Mастихин — поистине удивительный инструмент в руках живописца, ведь  через его нарочито грубые, широкие мазки и красочную текстуру так и бьют ключом эмоции, а яркие, сочные цветовые пятна, «небрежно» нанесенные на холст, с расплывчатыми контурами, причудливым образом создают неподражаемые экспрессивные эффекты. Ливийский художник Кал Гаджум (Kal Gajoum) — из числа художников, пишущих мастихином, причем делает он это весьма виртуозно.

Кал — самый что ни на есть космополит: родился в Триполи в 1968 году, где в пятнадцать лет прошла его первая выставка, долгое время вел «кочующий образ жизни», попеременно останавливаясь во Франции, Мальте, Тунисе, Великобритании,  сейчас живет в канадском Квебеке.

Приглашаю в мой музыкальный мир! Красивая музыка наполнит Вас гармонией и в вашей жизни все будет хорошо! E-NUN. Спасибо большое за Ваши комментарии:E-NUN -Juliana-

Серия сообщений "Музыка "Танго"":

Часть 1 - Неповторимое танго!
Часть 2 - The Tango Lesson
...
Часть 41 - Oana Cătălina Chitu - Bucharest Tango
Часть 42 - В ритмах танго
Часть 43 - Танго

В середине декабря я посылала в сообщество пост о музыке эпохи Высокого Возрождения.  Хочу продолжить эту тему.   В этом сообщении - продолжение истории музыки, речь пойдет о музыке эпохи Барокко.

В конце 16 века композиторы начали раздвигать границы стилей эпохи Возрождения, на смену приходила эпоха Барокко со своими особенностями и новыми открытиями в музыке. Слово 'барокко' пришло из португальского языка и означает жемчужина неправильной формы, с итальянского языка это слово переводиться как странный, причудливый. Какими бы не были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западно-европейской цивилизации. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурной прическе, в тугом корсете и в огромной юбке, а мужчина в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен духами. В эпоху барокко произошел взрыв новых стилей в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать не религиозной музыке. Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров. Многие самые важные особенности классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко - концерт, соната, опера. Барокко - была эпохой когда идеи о том, какой должна быть музыка обрели свою форму, и эти музыкальные формы не потеряли актуальности и в сегодняшний день.

Музыка композиторов эпохи Барокко

Гендель — немецкий и английский композитор эпохи барокко, известный своими операми, ораториями и концертами. Он родился в Германии в один год с Иоганном Себастьяном Бахом и Доменико Скарлатти. Получив музыкальное образование и опыт в Италии, он затем переселился в Лондон, а впоследствии стал английским подданным. 

Гендель.  Пассакалия

Иоган Себастьян Бах - величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке, открыл безграничные возможности создания произведений. Страсти, или пассион, являются одними из наиболее масштабных вокальных произведений Баха и состоят из музыкальных номеров, в том числе речитативов , арий, хоралов и хоров. Общая продолжительность звучания — около 3 часов. Произведение, предназначенное для исполнения за лютеранским богослужением, в наши дни чаще исполняется на концертах. Благодаря драматизированному сюжету и конкретным действующим лицам, пассионы тяготеют к опере больше, чем другие хоровые произведения Баха. Музыка «Страстей по Матфею» принадлежит к вершинам творчества композитора.

Бах.  Страсти по Матфею. Фрагмент

Бах. Пассакалия до минор.

В начале эпохи Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавалери и Монтеверди были написаны первые оперы, сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии. Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке; фактически, воздействие на эмоций слушателя стало главной целью в произведениях этого периода. Опера распространилась во Франции и Англии, благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделю и Перселлю. В Англии была также развита оратория - отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. "Мессия" Генделя - показательный пример оратории. В Германии опера не завоевала такой же популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

Персел. Дидона и Эней.

Люлли. Прелюдия.

Гендель. Ария Клеопатры.

Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился при барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения, и вероятно это слово имело значение 'контрастировать' или 'бороться', но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки. Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчество пришлось на конец эпохи Барокко, и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста.

Вивальди. Концерт in F minor

Вивальди. Фолия.

Музыка танцев эпохи барокко

Рамо. Контрданс.

Гендель. Сарабанда.

