АЛХИМИЯ

 

 

 

Альбрехт Дюрер, Фридрих Мудрый, берет

ТЭГИ: ГОЛОВНОЙ УБОРЫ

История Прообразом современного берета был, вероятно, кельтский головной убор. В Средние века берет получает широкое распространение, как среди гражданского населения, так и в армии. Об этом позволяют судить книжные миниатюры.

Лукас Кранах Старший. Мужчина в черном берете.

В эпоху позднего средневековья появляются указы о введении военной униформы, где в качестве основного головного убора фигурирует берет. Популярность берета в Европе начала падать с середины XVII века с появлением треуголки. Берет продолжили носить только некоторые военные подразделения (шотландцы и швейцарская гвардия папы римского).

Портрет мужчины в берете

«Второе рождение» берет пережил перед Первой мировой войной, когда его официально ввели в танковые войска и некоторые технические подразделения. [править] Вооружённые силы СССР и РФ В ВС СССР и ВС РФ берет носился либо как часть специальной форменной одежды (черный берет морской пехоты, голубой берет ВДВ), как предмет камуфлированного обмундирования (в пограничных войсках КГБ СССР), как головной убор для женщин (в СА и ВМФ СССР), как головной убор при технических видах одежды (в ВМФ и танковых войсках), реже — как отличительный знак (краповый берет ВВ МВД СССР). 

Raphael (Raffaello Sanzio)

и конечно могие художники любили этот головной убор, и не мало автопортретов существует.

Рембрандт Харменс ван Рейн Автопортрет в черном берете

Варнек Александр Григорьевич автопортрет

ЭНТОНИ КРИСТИАН АВТОПОРТРЕТ В БЕРЕТЕ

 

Морис Кантен де Латур. Автопортрет в берете. Ок. 1741 г.

 и портреты прекрасные с беретами:

Bronzino_Agnolo_The_Portrait_of_a_Young_Man_with_Lute_art_reproductions_b

Cranach_Lucas_the_Elder_Portrait_of_a_Young_Man_in_Beret_art_gallerys_prints_arts_b

Portrait of a Knight of Rhodes

П.Соколов Портрет неизвестной в красном берете

Старик в берете

Portrait of a Prelate 1580е г

HOOGSTRATEN, Samuel van

ВУТЕРС ЯН Старик в берете.

 

 

Корона (от лат. corona — венок, венец) — головной убор, являющийся символом монархической власти.Короны производились из различных драгоценных металлов (чаще из золота) и украшались драгоценными и полудрагоценными камнями.

Портрет Шарлеманя кисти Альбрехта Дюрера

 в Древнем Египте двойная корона фараона, украшенная символами Верхнего и Нижнего Египта - коршуном и змеей-уреем.

 

 А после того как в 3200 г. до н.э. объединились Нижний и Верхний Египет, у фараонов появилась бело-красная сдвоенная корона. Еще один головной убор фараона назывался “клаф-ушебти”, его составляющими были ленты, большой кусок полосатой ткани и обруч с уреем (змеей). 

 

                                                Фараон в белой короне Юга 

Короны могут иметь различную форму: шапки, венцы, обручи венчающиеся листьями, зубцами или пластинками.

Friedrich_III король Австрии.

Корона помещается на шлем или, как в государственных гербах, прямо над щитом (например, княжеская корона в гербе Лихтенштейна). Корона в гербе — наиболее распространённый класс геральдических знаков достоинства, указывающий на феодальный статус обладателя герба. Существует множество разновидностей корон, любая из них может встретиться в гербах, помещённая на шлем, над щитом или над мантией.

Jean_Paul_Laurens_Le_Pape_Formose_et_Etienne_VII_1870

Richard_II_of_England

В зависимости от титула их владельца короны делятся на:

императорские,
королевские,

КНЯЖЕСКАЯ КОРОНА
  (нем. Fürstenkrone), открытая корона, изображавшаяся на монетах нем. феодальных княжеств (см. Князь) и состоявшая из золотого, украшенного драгоценными камнями обруча с 5 видимыми зубцами (3 листа, 2 шарика) и 3 видимыми украшенными жемчугом дужками, соединенными наверху державой и охватывающими пурпурную шапку.
герцогские,
графские и т. д.

1) Мономаховская,
2) Царства казанскаго,
3) Михаила Федоровича,
4) Петра I Алексеевича,
5) Ивана V Алексеевича,
6) Елизаветы Петровны,
7) Екатерины I,
8) Анны Ивановны,
9) Большая императорская корона,
10) Корона императрицы.
Есть также папская корона — тиара.

Tiara

 

Появление относят к государствам Древнего мира (Древний Египет, Древний Рим, Шумер). Были очень распространены в государствах Европы в период развитого феодализма (с XI века). На Руси в качестве короны Великого князя, позднее царя использовалась шапка Мономаха, при императорах — Большая императорская корона.

Шапка Мономаха. Рисунок начала 1830-х годов, Ф. Г. Солнцев

 

Рисунок Большой императорской короны

 

Корона́ция, коронова́ние[1] — формальная процедура, символизирующая принятие монархом власти и её атрибутов (трона, короны, скипетра и т. п.). Не совпадает с моментом начала царствования (смерти или отречения предшественника, избрания). В европейской христианской культуре коронация — религиозная церемония, сопровождаемая обрядом помазания на царство (ветхозаветного происхождения).

Жан Фуке. «Коронация Карла VI Безумного в Реймском соборе (4 ноября 1380 года)»

В Средние века монархи некоторых стран короновались практически немедленно, в пределах дней, или редко недель, после начала царствования. Причиной этому было то, что некоронованный монарх считался во многих средневековых странах незаконным, безблагодатным; истинный король Франции должен был быть коронован в Реймском соборе и помазан из специального сосуда (ampoule).

Людовик IX - король Франции

Феодосий Великий

В Византии коронация императоров-соправителей приурочивалась к Пасхе. В Новое время после смерти предшественника стал объявляться многомесячный или годовой траур, препятствовавший немедленной коронации. Из соображений благоприятных предзнаменований коронацию с этого времени приурочивали к весне или лету.

Франц II - последний император Священной Римской империи

В христианских странах, начиная с V века (Византия, а затем западные королевства) возложение короны на голову монарха обычно производил высший церковный иерарх, но многие монархи (почти все российские, Наполеон I, некоторые британские) только брали у иерарха корону и возлагали её на себя сами.

Наполеон в полном императорском облачении

Регалии российских императоров

 Корона помещается на шлем или, как в государственных гербах, прямо над щитом (например, княжеская корона в гербе Лихтенштейна). Корона в гербе — наиболее распространённый класс геральдических знаков достоинства, указывающий на феодальный статус обладателя герба. Существует множество разновидностей корон, любая из них может встретиться в гербах, помещённая на шлем, над щитом или над мантией.

Карл Рейхель-портрет ИмператрицыАлександрыФёдоровны

Обычай украшать шлем короной появился у рыцарей в XV веке. Шлемы с коронами носили во время турниров, особенно в Германии, где увенчанный короной шлем считался признаком дворянства. Часто корона не является знаком королевского или княжеского достоинства, а выполняет чисто декоративную функцию. Эта геральдическая корона, или диадема, помещается на шлем в качестве нашлемника, поддерживает сам нашлемник вместо бурелета, или вместе с ним, располагаясь сверху.

 Портрет Людвига I, короля Баварии

В российской геральдике XVIII - начала XX вв. гербы всех государей, царствовавших после Екатерины II, содержали изображение её Большой алмазной короны, которой каждый из них венчался на царство. Княжескому титулу соответствовала т.н. княжеская шапка с выступающим над горностаевой опушкой красным или багряным (пурпурным) верхом. 

Портрет императрицы Екатерины II

Графская корона достоинства с девятью жемчужинами ничем не отличалась от своего немецкого прототипа, а баронская повторяла аналогичный знак достоинства, принятый во французской геральдике – высокий расширяющийся кверху золотой обруч, раз обвитый жемчужной нитью. Дворянская корона, как и соответствующая ей по рангу вариация немецкой, имела три листовидных зубца с двумя жемчужинами между ними. Изображения корон разных Типов в соответствии с дворянскими титулами.

Портрет Императора Николая Второго

С целью упорядочения герботворчества в Российской империи, в 1857 году бароном Кёне были составлены правила украшений гербов губерний, областей, градоначальств, городов и посадов. Они были Высочайше утверждены 7 мая, 4 и 16 июля того же года.

Портрет императрицы Марии Фёдоровны. 

В правила включены: классификация геральдических корон над щитами, украшения (венки) вокруг щитов, обвитые соответствующими лентами, и способ указания губернской принадлежности - в вольной части щита.

Портреты Императора Николая Александровича

Императорская корона (образца 1857 года) установлена для столиц империи (Санкт-Петербурга и Москвы) и губерний. Древняя царская (образца 1857 года) - для городов, имевших статус градоначальства, областей и уездов. Древняя царская, увенчанная двуглавым орлом - для городов, имевших статус градоначальства и крепости.

Портреты императрицы Евгении

Шапка Мономаха - для древних русских городов, бывших столицами великих князей (Киев, Владимир, Новгород, Тверь, Ярославль, Рязань, Смоленск и пр.); для Казани и Астрахани — соответствующие «именные» шапки (короны).

МАРИЯ ФЁДОРОВНА

Российская императрица, супруга Александра III (с 28 октября 1866), мать императора Николая II.

Мария -королева румынская

После убийства её мужа Александра в 1934 году Мария стала регентшей при своём несовершеннолетнем сыне короле Югославии Петре II.
 

Мария -королева румынская 

В 1945 году, после провозглашения Югославии Социалистической Республикой и изгнания короля, монархическое семейство отправилось в Лондон. Там Мария и умерла 22 июня 1961 года.

 

Элеонора

Алиенора (Алиенор, Альенора) Аквитанская 

В 15 лет — после смерти своего отца и брата, — Элеонора оказалась владетельницей герцогства Аквитания, занимавшего обширные территории на юго-западе Франции.

Элеонора Аквитанская

После расторжения брака с Людовиком Элеонора 18 мая 1152 года вышла замуж за графа Генриха Анжуйского, который 25 октября 1154 года стал королём Англии — Генрихом II Плантагенетом. Обширные аквитанские земли — её приданое, — раза в четыре превышавшие владения Капетингов, стали английскими. По мнению ряда учёных, именно в истории супружества Элеоноры Аквитанской следует искать истоки войны, получившей в XIX в. название Столетней. От первого брака у Элеоноры Аквитанской было две дочери, от второго — пять сыновей, среди которых — король-рыцарь Ричард Львиное Сердце.

