Тангейзер:Я назвал свою первую рубрику о классической музыке первого Дневника "Любите ли вы Брамса"(название романа Ф.Саган и одноимённого фильма .Режиссёр Анатоль Литвак. В главных ролях : Ингрид Бергман, Ив Монтан)...В ней,в самом начале уже собраны  значительные произведения великого композитора,его биографии...Четыре симфонии в т.ч.Сегодня в День 180 летия со дня рождения И.Брамса я что то повторяю в новом блоге,что то (Эмиль Гилельс) добавляю...У Брамса нет "проходных" вещей....Каждое произведение замечательно по своему...Но всех их объединяет талант великого Мастера...Прилагаю объёмный текст,который я "расцветил" иллюстрациями...) Слушаем,вспоминаем музыку...А вы любите Брамса? )

Лосев А.Ф.  Исторический смысл мировозрения Рихарда Вагнера

  Рихард Вагнер родился 22 мая 1813 года в Лейпциге в семье полицейского чиновника, умершего в год рождения сына. Семья Вагнера, его брат и сестры — все были страстными любителями театра, актерами и певцами. Отчим — Л. Гейер, сам актер, художник и драматург,— поощрял театральные интересы мальчика. Детство композитора проходит в Дрездене, где обосновалась его семья, а в Лейпциг он вернулся только в 1828 году, чтобы продолжать учебу в гимназии и затем в университете. Именно здесь Вагнер начинает серьезно заниматься теорией музыки, гармонией, контрапунктом, готовясь к композиторской деятельности, результатом которой явились его ранняя симфония (1832), первая опера—"Феи" (1833—1834), и пишет статью "Немецкая опера" (1834), в которой уже чувствуются раздумья Вагнера о судьбах оперной музыки.      

Зигфрид Вагнер (нем. Siegfried Helferich Richard Wagner; 6 июня 1869, Трибшен под Люцерном — 4 августа 1930, Байройт) — немецкий дирижёр и композитор. Сын композитора Рихарда Вагнера и его второй супруги Козимы, внук Ференца Листа. В 1908—1930 гг. был руководителем вагнеровского фестиваля в Байройте.

Зигфрид Вагнер был третьим ребёнком Рихарда Вагнера и Козимы, дочери Ференца Листа. Первоначально он планировал стать архитектором, но потом обратился к музыке. К его учителям принадлежал Энгельберт Хампердинк. Дирижёрский дебют Зигфрида Вагнера состоялся в 1893 г.

В 1906 г. Козима Вагнер передала сыну руководство Байройтским фестивалем (официально он занял руководящий пост в 1908 г.). Зигфрид Вагнер проявил себя как талантливый администратор, дирижёр и режиссёр. Так, в 1911 г. он широко применил возможности освещения в постановке «Парсифаля» и осуществил новую постановку «Нюрнбергских мейстерзингеров». В 1914 г. он поставил «Летучего голландца», в1927 г. — «Тристана и Изольду», в 1930 г. — «Тангейзера». В 1923 г. Зигфрид предпринял концертное турне по Америке с целью собрать средства для фестиваля 1924 г., первого после войны.

В 1930 г. Зигфрид Вагнер скончался от инфаркта, случившегося во время репетиции. Его сыновья Виланд (1917—1966) и Вольфганг(1919-2010) руководили Байройтским фестивалем после Второй мировой войны.

 Соч.: оперы (даты постановок) - "Лежебока" (1899; наиболее известное произведений Вагнера), "Герцог Вильдфанг" (1901), "Кобольд" (1904), "Весельчак" (1905), "Звездный закон" (1908), "Банадитрих" (1910), "Ангел мира" (1915), "Во всем виноваты шляпки" (1917), "Государство черного лебедя" (1918), "Солнечное пламя" (1918), "Мариенбургский кузнец" (1923), "Король язычников" (1933), "Райнульф и Аделазия", "Священная липа"; для оркестра - симфонические поэмы "Томление" (1895) и "Счастье" (1923); Скерцо (1923), концертштюк для флейты с оркестра (1913), концерт для скрипки с оркестром (1915); мужские хоры в сопровождении оркестра. 