История искусства игры на духовых инструментах не знает, пожалуй, такого подъема исполнительского мастерства, который наблюдался во времена Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта . Каждый из композиторов проявлял огромный интерес к музыкантам-духовикам, имел среди них друзей, почитал их высокое мастерство.
Поэтому становление классического музыкального жанра не обошлось без создания замечательных сочинений для духовых инструментов.
Творчество венских классиков включает великолепные сольные концерты для всех деревянных и некоторых медных духовых, значение которых в музыкальной культуре прошлого и настоящего трудно переоценить.
По-новому зазвучала валторна в творчестве В. А. Моцарта. Известно, что гениальный композитор не обошел буквально почти ни один существовавший в его время инструмент. Им написано свыше двадцати концертов для фортепиано, шесть - для скрипки и девять - для духовых инструментов в сопровождении оркестра, в том числе и четыре концерта для валторны.
Концерты В. Моцарта составили целую эпоху не только в творчестве самого композитора, но и в истории жанра инструментального концерта вообще.
В концертах для валторны В. Моцарт открывает новые выразительные возможности этого инструмента - красивое лирическое пение. В то же время, не лишая валторну мягкости и красоты звучания, В. Моцарт пишет для нее виртуозные эпизоды и гаммообразные пассажи в концертах, исполнение которых предполагает весьма развитую губную технику валторниста.
Четыре концерта для валторны явились поворотным пунктом в развитии валторнового исполнительства. Моцартовские концерты и фактурно, и по содержанию уже очень далеки от валторновых сочинений А. Вивальди и Г. Телемана, с их сигнального характера быстрыми частями и сравнительно ограниченным мелодизмом медленных.
У В. Моцарта валторна - инструмент широких концертных возможностей, гибкой кантилены и незаурядной виртуозности.
В концертах проявились лучшие черты моцартовского концертного стиля. В них ярко использованы композитором виртуозные, звуковые и мелодические качества натуральной валторны.
В конце первой части концертов В. Моцарта имеется, как правило, каденция, которая носит характер импровизации, то есть композитор предполагает, что солист покажет в своей собственной каденции мастерство, виртуозность и понимание характера исполняемого произведения и стиля автора.

Комический балет "Тщетная предосторожность"

(Фрагменты.)

Основателем комедийного балета является Жан Доберваль- директор балетной труппы Парижской Королевской академии музыки. Персонажами его постановок стали не боги и древние герои, а представители народа, так называемого третьего сословия, самые простые люди с их недостатками и пороками, бытовой неустроенностью и без глобальных интересов и притязаний. Большую часть своих постановок Доберваль осуществил в балетной труппе музыкального театра Бордо, куда вскоре перебрался и где провинциальная публика благожелательно встречала его балеты о таких же простых людях, постоянно попадавших в комические ситуации и выходивших из них не при помощи высших сил или великих героев, а собственной находчивостью и веселостью, смекалкой и хитроватостью. Одним из таких его балетов стал двухактный балет «Тщетная предосторожность».

В театральном мире существуют разные легенды о зарождении сюжетной фабулы балета. Есть мнение, что Ж.Доберваль не сам придумал сюжет балета, а однажды подсмотрел эту вполне реальную, фактически произошедшую, историю в какой-то деревне. Балетмейстер, посмеявшись забавному случаю, решил воплотить его на сцене.

Сюжет балета

Марцелина мечтает выгодно пристроить свою красавицу-дочь Лизу замуж за Никеза, сына местного богача Мишо.

Но дочь уже сама выбрала себе любимого — это соседский бедный крестьянский парень Колен. Такой поворот событий совершенно не устраивает ищущую материального благополучия мамашу, и она не спускает глаз с дочери, препятствуя её свиданиям с Коленом. Но проворный бедняк не собирается предавать любимую. Он пробирается в чулан дома, где живут Марцелина и Лиза, и прячется в стоге сена. А Марцелина, ничего не зная о коварстве Колена, задумала собственное коварство: чтобы дочь в неподобающий момент не убежала к нищему возлюбленному, она запирает её в чулане — том самом, где спрятался Колен.

Сама же она активно готовится к предстоящей свадьбе непокорной дочери, и лишь когда в доме собираются все: нотариус, богач Мишо, его сын жених Никез, гости-крестьяне, — она торжественно выпускает узницу-дочь из чулана.Планам Марцелины на материальное благополучие не суждено сбыться — несчастной матери, все так тщательно продумавшей и принявшей все меры предосторожности, ничего не остаётся, как согласиться на брак Лизы и Колена. Ж.Доберваль ещё повторял свой неизменно пользующийся зрительским успехом балет на других сценах.

Ж.Доберваль ещё повторял свой неизменно пользующийся зрительским успехом балет на других сценах.

Затем постановки стали возобновляться другими балетмейстерами. Музыка поначалу использовалась любая по вкусу постановщиков. В 1796 году П.Гаво написал музыку для переделки балета в комическую оперу, и эту музыку использовал Омер для своей постановки балета. Однако музыка Пьера Гаво продержалась недолго. В 1828 году композитор Л. Герольд одарил балет наконец постоянной музыкой. А в 1864 свой музыкальный вариант сделал другой композитор — П.Гертель. Таким образом, у одного произведения оказалось сразу две партитуры. Балет прошёл чуть ли не во всех мировых музыкальных театрах.

Текст - из Википедии

Премьера "Тщетной предосторожности" в Большом

Театре.

 Эдвард Григ.  Сюита "Пер Гюнт.