MARIA THERESIA

Мари́я Тере́зия (нем. Maria Theresia, 13 мая 1717 — 29 ноября 1780) — эрцгерцогиня Австрии, король Венгрии (именно так, потому что Венгрией в принципе не может править женщина) с 25 июня 1741[1], королева Богемии с 20 октября 1740[2] (имела эти титулы лично, по наследству) и императрица Священной Римской империи (как супруга, а затем вдова Франца I Стефана Лотарингского, избранного императором в 1745). Основательница Лотарингской ветви династии Габсбургов. 

Коронационный портрет Елизаветы I

Елизавета I (7 сентября 1533 — 24 марта 1603), королева Бесс[1] — королева Англии и королева Ирландии с 17 ноября 1558, последняя из династии Тюдоров. Она унаследовала престол после смерти сестры, королевы Марии I.

Время правления Елизаветы иногда называют «золотым веком Англии», как в связи с расцветом культуры (т. н. «елизаветинцы»: Шекспир, Марлоу, Бэкон и др.), так и с возросшим значением Англии на мировой арене (разгром Непобедимой Армады, Дрейк, Рейли, Ост-Индская компания).

Анна Ярославна 6-я королева-консорт Франции

старшая из трех дочерей киевского князя Ярослава Мудрого от брака с Ингегердой Шведской, супруга французского короля Генриха I и королева Франции.

 

Император Китая. Гуансю 

Пу И, 

Эдуарда III, правившего в Англии в XIV веке

Портрет испанского короля 

Портрет короля (Волхв)

Король Англии Ричад I Плантагенет

Ян Матейко запечатлел Мешко 

Бонапарт Жозеф

Сейчас, как правило, монархи носят короны лишь в особо торжественных случаях.

 

 

 

 

Теги Головной Убор: БИОГРАФИЯ  ВЕЩЕЙ.

Чепец, чепчик — женский и детский головной убор. Представляет собой вязаный или шитый чехол, закрывающий волосы, может иметь завязки под подбородком. 

 

Wait_for_Me_Returning_Home_from_School

До конца XIX века в России чепец был домашним женским головным убором. Имел форму мягкого капора, украшался рюшем, лентами, кружевами и искусственными цветами.

kiprenskiy_portret_Adulinoy

В истории моды дамские чепчики известны давно. В X-XI веках во Франции носили платки типа вуали, которые покрывали и плечи, — именно из них возникли средневековые чепцы.

 

Emilio_Sala_y_Frances_1850_Sala_y_Tea_Time

У каждого чепчика было свое собственное название, которое могло быть связано как с формой: Flugelhaube — «крылатый чепец» — с наставками по бокам в виде крыльев,

 

R.van der Weyden - Eine Fraue mit Flugelhaube

 

По утрам, пока длинные волосы дам не были уложены в прическу, надевали чепец. Вот как описывается модель чепца для утреннего туалета в журнале "Парижские моды" за 1887 год; "Круглый фон из вышитого кремового тюля гарнирован кругом сборчатым, кружевным воланом, пришитым под тюлевую головку "бульоне". Посредине бант из узких бледно- розовых лент и высокий кружевной туф, перемешанный с петлями розовых лент".

Ян Стеен

В средние века в Европе появился чепец. Сначала его использовали для купания и сна как женщины, так и мужчины. Мужской чепец мог иметь длинный конец, свисающий набок. Позже мужчины от этого головного убора отказались, а ламы носили его до конца XIX века.

jean Huber

В романе Пушкина «Евгений Онегин» неоднократно встречается упоминание о модном некогда головном уборе — чепчике. В истории моды дамские чепчики известны давно. В X-XI веках во Франции носили платки типа вуали, которые покрывали и плечи, — именно из них возникли средневековые чепцы.

AVED, Jacques-André-Joseph

В России они стали известны благодаря реформам Петра I, но, как писал Пушкин в «Арапе Петра Великого»: «Барыни пожилые старались хитро сочетать новый образ одежды с гонимою стариною: чепцы сбивались на соболью шапочку царицы Натальи Кириловны...» Лишь в царствование Екатерины II они становятся наиболее популярным головным убором. А к началу XIX века чепчик является обязательной деталью утреннего домашнего костюма, который скрыт от глаз посторонних. На балах и при выезде чепчик можно было увидеть только на пожилых дамах.

Портрет неизвестной в чепце. Теребенев М.И.

Некоторые английские чепцы имели вид двух рогов, над которыми развевается парус.

В Бургундии большинство чепцов делалось в форме сахарной головы и втрое, если не вчетверо, длинее лица: поверх такого убора набрасывалось покрывало из тончайшего брабантского полотна. Многие чепцы состояли из двух сахарных голов и тоже украшались развевающимся покрывалом. Чепцы эти были до того тяжелы и непрактичны, что удивляешься, как они могли войти в моду.

Лилла Перри Маргарет Перри в чепце 1890 г

Жена Карла VI Изабелла Баварская первая ввела в моду огромные чепцы, совершенно скрывавшие волосы, и мода эта скоро привилась в Нидерландах, Германии и Англии. При дворе той же Изабеллы возник впоследствии отвратительный обычай брить брови и волосы на лбу, чтобы последний казался выше. Когда со временем французская мода освободилась от влияния бургундской, обычай прятать волосы все же продолжал еще существовать. Длинные волосы встречаются только у Мадонны и у святых на картинах живописцев.

чепец со множеством мелких складок — крузелер

У венецианского дожа такой чепец является одной из принадлежностей торжественного облачения; поверх него дож надевает дорогую, вышитую золотом шапочку в виде рога, которая, очевидно, ведет свое происхождение от фригийского колпака.

WLANL mystic_mabel Portret_Anna_de_Looper,_Abraham_Rombouts,_1627

Eleanor_James_from_NPG

В Бургундии предпочитали так называемый бургундский чепец, род колпака со свешивающимся концом, окруженного плетеной подвязкой из дорогой тафты, и высокую конусообразную шляпу без полей. В большом употреблении был также круглый чепец, облюбованный рыцарями еще в Средние века, напоминающий детский или женский ночной чепчик.

И. У. Линдх. София Маргарета фон Гартман. XIX век

Emilio_Sala_y_Frances_18501910_Sala_y_Tea_Time

В XIV и XV веках в Европе господствовала французская мода. Шапки были длинными и острыми, как конусы. У мужчин они были сплошь украшены павлиньими перьями. То гда же большой популярностью пользовались войлочные шляпы, изготовленные русскими ремесленниками.

Baby_said_lady_Waugh_WLarkin_1615

Ekaterina_II_na_progulke_v_Carskoselskom_parke

Child_WSzdeGeest

Ferdinand Georg Waldmüller - Mutter des Hauptmanns von Stierle-Holzmeister, 1819

 
Chardin

Priscilla, Lady Burghesh, Bust Length in a Black Dress and Bonnet with Flowers, 1820

th_Steen_Fest_St_Nickol

Боровиковский 

Девушка с кувшином воды

Жан-Батист Симеон Шарден 

Рембрандт,Харменс ван Рейн

Фердинанд Георг Вальдмюллер, «Милостыня

Ян Стен - Гуляки

 

КОНЕЦ.

 

 

 

 

ТЭГИ ГОЛОВНОЙ УБОР : БИОГРАФИЯ ВЕЩЕЙ.

Кокошник (от слав. «кокош», обозначавшего курицу и петуха[1], от древнерусского «кокошь» — курица-наседка, в отличие от «кокот» — петух[2], диалект. кокошка, кокуй, златоглав, головка, наклонник, наклонка, шеломок, ряска) — старинный русский головной убор в виде гребня (опахала или округлого щита) вокруг головы, символ русского традиционного костюма .

Портрет молодой женщины в кокошнике.

Кокошник, старинный русский головной убор замужних женщин. В 19 в. бытовал в купеческой и крестьянской среде (главным образом в северных губерниях), а в допетровской Руси - и в боярской.

Боярыня у окна. 1885
"Петр I запретил боярышням носить этот головной убор, но кокошник выжил в крестьянской среде как атрибут праздничной и свадебной одежды."

У печи, 1992
"В конце XVIII века кокошник как элемент карнавального костюма снова разрешила Екатерина Великая."

У околицы

Кокошник представляет собой лёгкий веер из толстой бумаги, металлической ленты или венца, пришитых к шапочке или волоснику; он состоит из убранного начельника и донца, или же начельника и волосника, со спуском позади ленты.

Франц КРЮГЕР (1797-1857). Портрет императрицы Александры Фёдоровны. 

Основа изготавливалась из штофа и бархата, кумача на твердой основе из проклеенного или простеганного холста, картона. Сверху гребень украшали орнаментом: искусственными или живыми цветами, парчой, позументом, бисером, бусами, речным жемчугом (с XVI века добывался в озере Ильмень), золотыми нитями, фольгой, стеклом, у наиболее богатых — драгоценными камнями. Вышивкой золотными нитками часто покрывалась и затылочная часть.

Портрет З.И. Юсуповой

Имел матерчатое дно. Cзади кокошник фиксировался с помощью лент. По краям кокошника могли быть пущены рясны (спадающие на плечи жемчужные нити), сам он мог быть обшит поднизью (сеткой) из жемчуга. При надевании кокошник обычно слегка сдвигали на лоб, а затылок закрывали позатыльником из холста с надставкой из малинового бархата, закрепленным с помощью тесемок.

Садко

Поверх кокошников часто носили шелковые или шерстяные платки, плотно вышитые орнаментом из золотых и серебряных нитей — убрус; тонкое легкое покрывало, украшенное вышивкой, кружевом или позументом — фата, дымка, вуаль. 

 

Морозко                                                      Морозко

Морозко

Платок складывали по диагонали и закалывали под подбородком; длинное покрывало из кисеи или шелка закалывали под подбородком или спускали с вершины кокошника на грудь, плечи, спину.

Виктор Васнецов. Портрет В. С. Мамонтовой (в однорогом кокошнике)

Виктор Васнецов. Портрет В. С. Мамонтовой (в однорогом кокошнике)

Форма гребня в разных губерниях была различной: в Каргопольском уезде Олонецкой губернии кокошник делали в форме шапочки с вытянутым вперед очельем и лопастями, закрывающими уши. На лоб спускалась поднизь из рубленого перламутра. Вологодский кокошник, называемый сборник, отличался многочисленными сборками над очельем.

