Как правильно сочетать цвета

Подбор цветовой гаммы - достаточно ответственное занятие. Сочетание цветов в дизайне всегда было основной из главных задач. Обязательно придавайте значение сочетаниям цветов, это важно!

Цветовая гамма не должна Вас как-либо напрягать или нервировать, а, наоборот возвращать потраченную в течение дня гармонию. Выбор цветовой гаммы начинается с решения, чего же Вы все-таки хотите от дизайна цвета. Только так Вы сможете подобрать оптимальное сочетание цветов.

Самый «горячий» цвет – это оранжевый. Наиболее холодный – голубой, всегда ассоциирующийся с прохладной водой и льдом. Переходя от голубых через зеленые и желтые тона, цвета теплеют, держат «высокую температуру» на красном, бордовом, коричневом и некоторых оттенках розового и фиолетового, а затем снова «спускаются» к холоду через сиреневый и синий. Однако представленная градация весьма условна, поскольку грани между холодными и теплыми едва уловимы. Например, лайм скорее относится к желтым оттенкам, но является холодным цветом. И, наоборот, глубокий, насыщенный фиолетовый может быть как теплым, так и холодным, в зависимости от того, доминирует в нем красный или синий.

И все же именно теплая или холодная палитры способны преображать помещение. Так, например, для того, чтобы расширить стены небольшой комнаты, желательно использовать не просто светлые, а светлые холодные тона.

И наоборот, сделать слишком просторное и оттого пустое помещение более уютным помогут теплые оттенки. Они же добавят в немного солнечного настроения, если в ней не хватает естественного освещения, и используются лампы дневного света. Тогда как обильно освещенную залу с большими окнами можно «нарядить» в холодные тона.

Особой широтой отличаются цветовые гаммы интерьера кухонь. Если Вы оформляете кухню, следует учесть, что сочные теплые цвета – оранжевый, травяной зеленый, яичный желтый – повышают аппетит, а голубой и белый помогают держать себя в рамках и употреблять пищу в умеренных количествах.

Спальня – будь то уголок для отдыха от суровых будней или само воплощение романтики – тоже требует особого подхода. В первом случае лучше раскрасить ее в прохладные цвета, уносящие далеко от требующих решения проблем. Во втором, конечно, первые роли принадлежат красному и всевозможным его оттенкам, или же любому другому цвету, который вам нравится и относится к теплой гамме. Такой цвет позволит быстро восстановить силы, будто передавая свою энергию и тепло вам.
Правила сочетания цветов
Конечно, существуют модные сочетания цветов в каждом сезоне. Но когда Вы осуществляете подбор сочетаний цветов, следует все-таки основываться на таблицу сочетания цветов и собственные ощущения.
Не существует правильного сочетания цветов, существует только удачное сочетание цветов.

Для того, чтобы подобрать сочетания цветов, существует несколько подходов.
Первый тип – однотонный

Цветовая гамма варьируется в пределах основного цвета, он лишь становится темнее или светлее. Например, темно-синий, синий, голубой. Однако оформленную таким образом комнату можно слегка разбавить «вкраплениями» другого цвета, не слишком притягивающего к себе внимание. Например, помещение в голубых и синих тонах могут дополнить белый и светлый песочный.
Второй тип – гармоничный

Если вы хотите разнообразия, но не настолько радикального, чтобы говорить о контрастах, «раскрасьте» помещение по гармоничному сочетанию цветов. Самые выигрышные примеры сочетания цветов, которые можно смело сочетать друг с другом:

Для красного: розовый — фиолетовый и оранжевый — яичный желтый
Для оранжевого: красный – розовый и яичный желтый – желтый
Для желтого: оранжевый — яичный желтый и лайм – салатовый
Для зеленого: лайм – салатовый и цвет морской волны – синий
Для синего: зеленый – цвет морской волны и сиреневый – фиолетовый
Для фиолетового: синий – сиреневый и розовый – красный

Третий тип – игра на контрастах

Для любителей оригинального и яркого дизайна – игра на контрастах. У каждого цвета на палитре есть свой «антипод»:

Красный – зеленый
Оранжевый – цвет морской волны
Яичный желтый – синий
Желтый – сиреневый
Лайм – фиолетовый
Салатовый – розовый

Даже если вам кажется, что вы никак не реагируете на цвет (вам совершенно все равно, какого цвета окружающие вас предметы), ваш глаз улавливает малейшие его оттенки (до полутора миллионов!), а ваше подсознание и генетическая память фиксируют все цветовые «посылы».

В результате пребывание в определенной цветовой гамме комнат незримо руководит вашими эмоциями и поступками.

«Неблагополучные» цвета и сочетания цветовой гаммы
– создает нервное напряжение (может даже вызвать гипертонию).

Черный (а также фиолетовый) – "съедает" пространство.

Коричневый (в том числе и отделка «под дерево») — вызывает меланхолию, может привести к депрессии.

Серый — печаль и уныние.
Синий – ощущение холода и неуютности.
Благоприятная цветовая гамма

Оттенки от желтого к зеленому – спокойная и оптимистичная гамма, снимает усталость.
Пастельные оттенки от желтого к бежевому – «примиряющие» и комфортные цвета.
Бирюза – дает ощущение свежести (подходит для ванной).
Светло-голубой – успокаивает, вызывает сонливость — идеален для спальни и комнат отдыха, а вот в кабинетах и рабочих зонах противопоказан.
Темно-голубой – «охлаждает» пространство и пыл (например, за столом переговоров), считается серьезным и деловым цветом.
Желтый и оранжевый – стимулирует и тонизирует (не годится для спальни), подходит для комнаты окнами на север.
Белый – может вызывать ощущение холода и дискомфорта, с другой стороны – «чистый лист» — идеальный фон для любых дизайнерских решений. Красный или терракотовый в виде акцентов – бодрит, поднимает настроение.
Черный в виде акцентов – придает интерьеру графичность и особый стиль.
Светло-серый в «миксе» с другими цветами – деловая обстановка.



цветовой кругСочетания родственно-контрастных цветов представляют самый обширный вид цветовых гармоний. В системе цветового круга родственно-контрастные цвета располагаются в смежных четвертях. Это: теплые (желто-красные и желто-зеленые цвета ) и холодные (сине-зеленые и сине-красные цвета ).

Особенной гармоничностью обладают сочетания цветов, которые располагаются в цветовом круге на противоположных концах друг от друга. Это объясняется тем, что между такими парами родственно-контрастных цветов существует двойная связь: они состоят из равного количества объединяющего главного цвета и равных количеств контрастирующих цветов. В практике редко приходится сталкиваться с композициями, которые содержат всего два цвета . Простейшее гармоничное сочетание двух родственно-контрастных цветов значительно обогащается при добавлении цвета из тонового ряда этих же цветов, разбеленного или затемненного.

Также, цветовая гармония может образовываться сочетанием цветов расположенных в вершинах вписанного в цветовой круг равностороннего треугольника. Поворачивая такой треугольник внутри круга вы можете получить любое сочетание цветов, при этом оно будет обязательно гармоничным.
Успешное сочетание цветов и красок в интерьере - залог уюта в доме.

