Художник дореволюционной школы. Один из немногих, чье творчество в советскую эпоху не зависело от идеологии. Виртуозный мастер акварели. Учился в Самаре у выпускника Академии художеств Кирика Воронова, в Харькове посещал известную студию художника Е. Е. Шрейдера (1902-1905). Принимал активное участие в революционном движении студентов, и в 1906 вынужден был эмигрировать в Германию. Много путешествовал по Европе, посещал школу Шимона Холлоши в Мюнхене (1906-1909). Вернувшись в 1909 году в Россию, К.К. Зефиров посещал студию К. Киша в Москве. В это время он нашел друга и единомышленника – художника А.В. Фонвизина, с которым познакомился еще в Мюнхене.В 1914–1915 годах они обосновались в г. Молога Ярославской губернии, чтобы углубиться в работу с натурой: "Мы осознавали, что… надо смотреть на поля, солнце, надо видеть живую действительность, созерцать великую жизнь природы, красоту окружающего" (К.К.Зефиров). Одновременно художники ориентировались и на работы старых мастеров. С Фонвизиным ездил в Тамбовскую губернию, много работал в городе Молога, оказал на последнего влияние, в ранний период творчества. Талантливый колорист, выработал неповторимую, узнаваемую технику, основанную на деликатной нюансировке живописной поверхности, с тончайшей разработкой тоновых отношений. В основном писал пейзажи и натюрморты, иногда – жанровые картины. Больших успехов достиг в портретном жанре, часто изображал жену и близких людей. Написал серию выразительных и острохарактерных автопортретов. Его творчество высоко ценили такие корифеи советской живописи, как Игорь Грабарь и Сергей Герасимов.  В эти же годы своеобразным "русским барбизоном" стала для К.К. Зефирова деревня Карандеевка в Тамбовской губернии, куда он ежегодно возвращался на протяжении долгих лет. Его творчество высоко ценили такие корифеи советской живописи, как Игорь Грабарь и Сергей Герасимов. Читать далее...

Вне зоны признания

Художник Арсений Леонидович Шульц
Александр Балашов
В декабре 2010 года исполнилось сто лет со дня рождения художника, чья жизнь может стать основой сюжета книги или сценария киноромана, а может прозвучать как метафора истории искусства в России ХХ века. Сегодня во многом благодаря усилиям отечественных искусствоведов это история с многообещающим предисловием, увлекательным началом, феерическими первыми главами, которые разворачиваются в рассказ, о котором хочется поскорее забыть, и завершением, где отчетливо звучат ноты не великой катастрофы, а тихого и печального вырождения. Последнее слово относится к искусству, но не к личности Арсения Леонидовича Шульца. Просто последние двадцать лет жизни он не стал тратить на то, чтобы оставаться в этой истории, играя в свободу творчества. Он радовался тому, что может спокойно жить и работать. В его биографии было время, когда эту возможность он переживал как чудо.
(Артеология — Новая история искусства " Арсений Леонидович Шульц (1910—1976). Дневники постороннего. К столетию со дня рождения) Читать далее...

Алексей Авдеевич Аникеенок, (3.07.1925 – 22.05.1984). Русский художник.

Родился А.А. Аникеенок в Пушкине (Царское село) в 1925 году. Участник войны (приписал себе год, чтобы попасть на фронт), после тяжелого ранения Аникеенок приехал в Казань, где в эвакуации находилась его мать. В Казани получил художественное образование, здесь начал творческий путь. Художник 60-х, он относился к неформальным живописцам, открыл для себя импрессионистов, был очарован Ван Гогом, и все же - не подражатель: искал свой путь. Прямой, свободолюбивый,  не желавший идти на поводу у кого-либо, он пытался доказать свою истину и свою творческую состоятельность.  Он был несгибаем. В результате, его ждали замалчивание и изоляция. Зарабатывать на жизнь приходилось музыкой, играя на саксофоне в казанском кинотеатре и в ресторанах. Он дружил с Олегом Лундстремом, проживавшим в то время в Казани.

Учился в Казанском художественном училище. После гонений казанских властей в 1969 году переехал в Псков.

То немногое, что писали в советской прессе о художнике Алексее Аникеенке, можно пересказать с помощью газеты «Советская Татария». 67 лет назад там было напечатано: «И вот мы перед картиной Аникеенка «Осенняя песня». На первом плане тёмная сельская улица, болото. Несколько мрачных покосившихся домишек, тоже выполненных тёмными красками, и низкое небо в чёрных тучах. Вот и всё. Картина носит черты влияния буржуазного, формалистического искусства, изображающего жизнь тёмными мазками кисти… не следовало выставлять работу этого живописца, незрелого идейно и художественно»

Нехитрая мысль о том, что «не следовало выставлять работу этого живописца», возникала в головах разных влиятельных и невлиятельных людей регулярно. В итоге Алексей Аникеенок после того, как у него отобрали мастерскую, вынужден был покинуть Казань и переехать в незнакомый ему Псков.