Кокошники, слева направо: A — двурогий кокошник Арзамасского уезда Нижегородской губернии; B — однорогий кокошник, Костромская губерния; C — кокошник; D — кокошник, Московская губерния, Е — кокошник, Владимирская губерния, F — кокошник в виде цилиндрической шапки с плоским дном (с платком) G — Двухгребенчатый, или седлообразный, кокошник (вид в профиль)

Форма гребня в разных губерниях была различной: в Каргопольском уезде Олонецкой губернии кокошник делали в форме шапочки с вытянутым вперед очельем и лопастями, закрывающими уши. На лоб спускалась поднизь из рубленого перламутра. Вологодский кокошник, называемый сборник, отличался многочисленными сборками над очельем. 

Боярышня

Архангельский кокошник имел жесткую овальную форму с обильным декором наверху и очельем, выступающим вперед и не имевшим дополнительных украшений. В Новгородской и Тверской губернии он был шлемовидной формы.

Иван Аргунов. «Портрет крестьянки»

«Форма кокошников в разных регионах довольно разнообразна, как правило, она была обусловлена особенностями традиции укладывания волос, собранных в жгут или в две косы: вокруг головы, надо лбом, на затылке, на висках и т. д. Дополнениями и украшениями служили разного рода лопасти, обнизи, позатыльники и другие детали, значительно отличающиеся в разных регионах России, однако все они крепились на твердую основу — кокошник".

Михаил Нестеров. «Девушка в кокошнике. Портрет М. И. Нестеровой

По конструкции выделялись четыре вида кокошников:

1.Однорогий кокошник.

Обычно имели бисерную или жемчужную поднизь-сетку, которая прикреплялась к очелью и закрывала лоб почти до бровей. Были распространены в центральных губерниях Европейской России — Владимирской, Костромской, Нижегородской, Московской, Ярославской, — а также в губерниях, примыкающих к ним: Вологодской, Казанской, Симбирской, Пермской, Вятской.

2.Двурогий кокошник — кокошник, мягкий сзади с высоким твердым очельем в форме равнобедренного треугольника или полумесяца с опущенными вниз к плечам острыми или слегка закругленными концами. Размах очелья мог достигать порой 60 см.

Н. Неврев. Бытовая сцена 17 века.

 

кокошник, сшитый в виде конуса с удлиненной передней частью. Украшались золотошвейной вышивкой или твердыми «шишками», сплошь унизанными жемчугом, располагавшимися по очелью. Шишки, согласно архаическим поверьям, олицетворяли культ плодороди.

3.кокошник в виде шапочек с высоким очельем и плоским округлым верхом, украшенными золотошвейной вышивкой.

4.В виде цилиндрической шапки с плоским дном. Имели небольшие лопасти, прикрывавшие уши, позатыльник — полосу ткани на твердой основе, пришитую сзади, и поднизь — жемчужную или бисерную сетку, спускавшуюся на лоб до бровей или слегка приподнимавшуюся над ним. Платок закалывался под подбородком или, перекрещиваясь под ним, завязывался сзади на шее. Были распространены в северо-западных губерниях России: Олонецкой, Тверской, Новгородской. Кокошники первого и второго типа были известны и в Сибири, привезенные переселенцами.

 

5.Однодворческий кокошник, получивший свое название по месту бытования у однодворцев Орловской, Тамбовской, Воронежской, Курской, Пензенской губерний, был близок к этому типу. Не имел пришивных лопастей, позатыльника и поднизи; изготавливался обычно из позумента, надевался на кичку. Его носили с налобником в виде узкой орнаментированной полоски ткани, завязывавшейся вокруг головы, позатыльником, закреплявшимся на шнурках на затылке. Вокруг кокошника, по его очелью, повязывался сложенный лентой платок, концы которого спускались на спину или закреплялись на темени, перекрещиваясь на затылке.

 

6.С плоским овальным верхом, выступом над лбом, лопастями над ушами и пришитым сзади твердым прямоугольным позатыльником. Был распространен в Каргопольском уезде Олонецкой губернии, на северо-востоке Новгородской.

Портрет Марии Александровны

7.Двухгребенчатый, или седлообразный «шеломок» — с высоким округлым околышем и верхом в форме седла с немного поднятой передней частью и более высоким задним гребнем. Надевался обычно с налобником — узкой полоской орнаментированной ткани, завязывавшейся вокруг головы, позатыльником — прямоугольным куском ткани на твердой основе, а также платком, сложенным в виде полосы и укладывавшимся по очелью. Концы платка спускались на спину или, перекрещиваясь на затылке, затыкались с боков. Были распространены в Курской губернии, западных уездах Орловской губернии и в русских селах Харьковской губернии.

Боярышня у окна

Василиса Прекрасная

Изготавливался на заказ профессиональными мастерицами — «кокошницами», владевшими навыками шитья жемчугом, бисером, золотной нитью и умением обращаться с фабричными тканями.

Обычно кокошник надевали в праздники, в будни ограничиваясь ношением повойника. В отличие от кички и сороки, которые носились только замужними женщинами, кокошник мог носиться в том числе и незамужними (хотя некоторые этнографы оспаривают это утверждение). Кирсанова указывает, что «кокошником» со временем стали называть традиционный головной убор с высоким очельем и покрывалом, даже если его носила незамужняя девица.

_Kokoshnik

Кокошник плотно охватывал голову, закрывая волосы, заплетенные в две косы и уложенные венком или пучком. «В художественном строе русского национального костюма кокошник играл значительную роль, венчая собой монументальные формы праздничного женского костюма, акцентируя лицо, подчеркивая торжественность тех ситуаций, при которых надевали богато украшенные кокошники»

Боровиковский Владимир Лукич

Известен со времен Древней Руси (по крайней мере, с XVII века, когда впервые задокументировано употребление слова). Хотя точное время его возникновения неизвестно. Уже в погребениях Новгорода, относящихся к X—XII веку встречаются некоторые подобия кокошника: твёрдого головного убора, низко сидящего на лбу и закрывавшего голову полностью до ушей.

Василиса Прекрасная 

 В Новое время вплоть до 1920-х сохранялся как часть традиционного обрядного убора невесты (девичья прическа торжественно заменялась кокошником или кикой). Жемчужный кокошник молодая надевала на свадьбу после венчания, носила его до появления первого ребенка, а затем — только по праздникам и особо торжественным случаям. 

(К. Маковский. Под венец.)

 Небогатым семьям приходилось заказывать кокошник бисерный, но появиться в таком, скажем, в день свадьбы считалось зазорным и приходилось на время торжества занимать у соседей «жемчужный». В старину девицы молились о своем замужестве в день Покрова такими словами: «Покров Пресвятая Богородица, покрой мою буйную голову жемчужным кокошничком, золотым подзатыльничком!».

Сваха. 1900-е.

В некоторых местностях кокошник носили только новобрачные в течение трех дней после свадьбы — это было характерно для тех местностей, где кокошники уже исчезали, заменяясь простыми платками или же городскими шляпками.

внучка Екатерины - Александра Павловна 

В XIX в. бытовал в купеческой, мещанской и крестьянской среде, а в допетровской Руси — и в боярской. В XIX веке распространился с севера России на юг, вытеснив сороку[3]. В конце XIX века во многих губерниях России кокошники как праздничный головной убор стали исчезать, заменяясь головными уборами другого типа: сборниками, повойниками, наколками и т. д.

Девушка перед зеркалом. 1848

Изгнанный из высших слоев общества при Петре Великом, который запретил его носить боярышням указом, кокошник был возвращен в женский придворный костюм Екатериной II, воскресившей моду a la russe в понимании XVIII века и вернувшей его в маскарадный костюм. Наполеоновские войны, вызвавшие всплеск патриотизма, вернули интерес к национальному костюму (ср. возвращение моды на мантилью в Испании).

Портрет Екатерины II в шугае и кокошнике. 1772

Такой фонтанж - кокошник изобразил Р. Н. Никитиным на портрете Марии Яковлевны Строгановой, созданном между 1721 и 1724 годами.

Такой фонтанж - кокошник изобразил Р. Н. Никитиным на портрете Марии Яковлевны Строгановой, созданном между 1721 и 1724 годами

Королева Анна Болейн в головном уборе «арселе».

Королева Анна Болейн в головном уборе «арселе».

В 1834 году Николай I издал указ, вводивший новое придворное платье, дополненное кокошником. Оно состояло из узкого открытого корсажа с длинными рукавами «а-ля бояр» и длинной юбки с шлейфом. Кокошники в сочетании с придворным декольтированным платьем оставались в гардеробе фрейлин до революции. (Конечно, форма придворных кокошников уже достаточно далека от крестьянских прототипов, став ближе к головным уборам итальянского Возрождения или арселе).

Во 2-й пол. ХIХ века взлет стиля историзм вылился, в частности, в коллекционирование русской старины и вызвал всплеск интереса к русскому костюму. В царствование Александра II и Александра III создавалось множество произведений в псевдорусском и неорусском стиле, кроме того, пышные театрализированные постановки на тему русской истории демонстрировали роскошь костюма.

Иван КРАМСКОЙ (1837-1887). Портрет Веры Николаевны Третьяковой. 1876

Пиком этой моды стал Костюмированный бал 1903 года в Зимнем дворце, гости которого были одеты по моде XVII века, в частности, в «часто утрированные в „оперном“ стиле русские кокошники».

бал в Зимнем дворце

Историк моды Александр Васильев указывает, что в «русском» течении мировой моды между двумя Мировыми войнами самым популярным элементом народного костюма оказался именно кокошник, который «в 1919-29 годах входил в арсенал модниц всего мира».

Чарка меду. Около 1910

 

 

КОНЕЦ

 

ТЭГИ  ГОЛОВНОЙ УБОР : БИОГРАФИЯ  ВЕЩЕЙ

Мантилья (исп. mantilla, от лат. mantellum — покрывало, покров) — элемент национального испанского женского костюма, длинный шелковый или кружевной шарф-вуаль, который обычно надевается поверх высокого гребня (пейнеты), вколотого в прическу, и падает на спину и плечи.

Гойя. «Королева Мария Луиза Пармская», 1800 год

Мантилья характерна для народов Пиренейского полуострова и Латинской Америки, особенно была популярна в Андалузии. Период расцвета ношения мантильи — XVII—XIX века. В наши дни надевается современными испанками только по случаю праздников.

 

Aline Masson with a White Mantilla

Точная эволюция мантильи как предмета гардероба до конца не прослеживается. Считается, что она ведет происхождение от головных покрывал и накидок, которые использовались в Испании в качестве предмета верхней одежды в I тыс. н. э.

black lace mantillas were fashionable

Корни мантильи, как предполагают, надо искать в культуре иберийских народов, женщины которых использовали вуали и накидки для прикрытия и украшения своих голов. Возможно, она имеет в числе своих предков головные покрывала, которые носили женщины во времена арабского завоевания Испании, то есть является родственником чадры.