История квиллинга
21.10.2010, 17:28

На английском языке это рукоделие называется «quilling» — от слова «quill» или «птичье перо». В отличие от оригами, родиной которого является Япония, искусство бумагокручения возникло в Европе в конце 14 — начале 15 века. В средневековой Европе монахини создавали изящные медальоны, закручивая на кончике птичьего пера бумагу с позолоченными краями. При близком рассмотрении эти миниатюрные бумажные шедевры создавали полную иллюзию того, что они изготовлены из тонких золотых полосок. К сожалению, бумага — недолговечный материал и мало что сохранилось от средневековых шедевров. Однако эта древняя техника сохранилась и до наших дней и очень популярна во многих странах мира. Бумагокручение быстро распространилось в Европе, но, потому, что бумага, особенно цветная и высококачественная, была очень дорогим материалом, бумажная пластика стала искусством для дам из богатых слоев общества.

В наши дни бумагокручение широко известно и популярно как хобби в странах Западной Европы, особенно в Англии и Германии. Но самое широкое распространение это искусство получило, когда оно «переехало» на Восток. Богатейшие традиции тончайшей графики и пластики, изготовления бумаги и работы с ней дали искусству бумажной пластики новую жизнь.

В Южной Корее существует целая Ассоциация любителей бумажной пластики, объединяющая последователей самых разных направлений бумажного творчества.

В 15 веке это считалось искусством. В 19 — дамским развлечением. Большую часть 20 века оно было забыто. И только в конце прошлого столетия квиллинг снова стал превращаться в искусство.

В Англии принцесса Елизавета всерьёз увлекалась искусством квиллинга, и многие её творения хранятся в музее Виктории и Альберта в Лондоне. С бумагой у нас связано представление о непрочности и недолговечности. Но квиллинг опровергает это утверждение – на филигранную объёмную подставку можно поставить, к примеру, чашку или положить тяжелую книгу, и ни один завиток бумажного кружева при этом не пострадает. Можно собрать из бумажных элементов вазу для конфет и спокойно использовать её по назначению — не развалится и не сломается. В общем, квиллинг — это возможность увидеть необычные возможности обычной бумаги.

Надо заметить, что корейская школа квиллинга (они называют его бумагокручение) несколько отличается от европейской. Европейские работы, как правило, состоят из небольшого числа деталей, они лаконичны, напоминают мозаики, украшают открытки и рамочки. Европа всегда спешит, поэтому любит быстрые техники. Восточные же мастера создают произведения, напоминающие шедевры ювелирного искусства. Тончайшее объёмное кружево сплетается из сотен мелких деталей

Инструменты для квиллинга

Для освоения техники бумагокручения не требуется, какого либо специального инструмента. На начальном этапе вполне достаточно посещения обычного универмага. Вот краткий список самого необходимого для начала обучения:
Шило. Желательно приобрести шило диаметром около одного миллиметра. Обычно шило имеет конусообразную форму, что может быть неудобно. В этом случае можно воспользоваться любым калёным стерженьком подходящего диаметра. Шило (стержень) используется для намотки спирали из бумажной полосы. При этом необходимо контролировать усилие натяжения бумаги, ручка инструмента должна быть удобной для этой цели.

Пинцет. Кончики должны быть острыми, точно совмещёнными. Для выполнения работ высокой точности. Зазубринки на конце нежелательны, т.к. могут оставлять следы на бумаге. Усилие при сжатии должно быть удобным для Ваших рук, обеспечивая надёжный захват с наименьшим
давлением.

Ножницы. Как и пинцет, должны иметь заострённые концы. Для максимально точной нарезки бахромы. Лезвия должны быть равномерно заточены под определённым углом до самых кончиков. В этом случае ножницы безотказно работать по всей длине

Клей. Особых рекомендаций нет. Однако он должен достаточно быстро высыхать и не оставлять следов. Попробуйте начать с ПВА.

При разметке будущей композиции понадобятся простейшие чертёжные инструменты: циркуль, линейка, карандаш.
Материалы

Для работы потребуется применение оригинальной корейской бумаги. Во-первых, она обладает определёнными неповторимыми свойствами, проявляющимися в процессе придания ей формы. Во-вторых, такая бумага поставляется удобно нарезанной в полоски различных цветов. В Корее производится широчайшей ассортимент. Конечно можно попробовать потренироваться с полосками обычной бумаги, но работать с ней будет весьма проблематично.Упаковка содержит полоски бумаги длинной 27 сантиметров. Ширина варьируется от 2 миллиметров до 3 сантиметров. Одна упаковка может содержать, как бумагу одного цвета, так и целую радугу цветов. Толщина и сам материал никак специально не варьируется, по крайней мере в пределах одного производителя.
Техника

На первый взгляд техника бумагокручения несложна. Полоска бумаги свивается в плотную спираль. Начать навивку будет удобно, накрутив край ленты на кончик острого шила. Иногда вместо шила ученики используют специальный инструмент имеющий раздвоенный кончик удобный для захвата бумаги. Сформировав сердцевину спирали, продолжать работу целесообразно без использования инструмента. Так Вы сможете подушечками пальцев почувствовать, однородно ли формируется рулон, и во время скорректировать усилия. В результате должна образоваться плотная спираль меньше сантиметра в диаметре. Она будет основой дальнейшего многообразия всех форм.После чего спираль распускается до нужного размера, и затем из неё формируется необходимая фигура. Кончик бумаги прихватывается капелькой клея. Существует множество типовых фигур, но Вы всегда сами можете придумать новые.

Что же такое Декупаж? Немного предыстории


Декупаж (фр. decouper — вырезать) — декоративная техника по ткани, посуде, мебели и пр., заключающаяся в скрупулезном вырезании изображений из различных материалов (дерева, кожи, тканей, бумаги и т. п.), которые затем наклеиваются или прикрепляются иным способом на различные поверхности для декорирования. Эта техника крайне кропотлива, требует большого времени, терпения и предусматривает множество попыток, прежде чем результат станет удовлетворительным.
Декор доски

Истоки декупажа восходят к раннему Средневековью. Как вид искусства он первый раз упоминается в конце XV века в Германии, где вырезанные картинки стали использоваться для украшения мебели. Пик увлечения этой техникой наступил в XVII веке в Венеции, когда в моду вошла мебель, украшенная инкрустациями в китайском или японском стиле. Венецианские мастера искусно вырезали изображения, наклеивали их на поверхность мебели и покрывали для защиты несколькими слоями лака.

Путём такой аппликации мебельщики имитировали дорогие восточные инкрустации, что было значительно дешевле, однако, пользовалось не меньшим спросом. Впоследствии это искусство в Италии стало именоваться Arte povera («искусство бедных»). Ныне такая мебель крайне редка и стоит очень дорого, и этому стилю подражают многие современные мебельные дизайнеры.

Декупаж был очень моден при дворе французского короля Людовика XVI. Мария Антуанетта и её придворные дамы использовали для украшения работы Ватто и Фрагонара, уничтоженные позднее во время Великой французской революции.

