Наконец, Треус сообщает:

- Для завода ЛИШ нужно спроектировать автоматическую установку выбивки форм автомобильного литья. Я понимаю, что вы – не конструктор, но, всё же – ведущий инженер, поэтому я вам поручаю этот проект.

Его выпад «не конструктор» меня совершенно не задел: так ведь оно и есть! Иди знай, что он по инерции будет говорить «Стрельцов – не конструктор!» всем и вся все те семь лет, что мы с ним проработаем в одном отделе, хотя это и будет оборачиваться для него далеко не наилучшим образом.

А пока я вспоминаю нашу дормашевскую выбивку и, естественно, спрашиваю:

- Только выбивки? А распаровка и возврат опок, транспортировка выбитых отливок, горелой земли?

По его глазам вижу, что он не понимает, о чем речь. Ну, да, он же – конструктор, откуда ему знать, что такое опока, зачем и как выбивают ни в чем не повинные формы, почему земля горит…

- Владислав Нестерович, а исходные данные?

- Ну, это уж вы сами решайте с заводчанами. У меня видите, сколько хлопот?!

И то, правда…

Интересно, что ни он, ни я в то время и не задумывались над тем, кто и сколько нам за это будет платить. В то благословенное время заключением договоров занимался плановый отдел СКБО…

1727 – родился Томас Гейнсборо /Thomas Gainsborough/ (1727 – 02. 08.1788), английский художник.



Томас Гейнсборо родился в Садбери (Суффолк). В 1740-е годы был подмастерьем Юбера Гравло, французского рисовальщика и гравера, работавшего в Лондоне. Ранние пейзажи художника близки произведениям голландских мастеров 17 века.

В 1748 году, когда умер его отец, Гейнсборо пришлось вернуться в Садбери, а в 1752 или 1753 году он переехал в Ипсуич, где нашел заказчиков среди местного мелкопоместного дворянства и духовенства. Первые портреты Гейнсборо, относящиеся к этому периоду, написаны довольно жестко и выглядят статичными. Однако художник обладал исключительным даром передачи сходства и настроения моделей, сочетая это качество со свежестью и живостью живописной манеры. Он продолжал писать пейзажи, к которым всегда испытывал особое пристрастие. Многие из них, очевидно, задумывались как декоративные панно для деревянного резного украшения над камином (две такие картины были заказаны герцогом Бедфордом в 1755 году). В это же время начал складываться новый стиль его портретной живописи, близкий к рококо.

В 1759 году Гейнсборо переехал в Бат, который был тогда модным курортом. Там его ожидало множество новых заказов, в основном от представителей английской знати. В этот период в его живописи заметно влияние утонченно-элегантного искусства Антониса Ван Дейка. Вопреки распространенной тогда практике Гейнсборо никогда не прибегал к помощи художника, писавшего драпировки; он умел великолепно передать фактуру шелков, атласа и кружев, золотого шитья и бархата. В конце 1760-х - начале 1770-х годов он написал серию больших пейзажных композиций, навеянных живописью Рубенса. Гейнсборо участвовал в ежегодных выставках Общества художников, а в 1768 году стал членом-учредителем Королевской Академии искусств.

В 1774 году Гейнсборо переехал в Лондон; тогда же он был избран в Совет Академии, но часто пренебрегал своими обязанностями. В 1784 году он окончательно рассорился с Академией и с этого времени стал устраивать выставки своих работ в собственной мастерской в Шомберг-хаусе на Пэлл-Мэлл. Описания этих выставок опубликовал его друг Хенри Бейт. Поздние портреты живописца наполнены возвышенно-романтическим духом, их отличает утонченная и свободная манера исполнения; фон, с лесными зарослями на заднем плане, прописан широкими, непринужденными движениями кисти.

Со временем мастер стал все больше обращаться к искусственным, "сочиненным" композициям, сооружая на столе небольшой макет, с которого потом писалась картина. В серии горных пейзажей отразился присущий его эпохе вкус к "возвышенному", а в картинах с деревенскими домиками и крестьянами - его сентиментальное отношение к сельской жизни. Гейнсборо, всегда проявлявший большой интерес к эффектам освещения, придумал "волшебный фонарь", в котором за прозрачными пластинами с живописными изображениями помещал горящие свечи. В рисунках Гейнсборо постоянно экспериментировал с новыми техниками; он достиг удивительной свободы и беглости стиля, передавая форму несколькими штрихами и работая пастелью со стремительностью и неистовством, достойными Ван Гога.