Siegfried Wagner "Violin Concerto in one movement"

Концерт для скрипки с оркестром (1915)

Jenny Abel, violin
Nürnberger Sinfoniker
Gilbert Graf Gravina, conductor

Серия сообщений "Последний концерт - память":
Часть 1 - память
Часть 2 - Чарли Чаплин
...
Часть 8 - Ах, эта сирень!
Часть 9 - Оскар Строк - "Спи , моё бедное сердце..."
Часть 10 - Одинокий саксофон - памяти Микаэла Таривердиева
Часть 11 - Вера Холодная
Часть 12 - Памятник "Кармен" - Балет"Легенда" - Кармен Амайя
...
Часть 28 - У Антона Павловича Чехова сегодня день рождения
Часть 29 - Памяти Бориса Пастернака
Часть 30 - Красивая старость - Одри Хепбёрн

   Самостоятельный талант, образовавшийся при неблагоприятных обстоятельствах и победоносно вышедший из трудной борьбы.

 Г. Ларош

  Антонин Дворжак родился 8 сентября 1841 года в семье трактирщика, в расположившейся на берегу Влтавы деревушке Нелагозевес, близ Праги.  С шести лет он учился в сельской школе. Церковный органист (кантор) научил его играть на скрипке, а в девять лет Антонин уже играл в любительском оркестре. Закончив сельскую школу, юноша переезжает в город Злонице. Под руководством А. Лимана он учится игре на альте, фортепиано и органе. В 1857 году Дворжак переехал в Прагу и поступил в Органную школу. Ему преподавали Ферстер, Звонарж, Блажек. По окончании школы в 1860 он работал артистом в Пражском концертном ансамбле, а с 1862 по 1873 год в оркестре оперного театра.

  Антонин вынужден был давать уроки не слишком способным барышням из богатых семей, чтобы прокормить семью. Дворжак также играл на органе в соборе Св. Войтеха в Праге. Это было очень скромное и даже полунищенское существование. И все-таки он не оставлял мечты стать профессиональным композитором. Пять лет Дворжак довольствовался государственной стипендией, чтобы заниматься сочинением музыки. 

ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ
  Молодо-зелено
Джузеппе Верди однажды сказал:
Когда мне было восемнадцать лет, я считал себя великим и говорил: «Я". Когда мне исполнилось двадцать пять лет, я стал говорить: "Я и Моцарт". Когда мне стукнуло сорок, я говорил: "Моцарт и я". Теперь же я говорю: «Моцарт".
  Ошибочка вышла...
Однажды к дирижеру Миланской консерватории явился девятнадцатилетний юноша и попросил проэкзаменовать его. На вступительном экзамене он играл на рояле свои сочинения. Через несколько дней молодой человек получил суровый ответ: "Оставьте мысль о консерватории. А если уж вы так хотите заниматься музыкой, поищите себе какого-нибудь частного учителя среди городских музыкантов..." Таким образом, бесталанный молодой человек был поставлен на место, и случилось это в 1832 году. А через несколько десятков лет Миланская консерватория со страстью добивалась чести носить имя некогда отвергнутого ею музыканта. Это имя - Джузеппе Верди.

Джузеппе Верди – один из символов Италии. Наряду с Леонардо да Винчи и Микеланджело, Данте и Петраркой, он воплощает своим искусством самую суть итальянской культуры с ее стремлением к свету и утверждением высочайших гуманистических идеалов. В его творчестве – теснейшее сплетение реализма и романтизма, – самой жизни и желания видеть эту жизнь гармоничной. Великий драматург, Верди мыслил на уровне крупных форм, целостным драматическим масштабным действом. Композитора привлекают сильные личности и шекспировские страсти, а главным выразительным элементом музыкальной ткани для него оказывается самый уникальный инструмент – человеческий голос. Композитор практически не оставил произведений в жанре миниатюры, его могучее наследие составляет почти три десятка опер и один Реквием.