В Англии декупаж вошёл в обиход широких слоёв населения в Викторианскую эпоху, когда в большом количестве появились доступные листы с отпечатанными коллекциями для вырезания, и декупаж проник почти в каждый дом. К середине XIX века это увлечение стало массовым. В основном для работ использовались сентиментальные мотивы в виде изображений цветов, пасторальных сценок, фигурок и ангелочков. Из Англии декупаж в качестве хобби проник в Америку, где был широко известен между Первой и Второй мировыми войнами.

Сейчас эта старинная техника вновь стала модной и широко распространена в различных странах при декорировании сумочек, шляпок, подносов, ёлочных украшений, солнечных часов, шкатулок, посуды, упаковок и т. д., а также при создании эксклюзивных предметов интерьера, при оформлении одежды и изготовлении модных аксессуаров.

В России всплеск интереса к декупажу возник в начале XXI века, однако, эта техника в нашей стране пока не получила подлинно массового распространения.

Ныне к традиционной технике добавился декупаж из салфеток, из тканей и на тканях, внедрены компьютерные инновации, позволяющие использовать трёхмерный декупаж, а также отпечатанные на принтере или на ксероксе картинки различного содержания.

Разнообразие материалов, появляющихся в магазинах, позволяет декорировать любую поверхность: свечи, керамику, ткань, дерево, металл и прочее. А использование различных техник, таких как золочение, состаривание, кракле, художественный декупаж, объёмный декупаж (с применением модельной массы и других материалов) дают неограниченный простор фантазии.

В настоящее время в декупаже популярны такие стили, как: прованс, викторианский стиль, шебби-шик, симплисити, этно. Это обусловлено в первую очередь текущими тенденциями в стилистике интерьеров.

История батика


Наиболее ранние сведения об окраске тканей в мировой литературе относятся к I веку н.э. Плиний Старший дал в одной из своих книг описание способа окраски, который применялся в Египте: 'В Египте окрашивают одежды удивительным способом: после того, как белое полотнище расчертят, его пропитывают не красками, но поглощающими краски веществами; когда это сделано, на полотнище не видно ничего, но, погрузив его в котел с горячей краской, в надлежащее время вынимают окрашенным'. Как видим, описание очень похоже на современные определения батика.
батик

В Индонезии, в некоторых областях Центральной Явы и прилегающих к ней островах, сохранилась древнейшая форма резервирования, которой пользуются до сих пор при создании особой церемониальной ткани. Резервом здесь служит специально приготовленная рисовая паста, которую наносят с помощью бамбуковой палочки. Ткань берут только ручного прядения, краска приготовляется из корня растения Morinda citrifolia, окрашивание происходит в несколько стадий и длится несколько дней. После удаления пасты остаются простые, в основном геометрические, реже - фигуративные изображения. Как считает известный исследователь Индонезии Г.П.Рофайер, ':относительно невероятно происхождение сегодняшнего развитого искусства батика из простого способа резервирования рисовой пастой'. Он полагает, что батик как способ был завезен из Индии.

Русский этнограф Игорь Каммадзе, изучавший материальную и духовную культуру Явы, обращает пристальное внимание на искусство батикования: ':С давних пор батик стал неотъемлемой частью ритуала поклонения богам, раджам и т.д., и каждый узор полон символики и наделён волшебной силой. Одним из значительных символов индонезийской культуры является 'крис' - древнейшее оружие яванцев - он же один из любимейших и символичных мотивов, изображаемых в батике. В отличие от криса, изготовление батика является исключительно женским ремеслом'.

Символическое значение батика проявляется в его традиционной сине-коричневой цветовой гамме, в изображении древних орнаментальных мотивов и особенно в том, что ни один обряд жизненного цикла не обходится без криса и без батика. 'Крис, завернутый в ткань, воплощает единство космоса во всей его полноте, отдельно же крис и батик - воплощение мужского и женского аспектов мироздания'. Философско-символическая соотнесенность предметов материальной культуры и духовной жизни народа имеет очень древние корни. Мир и миф есть единое целое.

Можно говорить не о прямом заимствовании из Индии, а скорее о совершенствовании давно знакомой индонезийцам техники.Через множество товарно-хозяйственных записей известно, что индийские набивные ткани были предметом активногобатик экспорта на Суматру и Яву в Средние века. Из стремления воспроизвести понравившиеся узоры в собственной технике возник типично яванский прибор - тьянтинг (джаньтинг) - маленький медный сосуд, который наполняется расплавленным воском и может быть разогрет на огне, если воск начинает застывать. Сосуд снабжен тонкой загнутой трубочкой, из которой вытекает тонкая струйка воска, и именно это приспособление позволяет нанести тонкие штрихи, линии и точки, составляющие сложный узор - характерную особенность индонезийского батика. А рисование от руки превращает простое окрашивание ткани, столь необходимое в повседневной жизни, в высокоразвитое искусство.

Следующей предпосылкой для развития узорного украшения ткани послужил особенно тонкий гладкий хлопок, привозимый опять же из Индии. Этот дорогой материал могли себе позволить только женщины богатых городов побережья и жители кротонов - княжеских домов патриархальной Явы.

Из тысячи различных орнаментов, передававшихся из поколения в поколение, многие были в конце 18 века запрещены к употреблению для простолюдинов, и носить их дозволялось только членам княжеской семьи и лицам, особо приближенным к султану. Это были прежде всего традиционные ритуальные, символические орнаменты. К таким орнаментам относились, например, изображения мифической птицы с раскрытым перепончатым хвостом, схематичное изображение старинного меча, спиральная полоса, язычок пламени, дополняющий спираль, штрихи, напоминающие дождик, мотив изображения священнной горы на белом фоне. Эти запреты и предписания строго соблюдались в XVIII веке, и даже сегодня появиться в кратоне Джакарты в запретном (lorangan) узоре считается неприличным для местных жителей. Символическое значение узоров возвышало и магически защищало их носителей.

Настоящий художник по ткани глубоко укоренен в собственной культурной традиции. Кроме того, занятие батиком требовало много времени, совершенствования мастерства, создания особой атмосферы духовной гармонии и концентрации. Все это вело к расцвету искусства батика.

Когда англичане в 1811 году оккупировали Яву, они решили распространить английские хлопчатобумажные ситцы во всем юго-азиатском регионе, но натолкнулись на непреодолимое препятствие, которым было качество окраски местного батика. Оно было гораздо выше европейского, растительные красители не линяли при стирке, как это происходило с ситцами, окрашенными анилином. Так местная традиция укрепила свои позиции, и, возможно, именно этот фактор повлиял на дальнейший ход событий.

Мелкие торговцы поставляли желающим работать привозную ткань для батика и доставали красители, приготовленные по традиционной технологии. Одновременно разрушается 'монополия' женщин в батике. Совершается переход к технике tjap - батика, т.е. нанесения узора медным штампом, и мужчины, работающие по найму в мастерских, берут на себя изготовление штампов. Это было достаточно дорогим и даже рискованным делом. Новый индийский или европейский узор не всегда сразу находил своего потребителя, и затраты на изготовление целой партии одинаковых батиков могли привести как к неожиданному богатству, так и к полному разорению. Поэтому мастерские никогда не переходили целиком к производству tjap - батика, продолжая разрисовывать ткани вручную. Это обеспечивало сохранение художественных навыков исполнителей, богатство вариаций в орнаментации, неповторимость и высокое качество изделий.