Портретная живопись Гейнсборо оказала удивительно слабое влияние на искусство других художников, главным образом из-за того, что созданный им стиль был очень индивидуален и субъективен. Однако пейзажи и рисунки художника многократно копировались. Известно, что крупнейший пейзажист следующего поколения Джон Констебл восхищался его произведениями.

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D0%B5%D0%B9%D0...%D0%A2%D0%BE%D0%BC%D0%B0%D1%81
http://www.peoples.ru/art/painter/thomas_gainsborough_gainsborough/
http://www.2uk.ru/culture/kulture16
http://bibliotekar.ru/muzeumLondon/38.htm
http://www.c-cafe.ru/days/bio/7/075.php
http://syyf.3dn.ru/publ/8-1-0-7
http://refcity.ru/content/9548.html
http://www.artcyclopedia.com/artists/gainsborough_thomas.html
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Thomas_Gainsborough

Увольняясь через 30 лет с работы, я зайду со своим «бегунком» в технический архив «Техтрансмаша» (так тогда будет называться наша организация). Недавно работающая на этом месте заведующая архивом, увидев на «бегунке» мою фамилию удивится:

- Стрельцов?

- А что?

- Да вот, я как раз готовлю для городского архива опись проектов, которые у нас хранятся, и первая запись там - за 1965 год: «001. 00. 000. Автоматическая установка выбивки литейных форм. Стрельцов». Так это вы?

- А чему вы удивляетесь? Я первым был принят на работу в отдел, который потом превратился в институт, и разрабатывал его первый проект.

- Живая история!

- Все начинается с кого-то и с чего-то…

Vasilki


ГРАНАДА, ГРАНАДА, ГРАНАДА МОЯ (2)

1882 – родился Жорж БРАК /Georges BRAQUE/ (1882-31.08.1963), французский живописец, график, скульптор и декоратор; вместе с Пикассо является создателем кубизма.



Родился в Аржантёй (департамент Сена и Уаза) в семье художника-декоратора. В 1900-1901 гг. учился в Технической школе в Париже. В 1902-1904 гг. посещал занятия в Школе изящных искусств и в академии Эмбера, музеи и частные коллекции, изучал живопись импрессионистов и постимпрессионистов, египетскую и греческую скульптуру, а также произведения Коро и Сезанна.

В 1906-1907 гг. Брак написал несколько серий пейзажей, в которых чувствуется влияние живописи фовистов и Сезанна. Сильное впечатление произвела на него картина Пикассо Авиньонские девицы (1907). Следующим летом Брак создал серию новаторских пейзажей, при работе над которыми он следовал призыву Сезанна: "Изображайте природу в формах цилиндров, сфер и конусов". Эти пейзажи не были приняты Осенним Салоном. Анри Матисс сказал, что они составлены из кубиков, отсюда и произошло слово "кубизм".

В 1908-1914 гг. Брак и Пикассо работали в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушали привычные образы предметов, словно "разбирая" их на отдельные формы и пространственные структуры. В 1912 они начали работать в технике коллажа и аппликации и увлеклись обратным процессом - синтезированием объектов из разнородных элементов. Значительным вкладом Брака в творческий процесс стало использование надписей и различных декоративных техник.

Большая композиция «Музыкантша» (1917-1918, Базель, Публичное художественное собрание) стала итогом фазы синтетического кубизма в творчестве Брака и обозначила отправную точку в его новых творческих поисках. В 1920-е годы элементы кубизма постепенно исчезают из произведений Брака, он использует больше изобразительных мотивов. Общественное признание пришло к нему в 1922 после выставки, на которой художник представил серии картин, написанных в богатой живописной манере: «Камины», «Столы» и «Канефоры» (девушки, несущие корзины с жертвенной утварью).

В конце 1920-х годов Брак отказался от ярких живописных эффектов и продолжил эксперименты с формой и цветом; он писал морские виды, купальщиц, неоклассические мотивы и головы с двойным профилем. В 1930-1940-е годы Брак писал натюрморты и композиции в интерьере, иногда с музыкантами, натурщиками и художниками, а иногда - вовсе лишенные человеческих фигур. После войны работы Брака приобрели более созерцательный, эзотерический характер, о чем свидетельствует серия из 8 картин «Мастерская» (1949-1956). В 1952-1953 художник выполнил росписи плафонов в Лувре. Изображенные на них большие черные птицы на фоне голубого неба стали одним из наиболее часто встречающихся мотивов в поздних работах мастера.