О том, что было дальше, люди рассказывают по-разному. Один из организаторов открывшейся в июне 2015 года в Псковском музее-заповеднике выставки «Солнечный блюз» московский искусствовед и галерист Ильдар Галеев рассказал о том, что в Пскове к Аникеенку отнеслись «снисходительно». А когда Алексей Аникеенок попытался вступить в местное отделение Союза художников СССР – его «забаллотировали». И только за год до смерти, в 1982 году, «протащили по секции монументального искусства». То есть псковское руководство Союза художников Аникеенка всё-таки признало, но не как автора живописных полотен, а как автора витражей.

Но существуют факты, которые уже никто не опровергнет. В Пскове Алексей Аникеенок появился на рубеже 60-70 годов прошлого века, а приняли его в Союз художников только много лет спустя – после того как он завершил витражные композиции в абонентском зале центрального псковского телеграфа на Октябрьском проспекте и в помещении 16-го отделения связи. 12 витражных композиций «Почта и связь в русской народной песне» были созданы в соавторстве с супругой художника Элеонорой Гинзбург (сейчас их увидеть нельзя – что-то замуровано, что-то просто исчезло после недавнего ремонта).

Алексей Аникеенок - умер в 58 лет в 1984 году от лимфолейкоза (при работе над витражами в Пскове ему часто приходилось соприкасаться со свинцом).

Автор всех фото сайте, если не указано иное: Елена Сунгатова - elena@art16.ru

Галерея Хазинэ Читать далее...

Мизеров Вадим Матвеевич (1889-1954 гг.)

Биография и информация

 

Родился 16 мая 1889 года в Красноуфимске. Отец Мизерова был известным на всю округу врачом, не чуждым искусству. Семья Мизеровых по-домашнему увлекалась рисованием. Поэтому нет ничего удивительного в том, что Мизеров решил стать художником. Осенью 1908 года он поступает в Казанскую художественную школу, которую заканчивает в 1913 году со званием техника по архитектуре и учителя рисования с правом поступления в Академию художеств. Его дипломный проект — часовня для города Томска — был отмечен первой премией. В 1920 году В. Мизеров переселился в Томск. В Томске Мизеров много писал акварелью, часто работал в университетской роще.

Мастерство Мизерова было оценено местными художниками. Мизерову поручили в местном отделении Союза художников вести художественную студию «повышения квалификации», как любили тогда говорить. Последний раз Мизеров выступил перед публикой в 1947 году на всесибирской выставке в Новосибирске, где было представлено около 20-ти его работ. За портрет академика Савиных Мизеров был награжден дипломом. Несколько акварелей было приобретено для всесоюзной выставки. Кроме чисто творческих дел Мизеров всю жизнь преподавал рисование и воспитал целое поколение живописцев, архитекторов, графиков, составлял оригинальные программы обучения рисования. Среди его учеников были доктор архитектуры профессор Е. Ащепков, главный архитектор г. Москвы, один из авторов проекта Кремлевского дворца съездов М. Посохин, народный художник России, А.Либеров. Ему обязан профессиональным образованием и целый ряд художников Томска поколения 30, 40 и 50-х гг. Умер художник в 1954 году.

Читать далее...

Василий Филиппович Денисов — современный росскийский художник, заслуженный художник Российской Федерации. Биография Родился Василий Филиппович в 1931 году на хуторе Никонорова Московской области. С 1975 года Заслуженный художник России. Участник Международных, всесоюзных, республиканских, московских и зарубежных выставок. Василий Денисов начинал как пейзажист и отдал этому благородному жанру больше половины творческой жизни, он и до последнего времени не оставлял пейзаж, но не потому, что это начало любого живописца. Василий Денисов по натуре своей путешественник и искатель. Его всегда влекло желание увидеть мир, настойчивость и энергия помогали и помогают ему. Он облетел, объехал и обошел весь бывший СССР и, кроме того, восемь раз побывал за рубежом. Результатами этих поездок были не дежурные зарисовки "в блокнот художника", а серьезнейшие циклы произведений. Ветер странствий был музой Василия Денисова, и каждая вновь открывавшаяся ему земля становилась в его творчестве новым этапом, рождая иное восприятие окружающего мира. Причем сочетание всех жанров от пейзажа до портрета переплеталось сложнейшим контрапунктом, обрисовывая и утверждая каждый раз особую художественную идею, основанную на композиционном и колористическом решениях. Деятельность В 1970-х годах Заслуженный художник России Василий Филиппович Денисов стал основоположником современной экспрессивной школы акварели, объединив классическое понимание акварельной живописи с новыми тенденциями свободной современной подачи техники «по сырому». Огромное число единомышленников вылилось во Всесоюзные акварельные выставки, которые были одними из самых передовых, вплоть до 1990-х годов. Василий Денисов изъездил весь мир, оставляя в каждой стране свои работы и собирая сподвижников для различных Международных арт-проектов и выставок, которыми он руководил до последнего времени (такие проекты как «Восток-запад», «Слияние двух лун», «Паутина времени», Международная выставка «Москва-Париж», выставка «Симфония настроения», а также шесть персональных и огромное количество групповых выставок в России и за рубежом).

Читать далее...