  Жорж Бизе родился в Париже 25 октября 1838 года и его нарекли именами трёх полководцев: Александра - Цезаря - Леопольда.

  В семье Бизе называли "Жорж", с этим именем он и вошёл в историю. Его родители отличались музыкальностью: отец был преподавателем пения, мать играла на фортепиано, она была его первой учительницей музыки. Четырёх лет Жорж уже знал ноты, десяти — поступил в Парижскую консерваторию, в которой учился девять лет. Несмотря на то, что он «отдался музыке лишь скрепя сердце» — Бизе более влекла литература, — занятия в консерватории шли успешно.

  Жорж Бизе получал премии на внутриконсерваторских конкурсах — по фортепианной и органной игре, полифонии и композиции. В 1857 он получил большую Римскую премию, предоставлявшую право на длительную заграничную командировку.  

Даже на фоне общего, неубывающего интереса к произведениям Шекспира у трагедии «Гамлет» – особая судьба. Ее сюжет вдохновил многих композиторов. К «Гамлету» писали музыку Ф. Лист, А. Тома, Г. Берлиоз, многие другие выдающиеся музыканты. Одно из ярчайших воплощений гамлетовская тема обрела в творчестве Дмитрия  Шостаковича. В 1932 году он создал музыку к спектаклю «Гамлет» в театре им. Е. Вахтангова в постановке Николая Акимова, в 1964 году написал музыку к одноименному кинофильму режиссера Григория Козинцева. На основе театральной и кинематографической постановок композитором были созданы оркестровые сюиты, обретшие в дальнейшем самостоятельную жизнь.

Образно-эмоциональный мир музыки Шостаковича, как и трагедии Шекспира, потрясает широтой и разнообразием. Высочайший сплав интеллектуального и эмоционального начал, характерных для творчества композитора, достигает здесь наиболее яркого воплощения. Автор глубоко проникает в образный мир, подтексты, характеры и взаимоотношения героев. Лаконично и одновременной мощно звучат отдельные темы – Гамлета, Призрака, Офелии. Музыка к «Гамлету», в значительной мере отразившая личный жизненный опыт композитора, – объемная, яркая, темпераментная, импульсивная.

Всякое новое открытие была для него истинным счастьем, восторгом, и он увлекал за собою, в пламенном порыве, всех товарищей своих. 
В. Стасов

«Менухин пережил трагедию, быть может самую страшную для музыканта — профессиональную болезнь правой руки, — писал Раабен. — Очевидно, она была результатом „переигранного" плечевого сустава (руки Менухина несколько короче против нормы, что, однако,  в основном  сказалось  на правой, а не левой руке). 

  Но несмотря на то что подчас Meнухин с трудом опускает смычок на струны, с трудом доводит его до конца, сила его щедрого таланта такова, что этого скрипача нельзя наслушаться. У Менухина слышишь то, что ни у кого другого — каждой музыкальной фразе он придает неповторимые нюансы; любое музыкальное творение словно освещается лучами его богатой натуры. С годами его искусство становится все более теплым и человечным, продолжая оставаться в то же время „по-менухински" мудрым».

Ференц Лист — венгерский композитор, пианист-виртуоз, педагог, дирижёр, публицист, один из крупнейших представителей музыкального романтизма. Основоположник Веймарской школы в музыке.
Лист был одним из величайших пианистов XIX века. Его эпоха была расцветом концертного пианизма, Лист был в авангарде этого процесса, имея безграничные технические возможности. До сих пор его виртуозность остаётся ориентиром для современных пианистов, а произведения — вершинами фортепианной виртуозности.
Активная концертная деятельность в целом завершилась в 1848 году (последний концерт был дан в Елисаветграде), после чего Лист выступал редко.