Брак создал много рисунков, гравюр и скульптурных произведений, но главное место в его творчестве занимала живопись. Умер Брак в Париже 31 августа 1963 г.

http://www.ssga.ru/erudites_info/art/muzey/text/mom03.html
http://posternazakaz.ru/shop/category/623/
http://www.artcyclopedia.com/artists/braque_georges.html

А мы как раз в такую эпоху и попали.

Еще в техникуме моим любимым предметом было машиностроительное черчение. Еще бы: «Чертеж - язык техники», как было написано на лозунге в нашем кабинете черчения. И я его освоил так, что в институте мне уже учиться ему не надо было, осталось только выполнять домашние задания.

И вдруг, оказывается, что я этого языка не знаю…

Язык это был основан на двух комплектах стандартов - «Чертежи в машиностроении» и «Система чертежного хозяйства».

Еще когда я учился в институте (1959-1960 гг.) эти стандарты (без моего ведома!) были пересмотрены, а к 1965 году, как написано в одной умной книге (Гордон В.О. «Почему так чертят») «произошли огромные сдвиги в развитии науки и техники, появились новые отрасли промышленности, новые формы организации производства в машиностроении и строительстве, новые способы изготовления, размножения и обработки конструкторской документации — чертежей, схем и текстовых документов. Все это потребовало нового пересмотра стандартов «Чертежи в машиностроении» и «Система чертежного хозяйства». Однако на этот раз нельзя было ограничиться только пересмотром отдельных стандартов или положений. Необходимо было создать стройную единую систему конструкторской документации, которая позволила бы резко сократить сроки проектирования новых машин, приборов и оборудования в условиях ускоренного темпа технического прогресса, появления все более сложных и совершенных изделий в машиностроении и приборостроении».

Вот по этой «Единой системе чертежного хозяйства» (ЕСКД) нам и предстояло работать. С ней, кроме Треуса, который на «Дормаше» и занимался внедрением этой системы, еще почти никто не был знаком. Так что, не только мне приходилось все начинать сначала.

Vasilki


ГРАНАДА, ГРАНАДА, ГРАНАДА МОЯ (1)

1828 - родился Данте Габриэль РОССЕТТИ/ Dante Gabriel Rossetti/ (1828 - 09.04.1882), английский художник и поэт.



Данте Габриэль Россетти происходил из большой семьи, где все занимались литературой. Его отец, Габриэль Россети, эмигрировал из Италии и преподавал итальянский язык в Королевском колледже в Лондоне, а в свободное время
время занимался составлением комментариев к Данте. Мать, урожденная Полидори, была тоже очень образованна. Старшая сестра Мария Франческа написала книгу "Тень Данте". Младшая - Кристина - стала известной английской поэтессой. Младший брат Уильям Майкл - крупный литературный критик и биограф брата. Сам Данте Габриэль, названный в честь великого итальянца, был крупным поэтом и художником.

До конца своих дней Данте Габриэль Росстти оставался до известной степени дилетантом в области живописи. Законченного художественного образования он так и не получил: с 1841 года он учился в Академии живописи Генри Сасса в Блумсбари, а в 1846 поступил в класс античного искусства при Королевской академии, но натурный класс не посещал. Потом он сделал попытку - впрочем, очень краткую - поработать под руководством Мэдокса Брауна. В технике масляной живописи его поднатаскал Холмен Хант, когда они работали в общей мастерской над первыми "прерафаэлитскими" картинами.

После образования Братства прерафаэлитов в 1848 году, Россети придумывает издавать журнал "Росток" ("The Germ"), в котором прерафаэлиты смогли бы опубликовать свои взгляды на искусство и литературу. Свою первую работу с шифром "ПРБ" - "Девичество Марии" ("Girlhood of Mary Virgin", 1849, Лондон, галерея Тейт) - Россетти показал на "Свободной выставке" на углу Гайд-Парка и получил на нее положительный отзыв в авторитетном журнале "Атенеум". Первая картина Россетти больше остальных прерафаэлитских работ походила на живопись итальянского кватроченто, которой молодые художники так восхищались. В следующем году Россетти представил "Ecce Ancilla Domini" (1850, Лондон, галерея Тейт), которая так же как и первая работа насыщена символикой, и является интересной попыткой построить полотно на симфонии белых холодных тонов с небольшим цветовым вкраплением.

Когда вокруг Братства прерафаэлитов разразился скандал, Россетти решает обратиться к акварелям, сюжеты которых он берет, главным образом, из средневековой литературы.