Dama con mantilla

Позже, в течение Средних Веков испанские женщины продолжали использовать разнообразные покрывала, некоторые из которых носят отчетливый отпечаток арабского влияния.

Ф.ГОЙЯ

Портрет М. Валленштейн [1792]

Первые примеры использования мантильи отмечаются среди простого народа Испании после окончания Реконкисты. Её не носили дамы из высшего социального класса или аристократки. Мантилью использовали, по большей части, исключительно в качестве покрывала, а не как элемент украшения. Гребень в первые века также не применялся — то есть мантилья просто накидывалась на голову.

Модники в Мексике в XIX веке

В течение XVI века использование накидки, называемой тогда mantilla de aletas (крылатая мантилья) становится всеобщим в Испании, добавив еще один узнаваемый аксессуар в испанский национальный костюм.

Герцогиня [1797]

Гойя

Эволюция этого предмета одежды была отмечена влиянием социальных, религиозных, а также климатических факторов. Последние становятся явными при рассмотрении различных типов плетения, использующихся при изготовлении мантильи.

 Каждый регион придает ей свой специфический облик. Например, в более холодных районах мантилья служила в качестве верхней одежды, и поэтому ее изготавливали из шерстяных материй. Некоторые из мантилий украшались бисером, шелком и бархатом

Головная накидка из шерсти. Портрет XVI века

Наоборот, в более тёплых регионах мантильи изготавливались из легких и мягких тканей, которые делали этот предмет одежды более роскошным и декоративным.

В северных областях Испании использовалось частое плетение ткани, цель которого очевидна — служить защитой в случае непогоды

Гойя Франсиско 

В южных областях уже употребляются мантильи с исключительно декоративной целью, поэтому в ход идут такие материалы как шёлк. В обоих случаях мантильи могут быть тонко орнаментированными — праздничные (las de «fiesta»), которые выставляются напоказ по особенным поводам, или украшенные проще, для повседневного использования (las de «diario»)

Портрет дамы с собачкой

В начале XVII века в женском гардеробе начинается превращение мантильи в декоративную деталь: полотно постепенно заменяется кружевами. Мало-помалу расширяется употребление этой детали одежды в качестве украшения, хотя придется дождаться начала XVIII века чтобы увидеть, как мантилью начинают надевать представительницы высших социальных слоев.

махи у балкона.

В XVII веке начали использовать кружевные мантильи-накидки (что мы можем видеть на некоторых портретах кисти Веласкеса), которые становятся важной частью гардероба некоторых элегантных женщин

"Придворная.1639

Портрет дамы с веером,Веласкес Диего де Сильва.

Тем не менее, придворными дамами и представительницами высших социальных слоев она не использовалась до XVIII века. 

Portrait of Elizabeth Alexander

Это была эпоха, когда кружевные мантильи окончательно вытеснили шелковые и шерстяные.

Dona_Narcisa_Baranana_de_Goicoechea

Можно утверждать, что ношение мантильи в том виде, в котором мы знаем его сейчас, начало складываться в XVII в., обретя устойчивость в течение следующего века, в царствование Карлоса III и Карлоса IV.

Ф.ГОЙЯ

Некоторые авторы утверждают, что теми, кто ввел использование мантильи среди мадридцев, распространив его и на другие города, были мадридские модники из низших слоев.

Королева Виктория Эухения, 1910 год

В портретах XVIII века, изображающих женщин всех сословий, мы видим великолепные кружевные мантильи. Огромное количество таких полотен оставил Гойя, так как мода на национальный испанский костюм начала распространяться среди знати, которая в период наполеоновских завоевательных войн не желала одеваться «по-французски».

Spanish Mantilla, 1907

В XIX веке, когда развитие мантильи привело к тому, что ее начали изготавливать целиком из кружева, появилась мантилья белого цвета, по контрасту с традиционно чёрной.

Mujer con mantilla

Королева Изабелла II (1833—1868), большая любительница сложных головных уборов и диадем, стала популяризировать мантилью. Этот обычай быстро восприняли приближенные к ней женщины.

Придворные дамы и представительницы высших социальных слоев начинают носить этот предмет одежды в различных общественных мероприятиях, что в большой степени способствовало приданию мантилье той элегантности, которая и сохранилась до наших дней.

Francis_Luis_Mora_Lace_Mantillalarger

С 1868 году, со свержением Изабеллы, мода на мантилью начала спадать, хотя в Севилье и других андалузских городах она продолжала быть очень популярной. То же случилось и в Мадриде, где ношение мантилий было так сильно укоренено в традицию, что знатные женщины превратили ее в символ протеста против короля из новой династии — Амадея I Савойского и его супруги Марии Виттории. Возмущение против них и иностранных обычаев возглавляли женщины, которые демонстрировали свой протест, надевая вместо шляп классическую испанскую мантилью с гребнем. Это историческое событие носит название «La Conspiración de las Mantillas» — Заговор мантилий. (Спустя три года король, недовольный этим народом, отрекся и вернулся в Италию).

 

Конец XIX века. Мантилья надета без гребня

 

В конце XIX — начале ХХ века мантилья прекратила быть предметом ежедневного использования. Начался её упадок. В первой трети ХХ века в повседневном гардеробе сохранилась лишь маленькая мантилья, которую дамы должны надевать в церковь — «токилья» (платок, обычно треугольный, который женщины надевают на голову). Можем отметить, что здесь идет речь о рудиментарной версии мантильи, надеваемой без гребня. Таким путем ношение обычных, длинных, мантилий сократилось лишь до особых поводов — по преимуществу в течение Святой недели 

Портрет Великой княгини Марии Николаевны

 

"...Барыни пожилые старались хитро сочетать новый образ одежды с гонимою стариною: чепцы сбивались на соболью шапочку царицы Натальи Кириловны, а робронды и мантильи как-то напоминали сарафан и душегрейку..." 

 

 

ТЕГИ ГОЛОВНОЙ УБОР: БИОГРАФИЯ ВЕЩЕЙ 

 Капор — женский головной убор эпохи бидермейера, соединяющий в себе черты чепца и шляпы.

 

 


У капора высокая шляпная тулья (для убранных на затылок волос) и обрамляющие лицо широкие жёсткие поля, сужающиеся к затылку. Капор удерживался на голове мантоньерками — широкими лентами, завязывавшимися под подбородком бантом.

Frederick Hendrik Kaemmerer

Изначально появился в Европе на рубеже XIX века в одежде служанок, однако со временем завоевал популярность и у их хозяек. Популярность этого дамского головного убора пришлась на период с 1815 по 1840 годы. Капор вышел из моды к 1860-м годам, но вновь вошёл в начале 1990-х.

 

Портрет девушки в капоре

Портрет девушки в капоре. Пастель на бумаге, наклеенной на холст

Гэллери ов Фэшн»(Gallery of Fashion), Лондон, 1797 г. Модный силуэт того времени очень хорошо виден на этом рисунке из английского модного журнала; шляпа с широкой лентой в профиль закрывает лицо

 

АМПИР: 1804-1815 годы

Увлечение античностью в предшествующий период отразилось не только на женской моде, но и на всем образе жизни общества, повлияло на архитектуру, живопись, скульптуру. Казалось, это увлечение будет очень длительным и будет определять весь стиль жизни XIX века.

Из модного журнала, 1803 г

После Французской революции моды, диктуемые двором, уступили место внешне единообразным буржуазным модам.

Костюм 1800—1825 годов. Стиль ампир

не удивительно, что ампир (от фр. empire — империя*) в моде во многом связан с именем Жозефины Богарнэ — одной из «мервейез», большой поклонницы тонких платьев из прозрачного муслина или газа на голом теле.

Девушки в капорах на картине Франца Крюгера. 1829

Леруа по праву считался лучшим парижским портным — крупнейшим представителем парижской моды XIX в., творцом моды ампир (Для ампира характеры строгие монументальные формы и обращение к древнеримским и древнегреческим декоративным формам)

{Costumes parisiens), 1819 г

Костюм паризьен», 1811 г

Он не только создавал модели для своих заказчиц, но и предлагал к ним специальные шляпки (то есть создавал как-бы целый костюмный ансамбль), кроме того, особую парфюмерию.

МОДА ВРЕМЕН РЕСТАВРАЦИИ ДИНАСТИИ БУРБОНОВ

Зато чепец вытесняется шляпой различных форм и фасонов. Женщина все больше и больше эмансипируется, и шляпа для нее становится как бы признаком общественного положения. Поэтому среди женских головных уборов того времени можно встретить все, хоть как-то напоминающее мужской головной убор, — цилиндр, берет, тюрбан, даже военный кивер и т.д.
С 1806 по 1809 год в особой моде драгоценности, в частности оригинальные античные камеи (или их имитации) и искусственный жемчуг.

МОДА ВРЕМЕН РЕСТАВРАЦИИ ДИНАСТИИ БУРБОНОВ
1815-1820 годы

 

В 1813 г. умирает знаменитая создательница моды времен Марии-Антуанетты Роз Бертэн. Ее смерть совпала с изменениями основных частей мужской и женской одежды. Окончательно этот процесс завершился в 1815 г., когда с падением Наполеона в моде кончилась целая эпоха. Наступил период Реставрации в обществе (то есть восстановление старого строя). Пришла пора прощания с античными вкусами и в моде.
 

Костюм 1830—1860 годов. Резкое изменение моды

 Мода времен Реставрации окончательно отошла от античности и стала ориентироваться на моду рококо. К этому времени относится и первая попытка введения в моду сентиментального направления.

МОДА ВРЕМЕН РЕСТАВРАЦИИ ДИНАСТИИ БУРБОНОВ

У женщин появилось желание выглядеть более стройными. Созданию такого впечатлеиия способствовали длинные гладкие платья с высокой (чуть ли не до подмышек) талией, закрытым верхом, длинными трубчатыми рукавами), закрывавшими руку до кончиков пальцев; высокая шляпа с цилиндрической тульей и широкими полями.

 

Алексей Харламов Девушка в красном капоре

БИДЕРМЕЙЕР И РОМАНТИЗМ В МОДЕ

1820-1840 годы

Бидермейер (немецкое название, полученное по имени героя-буржуа поэмы Л. Эйхродта «Biedermeier Liederlust», ставшего синонимом бюргерской добропорядочности и благополучия; применительно к моде — «бюргерская простота»; бюргеры — городские жители) и романтизм в моде — это эпоха наступающей индустриализации, хотя и медленной, но неотвратимой.

Теперь вместо чувственных персонажей рококо, вместо революционных героев конца XVIII столетия, вместо «военизированного» героя ампира входит в моду человек, в котором ценится ум, смекалка, даже хитрость, жизненная хватка и богатство. Это герой многих произведений французского писателя О.Бальзака.