Как развивалась история технологий окраски в Индии, Китае и Японии?

В Индии в средние века рисунок на ткань наносился двумя способами - кистями и при помощи деревянного штампа. Первый батикспособ был весьма трудоемким и длительным. Известные исследователи индийского ткачества Дж.Ирвин и П.Шварц утверждают, что 'раскрашивание ткани кистями было гораздо ближе к искусству, чем к ремеслу'.

Из ручной технологии до настоящего времени широко распространена техника узелковой окраски ткани, так называемая бандхана, при которой узор выглядит составленным из мелких неровных пятнышек. Изображения людей в одежде, украшенной таким точечным узором, можно увидеть в скульптурах, рельефах и фресках древних индуистских храмов.

Другая древняя технология распространена в Гуджарате. Ткань свивают жгутом и плотно обматывают те места, где должны быть полосы, затем ткань погружают в краску. После развязывания на месте свивки остается непрокрас. Такая техника называется лахерия. Она похожа на батик, но здесь иной метод резервирования.

Технология, соответствующая батику, известна под названием каламкари и сохранилась в основном в Короманделе и Тамилнаде в среде ремесленников, изготовляющих для местной клиентуры портьеры для храмов, пологи, балдахины, часто включающие мифологические сценки и даже портреты. Понятно, что такая технология не дает большого количества изделий и не может удовлетворить широкий спрос. А такой спрос появился в Индии в XVII веке, в связи с ее колонизацией англичанами.

Распространение метода набойки, или набивки явилось важным усовершенствованием. Индийские ситцы (голландское chintz от хинди 'чхинт') пользовались огромной популярностью в самой Индии и за ее пределами, особенно в Европе XVII-XVIII веков. Для мольеровского Журдена обзавестись ситцевым халатом означало приобщиться к аристократическому обществу. Европа была настолько покорена индийскими ситцами, что быстро переняла технологию их изготовления. Можно сделать вывод, что именно европейский спрос породил развитие индийской набойки, которая совершенно вытеснила ручное изготовление ткани в Индии. Набивные ткани упоминаются в произведениях художественной литературы и воспоминаниях путешественников первых десятилетий XVI века как уже распространенный вид текстильных изделий. Современные исследования находят относящиеся ко все более ранним периодам доказательства того, насколько высоко были развиты тканевое производство и технологии в средневековых Индии и Китае.

Китай дал миру такой прекрасный материал, как шёлк. Техника украшения шелковой ткани методом набойки в Китае называлась жанцзе. Это можно перевести как узоры краской, орнамент, получаемый погружением в красящую жидкость. Во многих письменных источниках говорится, что ткани жанцзе повсеместное посила как знать, так и простой народ. В танский период существовало три различных метода нанесения узоров краской: восковой, блоковый и узелковый. По-видимому, самым древним и традиционным из них является метод лацзе (узоры воском), при котором жидкий горячий воск по узору накладывался на ткань, после остывания ткань погружали в красильный чан, потом воск удаляли и ткань в нужных местах оставалась неокрашенной. Иногда последовательность была обратной: ткань окрашивали, затем по заданному рисунку на нее наносили воск, после этого ткань помещали в щелочной раствор, и краска, за исключением закрытых воском мест, смывалась. Если была необходима двухцветная окраска, то операция повторялась. В три цвета окрашены немногие дошедшие до нас образцы. Они назывались санбаоцзе. Исследователи-этнографы считают, что тройная окраска была техническим пределом, так как при наложении четвертого слоя ткань делается почти черной. Вышеописанный способ можно смело назвать батиком. Только это батик на шёлке.

В Японии технологии украшения ткани развивались своим особым путем. Как и многое другое, это было обусловлено её географической изоляцией, самодостаточностью и своеобразием культуры. Считается, что окрашивание способом, известным в Батик, роспись по тканимировой культуре под названием батик, было завезено в Японию из Индии или из Китая. По-японски он назывался рокэти и использовался при разрисовке ткани для ширм и одежды. VIII век был золотым веком художественного ткацкого производства в Японии. В это время уже существовало множество видов ткани; кроме батика, развивается вышивка и восковая набойка - суримон, а также техники кокэти (узоры по трафарету) и юхата, напоминающая индийскую лахерия. С Х-ХI веков японский костюм стал роскошным как никогда. Погоня за сложностью наряда вызвала к жизни искусство чередования цветовой гаммы складок и одежд и тщательного размещения узора, который не должен теряться в складках. Рисунки, полученные техникой трафарета, вытесняются градуированной ручной росписью. С течением веков меняются предпочтения: так, в XIII веке в моду входит орнаментация гербами, а в конце XVI в полной мере оценят значение сюжетного узора, и на ткань для кимоно и ширм переносят целые картины. Продолжает развиваться техника набойного рисунка, а в конце XVII - техника юдзен, разработанная Миядзани Юдзен - рисунок с помощью рисовой пасты! Возникает вопрос, а не привезли ли эту технологию голландцы с Явы? Ведь именно в торговле с Японией Нидерланды добились почти монопольного положения. В начале XIX века изготовление тканей и узоров достигло большого совершенства, но творчество в орнаментике начинает вытесняться штамповкой, как это случилось гораздо раньше в Индии и Китае, где связь с Европой налаживалась издревле по Шелковому Пути, а затем в процессе колонизации.

Особо следует отметить 'европейский' фактор развития тканевых технологий. С проникновением европейцев (в основном, голландцев и англичан) в Индию и Индонезию связаны многие цивилизационные и культурные процессы. В их числе развитие ткацко-красильного производства в связи с расширением спроса, распространение технологий, взаимопроникновение восточной и европейской эстетики в орнаменталистике, ее обогащение и в то же время некоторое упрощение, необходимое при широком производстве.
С середины XIX века голландцы, потерявшие своё влияние на европейский рынок, развили предпринимательскую деятельность на Яве. Открывались целые мануфактуры по производству батика, хозяева которых чувствовали дух времени, знали господствующие направления и умели угодить самому взыскательному вкусу. Но в это время английская хлопчатобумажная промышленность, опирающаяся на высокую технологию ситцевой набойки, окончательно обгоняет нидерландскую, а метод батикования переходит в сферу кустарного и мелкого производства. Им интересуются, в основном, немцы, которым мы должны быть благодарны за сохранение батика как технологии в Европе и которые в наши дни выпускают высококлассные принадлежности для профессионалов и делают все возможное для широкой популяризации батика среди любителей.

Узелковое плетение или макраме считается одним из древнейших искусств. Технику макраме применяли в Китае, Японии,
макраме
Ассирии, Ираке, Древнем Египте. При раскопках египетских гробниц были найдены образцы узелкового плетения, которым более четырех тысяч лет. Началась история этого плетения того времени, когда человеку понадобилось соединить два конца нити и он завязал первый узел. Позже первобытные охотники из шерсти животных и болотных трав плели сети. Вначале человек делал примитивные, безузловые сети. Более устойчивая форма полотна сети получилась тогда, когда нити начали скручивать между собой. В скандинавских музеях можно увидеть сохранившиеся до наших дней остатки таких древних крученых сетей, сделанных из липового лыка. Этот метод плетения применяют и в наши дни рыбаки Мальты и Канарских островов при изготовлении крышек к корзинам.