С 5 апреля по 5 мая 2012 года Национальная художественная галерея «Хазинэ» знакомит зрителя с выставкой Бориса Иванович Майорова (1931–1991) На произведениях Бориса Ивановича воспитывалось не одно поколение художников. Он всю свою жизнь отдал преподаванию живописи в Казанском художественном училище. Хабибуллин Айрат Габдуллович, преподаватель КХУ, вспоминая свои годы учебы в училище рассказывает: — Мы, когда поступили в училище, очень завидовали тем, кто учился у Б. И. Майорова. Нам разрешалось показывать свои работы, и он смотрел, давал советы. Это было большой школы. О «Серебристой живописи» мы слышали еще обучаясь в художественной школе. Мы хотели уметь это делать, писать так как Майоров: импасто, вкусно, толстым слоем». Живопись Бориса Ивановича Майорова сегодня особенно востребована своей искренностью, глубиной, живописной культурой, основанной на самых лучших традициях. Ольга Гильмутдинова, искусствовед, преподаватель Казанского художественного училища им. Н.И.Фешнна, призвала всех присутствующих к внимательному знакомству с произведениями Бориса Ивановича Майорова: — В наше стремительное время, когда мы всегда бежим, торопимся, у нас не хватает пяти минут, иногда минуты. На этой выставке у нас есть уникальная возможность остановиться и посмотреть вокруг себя: на уголки природы, на тихие места: Макарьевский монастырь, Владимирский собор, Суздаль. Посмотреть на мир вещей, вглядеться в лица людей. Если мы говорим о портрете, то можно попытаться понять, как же художник создавал эти портреты. Портрет Бориса Ивановича — это идея, сюжет и действие (динамическая композиция). В этих портретах заключены все эти три понятия. Посмотрите на портрет, вы нигде не увидите человека, который просто стоит, или сидит. Вы как-будто застали его за каким-то действием. Он что-то делает. Просто он ненадолго оглянулся на вас, или даже не оглянулся, как, например, «Виолончелист», или «Старушка за чтением». Если мы говорим о натюрмортах, то говорим о творческой лаборатории. И здесь очень хорошо видно, как эволюционировал художник, начиная с первых работ, смысловых натюрмортов (это его «Блудня», натюрморт с «Монахом», со старыми вещами). Когда художник к концу своей жизни влюбляется просто в предмет, пишет его, отдавая самого себя освоению, или знакомству. Каждый раз он знакомится заново с живописным языком, с возможностями живописного языка… На выставке мы видим лучшие образцы этой реалистической академической живописи.» Может быть вы в работах найдете некую незаконченность, его порыв первый, впечатление, поиск цвета, поиск правды. Его главный период творчества прошел в годы, когда не было не только популярным, но даже не приветствовалась эта тематика (вид соборов, неприметные уголки. русской деревни, все, что не броско). Сейчас мы возвращаемся к тому, чтобы увидеть красоту, в том, что неприметно, не эффектно, на первый взгляд, но по-настоящему ценно, потому что человеческая душа этим питается. Елена Сунгатова, апрель 2012

Читать далее...

Михаил Иванович ХМЕЛЬКО (1919–1996) – народный художник Украины, воспевавший дружбу братских славянских народов в искренних патетических картинах: «Триумф победившей Родины», «Т.Г. Шевченко и М.С. Щепкин в Москве», «Н.С. Хрущёв и Н.Ф. Ватутин во время битвы за Киев». Его ценили и СТАЛИН, и ХРУЩЁВ, и ДОВЖЕНКО, КОВПАК, КОЖЕДУБ… Признанный мастер монументальных полотен, Хмелько виртуозно создавал многолюдные композиции. Сегодня ни один учебник истории не обойдется без таких его картин, как «За великий русский народ!».

Фронтовик, минёр-картограф и армейский художник Великой Отечественной, Михаил Хмелько не принял киевской идеологии начала 1990-х, когда с помощью демагогии и лжи историю Российской империи и Советского Союза стали трактовать как трагедию украинского народа. Горько было старому художнику в стране, в которой героем стал Роман ШУХЕВИЧ... Хмелько лучше других понимал, что русофобия гибельна для Украины. Его кисть показала содружество народов таким, каким оно должно быть.
Из статьи Сергея Панкратьева о художнике...
Начало девяностых, наверное, были самыми сложными годами в жизни Михаила Хмелько. Он не воспринял "перестройку" и очень болезненно переживал, когда все делалось для того, чтобы очернить прошлое, зачеркнуть былые заслуги страны, когда имена его вчерашних героев, на подвигах которых воспитано не одно поколение людей, беспощадно вымарывались из учебников истории. Особенно тревожно воспринимал бывший фронтовик фальсификацию периода Великой Отечественной войны. Он старался уйти тогда даже от общения с коллегами. И, наверное, единственным приятным моментом того времени для художника было то, что в честь празднования 50-летия Победы в Москве на Поклонной горе неожиданно выставили его непревзойденное полотно "Триумф победившей Родины". К тому же, работу восторженно уйти тогда и ветераны, и те, кто о войне знал только из воспоминаний победителей. Мастер получил тогда множество писем как от коллег-художников, так и простых людей, которые впервые увидели картину и спешили высказать автору свое признание и восхищение.
А вскоре выдающегося художника не стало. Он ушел от нас 15 января 1996 года. Михаил Иванович в последнее время очень тяжело болел, больше года и вовсе был прикован к постели. А  досматривал Мастера живописи (вот страна наша "великая"!) один-единственный человек - его давний знакомый.
К сожалению, в наши дни имя живописца и многих других художников советского периода, по понятным причинам, упоминаются очень редко. Но даже невзирая на это, созданные ими полотна все равно уже невозможно отделить от истории страны. Потому что их работы, - это и есть наша история. А из песни, как говорится, слова не выбросить.
 