Шляпка (кAпор, или «кибитка» с очень широкими полями, из-за которых, по мнению тогдашних острословов, дамы ничего не видели и не слышали) так же, как дамское платье и прическа, сплошь покрыта цветами, лентами и воланами. В моде были и большие береты.

 

 

 

 
 

 
 

 

 

 

ТЕГИ ГОЛОВНОЙ УБОР: БИОГРАФИЯ ВЕЩЕЙ 

ДВУУГОЛКА - двурогая шляпа, появившаяся в конце XVIII века на смену треуголке, более громоздкой и неудобной. Двууголка легко складывалась и занимала меньше места - качества важные, тем более что на приемах и балах кавалеры не расставались со своими шляпами.

merveilleuses

Генералиссимус А. В. Суворов. Художник К. К. Штейбен. 1815

В России начала прошлого века ее называли Веллингтоном. Наряду с кивером (см.) двууголка в русской армии была распространенным головным убором офицеров с 1803 по 1845 год. По ширине и фасону галунов на бортах шляпы, по кокарде и плюмажу (см.) различались чины.

1793-1778-contrast-wholeplate

На портрете генерал-адъютанта князя А.С.Меншикова (правнука сподвижника Петра I) кисти Д. Доу (1826) он изображен в двууголке с генеральским плюмажем из черных, оранжевых и белых петушиных перьев.

Портрет генерал-адьютанта князя А.С. Меншикова. 1826

bal

Надетая углом вперед, "в поле", она указывает на то, что ее владелец чин императорской свиты. Ее также носили адъютанты, офицеры Генерального штаба, инженеры. В России двууголка до первой мировой войны была частью парадной одежды чиновников, а в иных странах сохранилась до сих пор в униформе военных и дипломатов. 

 

Hilling Vellibl

 

Epizod

 

Wellington

 

costume paerisien1802 ensemble

 

jeunesse

les-incroyablesdet

 

Встреча Веллингтона и Юлбхера у Белль-Альянс. 

Поворотная точка Ватерлоо. 

 

ТЕГИ ГОЛОВНОЙ УБОР: БИОГРАФИЯ ВЕЩЕЙ

Цилиндр (от нем. Zylinder) — европейский мужской головной убор, представляющий из себя высокую шляпу с плоским верхом. Цилиндры в качестве повседневного головного убора были распространены на протяжении XIX века.

 

Шёлковый цилиндр (Франция, 1-я половина XX века)

Мастер из Месскирха, Распятие (фрагмент). Музей им. Пушкина, Москва. Цилиндр существовал уже в XVI веке, но только в XVIII веке он стал неотъемлемой частью мужского туалета и сохранился до нашего

Elizabeth_of_Austrua_Habit

Первый цилиндр был изготовлен торговцем шляпами Джоном Гетерингтоном в 1797 году, однако популярность цилиндры обрели только в 1820. Мужчины надевали цилиндры на торжества и на деловые встречи; вскоре они стали повседневным атрибутом костюма средних классов в Европе и Америке. В те годы цилиндры изготовлялись разных фасонов с вариациями цвета, материала, формы.

Lovers-Morning-Recreation-Sarony-Major-1850

Например, высокий цилиндр, который всегда носил президент США Авраам Линкольн, позволял ему также помещать внутрь письма, финансовые бумаги, законопроекты и заметки. В 1823 году во Франции был изобретён шапокляк — складной цилиндр.

Цилиндр как символ капитализма можно увидеть в игре «Монополия» и в мультфильме «Утиные истории».

 

 Гюстав Кайботт. Площадь Европы в дождливый день. 1877

 Мари Бракемон. Зонтики. 1882

джеймс тиссо

 

ТЕГИ ГОЛОВНОЙ УБОР: БИОГРАФИЯ ВЕЩЕЙ 

Треуго́лка (англ. cocked hat, фр. tricorne ) — шляпа с полями, загнутыми так, что они образуют три угла. Получила распространение во второй половине XVII века и была популярна до конца XVIII века, пока не была заменена двууголкой.

Потрет графини Фосс

В первой половине XVII века в армиях Западной Европы была распространена широкополая шляпа: она всем знакома по иллюстрациям к «Трём мушкетёрам». Широкие поля мешали военным запрокидывать голову и были помехой, когда на плече лежало громоздкое ружье. Края шляпы постепенно подгибались, пока не появился принципиально новый, прогрессивный фасон — с тремя загнутыми полями. 

Мушкетер. 1880-е

Распространение треуголки-tricorne в армии относится к эпохе правления Людовика XIV. Разумеется, эту моду подхватили и штатские. Треугольные шляпы, украшенные галуном и перьями, украшали головы до того момента, пока в моду не вошли громоздкие парики — аллонж.

Людовик XIV с планом Версаля,Французская школа живописи. 

После этого штатские лица носили треуголку под локтем и использовали её при поклонах, описывая ею замысловатые фигуры. В армии же tricorne прижилась и была в ходу до появления в конце XVIII века двууголки.

Английская морская форма на 17 век, До Нельсона

В конце ХVII — в начале XVIII века треуголка довольно значительна по размеру. Кроме того, она украшена страусовыми перьями, галуном, нередко — пышным бантом. Постепенно шляпа становится меньше и декоративнее. Исчезает пышный плюмаж из перьев, утрачивается значительная часть декорирующих деталей.

Портрет неизвестного в треуголке. Начало 1770-х. Холст, масло

Это происходит в связи с тем, что треуголка всё больше становится декоративным аксессуаром, который кавалер держит в руке или под локтем: пудреные парики «не нуждались» в шляпе. Иное дело — охотничий костюм. В его состав непременно входила шляпа. В армии также прижилась треуголка в качестве основного головного убора. В первой половине XVIII века треуголку охотно носили женщины. Это было связано с небывалым доселе «сближением» мужской и женской моды.

Кавалер в треуголке. 1740-е

Постепенно и «три угла» стали не слишком компактными. В армии, а затем и среди штатского населения, приобрела популярность двуугольная шляпа. Двууголка легко складывалась и занимала меньше места — качества важные, тем более что на приемах и балах кавалеры не расставались со своими шляпами.

светский раут

Рокотов Федор Степанович Портрет Петра III

Немецкий офицер

В XIX—XX веках треуголка стала характерным символом ушедшей и притягательной «галантной эпохи». Так, Константин Сомов в своей «Книге маркизы» изображает tricorne довольно часто, не всегда следуя исторической правде.

Пабло Пикассо Арлекин 1923

WINDI

 

 

 

Муфта или муфточка — модный аксессуар женской одежды, представляющей собой пустотелый цилиндр из меха или тёплой ткани (часто многослойной), внутрь которой прячут руки, вставляя в боковые отверстия.

Муфта появилась в 1500-е годы; была популярна как у женщин, так и у мужчин в XVII—XVIII веках. Практически совершенно вышла из моды в XIX веке.

 

A Portrait Of Madame Vallery Radot

 

Albert_Rosenthal__Portrait_of_Mrs_H_Bryanowsley_1910

Gainsborough_Thomas_The_PortraitofMrsSiddons_the_Acress

 

Дайана Сисль, графиня Оксфордская и Элджинская. Гладкая прическа, украшенная драгоценными камнями. Другие характерные части одежды: кружевной воротник вокруг шеи, широкий вышитый плащ, ожерелье, кружевные манжеты и меховая муфта.

 

Гравюры из цикла «Ла Ноблесс» (La Noblesse) Жака Калло:

 

 

Дама с муфтой Огюст Ренуар

В.Суриков.Портрет молодой женщины в шубе с муфтой, 1890

Henry Boughton - circa 1875 - Puritan Maiden

Francois Martin-Kavel - Portrait of a Woman

Francois-Martin-Kavel - A Winter Beauty 

 

 Франсуа Буше - Портрет дамы с муфтой

Вацлав Голлар, Англичанка в зимней одежде со светлой муфтой. Гравюра. В течение десятилетий мода варьирует размеры воротника типа «мельничный жернов», таким же переменам подвергаются и типы шляп

 

«Ла Мод» (La Mode). 1832 г. Шляпа, украшенная перьями. Бархатное платье вышито шелком и оторочено мехом куницы. Вышивкой украшена и муфта. Накидка — из французского кашемира.

«Шаривари» (Charivari), Париж, 1833г. «Зимняя мода». Муфта огромных размеров и шарф, закрывающий половину лица, стали объектом карикатуры того времени.

Вацлав Голлар, Зимнее платье английской дамы. Гравюра на меди. На английской даме платье для прогулок и маска, защищающая лицо от пыли.

Орас Берне, «Чудесные» в пелиссе, отделанном мехом.

«Модебильдер цур Театерцайтунг» (Modebilder zur Theaterzeitung), 1834 г

Крамской Иван Николаевич

Frederic John Lloyd Strevens

Frederic John Lloyd Strevens

Frederic John Lloyd Strevens

 

 

 

 

 

Рубрика Мода: Биографии вещей

Дама с вуалью 1768г
"Дама с вуалью" самая известная из картин Рослина. На портрете - его жена, Мария-Сюзанна, художница. Она изображена в одежде женщин из Болоньи (Италия).

 

 

Черкешенка в вуали
 

_zhermen-rportret-pod-vualju
 

Кассат (испанская танцовщица)

Дама в шляпе с вуалью 1913 

Дама с вуалью, или Донна Велата

 

Таинственная вуаль. Сара Мириам 1830.

Портрет баронессы В.И.Икскуль фон Гильденбандт. 1889

Рембрандт Харменс ван Рейн Портрет Саскии с вуалью 

Жером Жан-Леон

Арабская девушка

james-tissot-

james-tissot-

Игнасио Диас Олано Итальянская модель в шляпе с вуалью 1895 

 

_Wilhelm_Edouard_Frederic_The_Winter_Bride

Corcos, Vittorio - Sur La Terrasse 

 
 

ШЛЯПКА с ВУАЛЬЮ.

Frederic John Lloyd Strevens

 

 

Рубрика Мода: Биографии вещей

За многовековую историю они освоили множество функций. Помимо основного предназначения быть частью одежды, перчатки стали элементом этикета, средством флирта, способом вызова на дуэль.

Лукас Кранах Старший. "Иоахим II - избранный принц". 1520 год. Железные перчатки - непременный атрибут рыцарского костюма.

Перчатки из кожи, лайки, замши, кружева, шелка, резины... Даже из паутины. Трудно представить? Но в таких щеголял французский король Людовик XIV. (Техника изготовления ткани из паутины хранилась в строжайшей тайне.)