Как композитор Лист сделал массу открытий в области гармонии, мелодики, формы и фактуры. Создал новые инструментальные жанры (рапсодия, симфоническая поэма). Сформировал структуру одночастно-циклической формы, которая намечалась у Шумана и Шопена, но не была развита так смело.
Лист активно пропагандировал идею синтеза искусств (единомышленником его в этом был Вагнер). Он говорил, что время «чистых искусств» закончилось. Если Вагнер видел этот синтез в связи музыки и слова, то для Листа он более связан с живописью, архитектурой, хотя и литература играла большую роль. Отсюда такое обилие программных произведений: «Обручение» (по картине Рафаэля), «Мыслитель» (скульптура Микеланджело на надгробии Лоренцо Медичи) и множество других. В дальнейшем идеи синтеза искусств нашли широкое применение. Лист верил в силу искусства, которое может влиять на массы людей, бороться со злом. С этим связана его просветительская деятельность.
Лист вёл педагогическую деятельность. К нему в Веймар приезжали пианисты со всей Европы. В своём доме, где был зал, давал им открытые уроки, причём никогда не брал за это денег. Среди других его посетили Бородин, Зилоти и д’Альбер.
Дирижёрской деятельностью Лист занялся в Веймаре. Там он ставил оперы (в том числе Вагнера), исполнял симфонии.
Среди литературных работ — книга о Шопене, книга о музыке венгерских цыган, а также множество статей, посвящённых актуальным и глобальным вопросам.
 

"Ракоци марш" из Венгерской рапсодии №15.

Сам же жанр инструментальной рапсодии является изобретением Листа.
Правда, он не был первым, кто ввел это обозначение в фортепианную музыку; с 1815 года рапсодии писал чешский композитор В. Я. Томашек. Но Лист придал им иное толкование: под рапсодией он разумеет виртуозное произведение в духе парафразы, где вместо оперных мелодий используются народно-песенные и танцевальные мотивы. Своеобразием отмечена и форма листовских рапсодий, основанная на контрастном сопоставлении двух разделов — медленного и быстрого: первый более импровизационного склада, второй — вариационный *.

"Испанская рапсодия," исполняет Александр Лубянцев.

*
Любопытно, что аналогичное соотношение частей Лист сохраняет в «Испанской рапсодии»: медленная часть построена на варьировании темы фолии, близкой сарабанде; быстрая часть также основана на вариационном принципе, но в последовании тем обнаруживаются черты свободно трактованной сонатной формы..
 

"Венеция и Неаполь" 1/2ч, исполняет Борис Березовский.

В таком сопоставлении нашла отражение народно-инструментальная практика. Музыка медленных частей — горделивая, рыцарственная, романтически-приподнятая, то в характере медленного, воинственного танца-шествия, напоминающего старинный венгерский танец палоташ (сходный с полонезом, но двухдольный), то в духе импровизационного речитатива или эпического повествования, с обилием украшений — подобно «халгато нота». Быстрые части рисуют картины народного веселья, огневые пляски — чардаши. Лист часто использовал характерные фигурации, передающие звучание цимбал и богатство скрипичной мелизматики, подчеркивал своеобразие ритмических и ладовых оборотов стиля вербункош.

"Венеция и Неаполь"2/2ч.




 

"Канцона"

Густав Малер родился 7 июля 1860 года в небольшом местечке Калишт на границе между Чехией и Моравией. 

Он оказался вторым ребенком в семье, а всего у него было тринадцать братьев и сестер, из которых семеро умерли еще в раннем детстве.

Бернгард Малер - отец мальчика - был человеком властным и в небогатой семье крепко держал вожжи в своих руках. Может быть, поэтому Густав Малер до конца своей жизни "не нашел ни слова любви, говоря о своем отце", и в воспоминаниях лишь упоминал о "несчастливом и полном страданий детстве". Но, с другой стороны, отец сделал все возможное для того, чтобы Густав получил образование и смог полностью развить свой музыкальный талант.

Произведения из репертуара Ансамбля скрипачей Большого Театра.
Идея создания этого прославленного коллектива принадлежала концертмейстеру оркестра Большого театра Юлию Марковичу Реентовичу, руководившему ансамблем с 1956 года до своей смерти в 1982 году. Ансамбль скрипачей Большого театра был создан в конце 1955 года, а его первое публичное выступление состоялось 25 февраля 1956-го, и эта дата считается днем его рождения.