В январе 1855 года Россетти начинает преподавать в Рабочем колледже. В 1856 встреча Данте Габриэля Россетти с Эдвардом Берн-Джонсом и Уильямом Моррисом вызывает "вторую волну" прерафаэлитизма, где крупным событием становится совместная работа над росписями зала Союзов в Оксфорде. В конце 1860-х годов Россетти возвращается к живописи маслом.

Творчество Россетти оказало огромное влияние на многих английских художников конца XIX - начала ХХ века. Многочисленные подражатели и ученики составляют, так называемую, "традицию Россетти", которая в истории искусства еще известна под названием "россетизм".

http://www.libfl.ru/pre-raph/win/Rossetti2.html
http://www.tereks.com/albums/rossetti.htm
http://en.wikipedia.org/wiki/Image:Holygrail.jpg
http://www.artcyclopedia.com/artists/rossetti_dante_gabriel.html

Не знаю еще, каким начальником окажется Треус, но пока он развил бурную деятельность: выбил для будущего отдела помещение в бытовках цеха металлургической оснастки, куда мы и переселились, где-то достает столы, стулья, шкафы, чертежные станки, закупает карандаши, бумагу, заказывает стандарты, к нему на переговоры приходят люди и уже в отделе появляются, кроме меня и другие работники. Видимо, сказался опыт работы в горкоме и созданные при этом связи. Я бы так не смог, и не знаю, смогли бы те, кого я возил в Харьков…

Вот только работы у нас пока нет.

Пока я продолжаю знакомиться с документацией в архиве у Жабо и жду команды - что делать, чем заняться.

Треус договорился с вагоностроительным заводом, что мы будем пользоваться их технической библиотекой, и я уже взял там и читаю первые книги: «Основы конструирования» Орлова, «Справочник конструктора» Анурьева и ГОСТы (Государственные стандарты). Но, все это пока совершенно безадресно…

1904 – родился Сальвадор ДАЛИ /Salvador DALI/ (1904 - 23.01.1989), испанский художник, живописец, график и скульптор, один из самых известных представителей направления сюрреализма.



Сальвадор Дали родился в Каталонии и очень рано проявил себя как человек
необычайного живого ума . Получил образование в мадридской Академии художеста и сначала писал в духе академизма, серьезно увлекался "метафизической живописью".

Первая выставка работ Сальвадора Дали прошла в ноября 1925г. в Барселоне .В это время он пишет композиции, в которых изображает морские пейзажи. Сальвадор Дали знакомится с Пикассо и Бpeтоном, присоеденяясь к группе сюрреалистов, и в 1929 полностью внедряется в неё. Тогда же он знакомится с Галой Элюар, которая вскоре становится его женой и вдохновительницей.

Сальвадор Дали создал сюрреализму блестящую рекламу.Он увлечён изображением на холсте образов, вызванных свободными ассоциациями. Отсюда картины Сальвадора Дали, на которых под видимостью тонкой оптической иллюзии предметы растягиваются (мягкие часы), растворяются. Искусство Сальвадора Дали вырастает именно из сюрреалистической эстетики в которой он нашел близкие ему мотивы : чувство потерянности человека в огромном мире. Сюжеты, переходящие из одной картины Сальвадора Дали в другую, открывают вселенную его личных переживаний.
Все эти мотивы нашли отражение и в поэмах и фильмах, снятых в сотрудничестве с Бюнюэлем ("Андалузский пес", 1928, "Золотой век", 1930).

В 1936 Сальвадор Дали совершает неожиданный и подчеркнутый поворот к итальянскому классицизму. В 1940-48 он живет в США. По возвращении в Испанию он живет в Порт-Лигат в Каталонии. В своем творчестве Сальвадор Дали обращается к самым разным источникам - нидерландскому реализму , итальянскому барокко, абстракционизму, попарту.

С 1970-х Сальвадор Дали нередко прибегает к методам, позволяющим как можно реальнее передать рельефность (наподобие голографии или стереоскопиии). Жизнь и творчество Сальвадора Дали причудливо сплелись в единое мистическое целое, как ещё одно произведение художника.

http://daliworld.narod.ru/
http://salvador-dali.ru/
http://smallbay.ru/dali.html
http://www.arthistory.ru/dali.htm
http://www.sdali.ru/
http://www.starat.narod.ru/pictures/dali/main.htm
http://www.museum-online.ru/Surrealism/Salvador_Dali

Как позже оказалось, наш «облом» в Харькове был не случайным эпизодом, а одним из этапов борьбы между директором и главным инженером СКБО. Создателем бюро и первым его директором был Джан Алиевич Лурье. Но, директорская должность связана с большим объемом чисто административной работы, а Лурье – технарь, поэтому он попросил обком партии (а кого же еще?) подобрать ему директора, а сам решил остаться главным инженером. Там с удовольствием устроили на эту должность одного из своих инструкторов. Так Степан Иосифович Васильцов стал директором и привел с собой нового начальника кадров – Марию Иосифовну (уж не сестру ли?).