Сергей ПАНКРАТЬЕВЧитать далее...

ЗЕВИН, ЛЕВ ЯКОВЛЕВИЧ (1904, Витебск – 1942, Тверская или Смоленская область)
Советский живописец и график. Член УНОВИСа, объединений «РОСТ» (1925 – 1929), группы художников «13» (1929), ОСТа.
Как художник сформировался в Витебске: в 1917 – в тринадцатилетнем возрасте – посещал студию Ю.М. Пэна, через год поступил в Народную художественную школу, где учился у М.З. Шагала и К.С. Малевича. Впоследствии Малевич напишет о своём ученике краткую статью «Лев Зевин», ныне хранящуюся в Архиве Малевича в Амстердаме.
Не будучи затронут ни визионёрством, ни беспредметным искусством своих знаменитых педагогов, Зевин изучал натуру и классиков, увлёкся Рембрандтом. Продолжил образование в Москве, во ВХУТЕМАСе (1921 – 1925), куда его увёз Р.Р. Фальк, сторонник серьёзных живописных задач, считавший Зевина своим [самым?] талантливым учеником. По окончании учёбы во ВХУТЕМАСе Зевин на время «становится левее своего учителя» (А. Ромм, [1942 – 1944]?) и позже создаёт ряд больших картин в широкой эскизной манере, воспевающих труд в еврейских колхозах Крыма (н. 1930-х).
«Его живопись минско-витебская нам не нравилась» (В. Милашевский. Предыстория «13». 1986).
Вскоре, однако, Зевин возвращается к традиционной живописи и становится, подобно Исааку Левитану, вдохновенным и вдумчивым певцом природы Средней России. В своих пейзажах, зачастую миниатюрных, художник по нескольку раз возвращается к одним и тем же неприхотливым мотивам русской глубинки. Лирические, интимные интонации сохраняются и в более крупных по размеру работах Зевина, изображающих старинные уголки Витебска и окрестности строящегося Биробиджана, а также в многочисленных портретах и автопортретах.
С 1930 Зевин – преподаватель Московского Областного Художественного Педагогического Училища ИЗО памяти 1905 года.
7 июля 1941 художник ушёл на фронт красноармейцем. Пропал без вести в марте 1942 во время провальной операции Г.К. Жукова под Ржевом и Вязьмой. Читать далее...

Аронов Лев Ильич (1909, Гомель — 1972, Москва) — советский художник, живописец.
Художник Л. И. Аронов не имел почётных званий, более того, длительное время подвергался давлению со стороны политизированного руководства, поскольку не писал портреты вождей и пропагандистские сюжеты. В известный период борьбы с формализмом и космополитизмом тенденциозная критика присвоила ему ярлык «злобствующий эстет». Такая формулировка была в высшей степени несправедливой, поскольку главными факторами его творчества были предельная искренность, человеколюбие и эмоциональная открытость. Сам художник называл себя реалистом, хотя в поисках выразительных средств он впитал в своем творчестве элементы многих живописных направлений от импрессионизма до современного ему футуризма. В художественное наследие Л. И. Аронова входит ряд жанровых полотен, пейзажи, портреты, натюрморты. Многие из них представляют собой графические и живописные размышления о взаимоотношениях и взаимопроникновении природы и человека. Большой раздел его наследия можно было бы озаглавить «поэтика русской деревни», а другой не менее значительный раздел посвящён эмоциональному осмыслению культуры, быта и окружающей природы других народов: калмыков, ингушей, чеченцев, чувашей и др. Темы семьи, материнства проходят через все творчество художника, являют собой его главный мотив.
Л. И. Аронов был близко знаком и общался с художниками Н. М. Ромадиным, В. Н. Бакшеевым, В. А. Фаворским, И. И. Машковым, А. В. Лентуловым, А. А. Осмёркиным и др. Л. И. Аронов умер в Москве в 1972 году.Читать далее...

Гвендолен Мэри Джон (англ. Gwendolen Mary John; 22 июня 1876, Хаверфордуэст, Уэльс — 18 сентября 1939, Дьеп) — уэльская художница, прожившая большую часть жизни во Франции. Сестра художника Огастеса Джона(Augustus Edwin John)
Биография