На Востоке в древности существовала развитая система своеобразной "узелковой письменности", расшифровать которую можно было по форме, размеру и взаимному сочетанию узлов, благодаря этой грамоте люди собирали и сохраняли нужную информацию.

На греческих вазах часто встречается изображение Геркулеса, облаченного в шкуру льва. Передние лапы зверя завязаны на груди узлом, который люди так и назвали геркулесовым. Этим узлом завязаны концы одежд на плечах персонажей египетских фресок и стебли лотосов на золотых нагрудных украшениях фараонов. Древние греки были уверены в магической силе геркулесова узла. Воины с его помощью перевязывали себе раны. Моряки плели цепочки и привязывали их на вершины мачт, свято веря, что они уберегут их от бед.

В Древней Греции во времена народных гуляний предлагалось развязать и завязать такой сложный узел, как «турецкий». Это служило своеобразным соревнованием в ловкости. «Турецкий узел», возможно, и является тем легендарным гордиевым узлом, распутывание которого, по древним легендам, сулило власть над Азией.

В Европе узелковое плетение стало известно предположительно в VIII-IX веках, но особенной популярности оно достигло лишь в XVIII веке. В это время многие модницы Европы украшали свои одежды узелковым кружевом. Искусством плетения во все времена владели очень немногие мастера. Они создавали прекрасные образцы плетеных изделий: шторы, покрывала, чехлы для музыкальных инструментов. Кружево, которое они плели из золотых нитей, украшало одежды лиц духовного и королевского сана. Как бы надолго ни забывалось искусство плетения, оно возрождалось с новой силой и не только приобретало
макраме
новые черты, но и меняло свое название. В разные времена искусство плетения называлось: квадратное плетение, узелковое кружево, узелковая бахрома. И только в XIX веке этот вид рукоделия, ремесла и искусства стали называть макраме. В переводе с турецкого «макрама»- это шарф или салфетка с бахромой, в переводе с арабского «миграмах»- это бахрома или шарф, украшенный плетеным кружевом.

В Россию увлечение макраме пришло на рубеже ХХ столетия. Искусству плетения обучали в специальных рукодельных мастерских. Наряду с салфетками, занавесками стали популярными шали, воротники и другие предметы одежды, изготовленные в технике макраме. В последние годы этот вид рукоделия переживает свое очередное возрождение. Популярность макраме заключается не только в большом выборе исходного материала, но и в разнообразии приемов выполнения плетения, что дает возможность создавать оригинальные и неповторимые изделия.

История удивительного оригами
//img0.liveinternet.ru/images/attach/c/1/49/225/49225928_wheel_1441055i.jpg
http://stat17.privet.ru/lr/0a0dc44bf9007d2a52ee256c8c5a9226
Понятие «оригами» пришло из японского языка. Впрочем, сами японцы и были основателями этого вида искусства. В буквальном переводе оно означает «сложенная бумага», так как «ори» пере­водится как «сложенный», а «кама» - «бумага». Японцы орига­ми понимают как «искусство целого листа», т. е. изначальное его условие - неразрывность листа бумаги, его целостность без вся­кого рода вмешательств, прибавлений и других действий по отно­шению к нему. Только сгибание или складывание листа.

Искусством оригами японцы начали заниматься очень давно. Оно появилось практически вслед за изобретением бумаги. Перво­начально оригами имело храмовое обрядовое значение. Как куль­турное направление оригами развивалось в кругу японской арис­тократии.

После того как в Японию попали секреты изготовления бумаги и жители этой страны научились самостоятельно производить этот интересный и податливый материал, они нашли ему применение. Прежде всего древние японцы стали делать из листа бумаги раз­личные религиозные, храмовые вещицы, складывая и перегибая целые листы больших и малых размеров. Эти бумажные поделки японцы использовали для проведения ряда церковных обрядов.

Древние японцы придавали бумаге магическое значение. Они считали, что рвать лист - это большой грех. Поэтому любые по­делки выполнялись только из целого листа бумаги. Бумагу запре­щалось надрезать, а тем более резать.
Со временем это храмовое искусство расширялось и совершен­ствовалось. Техника исполнения менялась, и каждый обряд уже имел свои бумажные фигурки и поделки, которые специально вы­полнялись для него. Так в оригами входили все новые и новые бу­мажные творения и технологические процессы и операции. Един­ственное, что оставалось неизменным, - запрет на разрезание ли­ста бумаги.

Церковно-храмовые истоки оригами не случайны. Ведь в япон­ском языке слова «бог» и «бумага» звучат практически одинако­во, хотя для их написания используются разные иероглифы. Кро­ме того, древние японцы сразу подметили, что лучшего способа разжечь погребальный костер, чем с помощью бумаги, не существу­ет. И это древний ритуал, который не может происходить без уча­стия церкви. А в чем лучше всего преподнести дары богу? Конечно же в бумажной чаше под названием «санбо».

Древние японцы первыми применили бумагу и в качестве обо­ев. Ею они оклеивали стены храмов, а затем на эти стены наноси­ли различные рисунки или писали заповеди.

Позднее китайцы переняли опыт оригами от своих соседей-японцев. Они тоже стали складывать из листов бумаги фигурки и поделки для храмовых обрядов и ритуалов. Это скорее всего объяс­няется общими традициями буддизма, который был распространен и в Древнем Китае, и в Древней Японии.

Храмовым, обрядовым мастерством оригами оставалось очень длительное время. Это продолжалось до тех пор, пока производство бумаги было засекреченным и она была очень дорогостоящим и редким материалом.

Истинно народным искусством оригами стало лишь в начале XII в. Этот исторический период характеризуется тем, что бумага «вышла» за пределы стран-основательниц и стала известна боль­шому кругу населения стран Азии и всего мира. Производство ее значительно расширилось, появились многочисленные бумагоде­лательные фабрики и мельницы. Листы бумаги постепенно стали обесцениваться и становиться доступными широкому кругу людей. А вместе с этим в народ пошло и искусство оригами.

Но первоначально бумажные фигурки и поделки оставались лишь предметами ритуалов и обрядов народов азиатских стран. Их изготавливали к свадебным торжествам, ими украшали дом во время пиршеств или иных праздничных мероприятиях и традици­онных обрядах.

Позднее искусством оригами стали пользоваться самураи. Они изобрели способ сворачивания листа бумаги таким образом, что лишь только посвященный в тайны оригами человек мог развер­нуть его, не испортив.

На внутренней стороне такого листа писали сообщения, кото­рые предназначались для определенного человека или круга лю­дей. Чаще всего такие письмена складывались в сложные формы бабочек, цветов, абстрактных геометрических фигур или журавля (цуру), который во все времена в Японии считался символом дол­голетия и счастья.