«Первые шаги ансамбля скрипачей, – пророчески писал тогда Дмитрий Шостакович, – нас убеждают в том, что будущее этого коллектива прекрасно, и он займет видное место в строительстве советской музыкальной культуры».

Реентович не был великим композитором. Он не был и великим скрипачом, лауреатом международных и всяческих конкурсов.

Его имени нет даже во всезнающей Википедии!
И нет ни одной видеозаписи выступлений некогда прославленного Ансамбля скрипачей Большого театра, основателем и бессменным руководителем которого он являлся.
Есть только скупые несколько строчек биографии, да рассказы о его коллективе в статье, посвященной скрипачке ансамбля и его последовательнице Марте Кушнирской 

Вот в эти несколько строк уложилась биография этого талантливейшего мастера:
Юлий Маркович Реентович, скрипач.

Родился 12 ноября 1914 в Тамбове. Отец - скрипач и педагог Марк Наумович Реентович, ученик Леопольда Ауэра.
В 1931 окончил Тамбовский музыкальный институт по классу скрипки профессор М.Н. Реентовича.
В 1931-1935 совершенствовался в Москве у Абрама Ильича Ямпольского.
С 1931 - артист, с 1952 - концертмейстер оркестра Большого театра.
С 1956 - художественный руководитель организованного им Ансамбля скрипачей Большого театра.
С 1976 - Народный артист РСФСР. Даже не СССР.
И всё.
Но внутри этих коротеньких биографических строчек - целая жизнь.
 

Фибих "Поэма"

Но какой же след на земле оставил этот человек, если даже спустя 30 лет после смерти его с благодарностью и восхищением вспоминают, ищут записи выступлений его коллектива - а ищут, как оказалось, многие! И до потери пульса радуются, когда все-таки находят.
А потом скачивают их себе и слушают, слушают, слушают...

Рахманинов "Вокализ"

Профессор Т. Докшицер:

«Юлий Маркович не замечал мелочей, заботился о каждом, отвечал за всех и делал все для всех. Ему, казалось, не мешали трудности и неудобства гастрольной жизни. Организационные неурядицы, которые порой возникали перед концертом, он преодолевал спокойно, тихо, гасил в себе раздражительную реакцию и к людям обращал улыбку и ободряющие слова. Его огромное человеческое обаяние в жизни и на сцене с одинаковой силой действовало и на окружающих, и на публику».

Шуберт "Аве Мария"

Давид Ойстрах так писал об этом ансамбле:

«Разумеется, все его участники и в первую очередь руководитель ансамбля, заслуженный деятель искусств РСФСР Юлий Реентович, талантливый музыкант, обладающий исключительным художественным вкусом, – скрипачи высокого класса, для которых, кажется, не существует технических или звуковых трудностей. Только при таком редком единстве музыки и исполнительской техники мог возникнуть столь удивительный и такой чудесный ансамбль».

Шостакович. Романс из к/ф "Овод".

Ансамбль был действительно удивительным и чудесным.
Это был первый и единственный в Союзе классический профессиональный ансамбль из 17-ти скрипачей, игравший в сопровождении рояля, без дирижера и без нот – они играли свои партии наизусть, тем не менее все скрипки звучали синхронно.И от этой божественной музыки, так пронзительно-проникновенно исполненной его ансамблем, хочется плакать - но не потому, что плохо, а потому что происходит какой-то катарсис, и душа начинает звучать в унисон этим стройно и светло поющим скрипкам

Специально написанных для скрипичного ансамбля произведений не было, не было и соответствующего репертуара - и лучшие композиторы Советского Союза создавали аранжировки классических произведений специально для этого коллектива, а также писали музыку именно для него. Среди них такие имена, как Г. Рождественский, Г. Заборов, Л. Фейгин, А. Гурфинкель, Р. Щедрин, А. Хачатурян, Е. Светланов, М. Чулаки.

Глюк. Мелодия из Оперы "Орфей и Эвридика"

За время своего существования он дал более двух тысяч концертов, выступал во многих городах  и почти во всех республиках Советского Союза, на целинных землях Казахстана, Алтая, Сибири.
Слушатели двадцати стран мира также имели возможность услышать этот необыкновенный ансамбль.

