на большой холст. Это говорит о том, что картина довольно значима.

Фон полотна своеобразен. Скульптурная фигура обрамлена двумя стволами мертвенных деревьев, которые образуют нишу. Сама же дриада выдвинута вперед. Цветовое решение тоже специфическое: лицо затемненное, а во всем образе преобладает оттенок желтой охры.
Главное, что впечатляет зрителя при рассматривании «Дриады», – упрощенная манера написания и огрубление при изображении женского тела.

К подобным действиям живописца побуждал эпатаж, ведь Пикассо стремился с помощью самых простых методов передать реальность. Его произведение не свелось к геометризации, оно имеет собственный смысл.

Таинственный мир «Дриады» мрачный, открыт для темных сил, его не озаряет свет солнца. Силуэт женщины, исполненный в коричневых оттенках (от светлого до темного) немного вульгарен, со скрытой энергией. Это свидетельство того, что художник часто размышлял над противоречивостью человеческой природы.



1908 Cinq femmes (Baigneuses dans la forИt)
Пабло Пикассо «Купальщицы»

Купальщицы Пикассо представляют целую серию картин, созданных в «Африканский период». Именно тогда художник начинает работать над идеограмамми (то есть рисунками, символизирующими определенные идеи). Картины переполнены разными знаками, в основе которых иберийское искусство.

Главным знаком всей серии картин становиться женское тело. В работах Пикассо она приобретает новое таинственно значение, символизирует

Основой мотив автор выбирает обнаженных женщин на фоне природы. Для работы с натурщицами у Пикассо была своя личная мастерская, где модель могла расслабиться и принять необходимое положение. Мотивом для серии Купальщиц послужил символ первозданности и естественности. Эти картины сопровождали Пикассо на протяжении всего творческого пути.
Своих купальщиц художник рисовал год за годом. Он сделал множество эскизов и зарисовок для этого сюжета, пытаясь исполнить их в разных художественных стилях. В это время направление серии купальщиц развивается в мотиве картины 1918 года. На то время он уже был известным мастером, создавшим кубизм и творившем абстрактные сюжеты.

Однако в своих купальщицах он неожиданно вернулся к классике, желаю разнообразить школу своими нововведениями. Вместе с тем он осознает все недостатки классического направления о чем и говорит в новых произведениях. Его купальщицы изображены в неестественном положении, с вывернутыми руками и ногами. Кажется, что еще секунду и они рассмеются зрителю в лицо. Все движения купальщиц практически переломанные.

Картина мастера «Купальщицы с мячом», написанная в 1928 году. Здесь его образы до безобразия упрощены. Три силуэта будто бы сделаны из обычного картона. Язык символов, придуманный автором еще в Африканский период, появляется на этой картине.


1928 Baigneuses au ballon4


КУБИЗМ.

Пикассо стал скрупулезно разбирать все, что он изображал на картинах, на большие и малые геометрические фигуры. Особенно интересно и новаторски смотрятся портреты, написанные в этой технике.


Пабло Пикассо (1881-1973) Период: 1908-1918: 1909 TИte de femme"
Пабло Пикассо «Голова женщины»


Пабло Пикассо творческая натура, он особенно любил рисовать женщин. В его жизни было несколько важных особ, которые сыграли роль муз. Они остались в истории, и их красоту запомнили множественные холсты. Портрет «Голова женщины» присутствует в каждом творческом периоде художника. Вот эта голова принадлежит Фернанде Оливье.

Она ворвалась в жизнь творца в очень тяжёлый период.

В 1904 году Пабло переживает смерть близкого друга. Чтобы избавиться от точки и мучительного одиночества он отправляется в Париж. Там художник и встречает смуглую служанку, которая вдохновляет, и становиться его возлюбленной.

Фернарда позирует и дарит свою неповторимую красоту без остатка. Этот портрет выполнен в технике кубизм. Конечно, не каждый сможет в этих острых гранях разглядеть тонкие женственные линии. Но Пикассо мог мыслить очень абстрактно. Ему недостаточно было стандартных форм и привычных плавных линий. Натура это просто муза – автор берет кисть и принимается импровизировать.

В начале их романа женщина рисовалась симпатичной и женственной. Но Фернарда настаивала на более серьезных отношениях, она хотела семьи. Тогда и родился этот странный некрасивый портрет. Он желал показать, что девушка раздражает ее.

В лице художник видел только некрасивые линии, и умело переложил ее недостатки на холст. Кубизм привлекает автора своими нестандартными формами, он находится в замешательстве. Явно необходимо что-то менять, его душа угловата и требует смены обстановки. Портрет явно передает нелюбовь к этой особе.