Ханс Хольбейн Младший. "Шарль де Солье, сьёр де Моретт, французский посол в Лондоне". 1534 год. В эпоху Возрождения вельможных людей на парадных портретах изображали в перчатках. Этот обычай сохранился вплоть до XIX века.

Самые старые перчатки найдены в 1922 году в гробнице египетского фараона Тутанхамона.

У древних ассирийцев и египтян перчатки были символом знатности, и им придавали большое значение. Персидский царь Кир II, живший в VI веке до н.э., казнил своих подданных только потому, что они осмеливались явиться к нему без перчаток.

bernadino_licinio_1530s_portrait_of_a_woman

Portrait of a Lady

Совсем иное отношение к перчаткам было во времена античности: греки и римляне использовали их на пирах, чтобы не обжечься, так как ели руками. Гладиаторы и спортсмены во время кулачных боев защищали руки, наматывая на них длинные ремни из недубленой кожи, пальцы при этом оставляли свободными.

Гладиаторы защищали руки, наматывая на них длинные ремни из недубленой кожи.

 

                    Мужские перчатки второй половины XVII века.

В Средние века именем королевской перчатки разрешалось торговать, чеканить монеты, собирать налоги, вершить правосудие. Перчатку получали рыцари при посвящении, епископы - при введении в сан, горожане - в знак дарованных им привилегий. Но пожатие руки в перчатке считалось оскорблением. Брошенная кому-либо в лицо перчатка означала презрение, вызов на дуэль, а подаренная дамой - говорила об особом расположении хозяйки к кавалеру.

Женская перчатка второй половины XVI века.

Перчатка XIII века - для сельских работ.

Митенка начала ХХ века

Женщины носят перчатки с XI века. Их долго изготовляли из белого льна и украшали вышивкой.

ir_anthony_van_dyck

В XII веке, когда спрос на перчатки увеличился, возникли цеха перчаточников, сначала в Италии, затем во Франции.

pered_maskaradomroman_ribera_cirera_1849-1935

В эпоху Возрождения перчатки не только символ власти, роскоши, но и орудие убийства. В Италии в XVI веке появились "непромокаемые перчатки", пропитанные ядом. С помощью таких "даров" французская королева Екатерина Медичи избавлялась от неугодных ей людей.

Progulka_v_yekipazhe

К этому времени перчатки украшались не только вышивкой, но и драгоценностями, мехом. Самыми дорогими были женские кружевные венецианские перчатки тончайшей работы.

Перчатки выше локтя, как на картине Жана-Батиста Изабе "Кристиан Бойер" первой четверти XIX века, вошли в обиход в конце XVIII - начале XIX века.

К началу XVIII века в мужской моде признаками утонченности и богатства считаются кружева и пуговицы. Из-за пышных и длинных манжет перчатки практически не видны и поэтому постепенно утрачивают актуальность. Их носят, но никакого значения им не придают. Зато мода на дамские перчатки процветает. Женщины меняют этот предмет гардероба по три-четыре раза в день.

Юноша с перчаткой


 

Тициан Portrait of Ranuccio Farnese 1542 г
 

В 1807 году англичанин Джеймс Винтер изобретает машину для изготовления кожаных перчаток. Одновременно появляются резиновые модели. 

Joshua Reynolds

Девочка с волнистыми русыми волосами под чепчиком. Черные кружевные перчатки на нежных детский руках

 

Увлечение античностью в конце XVIII - начале XIX веков отразилось и на костюме. Представитель ницы высшего сословия хотели быть нимфами и богинями. Платья шили из легких прозрачных тканей, почти без рукавов. Теперь необходимым дополнением женского туалета стали длинные, выше локтя, перчатки и митени, или митенки (перчатки без пальцев).

Frederick Hendrik Kaemmerer

Мужчина надевает перчатки, отправляясь на прогулку, с визитом, в театр - для каждого случая они разного цвета и качества.

Дюрер

Titian_Portrait_of_a_Man_in_a_Red_C

 

Перчаткам уделялось столько внимания, что Бальзак посвятил им небольшое эссе "Изучение нравов общества по перчаткам". Сюжет его таков: дама, рассматривая перчатки своих гостей, определяет их характер, образ жизни, привычки.

Адольф-Вильям Бугро

В XIX веке правила хорошего тона рекомендовали женщинам, приходившим в гости, снимать перчатки только за столом, а в митенках можно было оставаться в течение всего вечера. Если хозяйка дома принимает гостей в вечернем платье, она должна быть в кружевных митенках. Браслеты полагалось носить поверх перчаток, а кольца - при митенках. Летом обычно надевали кружевные, тюлевые или филейной работы перчатки и митенки. Мужчинам к фраку полагалось носить белые или светло-желтые перчатки. Они должны быть идеально чистыми, плотно обтягивать руку и не лосниться.

Jennie Augusta Brownscombe 

Schuster_Karl_Maria_The_New_Gloves

 Abraham Solomon, First Class - the Meeting 

Abraham Solomon, First Class - the Meeting, 1854

 
 

At the Flower Market

Passing the Flower Shop

Sunday in the Park

Во все времена ремесленники, бедные горожане, крестьяне имели простые, примитивные перчатки: первоначально в виде мешочков, затем с тремя пальцами. С XVI века появились вязаные.

The White Glove

В начале ХХ века стали изготовлять перчатки специального назначения: автомобильные, хирургические, массажные и др. После Первой мировой войны длинные женские перчатки вышли из употребления, на коротких делали манжеты и украшали их (вспомнив моду прошлых веков) вышивкой, инкрустацией, лебяжьим пухом, плиссировкой.

Carolus_Duran_Lady_with_a_Glove-s

Carolus_Duran_Emile_Auguste

Goingin to the World by Evert Jan Boks

Девушка в перчатках-митенках на картине Гюстава Курбе "Девушки на берегу Сены". 1856 год. Справа - фрагмент этой картины. Митенки появились в XVI веке, но особо модными стали в XIX столетии.

 

Анри Тулуз-Лотрека

В России с ее суровым климатом люди всех сословий надевали рукавицы, реже перчатки, или, как говорили в старину, "рукавки перстчатые". Как и в других странах, перчатки на Руси были признаком богатства и знатности. В царском гардеробе имелись рукавицы "радужные, запястье шито золотом по червчатому (багряному) атласу с жемчугом, бахрома золотая с серебром". Почетная стража по описи 1674 года носила кафтан, подбитый мехом, а на руках перчатки с большими раструбами. Офицеры стрелецких полков также носили перчатки с раструбами. С введением Петром I европейской моды перчатки становятся непременной частью как мужского, так и женского туалета. Первоначально их привозили из-за границы. Со временем появились и свои мастера перчаточного дела.

В. М. Васнецов

В 1811 году перчатки для унтер-офицеров были отменены, вместо них в холодное время им дозволялось носить суконные рукавицы, сшитые из старых мундиров, как было принято у рядовых.

 

 

 

Жить в средние века значило не иметь тела; жить сегодня – значит не иметь души; жить в Древней Греции значило не иметь на себе одежды. 
  (Оскар Уайльд)

Образ модистки (мастерицы, шьющей шляпы) стал нарицательным, так как близость к дамам высшего света, артистизм, популярность в городской среде, полусветская жизнь давали пикантные сюжеты для авторов модных водевилей.

Alonzo Perez - At The Milliner's - Магазин дамских шляпах

Франсуа Буше - Модистка

 

Пьетро Лонги. Дама у портнихи 1760 г.

Пьетро Лонги. Модистка 1746 г.

LONGHI, Pietro The Tailor 1741

Мода – это форма безобразия, настолько невыносимого, что мы вынуждены изменять ее каждые полгода. (Оскар Уайльд)

 

Monument du Costume Physique et Moral de la fin du Dix-huitième siècle / La Grande Toilette
After Jean Michel Moreau le jeune  Date 1777

 

Основным источником информации о моде было первое периодическое издание – журнал «Галантный Меркурий» (1672-1679), помогающий французским модам покорять Европу. Кроме того дважды в год из Парижа в столицы других государств отправляли двух восковых кукол, одетых по последней моде (с 1642 г.): Большую Пандору, одетую в парадное платье, и Малую Пандору, одетую в неглиже — домашнее платье. Подражание французской моде доходило до того, что, пунктуальные немецкие дамы не только тратили огромные деньги на приобретение туалетов, но еще и обязательно посылали своих портных для изучения последних «писков» моды. Сам Король-солнце уделял моде огромное внимание, часто придумывал новые фасоны, которые воплощали в материале его личные портные и вышивальщики — Жан Буато, Жак Рени и Жан Анри. Людовик XIV издал специальный указ о смене одежды по сезонам, который стал частью нового придворного этикета. Это также способствовало развитию модной индустрии во Франции.

Аристократ разглядывает принесенный костюм

 

В XVIII в. сохранялось влияние Франции на европейскую моду. 
Самыми экстравагантными женские моды были при короле Людовике XVI. Королева Франции Мария-Антуанетта стремилась стать «королевой мод», «арбитром элегантности», самой модной женщиной в Европе.Она никогда не надевала дважды одно и то же платье, три раза в день меняла наряды, каждую неделю придворный куафер делал ей новую прическу. Парижский журнал «Курьер де ля мод» в каждом выпуске помещал гравюры, изображавшие девять новых причесок, — всего 3744 образца в год.

Прошлым вечером на ней было слишком много румян и слишком мало одежды, а для женщин это первый признак отчаяния. (Оскар Уайльд)

 

The Stay-Maker taking a pleasing circumference
A lady stands in frilled petticoat and chemise which reveals the full contours of her bust, while the staymaker (left), young and fashionably dressed, kneels on one knee holding his yard-measure round her waist, gazing at her amorously. Her right hand is on his shoulder. On a chair (left) is a pair of stays. On the ground (right) is his hat with more stays tied together by a handkerchief.

Published by Carington Bowles 
Date
1784

man with a tricorn points at him, laughing. 9 June 1789

В 1755г. немец Карл Вейзенталь получил патент на швейную машину, копирующую образование стежков вручную. Более совершенная машина однониточного цепного переплетения была создана французом Б. Тимонье. Все эти машины не получили широкого практического применения. Изобретателем швейной машины челночного стежка считают американца Эллиаса Хоу, созданная им в 1845г., машина имела целый ряд недостатков, но все же была более пригодна для шитья чем, машины предыдущих изобретателей. Последующими изобретателями, швейная машина была усовершенствована. 
В первых машинах А. Вильсона (1850г.) и И. Зингера (1851г.) игле сообщалось вертикальное движение, а материалы, прижатые лапкой, располагались на горизонтальной платформе.