Бах. "Аве Мария" Поет Г.Олейниченко.

Фирма «Мелодия» выпустила более 100 грампластинок с его записями. И счастливые обладатели этих раритетов теперь ищут способы, чтобы их оцифровать.
Коллектив часто выступал на радио и телевидении, озвучивал кинофильмы, сопровождал выступления многих выдающихся артистов нашей страны.

Таривердиев.  "Не исчезай".

Это не был ансамбль "для музыкальной элиты" - они выступали на заводах и фабриках, в колхозах и совхозах, воинских частях и студенческих клубах. Артисты не считались с неудобствами и, когда не было настоящей сцены, играли на импровизированной.
Коллектив давал много и благотворительных концертов, особенно в начале своей деятельности.

Дворжак. "Мелодия"

Из рассказов о выступлениях коллектива
В пригороде Новосибирска играть пришлось в одном из рабочих клубов в нетопленном помещении.
Артисты вышли во фраках и платьях, мерзли пальцы.
В первых рядах зала оказались бабушки в белых платочках, в последнем – мужчины с бутылками: шум, гам...
Реентович приказал играть «Аве Марию» Шуберта.
В какой-то момент из первых рядов послышались рыдания. Когда смолкли последние звуки музыки, увидели в последнем ряду мужчин с так и не початыми бутылками в руках, они словно онемели.
Несколько секунд полного молчания, и взрыв аплодисментов с криками «Здорово! Давай еще!»
«Вот ради чего стоит жить», – резюмировал Реентович.

А в Лондоне выступление проходило в одном из лучших концертных залов.
Он был полон, но музыкантов удивило наличие полицейских.
Не успели артисты занять места на сцене и поднять скрипки, как из первых трех рядов поднялись молодые ребята с транспарантами в руках: «Убирайтесь в свою Россию...» Полицейские не вмешивались.
«Стойте с поднятыми скрипками», – распорядился Реентович.
Так и стояли 15 минут, пока публика сама разбиралась с «бунтовщиками». В конце концов большую часть удалось выпроводить из зала, а остальные свернули транспаранты и уселись слушать.
Концерт прошел с большим успехом, причем было замечено, что особенно рьяно аплодировали как раз эти первые ряды.

Шопен. "Грусть".

Пресса разных стран тоже приятно поражала единодушием.

Характерной была публикация в голландской газете «Де телеграф»:
«Ансамбль скрипачей Большого театра является коллективом новой музыкальной формы, не существующей нигде в мире... Необходимо заметить, что обработки всей исполненной программы были безупречны, и блестящее исполнение семнадцатью скрипками напоминало одну скрипку. Этот концерт, без сомнения, явился настоящим событием для Запада».
Увы, ничто не вечно под Луной.
В 1982 году Реентович умирает, не дожив двух лет до своего семидесятилетия.
Ансамбль, лишившись авторитетного руководителя, начал распадаться, и в 1984 году он прекратил свое существование.

Андрей Мягков не любит журналистов. Но Первому каналу удалось практически невозможное! Это первый фильм, в котором актер согласился рассказать о своей личной жизни.

Клавесин был изобретен ещё в древнейшие времена, а первые упоминания об инструменте были найдены в 1390 году, в записях, которые вёл один известный итальянский мастер. Ранее клавесин представлял собой короткий небольшой инструмент с очень увесистым корпусом. На сегодняшний день, клавесин – клавишный струнно-щипковый музыкальный инструмент, который имеет форму треугольника. Клавесин преимущественно использовался как один из солирующих инструментов в операх в качестве музыкального сопровождения. Однако, в начале 19 века инструмент потерял свою востребованность и вышел из моды. На смену клавесину пришли иные струнно-клавишные, такие как рояль и фортепиано.
Это произошло в результате коренной смены эстетических предпочтений. Эстетика барокко, в основе которой лежит либо ясно сформулированная, либо отчетливо ощущаемая концепция теории аффектов (кратко самая суть: одно настроение, аффект — одна звуковая краска), для которой клавесин был идеальным средством выражения, уступила место сначала мирочувствованию сентиментализма, затем более сильному направлению — классицизму и, наконец, романтизму. Во всех этих стилях самой привлекательной и культивируемой стала, наоборот, идея переменчивости — чувств, образов, настроений. И выразить это смогло фортепиано. Всего этого клавесин не мог сделать в принципе — в силу особенностей своей конструкции.