Женщина некрасива, среди углов и теней сложно увидеть настоящий облик натурщицы. Несомненно, этого и добивался художник, он рисовал чувства и переживания. Геометрические фигуры составлены хаотично, но, тем не менее, мы видим глаза и узкие губы.



1910 Portrait dAmbroise Vollard
Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара»

Пикассо создает эту картину в 1910 году.

Это творение написано им в стиле кубизма (аналитический его тип). Такой кубизм еще носит характерное название объемного. Все изображение состоит из отдельных частей. Каждый фрагмент отделен друг от друга и причудливо рассредоточен по пространству всего полотна. Создается впечатление, что это разбитое зеркало, составленное из осколков разного размера. Но в этом недавно сломанном зеркале еще можно угадать очертания того человека, который смотрелся в него не столь давно.

Художник изображает очень известного в Париже человека. Он торговал всевозможными произведениями искусства. В этом портрете можно угадать невероятно точный образ Воллара. В его одежде мы ощущаем некоторую щепетильность: платок белоснежного цвета выглядывает из его кармана. Известно, что Воллар был действительно невероятно элегантен.

Перед зрителем предстает разъятое на отдельные структуры лицо. Он состоит из плоскостей геометрического типа, которые предполагают обязательное интеллектуальное понимание этого необычного произведения. Цвета достаточно монохромны. Можно лишь ощутить довольно темные тона, преобладающие на общем фоне. Контрастов здесь практически нет. Здесь доминирует конструкция, все построение нарочито усложнено. Лицо героя невероятно драматично. Здесь кубизм наделен стилевыми особенностями абстракционизма.

Не может не поразить столь необычный угол зрения, открывающий зрителю даже затылок персонажа картины, но при этом мы не перестаем видеть его лицо. Совсем скоро именно эта работа станет для художников кубизма неким эталоном. Общепризнанно, что Пикассо изобразил Воллара в стиле кубизма более удачно, чем его изображали другие художники в обычном стиле реализма.

Воллар помогал деньгами многим уже достаточно известным художникам. Начинающие живописцы тоже удостаивались его поддержки, не только финансовой, но и моральной.

Пикассо сотрудничал с Волларом достаточно долго. Но он не смог понять кубизма художника

Этот портрет по праву считается лучшей картиной, которая была создано Пикассо в период его творчества, связанный с кубизмом.



1908 Femme nue assise
Пабло Пикассо «Сидящая женщина»

Свое творение «Сидящая женщина» Пабло Пикассо пишет в 1908 году. Знаменитый живописец к этому времени уже переживает «голубой» и «розовый» периоды творчества и вступает в новый этап жизни, переходя к кубическому стилю.

В центре необычной картины находится образ женщины. Она занимает собой практически все пространство полотна. Женщина эта не хрупка и тонка, как обычно изображают ее живописцы. Сидящая женщина Пикассо предстает грубой и полноватой. Она сидит, задумавшись, сложив руки, и, оперевшись на них головой. Ее лицо выражает глубокую работу мысли, глаза прикрыты.

Желая показать свою сидящую женщину зрителю такой, какой видит ее сам, Пикассо делает ее угловатой, это первые попытки показать один образ с разных сторон и точек зрения. Пикассо с помощью кубизма желает показать многогранность женского образа.

Женщина изображена не с помощью присущих ей плавных и тонких линий, а, наоборот, при помощи грубых, толстых, угловатых линий. Пикассо нарочно нарушает законы анатомии на полотне, делая ступни женщины непохожими на ступни нормальной дамы. Колени ее также изображены нереалистично.

На картине «Сидящая женщина» отсутствует перспектива. Задним фоном является простая гладкая стена, она однотонна. Вся палитра полотна монохромна, как впрочем, и многие другие творения мастера.

В этом творении Пикассо пользуется в основном гаммой оттенков коричневого цвета. Более темным он делает фон полотна, на котором одной темной четкой линией делит пространство комнаты на пол и потолок. Верхняя часть женского тела имеет такой же оттенок, что и стена. Для остального тела художник использует более светлый оттенок, близкий к телесному, чередуя его с размытым черным.

Хранится картина «Сидящая женщина» в России, в Санкт-Петербургском Эрмитаже.



1909 Femme Е lВventail
Пабло Пикассо «Женщина с веером»

Картина написано Пабло Пикассо в 1909 году. Картина написана в африканский период, когда живописец находил вдохновение в архаическом африканском искусстве, его примитивных формах.

Художник старался найти те средства выразительности, которые бы могли выразить то уникальное, что было открыто внутреннему зрению живописца.

Пикассо посетил в 1907 году выставку африканской скульптуры, которая проходила недалеко от Парижа, во дворце Трокадеро.