Новое начальство затеяло чистку рядов организации – уж слишком много людей некоренной национальности (читай: евреев) в ней оказалось, особенно среди руководства: главные специалисты, начальники отделов, начальники секторов, главные конструкторы проектов. А в это время Лурье и Ломазов приглашают на работу сразу еще четверых! Вот им и подстроили срочную командировку в день нашего приезда.

Этот случай станет последней каплей, переполнившей чашу терпения Лурье, и через некоторое время он обратится в Госплан УССР с просьбой убрать Васильцова. Там пойдут ему навстречу. Вскоре мы узнаем, что Васильцов снят с работы и вместо него назначен какой-то из работников Госплана – толи Подворчанский, толи Подорожанский… Наш Треус даже подсуетится и отправит на его имя поздравление от имени отдела.

Но Васильцова голыми руками не возьмешь – номенклатура обкома! Обком не даст согласие на его увольнение. Нашла коса на камень!

В ГОСПЛАНЕ УССР примут решение расформировать свое СКБО в Харькове и создать там новую организацию – Институт проблем литья, директором которой будет Лурье. Лурье заберет туда с собой лучшие кадры СКБО, но не всех. Уж не знаю, каким образом, это произойдет, но оставшаяся под руководством Васильцова часть организации под тем же названием СКБО (в том числе и наш Кременчугский отдел) будет 15 января 1966 года передана Министерству тяжелого и транспортного машиностроения Украины…

Но, все это будет только через полгода…

А пока надо начинать что-то делать…

1866 – родился Леон (Лев Самойлович) Бакст (Лейб-Хаим Израилевич Розенберг) / Léon Bakst/, русский художник.



Родился в Гродно в семье мелкого коммерсанта. Учился в гимназии, четыре года был вольнослушателем в Академии Художеств, но, разочаровавшись в академической подготовке, покинул это заведение. Занимался живописью самостоятельно, подрабатывая иллюстратором детских книг и журналов. Впервые представил свои работы на выставке в 1889 г., приняв в качестве псевдонима сокращенную фамилию бабушки по матери (Бакстер).

В начале 1890-х годов выставлял свои работы, в основном, пейзажи, в «Обществе акварелистов». С середины 1890-х примкнул к кружку писателей и художников, объединившихся вокруг С. Дягилева и А. Бенуа, и в дальнейшем стал одним из инициаторов создания «Мира искусства».

Именно графические работы для журнала «Мир искусства» принесли Баксту широкую известность. Бакст внес волнистую линию модерна и почти восточное пристрастие к плоскостному рисунку и ярким краскам в мир садов, архитектурных перспектив и развевающихся драпировок, излюбленный художниками, близких «Миру искусства».

Художник продолжал заниматься и станковой живописью, исполнив множество графических и живописных портретов известных писателей и художников — Ф. Малявина (1899), В. Розанова (1901), Андрея Белого (1905), З. Гиппиус (1906) и др.

По необходимости содержать семью, — овдовевшую мать и малолетних братьев и сестер, Бакст стал учителем рисования детей великого князя Владимира, а в 1902 г. получил от царя заказ — изобразить «Встречу русских моряков» в Париже.

Период с 1893 по 1899 г. провел в Париже, при этом часто наезжая в Петербург.

В 1898 году Бакст выставляется на первой выставке русских и финляндских художников, устроенной С. Дягилевым, а с 1899 года принимает постоянное и деятельное участие в выставках «Мира искусства», в выставках «Secession» в Мюнхене, до 1910 года — в выставках «Союза русских художников», а также различных художественных выставках в Праге, Венеции, Риме, Брюсселе, Берлине.

В годы первой русской революции сотрудничал с сатирическими журналами «Жупел», «Адская почта» и «Сатирикон», затем оформлял журналы «Золотое руно» и «Аполлон». Занимался книжной графикой и декоративным искусством, оформляя интерьеры и выставки.

К концу 1900-х г.г. Бакст ограничил себя работой в театре, благодаря которой и вошел в историю как выдающийся театральный художник. Дебютировал в театре он еще в 1902 г. Позднее художник делал театральные костюмы для артистов (например, для Анны Павловой).