.Я люблю валлийскую художницу Гвен-Джон (1876-1939) как за ее красивые, спокойные, мастерские картины, так и за ее страстный, свирепо-независимый дух. Ее младший брат, Август Джон, вырос, чтобы быть самым знаменитым английским художником того времени, и все же он заявил: «Через 50 лет после моей смерти меня запомнят как брата Гвен-Джона». Замечательно, что время доказало его правоту.
В 1895 году Гвен Джон поступила в лондонскую Школу изящных искусств Слейда, где училась до 1898 года. В 1899 году уехала в Париж, где четыре месяца брала уроки у Уистлера. В том же году вернулась в Лондон. В 1900 году художница впервые выставила свои работы в Новом английском художественном клубе (пользовалась его услугами вплоть до 1911 года).
Гвен училась в Школе искусств Слэйда в Лондоне в конце 19-го века, затем вела богемную жизнь на окраинах мира искусства в Париже (примерно с 1898 по 1910 год)
Осенью 1903 года Гвен снова поехала во Францию, жила в Бордо и в Тулузе. В 1904 году в Париже, начала позировать как модель для Огюста Родена, в результате чего между ними завязались любовные отношения. В этот период Гвен познакомилась со многими выдающимися деятелями европейской культуры — с Матиссом, Пикассо, Бранкузи. С немецким поэтом Райнером М. Рильке художницу долгие годы связывала тесная дружба., где она училась у Огюста Родена,
Уистлер, по образцу Родена (который также был ее любовником) и был близким другом Рильке. Живя в серии запасных маленьких комнат, она поддерживала себя, моделируя, тихо создавая светящиеся картины большого технического блеска, исследуя тональные качества цвета почти научным способом. Одержимая Роденом и сосредоточенная на ее работе, она раздражала свою семью и друзей своим эксцентричным образом жизни - тратой денег на краски и угощения для своей кошки, хотя сама жила на орехах и фруктах. В жаркие летние ночи Гвен любила прокрадываться в Люксембургские сады и спать среди деревьев со своим любимым котом, Тигром. (Почти сто лет спустя я обожаю ходить в те же сады и воображать там молодого художника).

В 1910 году Гвен переехала в полуразрушенный дом на окраине Парижа, перешла в католицизм и жила все более замкнутой жизнью с ее красками и кошками, часто исчезая в «ретрейсах», в которых она никого не видела, посвятив себя Ее искусством.

В 1910 году, после разрыва отношений с Роденом, Гвен Джон поселилась в Мёдоне, где провела практически весь остаток своей жизни. Здесь она жила одиноко, со своими кошками, которых любила рисоватьЕе обычными предметами живописи были женщины, дети, кошки и уголки различных комнат, в которых она жила, - но всегда предметом правды Гвен был цвет и свет, и взаимодействие между ними.. Вскоре после переезда в Мёдон художница обратилась к католицизму, и в 1913 году примирилась с церковью. В её дневнике того времени можно найти многочисленные молитвы; себя же она именовала «маленьким художником Господа». В дальнейшем часто выполняла художественные заказы церкви.

В Париже Гвен Джон выставляла свои полотна на Осеннем салоне в 1919 году, и затем регулярно, вплоть до второй половины 1920-х годов. Художница известна в первую очередь своими превосходно написанными женскими портретами.Читать далее...

Флорина Stettheimer, ранним-модернист художником крайней оригинальности и остроумия, жил заколдованную жизнь. Родился в богатой немецко-еврейской семье в Нью-Йорке в 1871 году, она была одной из пяти детей. В самом начале ее отец оставил семью; она и ее братья и сестры выросли в основном в Европе. Stettheimer вернулся в Нью-Йорке в начале 1890-х годов, чтобы учиться в Лиге Art Стьюдента, после чего она вернулась в Европу, где она много путешествовал и изучал искусство в Париже и Мюнхене. В 1914 году, накануне Первой мировой войны, она вернулась в Нью-Йорк со своей матерью и двумя сестрами Кэрри и Этти-и семья поселилась в квартиру в Алвин суд на Западной 58-й улице, недалеко от Карнеги-холл. Там, Stettheimer и ее сестры установили легендарный салон, который был посещаемый многими из самых важных творческих людей того времени, среди которых были, Марсель Дюшан, Карл Ван Вехтена Гастон Лашез, Шервуд Андерсон, Эди Nedelman, Вирджил Томпсон, Эдгар Варезе, Джорджия О'Киф, Альфред Штиглиц и художественный критик Генри Макбрайд.

Картины Stettheimer являются глубоко личными, ее основной темой была ее семья и друзья, а скорее мечтательно мир удовольствия они обитают. В ее ослепительной и эксцентричных картин, с их смелые цвета и открыто женской чувственности, Stettheimer создал уникальный синтез вещей, которые она изучал и любил один ловит проблески средневековой портретной, персидские миниатюры, Брейгеля, раннего Ренессанса живописи, Веласкес, детского творчества, театр дизайн, Матисс, сюрреализм, символизм, народное искусство, мода иллюстрации, декоративно-прикладного искусства и дизайна интерьера.
"Сестры были три ... все неопределенного возраста," композитор Вирджил Томсон вспоминал в своих мемуарах ", и они жили с недопустимой матерью в самой богато жилого дома я когда-либо видел." Был Этти, который имел докторскую степень в области философия, Carrie, зарезервированным женщина лучше всего известен дом реплики куклы она сделала жилых помещений семьи, квартиры в Алвин суд на Западной 58-й улице, сейчас для обозрения в музее города Нью-Йорка и Флорина. Они были в их середине 40-х годов в то время, и незамужние.Читать далее...

L.A. Ring’s son, Ole, painted similar subjects in a style highly influenced by that of his father. There are lots of images of his highly accomplished work online and many of his paintings have been sold at auction.Читать далее...