Художник понял, что ему удалось наконец-то те уникальные средства, которые бы позволили с максимальной силой выразить дух современности. Натура у Пикассо нарочито деформируется. С помощью особых мазков мастери создает необычные, словно вырубленные очертания каждого предмета.

Художник не просто видел декоративность деревянных скульптур. Он понял, что в них воплощались все мысли и идеи. Живописец отражает в своих произведениях особую напряженность и их наполненность драматизмом. Мы ощущаем всю внутреннюю сложность каждого образа.

Пикассо творил лишь подобно самой натуре. Каждое его творения представляло собой систему знаков, которые наполнялись невероятным внутренним смыслом. Пикассо говорил о том, что знаки необходимы именно для этого. Африканская скульптура помогла сформироваться этому особому отношению художника к собственному творчеству.

На полотне детали становятся настоящими пластическими знаками. Мы видим даму, сидящую в кресле. В одной руке она держит веер, а в другой – изящный зонт. Необычные грани насыщают все пространство этого творения. Каждый предмет изображается под особым углом, который позволяет ощутить особый ритм всей поверхности в целом. Лицо дамы напоминает характерную ритуальную маску. Оно взаимодействует с вазой. Особое освещение и особый тон каждой детали усиливают максимальную напряженность игры. Взгляд модели – особый. Он усиливает особое поистине зловещее впечатление.

Весь колорит полотна, который представляет особое сочетание серого и зеленого с пятнами рыжего оттенка способствует тому же самому. Каждый предмет словно выдолблен из дерева.

Живописец, словно скульптор. Он вводит в пространство живописи еще одно измерение. Пикассо говорил о том, что из разрезанных и вновь собранных картин можно создать скульптуры.



1912 Violon vertical

Картины Пикассо долгое время никем не были признаны, так как их ровным счетом никто не понимал, а тех, кто находил в них некое обаяние, можно было пересчитать по пальцам одной руки. Так продолжалось вплоть до того как он стал писать в собственном стиле, получившем название кубизма. А лучшие его картины были написаны еще в раннюю пору жизни, и среди них «Скрипка», год написания, которой 1912. Причем художник, как всегда, отходит от традиционного изображения предметов, он предпочитает дать зрителю возможность самому осмыслить увиденное и составить целостное изображение.

Вот и скрипка разобрана на сотни мелких деталей, сложить которые предоставляется возможным каждому. При этом все отдельные детали этой скрипки сплочены воедино, каждая из них вырисована с очень высокой точностью и детальностью. Целью художника стало не само изображение скрипки, а желание запечатлеть музыку, которую можно получить при помощи скрипки. Музыку, которая звучит синхронно творчеству самого художника, увлекшегося в это время музыкой и музыкальными инструментами.

Картина размещена в яйцевидном овале, по задумке художника именно овал должен был напоминать зрителю о скрипке. Для того чтобы показать зрителю, что это действительно скрипка Пикассо вклинивает в картину деревянные элементы, служащие прекрасным напоминанием о том, что перед взором самая настоящая скрипка, увидеть которую способен только мыслитель.

Картина написана в стиле кубизма, но это уже не ранний кубизм, а более зрелое его осмысление, которое художник выразит в последующих картинах, все, также ставя перед поклонниками своего таланта неразрешимую задачу, и вопрос: что, же хотел сказать великий мастер в этой картине? Подобных картин у Пикассо было несколько, так как этот период его творчества целиком посвящен музыке, и потому спустя год в 1913 году появляется картина «Скрипка и виноград», «Кларнет и скрипка», и еще несколько картин этой же тематики.


1912 Violon et raisins


1913 Clarinette et Violon



1913 Violon et verres sur une table
Пабло Пикассо «Скрипка и гитара»

Когда простой обыватель смотрит на это самое полотно, то он долгое время не может понять, где здесь скрипка, а где гитара. И долго рассматривая его, обыватель всё же отойдёт от полотна, так ничего и, не поняв. Хотя на самом деле Пикассо изобразил здесь не сколько эти два инструмента, сколько их музыку, их душу. И как видно души у них одинаковы, просто подача разная. Но всё же если совсем уж формально приглядеться к полотну, то можно заметить и гитару и скрипку.

В принципе в манере своей живописи Пикассо не ушёл далеко от своего друга Дали. Но только если у последнего можно ещё как-то расшифровать его полотна, то у Пикассо это сделать несколько сложнее. Чувствуешь интуитивно, что это про музыку, но саму музыку передать невозможно, а вот художник доказал что это вполне реально. И ведь передал же, но иным путем – света и узора, неразберихи и гармонии. Всё как-то вместе и никак не врозь! Но ведь получилось нечто гармоничное и музыкальное и страстное, не смотря на спокойные цвета.