К началу XIV в. мода на оригами настолько захватила жителей стран Востока, что практически каждая зажиточная семья имела своего учителя-оригамиста, который обучал детей этому мастер­ству. Неумение выполнять поделки из бумаги считалось верхом невоспитанности. Любое образование теперь было немыслимым без знаний и владения техникой оригами.

Свое свободное время богатые японские дворяне и их дети про­водили за работой с бумагой. Различные соревнования и выставки работ оригамистов проводились по разным поводам и причинам: домашние торжества, праздники, балы и т. д.

В XIX в., когда бумагу научились производить многие европей­ские страны, оригами стало очень модным среди аристократов. Из бумаги мастерили не только игрушки и сувениры, но и родовые гербы. Чуть ли не каждая семья имела свои секреты бумажного искусства, которые передавались из поколения в поколение.

Япония же, создавшая целую оригамную азбуку, основу бумаж­ного мастерства, официально осталась родиной этого искусства. Именно здесь и были изобретены все классические модели бумаж­ных фигурок, поделок, которые используются по всему миру и по сей день.оригами

Постигая мастерство производства бумаги, многие народы мира также пробовали себя в сфере складывания фигурок и вещиц из нее. Еще не зная о существовании японской школы оригами, в странах Европы начинали развивать свое собственное бумажно-поде­лочное производство. Так, например, испанцы выработали свой способ складывания фигурок из бумаги, который отличается от способа основателей оригами. Поэтому испанцы вполне могут по­хвастаться своей школой оригами. Позднее они принесли свой ори-гамный опыт и в Южную Америку.

В XIX в. оригами стало известно практически повсеместно. Бу­мага пришла на смену тканевым чепцам и шляпкам, воротникам и манжетам и т. д.

На Русь оригами пришло гораздо позже. В XIX в. одними из первых, кто научился сгибать из листа бумаги различные фигур­ки, стали дети царя Николая П. Обучил их этому мастерству фи­лолог из Кембриджа, которого пригласили для обучения наслед­ника престола. Детям это занятие сразу же пришлось по душе. Еще долгое время оригами в России оставалось «детским искусством».

Примерно в это же время оригами пришло и во Францию. Сюда его завезли странствующие фокусники. Они развлекали жителей страны тем, что прямо на глазах у них выполняли замысловатые фигурки животных, птиц или человека из бумаги. Причем эти фи­гурки оживали во время представления. А по окончании номера циркачи разбирали фигурку, снова превращая ее в ровный лист бумаги.

Историки утверждают, что многие известные миру люди зани­мались оригами всерьез. К их числу относят и русского писателя Льва Толстого. А вот европеец Роберт Харбин был фокусником и накопил в области оригами большой опыт. Этим он и решил вос­пользоваться, чтобы заработать себе на жизнь. Однажды он осоз­нал, что оригами может быть весьма прибыльным делом, ничуть не хуже кино или цирка. Он совместил эти виды искусства и орга­низовал собственный театр оригами. В середине XX в. он предло­жил телевидению собственную передачу, которую назвал «Мистер Левая и Правая Рука». Накопив богатый опыт по оригами, уже через десяток лет он выпустил и первую книгу.

В прошлом столетии оригами стало настолько популярным, что повсюду стали создаваться клубы и общества оригамистов. К это­му времени крупные оригамные центры были созданы более чем в сорока городах трех десятков стран мира. Новая волна увлечения древним японским искусством охватила мир после окончания Вто­рой мировой войны. И хотя к этому времени многое было утрачено и потеряно, книги погибли во время пожаров, бомбежек и так да­лее, опыт оригами по крупицам собирался и фиксировался.

Восстановлению и возвращению оригами мир обязан известно­му мастеру-оригамисту Акира Йошизавы. Именно он после Второй мировой войны посвятил себя восстановлению утраченного и изоб­ретению нового в искусстве оригами. Все свои знания и опыт он зафиксировал и отразил в точных чертежах, разработав условные знаки оригами. Эта авторская разработка принесла мастеру всемир­ную славу, а министерство иностранных дел Японии решило по­способствовать и оказать помощь в распространении данного вида искусства за рубежом.

К концу прошлого столетия японский мастер-оригамист объе­хал множество стран мира и посетил в 1978 г. и СССР. Благодаря этим поездкам искусство оригами, условные обозначения и знаки Йошизавы в настоящее время используются оригамистами во всем мире. Это очередной раз обращает взоры всего человечества, увле­ченного оригами, в сторону исторической родины этого древнего искусства, к Японии. Подарив много веков назад миру оригами, именно она и по сей день остается лидером и хранительницей куль­туры и традиции бумажного мастерства.

История вышивки крестом

История возникновения вышивки крестом уходит далеко в глубь веков. Это рукоделие относится к эпохе первобытной культуры. Материалом для вышивки крестом в разные времена служили: жилы животных, нити льна, хлопка, конопли, шелка, шерсти, также применяли и натуральный волос.

В России вышивка крестом имеет древнюю историю. Ею украшали обувь, одежду, жилище, конскую сбрую, предметы быта. В музеях накоплено большое количество образцов народной вышивки крестом. Лучше всего сохранились изделия XIX века. В те времена вышивка крестом условно подразделялась на крестьянскую (народную) и городскую. Народная вышивка крестом была неразрывно связана со старинными обычаями и обрядами русского крестьянства, тогда как городская вышивка крестом испытывала на себе влияние западной моды и не имела прочных традиций.

К 13 – 15-ти годам крестьянские девочки должны были приготовить себе приданое. Это были вышитые подзоры, скатерти, полотенца, головные уборы. Перед свадьбой устраивали публичный показ приданого как свидетельство мастерства и трудолюбия невесты. Невеста одаривала родственников жениха своими изделиями. В крестьянских семьях одежду шили из домотканых шерстяных и льняных тканей. Ее украшали не только вышивкой крестом, но и кружевами, тесьмой, вставками из цветного ситца.

На территории России археологами были обнаружены фрагменты одежды, вышитой золотыми нитями. Эти находки, относящиеся к IX - XII векам. Тем самым подтверждают, что вышивка крестом существовала и развивалась уже в эпоху Древней Руси. С языческих времен женщины - вышивальщицы создавали в своих вышивках крестом - сцены бытовой жизни. Чаще всего вышивкой крестом украшали постельники (простыни), концы которых свешивались с кроватей, а также свадебные и праздничные рубахи, полотенца, занавеси, скатерти, головные уборы, холщовые сарафаны, платки.

Вышитое полотенце могло использоваться не только в быту. Ритуальные, богато расшитые полотенца развешивали на придорожных и могильных крестах, священных деревьях, украшали капище идолов. Позднее, в христианские времена, появился обычай украшать вышитыми полотенцами иконы, зеркала и окна. На масленице, свадьбе, при рождении или смерти человека вышитые полотенца были священным оберегом. Особую силу оберегать людей от злых сил, болезней и стихий приписывали обычному полотенцу. Оно создавалось несколькими мастерицами за один день или сутки и считалось безупречно чистым.