Великий норвежский композитор Эдвард Григ жил в конце XIX века. 
В 1875 году крупнейший норвежский драматург Генрик Ибсен предложил Григу написать музыку к театральной постановке пьесы «Пер Гюнт».
Есть такой жанр — прикладная музыка. Вы слышали прикладную музыку в любом фильме или театральном спектакле (не музыкальном). Она лишь аккомпанирует действию и часто не имеет самостоятельного значения. Вот такого типа музыку и заказал Григу Ибсен.
Когда великий музыкант берётся за сочинение прикладной, «второстепенной» музыки, она нередко выходит за рамки простого аккомпанемента и становится самостоятельным художественным произведением. Так и случилось с музыкой  Грига.
Ибсен использовал в пьесе целый ряд старинных норвежских легенд и сказок. Её герой, деревенский парень Пер Гюнт, озорной и легкомысленный мечтатель и фантазёр, попадает к злым троллям, которые внушают ему своё жизненное правило: «будь всегда доволен самим собой». За дурные поступки односельчане прогоняют Пера из деревни, и он отправляется путешествовать. Перед отъездом он прощается с матерью, старой Озе, которая умирает у него на руках. В деревне остаётся девушка Сольвейг, которая любит Пера и будет ждать его всю жизнь.
Сорок лет странствует Пер по разным странам. Был он и в Америке, и в Китае, и в Африке. Несколько раз наживал он нечестным путём огромное богатство, но к концу жизни всё растерял. Бедным, несчастным стариком возвращается он на родину. Приготовившись бесславно умереть, он встречает Сольвейг, которая всё ему прощает. Всё лучшее, что когда-то было в душе Пера, Сольвейг сохранила в своём сердце.
В пьесе Ибсена много сатиры, он жестоко высмеивает худшие стороны жизни. Но это мало интересовало Грига. Я вижу другого Пера. Самим собой он остался в сердце Сольвейг, и таким я хочу сохранить его в своей музыке, — писал Григ Ибсену.
После премьеры спектакля в 1876 году музыка Грига так полюбилась публике, что он составил из неё две сюиты для концертного исполнения. Из 23 номеров музыки к спектаклю в сюиты вошло 8 пьес.
И музыка к спектаклю, и сюиты написаны для симфонического оркестра. Потом композитор сделал переложение обеих сюит для фортепиано. 
Первая сюита состоит из четырёх частей: «Утро», «Смерть Озе», Танец Анитры, «В пещере горного короля».
"Утро"в спектакле - это вступление к IV действию, которое происходит в Африке. Но нам представляется северное, норвежское утро. В пьесе эта музыка звучит как воспоминание Пера о своей далёкой родине.
Спокойная, безмятежная мелодия напоминает простой пастуший наигрыш. Одна и та же фраза чередуется у флейты и гобоя в разных октавах, как будто перекликаются на большом расстоянии два пастушеских рожка.





 

Вторая сюита тоже состоит из четырёх частей: «Жалоба Ингрид», Арабский танец, «Возвращение Пера Гюнта» и Песня Сольвейг.
В сюите Песня Сольвейг звучит как оркестровая пьеса, хотя в спектакле она существует  как песня, со словами. Эта музыка неоднократно проходит в спектакле в разных вариантах. Образ верной, любящей Сольвейг был особенно дорог Григу в драме Ибсена. Тема её песни становится лейтмотивом музыки к спектаклю.
Лейтмотив — короткая музыкальная фраза, неоднократно повторяющаяся и выражающая определённый образ или определённое событие. 
Пожалуй, это, наверное, единственная из моих песен, где можно обнаружить прямое подражание народной мелодии, — писал Григ о Песне Сольвейг.
Музыка запева печальна, но спокойна и светла. Сольвейг грустит, но любовь её безгранична, она верит, что дождётся Пера. В этой простой песне снова проявилась неисчерпаемая гармоническая фантазия Грига.

Текст из музыковедческих  сайтов.
 

Концерт ансамбля Cordevento – это всегда своеобразное представление, наполненное импровизацией, юмором, блеском и отличающееся непревзойденным мастерством игры на инструментах эпохи барокко. Ансамбль( трио) `Кордевенто` был создан в 2006 году. Состав трио: Эрик Босграаф (блокфлейта), Изхар Элиас (гитара) и Алессандро Пьяну (клавесин).
Репертуар ансамбля включает в себя виртуозную музыку 17 века, которая являет собой искусство на грани профессиональной и народной музыки. Цель ансамбля – не только возродить эту традицию, но и сделать ее более доступной для современного слушателя, придать концерту атмосферу праздника, театрального действа, включая в процесс исполнения слушателей. Концерты ансамбля `Кордевенто` повсеместно вызывают восторженные отклики публики и превосходные отзывы прессы. Они неоднократно выступали на таких всемирно известных концертных площадках как Концерт Гебау в Амстердаме, Дворец Прекрасных Искусств в Брюсселе, Концерт Хаус в Берлине и на всемирно известном Фестивале Early Music в Утрехте. Все участники ансамбля являются неоднократными призерами Международных конкурсов и фестивалей. Мировым признанием отмечены их диски с записью музыки Вивальди и Баха, а также недавно выпущенный диск с испанской музыкой 17 века. В этом сообщении - концерт из произведений итальянского композитора эпохи Барокко - Андреа Фальконьери и соната Secsta Даниэля Персела