La Caricature / Vous n'êtes pas grand, mon cher!
You are not really tall, my dear!" A tailor, grinning at the viewer, takes measurements of Louis-Philippe, whose back is turned.

Drawn by Robert Smirke Date 1752-1845
Роза Бертен, модистка королевы Марии-Антуанетты, получила прозвище «министр моды». Надо сказать, к Бертен относились неприязненно, возможно, из боязни появляющегося невиданного могущества женщин, а также в связи с представлениями о гипотетической испорченности и экстравагантности королевы. Другая модистка королевы, мадам Элоф, почти не уступала по известности Розе Бертен. Парикмахер Леонар был знаменитостью в предреволюционном Париже, а позднее в кругах французских эмигрантов в Лондоне. В начале XIX века императрица Жозефина прославила портного Леруа, изготовившего для коронации современные, но сохраняющие историческую преемственность одеяния.
 

 

Пожалуй, только Бертэн впервые ощутила себя творцом моды, предлагая Марии-Антуанетте на одобрение новые идеи.

Также был очень популярен Леруа — портной эпохи Наполеона I Бонапарта, одевавший императрицу Жозефину. В своей мастерской, которую можно вполне считать прообразом дома высокой моды, он создавал не только платья, но и шляпы и даже духи. Модные портные того времени именовались академиками. У них появляются собственные мастерские, что-то среднее между ателье и мануфактурой, где работало несколько сот швей. И даже появляются «собственные» модельеры, например, Огюст Жарнери, работавший на Леруа.

Francis William Edmonds (1806–1863) «The New Bonnet,» 1858 .

Когда женщина почувствует, что ее муж равнодушен к ней, она начинает одеваться слишком кричаще и безвкусно, или у нее появляются очень нарядные шляпки, за которые платит чужой муж. (Оскар Уайльд)

Andrea Chez Marchisio "To the Milliner's"

Jean Béraud "The Milliner on the Champs Elysées"

Adriano Cecchi At The Dressmaker's

Raimundo_Madrazo_-_La_Toilette

Hayter_George__Portrait_of_Countess_Yelizaveta_Voroncova_

Elizaveta_Ksaverevna_18301

Frederic John Lloyd Strevens

Демобилизованная

Вдохновение портного

Норманн Роксвелл Dressmaker

Сестра - модистка из Парижа

Л.Альма-Тадема. Вышивальщица

An Afternoon Embroidering -Madeleine Jeanne Lemaire

Aved, Jacques-

Chester Harding - Mrs. Abbott Lawrence (Katherine Bigelow), 1855

Edmund Blair Leighton - Stitching the Standard 

Edmund_Blair_Leighton_-_On_the_Threshold

gampenrieder_karl_prinzessin_elvira_von_bayern_mit_freundin_b

John William Waterhouse

The Dressmaker' {1893}

 

The Dressmaker' {1898}                     The Knitter' {1869

 

The Little Knitter' {1879}                   The Spinner' {1873}

Young Worker' {1869}

William Holman Hunt - The Lady of Shalott

Woman Sewing by William McGregor Paxton

Девочка в белой косынке с сумкой

Кружевница

 

 

A Young Woman Sewing by Nicholaes Maes 

Эберхард Кейль Старуха за рукоделием, 1650-е годы

 

«Старуха за рукоделием» (Аллегория осязания?) — портрет работы Эберхарда Кейля, известного представителя итальянской школы «художников реальности» датского происхождения, ученика Рембрандта.

Картина является одним из наиболее известных произведений в коллекции Серпуховского историко-художественного музея.

Anker Albert

Anker Albert

Самуэль Альбрехт (Альберт) Анкер

В 1901 Общество швейцарских художников и скульпторов по случаю 70-летия со дня рождения назначает Анкера (и Эрнста Штюкельберга) своим почетным членом и направляет юбиляру поздравительное письмо.

Альберт Анкер

 Уильям Сидни

The_Lace Handkerchief_Sophie_Gengembre_Anderson

Ю.Я.Леман. За рукоделием

Дети за рукоделием 

Emile Munier

A Careful Stitch, a painting by Emile Munier.

EugeneVonBlaas_The Knitting Lesson

LEONARD_CAMPBELL_TAYLOR

 
 

 

 

Альберт Анкер

Верещагин. Вышивальщица

В.А.Тропинин. Кружевница

Зичи М.А. Вышивальщица

Клодт. Уставшая швея

Константин Маковский. Швея

Николас Маес. Вышивальщица

Петер ван Ноорт. Швея

Ренуар. Жанетта за вышиванием

Д. Рейнолдс. Девушки за вышиванием

 
 

Джозеф Бейл. Вышивальщица

 

 

Рубрика Женщины художники

Maria Sibylla Merian

МАРИЯ СИБИЛЛА МЕРИАН АВТОПОРТРЕТ

1647 Франкфурт-на-Майне – 1717

 Maria Sibylla Merian
Швейцарская художница и исследовательница, рисовальщица, упражнявшаяся также в гравировании и живописи, занималась и энтомологией. Представительница семейства швейцарских художников Мериан.
Ее отец Маттеус Мериан был известным рисовальщиком и гравером и занимался книгоиздательством. Родом он был из Швейцарии, из очень уважаемой семьи города Базеля. Мать девочки была дочерью голландского протестанского проповедника. Больше всего на свете она ценила порядок и была на редкость хозяйственна. Ее звали Иоганна Сибилла.

Merian and the Histoire generale des insectes de Surinam et de toute l’Europe

От отца девочка унаследовала незаурядные способности к рисованию, но сам он ничему не мог ее научить. Маттеус Мериан умер, когда Марии Сибилле было всего три года. Первым учителем стал отчим, второй муж Иоганны Сибиллы, Якоб Марель. Он был профессиональным художником, учился живописи у голландских мастеров Утрехтской «цветочной» школы и у знаменитого Георга Флегеля. Якоб первым заметил склонность Марии Сибиллы к рисованию.
Уже с семи лет девочка начала постигать основы мастерства: рисунок, акварель, живопись маслом. Со временем освоила гравирование по меди. Мать была недовольна. По ее мнению маленькой Марии Сибилле все это было ни к чему. Однако Иоганна Сибилла уступила Якобу Марелю, который считал, что способности девочки не должны пропасть. Мать пошла на компромисс: занятия живописью ни в коем случае не должны были мешать Марии Сибилле помогать ей по хозяйству.

         

From the Linda Hall Library.  From the Linda Hall Library.

Это означало, что времени на игры у девочки не останется. Однако и в материнской суровости маленькая Мария Сибилла находила лазейки для радости. Вышивание, по мнению хозяйственной Иоганны Сибиллы, способствовало развитию таких добродетелей, как терпение и усидчивость, и было полезным делом. А Марии Сибилле казалось, что вышивка – это разновидность живописи, к тому же ей позволяли самой придумывать для нее рисунки, и она с удовольствием занималась этим. Но вот чего уж никак не могла понять и принять Иоганна Сибилла, так это склонность своей дочери к собиранию насекомых.

    

From the Linda Hall Library.  Although by 1685 career was flourishing

В те времена многие франкфуртские вышивальщицы заводили собственные маленькие шелковичные хозяйства.
Завела себе такую ферму и Иоганна Сибилла в специальном павильоне в саду. Вот к этому-то гусеничному хозяйству и решено было приставить Марию Сибиллу. Девочка должна была следить, чтобы листья шелковицы всегда были свежими, ловить случайно вылетевших бабочек, сортировать коконы.
Желая привить девочке любовь к полезному труду, мать ненароком дала ей возможность узнать прелесть исследовательской работы.

 

                                               Maria Sibylla Merian: Blaue Lilie

Мария Сибилла начала вести дневник, в котором описывала то, что ей удавалось увидеть в павильоне с шелковичными червями. Ей было тринадцать лет, когда появилась первая запись, а к ней - рисунок.
В семнадцать лет Мария Сибилла Мериан вышла замуж за молодого художника Иоганна Андреаса Графа, ученика Якоба Мареля. Такой брак был самым естественным для девушки, выросшей среди рисовальщиков и граверов. Решаясь на него, она прекрасно понимала, что, став женой живописца, она поставит свое материальное благополучие в зависимость от прихотей богатых заказчиков своего мужа и капризов моды.

Transactions of the Zoological Society, London, Volume 1, 1835

 A Century of Birds of the Himalaya Mountains

Неизвестно, был ли это брак по любви, или Мария Сибилла хотела поскорее избавиться от материнской опеки. Вполне вероятно, молодая художница считала, что в случае неудачной профессиональной судьбы мужа сумеет и сама прокормить семью.
Действительно, молодому живописцу Андреасу Графу не очень везло. Выгодные заказы были редки. Когда у Марии Сибиллы родилась дочь Иоганна Елена, стало ясно, что денег не хватает. Молодая пара решила переехать в Нюрнберг, родной город Андреаса. Там у него была маленькая типография, оставшаяся от отца. Однако, даже у себя на родине Граф не мог заработать достаточно для содержания семьи.

 

Birds of Europe Vol I       Black and White Kingfishers, Alcedo rudis.

Сначала Мария Сибилла брала заказы на вышивку и роспись ткани. Ее скатерти и покрывала скоро стали столь популярны в Нюрнберге, что к ней зачастили молодые дамы, желающие постичь секреты ее мастерства. Постепенно вокруг Марии Сибиллы сложился постоянный кружок учениц-вышивальщиц, которые рады были платить ей за обучение. Благодаря занятиям с ними, у Марии Сибиллы родилась идея ее первой книги. Она решила сделать альбом рисунков или «образцов» для вышивки. Альбом было решено назвать «Книга цветов».

Чтобы скорее начать продавать книгу, Мария Сибилла решила сделать 3 выпуска альбома, с 12 цветными «образцами» каждый. Первая часть «Книги цветов» вышла в Нюрнберге в 1675 году. Тираж был с большим успехом распродан.
Заработки Марии Сибиллы в Нюрнберге позволили существенно поправить материальное положение семьи Графов.
Но тяга к изучению насекомых не покидала ее, несмотря на успехи на прочих поприщах. Только приехав на новое место, Мария Сибилла сразу же устроила питомник для гусениц, начала их собирать, кормить, вести наблюдения, зарисовывать, записывать.

 Storia naturale di Jan Jonston, 1653, illustrata dai fratelli della Merian

Опыты с живыми гусеницами могли счесть в лучшем случае чудачеством, а в худшем – колдовством.
Через несколько лет после переезда в Нюрнберг Мария Сибилла решила издать свою первую книгу о насекомых. Она хотела рассказать о тех маленьких «чудесах», которые ей удалось подсмотреть в своем саду и «лаборатории».