Возникнув в древности, искусство вышивки крестом на протяжении многих веков постоянно совершенствовалось. Человек, живший среди природы и наблюдавший за нею, уже с глубокой древности научился создавать несложные узоры, условные знаки - символы, с помощью которых он выражал свое восприятие к окружающему миру, к непонятным явлениям природы. Каждая линия, знак были полны понятного только ему смысла, были одним из средств общения.

Со временем отдельные фигуры видоизменялись, усложнялись, сочетались с другими формами, создавая узоры - рисунки. Так возникли орнаменты - последовательное повторение отдельных узоров или их группы (раппорт).

По своим мотивам орнамент может быть:

Геометрический - состоящий из различных геометрических элементов;
Меандровый - в виде беспрерывных ломаных линий, широко применявшийся в искусстве Древней Греции и получивший свое название от извилистой реки Меандр;
Растительный или фитоморфный - составленный из рисунков стилизованных цветов, плодов, листьев, веток и т.п.;
Животный - в котором стилизованы фигуры зверей и насекомых;
Птичий - составлен из стилизованных фигур птиц;
Человекообразный - с изображением человеческих фигур и полуфигур.
Шрифтовый - напоминающий стилизованные надписи, встречается в среднеазиатских вышивках;

Язык каждого орнамента связан с историей и культурой народа, создавшего его. Создатели орнаментов все время обращались к природе, используя увиденное. Каждая народность всегда сохраняла в вышивках самое характерное, наиболее близкое национальному характеру, эстетическим вкусам, понятиям о красоте. Народные мастерицы создавали узоры, отличающиеся большим разнообразием отдельных мотивов, где сплетались реальные наблюдения окружающей их природы со сказочными представлениями. Творчески обдуманное соединение отдельных компонентов называется композицией и складывается из чередования отдельных фигур и их рядов, расположенных по горизонтали, вертикали и диагонали.

Орнамент народных вышивок крестом всегда был тесно связан со структурой ткани домашнего приготовления. Поэтому большинство узоров состоит из геометрических фигур. Постоянными элементами геометрических орнаментов являются отдельные фигуры в виде прямых и ломаных линий, точек, треугольников, квадратов, кругов, крестов, розеток. Геометрический орнамент характеризуется не только разнообразием фигур, сколько вариантностью их исполнения. Основным и наиболее типовым является ромб или поставленный на угол квадрат. Довольно часто промежутки между отдельными фигурами одного орнамента заполняются другими фигурами, которые не только дополняют его, но и создают новый узор. Большую роль в различных вариантах геометрического орнамента играют размеры узора и пропорциональное соотношения его частей.

Очень важную роль во всех видах творчества играет колорит. В большинстве своем колорит является визитной карточкой республики, области, района и даже отдельного села. Гармоническое сочетание часто заключается в уравновешенности теплых и холодных, светлых и темных тонов. Один и тот же орнамент приобретает новое звучание от изменения цвета ниток в вышивке, может казаться ярким и красочным или сдержанным и блеклым. Нужно помнить, что фон изделия дополняет узор, и потому его цвет должен подчеркивать ритмичность повторения каждого отдельного мотива или фигуры.

Источник: http://losk.moy.su/index/0-34
Рукоделие - в общепринятом смысле обозначает ручную работу, производимую людьми с помощью разных орудий, изготовленных из металла, дерева или кости, рукодельницаа именно: иголок, прутков, спиц, крючков, челноков, развилок, вилочки, палочек, рамок, линеек, гребней, коклюшек, подушек, булавок, пялец, подставок, пряслиц, веретена, самопрялки, станков, досок, моталки, ножниц, швейной и вязальной ручной машинки и т. п. Рукоделие издавна являлось главным занятием женщин разных классов и сословий. В доисторические времена, во всех странах и среди всех племен, рукоделия были уже известны. Указания на них встречаются напр. в книге Исхода (гл. X VIII, XXVI-XXVII), Псалмах (XLIV: "одежда царевны шита золотом"), книге Судей (гл. V).

В египетском отд. Санкт-Петербурга Эрмитажа хранятся небольшие куски древнеегипетской материи, покрытые искусной и тончайшей вышивкой, напоминающей вышивание с помощью тамбурного крючка. Евреи заимствовали от египтян разные работы, в том числе и вышивание (прор. Исайя, гл. XXVII-XXVIII). В Илиаде и Одиссее говорится немало об искусных вышивках и тканях у древних греков. Фригийцы прославились своим искусством плести галун, вышивать ткани и украшать их бахромой. У римлян было в большом употреблении плетение из золотых нитей. При раскопках коптских гробниц V - VII ст. после Р. Х. найдены удивительные по красоте ткани, вышивки и ажурные работы - кружева. Среди обитателей северных стран тканье и вышивки были также очень распространены. В Московском историческом музее, среди памятников металлического века находятся две иглы, пряслицы из простого шифера, остатки снурков или бахромы очень искусной работы, остаток кожи, обшитой с одной стороны тканью с шелковым шитьем, остатки ткани с шитьем золотою нитью в строчку и много других разнообразных образцов рукоделий; костяная пряслица в виде полушария, семь кусков шелковых и шерстяных тканей, узор коричневый с золотисто-желтым, по коричневому или золотисто-желтому фону, большой кусок ковровой ткани, с медальоном на малиновом фоне и др.; кусок золототканной материи, покрытой узором, пара сломанных железных ножниц, остатки ткани, все из Осетии.

По словам Забелина, "начало шелкового и золотого шитья относится к самым первым временам нашей истории, когда оно, по всему вероятию, служило лишь домашним потребностям богатого наряда и убора. С принятием христианства это женское по преимуществу художество получило обширнейшее применение, распространилось и утвердилось как особая отрасль художества, служившего исключительно церкви". Первая монахиня из русских княжон, дочь Всеволода Янка, учила черноризиц шить. Жена Рюрика Ростиславовича (1200 г.) "сама прилежала трудам и рукоделиям, швениям золотом и серебром, как для себя и своих детей, пачеже для монастыря". У наших цариц светлица была рукодельным заведением, исполнявшим рукодельные работы, даже и на половину государя. Мастерицы занимались здесь шелковым и золотым плетеньем, вязаньем, тканьем, сканьем (сучением), изготовлением кистей, снурков, поясков, тесемок и т. п. В XVI и XVII ст. в каждом достаточном хозяйстве золотое и шелковое пяличное дело принадлежит к необходимым статьям общего домоводства и занимает самое видное место в числе разных других видов рукоделия. Каждая добрая хозяйка сама была искусницею в пяличном деле. Оно служило первым признаком хорошего воспитания, лучшим украшением девицы и женщины. Применение рукоделия было самое широкое. Шилось все домашнее белье, вышивались предметы женского и мужского наряда; много изготовлялось этим путем церковных предметов, вышивались и украшались чепраки, а для царских, великокняжеских и боярских охот - "кречатий наряд". Кружево золотое, серебряное, разноцветное шелковое и белое из льняной нитки было также в самом большом употреблении. Насколько широко было применение рукоделия, настолько были разнообразны и материалы, употреблявшиеся для него: полотно, разноцветная тафта, шида, или индийская бумажная набивная ткань, золотые и простые камки, атласы, объярь (гродетур), зуф, шерстяная ткань вроде камлота, сукна, золотые бархаты, алтабасы, зарбафы, дороги, аксамит, сафьян, пух, меха, разноцветные шелка, волоченое золото и серебро, жемчуг. Всякие изображения и узоры, и надписи, назначаемые для вышивания или низания, прорисовывали по ткани обыкновенно белилами и чернилами состоявшие при светлице знаменщики или рисовальщики. В иных случаях рисунки изготовлялись и на бумаге, черчением и прокалыванием. Мастерицы по рисунку выметывали очерк белью и затем расшивали шелками или золотом и серебром. Таково было развитие и значение женского рукоделия в до-Петровское время. Но и с воцарением царя Петра I, когда (в 1700 г.) повелено было "женскому полу иметь в честном обхождении с людьми совершенную свободу", рукоделие не утратило своего значения и стало еще разнообразнее, благодаря сношениям и образцам заморским.