Бакст стал ведущим художником «Русских сезонов» и «Русского балета С. Дягилева» и создал декорации и костюмы к таким балетным спектаклям как «Клеопатра» (1909), «Шехерезада» и «Карнавал» (1910), «Нарцисс» (1911), «Дафнис и Хлоя» (1912) и др., поражавшие зрителей своей фантазией, сказочной роскошью, утонченной изысканностью костюмов, новыми и смелыми сочетаниями красок.

Все эти годы Бакст проживал в Европе, что было вызвано необходимостью находиться возле балетной труппы, а также тем, что, как еврей, он не имел вида на жительство в Петербурге.

В 1914 г. Бакст был избран членом Императорской Санкт-Петербургской Академии Художеств.

Нараставшее напряжение в отношениях Бакста и Дягилева привели к тому, что в 1918 г. художник был вынужден покинуть труппу.

Умер 27 декабря 1924 г. в Париже от отека легких.

http://en.wikipedia.org/wiki/L%C3%A9on_Bakst
http://www.silverage.ru/paint/bakst/bakst_bio.html
http://www.silverage.ru/paint/bakst/bakst_rab.html
http://www.stageportal.com/BMW4/e-909458/Istori/bakst1/
http://www.compuart.ru/Archive/CA/2005/1/14/
http://evreimir.com/article.php?id=15830

Получил сегодня поздравление:

Дорогой друг….

Комитет Неве-Шаананской организации ветеранов войны – борцов против НАЦИЗМА г. Хайфы позравляет тебя и твою семью с 62-й годовщиной Победы над ФАШИСТСКОЙ Германией и желает крепкого здоровья, счастья, благополучия и долгих лет активной жизни.

С уважением ………Председатель комитета…..

Так как же так получается – боролись против нацизма¸ а победили фашистов? Разве это одно и то же?

Полез в Интернет…

НАЦИОНАЛ-СОЦИАЛИЗМ (нем. Nationalsozialismus) — экономическая и политическая доктрина Третьего Рейха. Также часто употребляется слово «НАЦИЗМ», которое произошло от сокращения «наци» (Nazi, сокр. от нем. Nationalsozialist), которым в Германии называли НАЦИОНАЛ-СОЦИАЛИСТОВ по аналогии с «соци» — социал-демократами.

ФАШИЗМ (итал. fascismo от fascio — пучок, связка, объединение) — политическая идеология диктаторского типа, представляющая государство как высшую ценность, а народ (нацию) — объединённой корпорацией людей, идея т. н. корпоративного государства. Возниклa на основе философско-политического учения, утверждающего приоритет интересов государства и нации над интересами личности. Зародился в Италии в 1920-е гг., оформился в трудах Бенито Муссолини. В НОРВЕГИИ, ИТАЛИИ, ВЕНГРИИ, СЛОВАКИИ, ХОРВАТИИ И РУМЫНИИ фашисты пришли к власти.

Гитлер не был фашистом и не было фашистской Германии! Была НАЦИСТСКАЯ, НАЦИОНАЛ-СОЦИАЛИСТИЧЕСКАЯ партия во главе страны, строящей НАЦИОНАЛ-СОЦИАЛИЗМ под руководством своего бесноватого фюрера, каких и сейчас в мире предостаточно!

Но не мог же Союз советских СОЦИАЛИСТИЧЕСКИХ республик воевать со страной, строящей СОЦИАЛИЗМ. И под тем же красным знаменем! И Сталин обозвал Гитлера фашистом. А бывшие совки до сих пор повторяют эту туфту…

(Кстати, а НАШИ (или НАШИСТЫ) в России - тоже, кажется под красными знаменами ходят?)

Во время той войны немецкие бомбардировщики не оставили от моего родного города Кременчуга камня на камне. Нацистские летчики умело делали свое дело. Еще бы: ведь они вместе со своим будущим главкомом Германом Герингом прошли хорошую выучку совсем рядом с Кременчугом, в авиационном училище в нашем областном центре – в Полтаве. Можно сказать, сталинские соколы…

А кого сегодня обучают в военных училищах России? На чьи головы будут сыпаться их бомбы и лететь их ракеты?

62-я годовщина Победы… Интересно, если бы сейчас кто-то организовал туристическую поездку для инопланетян по маленьким городкам и селам Германии и любой из стран СНГ - поняли бы они кто кого победил 62 года назад? Очень боюсь, что перепутали бы. Особенно, если бы поинтересовались, как живут ветераны в той и другой стране…

У каждой победы и у каждого поражения есть своя цена.