Лауриц Андерсен Ринг (дат. Laurits Andersen Ring, L.A. Ring; 15 августа 1854, село Ринг, Зеландия — 10 сентября 1933, Роскилле) — датский художник, один из выдающихся представителей датского символизма. В 2006 году его картина «Летний день у фьорда Роскилле, 1900» была официальна включена в Датский культурный канон.

Лауриц Андерсен родился в семье мелкого землевладельца и плотника в деревне Ринг на юге датского острова Зеландия. В 1881 году он взял псевдоним по названию своей родной деревни. С тех пор Лауриц Андерсен подписывал свои картины «L.A. Ring».
Лауриц Андерсен был студентом Датской королевской академии изящных искусств в 1875—1877 и 1884—1885 годах, но не закончил курс образования из-за нелюбви к формальной учёбе. В 1889 году он побывал в Париже, а в 1890-е годы посетил Италию.
По возвращении из Италии, он начал работать над серией картин, где в качестве модели выступала молодая художница Сигрид Кэлер (дат. Sigrid Kдhler). Она была дочерью художника-керамиста Германа Кэлера (дат. Herman Kдhler). 25 июля 1896 года Лауриц женился на Сигрид, которой был тогда только 21 год (Лаурицу было 42). У четы было трое детей, Сигрид умерла в 1923 году, в возрасте 49 лет. Их сын, Оле Ринг (1902—1972), также стал художником, его работы пронизаны сильным влиянием работ отца.[1]
Л. А. Ринг был плодовитым художником. Основной темой картин Л. А. Ринга была деревенская жизнь и сельские пейзажи южной Зеландии. Его работы можно встретить практически во всех датских музеях.

Датский художник Laurits Andersen Ring (1854-1933) известен и любим за его чутких изображениями крестьян, ремесленников и рабочих, а также за его уплотнена, туман заполненные картинами Zealand ландшафта. Но частная сфера и жизнь художника, как он развернул в четырех стенах своего дома был также важным фактором в мотивного мире Л.А. Ринга. Значимость дома приходит к выражению на ранней стадии в ряде внутренних картин из местности Кольца, в котором он использовал членов семьи и соседей в качестве моделей, часто изображаются в домашней обстановке.
Поворотный момент
LA Ring терзают меланхолии на протяжении всей своей жизни, но его брак с двадцатилетняя-младшего Сигрид Келерова (1874-1923) положило начало новой и счастливой период жизни для тогдашнего 42-летнего кольца - и новый этап в своем искусстве. В последующие годы его работы характеризовался беспрецедентным тепла, интимности и оптимизм, который не встречается в его ранних работах. Пустынные Zealand ландшафты были заменены уютные домашние интерьеры, и вместо сурового реализма, что кольцо ранее возделываемых, он написал свою жену и пары трое детей в доме, что он и Сигрид совместно созданного в качестве условия для их семейной жизни.Читать далее...

Это одна из великих краж в истории искусства. 16 октября 2012 воры ворвались в Kunsthal музей в Роттердаме, обходят высокотехнологичную систему безопасности и украли семь картин в предрассветные часы до того, как музей открылся во вторник утром. Они получили две картины Моне, Пикассо, Матисса, Гогена, в Люсьена Фрейда с, и одной картины Мейера де Хаана.

В каждом большом преступлении есть ключ. И ключ часто элемент, который не подходит. В этом случае, то, что не вписывается в картину Мейером де Хаан. Это единственное, что заставляет вас остановиться и подумать. Мейер де Хаан. Зачем кому-то красть дорогие картины из крупного музея и украсть Мейера де Хаан?

Мейер де Хаан - автопортрет -для большинства людей незначительный художник, большинство людей никогда не слышали о нем.

«Неизвестный художник»

«Неизвестным» назван известный, в основном, по нескольким портретам Гогена, его друг, ученик и меценат одновременно, голландский художник Якоб Мейер де Хаан (1852-1895).
Покинув Голландию, Мейер де Хаан отправляется в Париж, знакомится с Камилем Писсаро, который советует ему отправиться Бретань и поработать там вместе с Гогеном. Осенью 1889 года Де Хаан поселился вместе с Гогеном и его друзьями в деревушке Ле Пульдю, где оттачивались приемы нового «синтетического искусства» .
Гоген и де Хаан решили украсить стену комнаты, как подарок мадемуазель Генри. Эта идея, в течение года распространилась на все четыре стены комнаты, а также и потолок, и включала портреты основных жителей, изображающие повседневную жизнь Ле Пульдю, богословские и мистические образы, призывы и девизы.
Так получилось, что в истории живописи Мейер де Хаан, самобытный художник, так и остался в тени своего знаменитого современника.

Якоб Мейер де Хаан родился в 1852 году в Амстердаме в богатой еврейской семье. За ежемесячную пенсию в 300 франков, дававшую ему возможность целиком посвятить себя живописи, Мейер де Хаан уступил братьям бисквитную фабрику, которой ранее управлял.
С 1874 по 1875 г. учился в государственной Академии в Амстердаме. В то время он писал портреты и жанровые сцены, часто на еврейские темы.
Находясь в Лондоне, он познакомился с Камилем Писсарро; последний посоветовал ему отправиться в Бретань и поработать там с Гогеном. Вот почему голландский художник оказался в Пульдю и постепенно превратился в ученика, наперсника, а также мецената основоположника "синтетизма". Читать далее...