Пикассо верен себе, от него никогда не дождёшься нормального портрета или рисунка, или пейзажа или натюрморта. Это всегда будет абстрактно, это всегда будет визуально вызывающе, смело и никогда сразу не отвечающее на твои вопросы. Просто надо встать напротив полотна и призадуматься: «О чём ты, великое создание?» и если фантазия плюс ваша образованность дала вам правильный ответ, то значит, вы поняли мысль Пикассо. А понять его мысли – это постичь то, что неведомо многим и если такое случится, то можете смело зачислять себя в философы.

Просто не каждому даётся гений Пикассо, не всякий может услышать его музыку, его мысль, понять его фантазию и потому долгие годы его считали мягко сказать странным. И хорошо, что успели ещё при жизни признать великим мастером. Он хотя бы осознал, что его начали понимать.



1921 Musiciens aux masques [Trois musiciens]

Эта работа, написанная Пикассо в стиле синтетического кубизма, была создана им в Фонтенбло летом 1921 года. Принято считать, что она изображает умершего Гийома Аполлинера, Макса Жакоба и самого художника. Аполлинер изображен в виде Пьеро с кларнетом, Жакоб написан в образе монаха с аккордеоном, а Пикассо предстает перед нами как Арлекин со скрипкой. Сейчас полотно висит в Художественном музее Филадельфии.

Начало двадцатых годов, несмотря на стремительно развивающиеся военные события, стали наиболее плодотворными в жизни автора холста. Художник не подлежал военному призыву, поэтому в этот период он полностью посвятил себя творчеству. Первые годы мировой войны принесли ему покой и неиссякаемое творческое вдохновение. Он погрузился в работу и в уединении экспериментировал в формами и цветовыми палитрами.

Картина выполнена реалистично, но в ней нельзя не заметить неоклассицизм. Фигуры словно смоделированы отдельно друг от друга, нас не покидает ощущение, что они по отдельности наклеены на полотно. Благодаря выбранному автором стилю границы персонажей не выглядят жесткими. Они тяжеловесны, но контуры их тел словно расходятся в пространстве, позволяя увидеть объем, текстуру, настроение и движение.

Традиционные шутовские одеяния в стилистике «комедиа дель арте» для главных персонажей своего полотна известный испанский художник подсмотрел в труппе римского театра. Он пытался уловить каждую мельчайшую деталь, что позволило ему максимально реалистично передать образы друзей в своей работе. Он страдал от ограниченности выбранного стиля, который не позволял ему в полной мере воплотить все творческие мысли. Именно поэтому Пикассо стремится к тому, чтобы модернизировать сформировавшиеся каноны и добавить в них индивидуальности.



1930 Lacrobate

Полотно, которое на первый взгляд слегка удивляет и берёт оторопь от того, что не знаешь о чём именно тут можно или нужно говорить. Странная и неестественная фигура акробата вызывает недоумение и неприятие. Но потом, когда первые негативные эмоции начинают рассеиваться, то начинаешь понимать, о чём же это полотно.

Фигура действительно странная и явно схвачена во время самой работы акробата: или кувырок, или какое-нибудь сальто…

Непонятно только что именно хотел нам сказать этим, можно сказать, портретом, Пикассо. И если не получается его понять, то надо снова включать воображение или фантазию, или и то и другое сразу…

Но если представить что это не акробат, а простой человек, которого сломила судьба. От всех невзгод, проблем и неприятностей он сломился и превратился в ничто или в нечто не понятное. И в результате перед нами трагедия человека. И учитывая, что написана она была 1930 году, то можно представить, что именно хотел сказать этим полотном художник.

В Европе шёл надлом наций, в воздухе чувствовалось что-то явно опасное и неприятное. Потихоньку назревало что-то негативное, а Пикассо, между прочим, очень лояльно относился к Советской России. Он какое-то время был уверен, что такое же может наступить и в Европе, но позже он поймет, как же он был прав, изображая акробата в этой нелепой позе. Позже в 1939 году начнётся Вторая Мировая война. А это ломка, ломка целых наций, это новый поворот истории, который ничего хорошего не сулил. Годы спустя Пикассо именно поэтому и заговорит о картине, как о полотне с печальным началом.

Но фантазия может привести и к другому решению: он просто хотел изобразить каково это быть акробатом в цирке и как должно быть сложно им быть. И это кстати, тоже будет верно, так как европейцы держатся именно этой версии при пересказе полотна.


Прожив долгую и плодотворную жизнь, художник сменил множество направлений в искусстве, но кубизм по-прежнему остается вершиной его творчества.

СПАСИБО ЗА ВНИМАНИЕ!
Продолжение следует.

http://gallerix.ru/album/Picasso
http://opisanie-kartin.com
http://www.staratel.com/pictures/picasso/pic1.htm