  

В 1678 году у Марии Сибиллы родилась вторая дочь Доротея Мария, а в 1679 году вышла первая часть книги «Чудесное превращение гусениц и необычное питание цветами».
В 1685 году брак Марии Сибиллы Мериан и Андреаса Графа распался. Мария Сибилла решила покинуть Германию и поселиться в Западной Фрисландии, которая была частью Республики Соединенных Провинций, или Нидерландов. Жить ей предстояло в замке, принадлежавшем одной христианской общине. Вместе с ней должны были перехать ее старая мать и обе дочери.

 

 Решение не было поспешным. Ему предшествовала длительная переписка с членами общины. Марии Сибилле предлагали очень соблазнительные условия: ее должны были освободить от всех сельскохозяйственных работ, обязательных для других жителей замка, а она должна была заниматься живописью, гравировкой, собирать гербарий. Все заботы о пропитании ее, ее матери и дочерей община брала на себя.
В замке Валта в Западной Фрисландии Мария Сибилла Мериан провела пять лет. Она собирала растения, ловила насекомых, наблюдала, записывала, зарисовывала. Учила латинский и голландский языки. Занималась живописью. Она сделала более 40 великолепных акварелей, на которых были изображены пряные и лекарственные растения.

В Фрисландии она узнала о существовании голландской колонии Суринам в Новом Свете. В замке были коллекции насекомых, раковин, засушенных растений и плодов, привезенных оттуда. Ей безумно захотелось побывать там и самой познакомиться с представителями мира тропических насекомых, который здесь, на севере, казался ей просто фантастическим. Родилась мечта, которая через некоторое время определила дальнейшую судьбу Марии Сибиллы. В 1691 году, после смерти матери, художница покинула замок во Фрисландии и с двумя дочерьми переехала в Амстердам.

 

 
 

Ее успех в этом городе превзошел все ожидания. Необычные цветочные акварели, «населенные» тщательно выписанными насекомыми, вызвали восторг у светских дам. У Марии Сибиллы скоро появились богатые поклонницы, которые не только охотно покупали работы художницы и ее дочерей, но хотели также брать уроки рисования.

 

Несмотря на насыщенность амстердамской жизни, Мария Сибилла не прекращала вести наблюдения за насекомыми. Не оставляли ее и мысли о путешествии в Южную Америку.
В июне 1699 года она вместе со своей младшей дочерью Доротеей Марией, которой только-только исполнился двадцать один год, поднялась на борт торгового судна «Виллем де Рейтер», отплывавшего в Суринам. Багаж двух дам состоял, в основном, из всевозможных коробок, коробочек, склянок, ящиков, ящичков и корзин, предназначенных для упаковки «натуралий».
В августе 1699 года судно подошло к берегам Южной Америки. Год художница провела в Парамарибо, проводя исследования. Дождавшись окончания дождливого сезона, в марте 1700 года Мария Сибилла и Доротея Мария снова отправились в путь.

Book Illustration of a Crocodile Eating a Snake by Maria Sibylla Merian ca. 1719

 

Они решили подняться на несколько миль вверх по течению реки Суринам, чтобы пожить на плантации, окруженной диким тропическим лесом. Мария Сибилла совершала регулярные вылазки в сельву, чтобы самой добывать интересные образцы тропической природы. Впереди всегда шли два негра с тесаками, которые прокладывали тоннели в зеленом месиве сельвы, а за ними – Мария Сибилла. Часто она брала с собой ящик с красками, чтобы иметь возможность прямо в лесу зарисовать то, что не удастся взять домой.

Почти два года, с августа 1699 года до конца июня 1701, провела Мария Сибилла в Суринаме. Они возвращались на родину с ценным грузом. Двадцать больших ящиков с тщательно упакованными образцами стояли в трюме. Кроме тысяч засушенных насекомых и паукообразных Мария Сибилла должна была доставить в Амстердам одного большого крокодила, двух анаконд, восемнадцать змей поменьше, одиннадцать ящериц и одну небольшую черепаху. 23 сентября 1701 года судно бросило якорь в столице Голландии. В честь его прибытия на улицах города были вывешены флаги.

Bird Eggs: Turkey Buzzard (top and bottom)

 

 Влиятельные люди предложили Марии Сибилле организовать выставку привезенных ею натуралий в большом зале городской ратуши.
Конечно, вернувшись из путешествия, Мария Сибилла хотела сразу же приступить к работе над большой книгой о метаморфозах суринамских насекомых. Но средства не позволяли. И в это время Марии Сибилле предложили выполнить очень престижный и хорошо оплачиваемый заказ. Она должна была нарисовать акварели и сделать гравюры для «Амбоинского кабинета редкостей» знаменитого натуралиста Георга Эберхардта Румфиуса.

 

В 1705 году большой том, который назывался «Метаморфозы суринамских насекомых, нарисованные с натуры и в натуральную величину и описанные Марией Сибиллой Мериан», вышел в свет в Амстердаме. В книге было 60 гравюр.
В последовавшие годы Мария Сибилла Мериан продолжала рисовать растения и насекомых, сделала целую серию изображений европейских птиц, подготовила второе издание двух первых частей «Книги о гусеницах».

, Birds of Europe               A Monograph of the Macropodidae.

 

Мария Сибилла Мериан. 
Гравюра И. Р. Шелленберга. 1769 г.
 

 

Мария Сибилла Мериан. 
Портрет работы Я. Хоубракена. Начало XVIII в.

 

Была задумана третья часть, но закончить работу над ней художница не успела. В 1715 году ее разбил паралич, а 13 января 1717 года она умерла. Третья часть «Книги о гусеницах» была закончена младшей дочерью Марии Сибиллы Доротеей Марией.
Жизнь этой удивительной женщины была на редкость беспокойна. Она меняла города и страны, сама зарабатывала себе на хлеб (это в семнадцатом-то веке!) и растила двух дочерей. При этом она вела неустанные наблюдения за «чудесными» превращениями насекомых. Мария Сибилла тщательно зарисовывала и скурупулезно описывала каждую стадию. В результате она издала несколько великолепно проиллюстрированных книг, которые сделали ее знаменитой.

Самой яркой страницей ее биографии стала настоящая научная экспедиция в Южную Америку, которую Мария Сибилла Мериан задумала и осуществила на рубеже семнадцатого и восемнадцатого веков.
Так случилось, что совсем незадолго до смерти художницы о ее работах узнал бывший в то время в Амстердаме Петр Первый. Ее акварели ему так понравились, что после смерти художницы он велел приобрести значительную их часть и привез с собой в Петербург. Личный врач Петра Первого Роберт Арескин купил на свои деньги и тоже привез в Петербург научный дневник или “Studienbuch” художницы. Эти сокровища и по сей день хранятся в академических собраниях Петербурга.

Мария Сибилла Мериан

 

Рубрика Женщины художники

Caterina van Hemessen
(1527-1566) фламандская художница.

self-portrait-caterina-van-hemessen

Катерина ван Хемессен. Автопортрет. 1548. Общественное собрание произведений искусства. Базель

 Дочь живописца Яна ван Хемессена, который был её учителем. Известно, что она входила в гильдию художников и обучала трёх учеников. В основном занималась портретной живописью, а также картинами на религиозные сюжеты. Портретируемые на её картинах всегда изображены на тёмном фоне и никогда не смотрят на зрителя.

 

Caterinavan Hemessen Portrait of a Lady

Работала в Базеле. Катарина — первая фламандская художница, картины которой подписаны и датированы. В 1548 она написала автопортрет в трёх вариантах и тем самым создала первый портрет, изображающий художника за работой. Пользовалась покровительством Марии Австрийской (1505—1558), после смерти которой ей была назначена солидная пенсия.

Portrait of a Woman, in the Fitzwilliam Museum, Cambridge
 

 

 

Portrait of a Woman with Dog

В 1554 г. вышла замуж за органиста Антверпенского кафедрального собора Хретиана де Мориена. В 1556 г. вместе с Марией Австрийской и её двором переехала в Испанию. Через два года, после смерти Марии, вернулась с мужем в Антверпен. Гвиччардини упоминает её в своих «Описаниях нижних земель» (1567).

Caterina van Hemessen

Наследие

Основные работы ван Хемессен хранятся в Королевском музее Амстердама и в Лондонской Национальной галерее, один из её автопортретов находится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Portrait_of_a_Man

Portrait of a Woman Rijksmuseum

 

 

Рубрика Женщины Художники.

:Elizabeth Nourse  1859 births | 1938 deaths

 Self Portrait 1892 г.

Американская художница- портретистка и пейзажистка. Занималась также акварелью, росписью мебели и скульптурой.
Родилась в Цинциннати, штат Огайо в католической семье Калеба Илии Норса и Элизабет Ле Бретон Роджерс. Элизабет и ее сестра-близнец были самыми младшими из десяти детей Норсов.
В возрасте пятнадцати лет Элизабет поступила в Школу искусств МакМикен в Цинциннати в мастерскую Томаса Саттервайта Нобла, и была одной из первых женщин, поступивших в живописный класс.

_Emerson_Pitman_1885.

Она училась в школе в течение семи лет, и после окончания ей даже предложили преподавательскую должность, от которой Норс отказалась.
В 1882 году умирают родители Элизабет, и с помощью своего покровителя, любителя искусства, она отправляется в Нью-Йорк, чтобы продолжить учебу в Лиге студентов-художников (the Art Students League). 

Head_of_a_Girl_ca_1882

В 1883 году Норс вернулась в Цинциннати и стала заниматься украшением интерьеров домов и писать портреты. 
С 1884 по 1886 годы она большую часть лета жила в Теннеси в горах Аппалачи, рисуя акварельные пейзажи. 
В 1887 году Норс переезжает в Париж и поступает в Академию Юлиана, где училась у Густава Буланже и Жюля Лефевра. 

La Petite Soeur

Закончив учебу, Элизабет открывает в Париже свою собственную студию, а в 1888 году ее работа участвует в первой большой выставке "the Societé Nationale des Artistes Français» (Общества французских художников).
Вскоре Элизабет Норс становится второй американской женщиной (по-моему, после Мери Стивенсон Кэссат), которая была принята в качестве члена этого национального Общества. 

 La mere (The Mother) 1888

Ее объектами творчества часто становились женщины, в основном крестьяне, и изображения сельской местности Франции. 

Meditation

 Moorish Boy 1897.

A Mother And Child

В 1920 году она была прооперирована по поводу рака молочной железы, но в 1937 году болезнь стала вновь прогрессировать. Элизабет умерла 8 октября 1938 года. 
Некоторые ее работы можно увидеть в музее искусств Цинциннати.