Йозеф и Исаак Исраэлс были отец и сын. Отец родился в 1824 году, его сын в отца 1865. Иосифа хотел, чтобы он был бизнесменом. Семья была голландская. Когда мы говорим об искусстве Нидерландов или Голландии, у нас есть тенденция хотеть, чтобы начать с так называемой «Золотой век» (в основном 17-го века) и, к сожалению, заканчивается там тоже. Дело в том, голландский (или нидерландский) искусство ни начала, ни завершился с этим игристым «Золотой век». Мы склонны так думать, потому что, в отличие от большей части остальной Европы, голландцы наслаждались стабильное правительство и процветающей экономики в то время. Это не то, что этот факт вдруг изменилось с приходом 18-го века; это просто, что это счастливое стечение обстоятельств удалось распространиться на другие части Европы. Искусства и художников Франции, Англии, Германии и Испании просто "догнал" с голландцами, таким образом, их «золотой век» стал разбавлять. Лидерство в художественном мире сдвинуты и разошлись.Читать далее...

Johan Barthold Jongkind; 3 июня 1819, дер. Латтроп, Оверэйссел — 9 февраля 1891, Ла-Кот-Сент-Андре, Франция) — нидерландский художник, предтеча французского импрессионизма. И. Б. Йонгкинд в 1836—1837 годах учится в Гааге, у Андреаса Схелфхаута, крупнейшего нидерландского пейзажиста того времени. Ранние работы маслом и акварели Йонгкинда представляют собой полное соответствие с канонами нидерландского пейзажной школы. Получив стипендию для изучения живописи, едет в Париж. Учится в мастерской Эжена Изабе. Написанные в этот период Йонгкиндом полотна позволяют предположить его знакомство с творчеством Камиля Коро и Ричарда Бонингтона. К началу 50-х годов ХIX столетия в акварелях художника впервые заметны импрессионистские черты — посветление палитры красок и специфическое освещение. В 60-е годы им создаются уже совершенные импрессионистские картины. В отличие от прочих импрессионистов И.Йонгкинд никогда не писал на природе масляными красками, только акварели, которые он затем тщательно копировал масляными красками. В построении пейзажной композиции мастер следовал нидерландской художественной традиции XIX века. Клод Моне и Поль Синьяк называли И. Б. Йонгкинда своим учителем.Читать далее...

Вильгельм фон Кобелль (6 апреля 1766, Мангейм — 15 июля 1853, Мюнхен) — германский живописец.
Стране переулок, 1821, Гамбургский кунстхалле

Родился в семье пейзажиста Фердинанда Кобелля, его первым учителем был дядя Франц. Учился в Мангейме и в Дюссельдорфе через изучение произведений Ф. Воаувермана, в 1778 году отправился в Рим. В течение этого времени он изучал различные манеры живописи, изучая в том числе нидерландское искусство XVII века и английское XVIII века. С 1808 года был профессором в Мюнхенской академии художеств, переехав в этот город вместе с отцом.

Первоначально он писал ландшафты и животных, но потом занимался почти исключительно батальной живописью, для изучения которой посетил в 1809—1810 годах Вену и Париж. Картины его можно было увидеть в Мюнхене (в пинакотеке), в Шлейсгеймской, Франкфуртской и других немецких галереях. Ещё большую известность, чем картинами, он приобрёл своими офортами собственной композиции, изображающими римские виды, пейзажные мотивы, верховых наездников, лошадей и собак, а также акватинтными гравюрами с Берхема, Роса, Рёйсдаля и Ваувермана.Читать далее...