В усадьбах, под влиянием новшеств, вводившихся при дворе, помещики завели мастерские, где изготовлялись вышивки, кружева и ткани по иноземным образцам; в монастырях и среди семей купцов, мещан и крестьян долго еще преобладали стародавние рисунки и приемы работы. С развитием школьного образования и с введением рукоделия в женские учебные заведения последовал новый толчок к распространению рукоделия. Одни рукоделия получили название школьных работ, другие - ремесленных, третьи - общего женского рукоделия, четвертые - монастырских работ, пятые - кустарных, крестьянских работ. К школьному рукоделию принадлежат работы, преподаваемые воспитанницам, согласно заранее установленной программе. В число таких, входят общие рукоделия - вязание на спицах чулка и пр., вязанье крючком салфеточек, воротничков, кружев, детских башмачков, кофточек, шапочек и т. п., шитье иголкой, вышивание, штопка и починка белья и платья, кройка простого белья и платья - и специальные рукоделия: изготовление белья и меток более сложных, шитье платьев по модным картинкам, делание искусственных цветов и шляп и изящные работы (разное шитье и вышивки).

Ремесленные рукоделия обнимают собой все те работы, которые производятся в мастерских или мастерицами у себя на дому, как-то: шитье и метка белья, шитье платьев, верхних вещей (пальто, накидок, шуб и т. п.), изготовление шляп, искусственных цветов и т. п. Под выражением "общие женские рукоделия" понимаются все те работы, которые производятся женщинами для своей семьи и отвечают потребностям ее в белье и одежде, а также изящные работы и работы фантазии. К числу последних принадлежат, напр., искусное вязание на спицах, вязание крючком или в тамбур, филе, кружева, шитье по канве, решетки, шитье гладью, рококо, ренессанс, гобеленовское, шведское - гобеленовское, по тюлю, английское шитье, шитье золотом, серебром и т. д., работы фантазии - вышивка сутажем, ленточками, синелью, разными цветными металлическими нитками, блестками и т. п., тканье ковриков и подушек на шведских станках и приборах и мн. др.
монахини
В монастырях рукоделия имеют назначение - отчасти удовлетворение потребностей самого монастыря, отчасти доставление средств монастырю. Кроме того, рукоделие служит для своекоштных монахинь единственным средством приобретения собственных средств к жизни. В золотошвейном деле сохранились все приемы шитья и наименования швов допетровского времени, причем и материал металлический употребляется такой же, как употреблялся и ранее. Золотошвеи-монахини достигают большого искусства в изготовлении тех или иных предметов, но за уменьшением заказов на крупные вещи считают свое рукоделие неприбыльным. Изготовляя разные небольшие вещи для случайного покупателя, золотошвеи не находят выгодным приобретать материалы высокого достоинства, цена на которые очень возросла, a ограничиваются покупкой дешевого серебра, золота, бархата и атласа и нередко продают свое изделие без всякого расчета, лишь бы вернуть свои деньги.

Плетением кружев монахини занимаются во многих монастырях, главным образом в таких, которые находятся в центрах кустарного производства кружев. Кружева делаются самые разнообразные, иногда весьма изящные; сбываются они преимущественно самими монахинями лицам, посещающим обитель, иногда же передаются для продажи скупщикам или поручаются с этой целью знакомым семьям. Улучшения, вводимые монахинями в кружевную работу, никогда не влияют на улучшение кружевного промысла среди крестьянок и мещанок, так как общения между теми и другими кружевницами почти не бывает и монахини так же мало интересуются работой крестьянок, живущих вокруг монастыря, как крестьянки плетением кружева в посещаемом ими монастыре.

В некоторых монастырях ткут ковры; рукоделие это довольно распространено среди монахинь и производится независимо от того, существует ли в данной местности ковровоткацкий промысел и есть ли под рукой вполне подходящая шерсть. Делаются ковры преимущественно по заказу и двух разборов, гладкие и махровые, т. е. с высоким ворсом. Материал приготовляется самими монахинями; для основы ими прядется пенька, для утка - шерсть, окрашиваемая растительными и анилиновыми красками; способы окрашивания сохраняются монахинями в глубокой тайне. Узоры в монастырских коврах большею частью неизящны, техника работы несовершенна, станки для работы несколько первобытны; шерсть ссучивается слишком круто, что придает коврам неровную и некрасивую поверхность. Ковры вообще тяжелы. При заказах монахини берут иногда шерсть и пеньку от заказчика, но прядут и окрашивают эти материалы всегда сами. Условия производства ковров в монастырях до чрезвычайности усложняют расчет прибыли, получаемой за работу; сами монахини не могут точно ткачихауказать размер своего заработка.

Во многих монастырях ткут пояса из шелка или из бумаги с затканными словами молитвы. В некоторых монастырях ткут шелковые с золотом и серебром пояса и передки для туфель, нынче весьма мало требуемые. Существуют в монастырях и работы изящные, или фантазии. Вышиваются башмачки для хранения часов, разные мешочки, делаются цветы из бумаги и шерсти, плато под лампы, корзиночки, коробочки, букетики, медальоны, даже серьги и брошки, низанные и саженные из мелких ракушек и семян, окрашенных в разные цвета; иногда лепят из воска и перьев птичек, деревца и т. п. Все эти предметы не отличаются ни изяществом форм, ни вкусом и покупаются невзыскательными богомольцами в память посещения обители. Цена таких вещиц грошовая, и потому эти рукоделия дают самый ничтожный заработок. Они, вероятно, давно были бы оставлены, если бы лица, ищущие уединения в монастырской жизни, смотрели на все эти работы исключительно как на статью дохода и не искали бы в них "лекарства от уныния".

Несмотря на всю кажущуюся ничтожность заработков, получаемых рукодельницами периферии при занятии тем или иным видом рукоделия, - эти маленькие суммы, помогают женщинам и девушкам, не покидая родного места, получать некоторые средства для удовлетворения как личных, так и семейных нужд. Но тем не менее, любая из отраслей рукоделия имеет своих представительниц и последовательниц, и как раньше труд этот служил, так и до сих пор служит удовлетворению потребностям человека не только в одежде и пр., но и в удовлетворении его духовных и творческих наклонностях.