Возрождение клавесина, проходившие в Европе с конца XIX века, в нашей стране было фактически остановлено в середине 1930-х годов. Новый этап начался в послевоенный период. Он был связан с поставкой клавесинов немецких фирм, с гастролями зарубежных клавесинистов и с появлением отечественных ансамблей старинной музыки и исполнителей на клавесине. 

Д.Чимароза. Рондо для клавесина.

Композитор Валерий Александрович Гаврилин (1939—1999) известен как музыкант жанровых произведений, стилизованных в народном духе, его эстетике характерны русские народные черты, однако это не внешняя лубочность, а стремление к конкретным живым народным образам, существовавшим в контексте своего времени. Композитору принадлежат такие слова: «Мечтаю своей музыкой добраться до каждой человеческой души. Меня постоянно свербит боль: поймут ли?»
Совершенно неожиданным стало для В. Гаврилина обращение к балету. Он не ощущал себя композитором балетов, но это усмотрел режиссер Александр Аркадьевич Белинский в фортепианных пьесах Гаврилина. Дело кончилось тем, что режиссер взялся серьезно за работу с композитором, в результате чего в 1982 году родился балет «Анюта» на сюжет рассказа А. Чехова «Анна на шее»
Так возникло творческое содружество композитора и режиссера: один сочинял музыку, другой снимал по ней фильмы-балеты.
Последней их совместной работой стал фильм-балет «Женитьба Бальзаминова» по трилогии выдающегося русского драматурга 19 века А. Н. Островского — фильм 1989 года. Причем работа над музыкой и фильмом шла одновременно. В марте 1989 г. композитор закончил партитуру балета «Женитьба Бальзаминова», который уже нашел свое киновоплощение в фильме А. Белинского.
Однако балет существует не только в кинофильме, но и сам по себе как театральный спектакль.
Первое его театральное воплощение прошло в 1990 г. в Новосибирске, Новосибирский театр оперы и балета , где его поставил главный балетмейстер Новосибирского театра хореограф Вадим Бударин по собственной сценарной разработке .
Затем появились представления и на других сценах. Вадим Бударин повторил балет в Чувашском театре оперы и балета. Премьера спектакля состоялась 11 марта 1992 года, а в 2008 году спектакль был восстановлен.

Киностудия "Ленфильм", 1989 г. Фильм-балет по мотивам трилогии А. Н. Островского
Автор сценария и режиссёр-постановщик — Александр Белинский
Композитор — Валерий Гаврилин
Симфонический оркестр Ленинградского театра оперы и балета им. С. М. Кирова
Дирижёр — Виктор Федотов
Оператор: Эдуард Розовский, художник: Наталья Васильева.
Хореограф: Олег Тимуршин.
В ролях: Бальзаминов — Дмитрий Симкин (для артиста эта роль стала первой крупной в кинематографе, открыв ему путь в мировые звезды балета), Сваха — Татьяна Квасова, Белотелова — Екатерина Муравьева, Капа — Елена Алексеева, Устя — Маргарита Куллик, Неуедёнов — Николай Ковмир, Жених Капы — Игорь Соловьёв, Жених Усти — Игорь Морозов, Гусар — Александр Макаров, Генерал — Анатолий Гридин, Девушка — Алла Дмитриева.

Сюжет построен на трех пьесах А. Н. Островского о молодом человеке Мише Бальзаминове: «Праздничный сон до обеда» (1857 г.), «Свои собаки грызутся, чужая не приставай!» (1861 г.), «Женитьба Бальзаминова (За чем пойдешь, то и найдёшь)» (1861 г.).