Мастер Женских Полуфигур (Master of the Female Half-Lengths, раб ок 1520-1550 в Антверпене) – нидерландский живописец эпохи Возрождения. Мастер специализировался на небольших поясных изображениях молодых дам и религиозных сценах. Персонажи часто изображались за чтением, письмом или игрой на музыкальных инструментах. Как правило, фигуры были деликатно написаны, олицетворяя идеал женской красоты в представлении художника. Идентификация личности, место и период деятельности Мастера подвергаются широким спорам. Искусствоведы приписывают авторство живописцу из Южных Нидерландов или нескольким живописцам. Самые убедительные аргументы, основанные на анализе литературных и музыкальных элементах в его работах, а также пейзажей звучат в пользу Мехелена или Антверпена. Некоторые искусствоведы, основываясь на стилистике пейзажей Мастера, полагают, что он, возможно, обучался в студии Патинира, работавшего в Антверпене, также другие детали его картин указывают на контакт с Антверпенским маньеристом Яном де Биром. Кроме того, его женские образы схожи со стилем Бернарта ван Орлея, также работавшем в Антверпене. Поэтому большинство исследователей принимают точку зрения, относящую Мастера Женских Полуфигур к антверпенским мастерам. Имя Современные ученые объединяют под именем Мастера женских полуфигур группу художников, писавших поясные портреты молодых женщин. Возможно, имя связывает художников, работавших в одной мастерской. Это объясняет многократное повторение некоторых работ, а так же некоторые своеобразные шаблоны в творчестве художника. Хотя некоторые работы и пытались квалифицировать как работы Жана Клуэ и Ганса Верейка, но попытки оказались неудачными. Настоящее имя Мастера до сих пор остается загадкой. Творчество Творчество Мастера женских полуфигур можно отнести к переходному периоду от искусства Средневековья к искусству Раннего Возрождения, так как кроме изображений молодых женщин, у Мастера женских полуфигур есть так же работы и на библейские темы. Например, «Пейзаж со сценой отдыха на пути в Египет», «Пьета» и другие. Но все же в картинах художника чаще всего изображены женщины, занятые своими повседневными делами: чтением книг, игрой на музыкальных инструментах. Наиболее известными работами художника являются картины «Мадонна с младенцем» и «Музыкантши» (или «Три музицирующие девушки»). «Мадонна с младенцем» находится в собрании Эрмитажа и, безусловно, является одной из лучших работ художника. На картине изображены Дева Мария с младенцем Иисусом. Дева Мария внимательно рассматривает книгу, а Иисус изучает виноградную лозу. Пейзаж на заднем плане напоминает картины Йоахим Патинира. Картина помогает понять последовательность работы художника: на лице Богоматери, на тельце ребенка кое-где в пейзаже можно заметить тщательно подготовленный рисунок. Картина «Музыкантши» — одна из самых характерных работ Мастера женских полуфигур. Работа имеет несколько вариантов, из которых лучшая находится в собрании Харрах (Замок Рорау близ Вены, Австрия). Музицирующие девушки изысканны и элегантны: они одеты в модные для XVI века платья, изящно держат в своих руках музыкальные инструменты. Однако лица музыкантш похожи друг на друга, художник и не пытался изобразить глубокие образы. Мастер, вероятно, хорошо владел нотной грамотой. Читать далее...

Габриель Метсю (нидерл.Габриель Метсю (нидерл. Gabriel Metsu; январь 1629, Лейден — (похоронен) 24 октября 1667, Амстердам) — голландский художник, мастер жанровой, портретной и исторической живописи. Первые уроки рисования получил от родителей, которые были художниками. Продолжил художественное образование (как и Стен) у Николауса Кнюпфера в Утрехте. До 1657 г. почти без перерыва проживает в Лейдене, где становится в 1648 г. одним из основателей гильдии святого Луки, затем переезжает в Амстердам. В его ранних работах на исторические темы отражены в основном мифологические, аллегорические и библейские сюжеты и чувствуется влияние школы Рембрандта. В работах после 1650 г. Метсю обращается к городским и жанровым сценам из повседневной жизни голландских обывателей. В этих своих работах совершенствует манеру рисунка Яна Стена, Яна Вермеера и Питера де Хоха, придаёт ей выражение более глубокой чувственности и в то же время более спокойного настроения. В конце жизни, находясь под влиянием лейденской школы живописи, большое значение придаёт мастерству деталировки, особенно в изображении роскошных тканей, которые при этом должны были выглядеть гладкими и блестящими.— голландский художник, мастер жанровой, портретной и исторической живописиЧитать далее...

Год рождения 1967.
Место рождения город Тобольск.
Место проживания город Омск.
Окончил художественное училище.
Профессионально занимается живописью с 1998 года.
Участие в выставках с 2008 года.
Работы находятся в частных собраниях и коллекциях России и за рубежом Читать далее...

Родился 11 декабря 1959, и вырос в Южной Калифорнии, Леон начал изучать искусство в детстве через частные уроки и получил степень бакалавра гуманитарных наук по специальности изобразительное искусство в Калифорнийском государственном университете Лонг-Бич. Его исследования включены исторические и классическую изобразительного искусства, а также теорию архитектуры и дизайна. В начале своей карьеры он спе нт ряд лет в качестве арт-инструктором в Южной Калифорнии.

течение 80-х Леон Roulette служил арт-директором известного арт-студии. Он разработан и создан трафаретного произведения для важных клиентов, таких как Walt Disney Studios, Universal Pictures, и Уорнер Бразерс Productions. Именно в этот период он работал над проектами со многими всемирно известными иллюстрации художников из киноиндустрии, таких как Роберт Пик, Берни Фукса, и Эйвинд Эрл.
Леон Roulette является активным членом пленэра художников Северо-Запада, и в настоящее время завершает комплексную серию картин, посвященных тому, что он называет «Романтические миссии Калифорнии".Читать далее...

Джон Симмонс указан каталогах как миниатюрный художник, живущий в Клифтон. Хотя в первую очередь поддерживая себя через портретной течение 1850-х и 1860-х годов, Симмонс самый знаменитый своими очаровательными акварелей эфирных сцен с феями, а настоящее много является одним из лучших и самых амбициозных примеров. Фея живопись была жанр, который нашел вновь популярность в 19-го века, эти мистические миры предоставление зрителю бегство от реальности и утешение от тягот викторианской жизни.

1.


2.


3.


4.


5.


6.


7.


8.


9.


10.


11.


12.


13.


14.


15.


16.


17.

Читать далее...