Советские люди так и не узнали, какую цену заплатили за победу. Называют разную величину потерь – и 45, и 28, и 22 миллиона (это при численности населения до войны 170 миллионов человек). Но, поверим российскому сайту «Военная история»
(http://www.inwar.info/hist/hist_poteriussr.html).

Согласно ему безвозвратные потери армии и флота составили (чел): убито и умерло от ран (огневые потери) - 6 329 600, умерло от небоевых причин - 555 500, пропало без вести - 4 559 000 , из них вернулось - 2 775 700, не вернулось из плена - 1 783 300. Итого - 8 668 400 (5,1% от численности населения).

Сравните это с другой статистикой. Во время военных действий в Ливане в прошлом году погибли 157 израильтян (0. 0022% от численности населения Израиля – 7 миллионов человек)
(http://www.vremya.ru/2007/57/5/175325.html).

Обе армии разгромили врага на его территории, причем, в отличие от Советского Союза, Израиль не позволил врагу даже шага ступить на свою землю.

Нужно ли спрашивать, народ какой страны потребовал отставки главы правительства и министра обороны (начальник Генерального штаб ушел в отставку добровольно) за ошибки, приведшие к столь высоким потерям?

Мне крупно повезло: меня бомбили летчики Геринга, обстреливали ракетами бандиты Насраллы.

Где он сейчас, тот Геринг?

И Насралла, даст Бог, на этом свете не задержится…

А я – вот он, сижу, пишу…

Правильно сказал великий русский полководец: «Кто с мечом к нам придет…»

Пусть попробует!

С днем Победы вас, дорогие друзья!

Откуда взялся Треус,



я узнал на праздновании 25-летия нашего отдела,





когда ни Треус, ни я в нем уже не работали.

Выступил Кракало, работавший последнее время до ухода на пенсию у Треуса заместителем, и с какой-то нехорошей улыбочкой сказал:

- А ведь это благодаря мне Владислав Нестерович возглавил отдел…

А недавно я по почте узнал у Медведика подробности.

Оказывается это они с Жабо рекомендовали руководству СКБО тех, кого знали по городу – Симкина, Ерша, Цундера, Кикотя и меня.

А Кракало, недавно переехавший в Кременчуг из Полтавы, через кого-то из горкомовских вышел на Треуса...

Мы с Кракало сидели в одной комнате, поэтому он слышал все мои телефонные переговоры и в свою очередь, когда меня не было на месте, информировал Васильцова о том, кого и когда я собираюсь привезти в Харьков. Узнав дату нашего приезда, Васильцов срочно в самом конце дня перед нашим приездом отослал в командировку и Лурье, и Ломазова и пригласил Треуса.

1887 — родился Николай Андреевич Тырса (1887- 10.02.1942), русский художник, мастер графики, представитель модерна и «тихого искусства».



Родился в с. Аралых, Эриванская губ. (ныне Аралык, Турция). Сын офицера Кубанского казачьего войска, Н. А. Тырса обучался с перерывами на архитектурном отделении АХ (1905-09) и в художественной школе Е. Н. Званцевой (1907-10). Творческие интересы его были очень разнообразны, и в каждой из областей он проявлял себя высокопрофессионально и самобытно.

В молодости Тырса отдал несколько лет изучению древнерусского искусства - копируя фрески и участвуя в их реставрации; потом занимался декоративной росписью петербургских особняков. В 1920-х гг. внимание художника было сосредоточено на графике. В станковой графике - многочисленных рисунках и акварелях с натуры - он оттачивал свое мастерство. Графика промышленная была для него прежде всего средством заработка, но и над нею он трудился с увлеченностью. В графику книжную Тырса вошел еще в 1921 г., оформив "Комедию о царе Максимилиане", а иллюстрации к "Козлику" (1923) положили начало работе в детской книге, где он вскоре стал одним из наиболее крупных мастеров. Ориентируясь на читателей-школьников и предпочитая темы современности или ближайшего прошлого, он оформил десятки книг, среди которых выделялись "Осада дворца" В. А. Каверина, "Республика ШКИД" Г. Г. Белых и Л. Пантелеева, "Снежная книга" В. В. Бианки, "Военные кони" Н. С. Тихонова, "Детство" М. Горького; чаще же всего он обращался к книгам Б. С. Житкова, своего постоянного и любимого автора. В увлекательных, динамичных иллюстрациях Тырсы реалистическая точность соединялась с романтическим чувством.

В 1920-х гг. он начал преподавать рисунок и акварель в разных институтах, воспитав немало прекрасных художников. С середины 1920-х гг. Тырса больше внимания уделял акварели, как бы подготавливая себе переход к масляной живописи в 1930-х гг. Его картины - пейзажи, натюрморты, интерьеры, изображения обнаженных моделей - вырастали из натурных этюдов и, в отличие от иллюстраций, носили созерцательный характер, но они заряжены восторгом перед богатством и красочностью мира и увлекают темпераментностью воплощения этого мира на холсте. В те же годы для него самостоятельный интерес приобрела литография, которую раньше он использовал лишь в иллюстрациях.

В детской книге Тырса теперь работал меньше, зато обратился к книгам для взрослых и исполнил прекрасные иллюстрации к "Пиковой даме" А. С. Пушкина (1936), "Анне Карениной" Л. Н. Толстого (1939) и "Герою нашего времени" М. Ю. Лермонтова (1940).

В 1940-41 гг. он занялся еще и стеклоделием и, работая вместе с В. И. Мухиной в экспериментальном цехе Ленинградской зеркальной фабрики, спроектировал около двух десятков изделий - графинов, стаканов и ваз, отличавшихся лаконизмом и благородством оригинальной формы и тонким ощущением природы стекла; его можно считать одним из основателей ленинградской школы художественного стекла.

Большая персональная выставка Тырсы открылась 15 июня 1941 г., но продлилась лишь неделю - началась война. 29 января 1942 г. его, обессиленного блокадной зимой, эвакуировали из Ленинграда в Вологду, но было уже слишком поздно.

http://staratel.com/pictures/ruspaint/623.htm
http://www.peoples.ru/art/painter/tyrsa/
http://graphic.org.ru/tirsa.html
http://www.lib.ru/RUSSLIT/PANTELEEW/tyrsa.txt

Обратная дорога выдалась невеселой.

Мы пытались выяснить у Цундера, кто такой Треус, и почему он не захотел с ним работать. По его словам выходило, что Треус – никто. Не в смысле личности, а как потенциальный руководитель конструкторского отдела.

Армейскую службу проходил в «органах», боролся с бандеровцами в Западной Украине. Потом закончил ВУЗ, где занимался комсомольской работой, был инструктором горкома комсомола, горкома партии. Из горкома партии в рядовые работники не идут. Поэтому при очередном обновлении горкомовских кадров его трудоустроили на «Дормаш», где под него создали группу нормативно-технической документации в отделе главного конструктора.

Как он собирается руководить таким отделом – непонятно, но для квалифицированного специалиста подчиняться ему – немыслимо.

Ну, для меня это несущественно, я в конструкторском деле и сам еще – никто. Обидно, конечно, что не у кого, кажется, будет поучиться, но обратного пути у меня нет...

Откуда он вдруг взялся, этот Треус?

1846 – родился Эмиль ГАЛЛЕ /Emile GALLE/ (1846 - 23.9.1904),французский художник, дизайнер, представитель модерна, мастер художественного стекла и мебели.



Разработал особую технику изготовления декоративных предметов (ваз) из многослойного стекла, которые стали называть по имени мастера - "галле".

Родился в Нанси, сын Ш.Галле-Рейнемера, видного предпринимателя, производившего арт-стекло и керамику. Занимался рисованием и стеклоделием, а также ботаникой, минералогией и философией в училищах Веймара (1862–1866), работал на предприятии отца в Сен-Клемане близ Нанси (с 1865 и после 1867) и стекольной фабрике в Мейзентале (Эльзас; 1866–1867). После ухода отца на покой (1874) возглавил семейное дело и завел собственную мастерскую. Испытал влияние мусульманского, китайского и японского декоративного искусства.

Начиная со своего яркого дебюта на Парижской всемирной выставке 1878 г. завоевывал авторитет тонким умением соединять разнообразные прикладные инновации с образными принципами символизма. Пользовался техникой «лунного света» (clair-de-lune; подкраска оксидами кобальта, придающими стеклу сапфировый оттенок), создавал произведения из многослойного стекла (обработанного красителями, кислотой и резьбой) – с поверхностью, напоминающей камеи из прозрачного камня.

Варьируя методы работы с горячей массой, вводя в фактуру фольгу, пузырьки воздуха и нарочитые трещинки, получал, если воспользоваться его собственным термином, «стеклянные маркетри». В орнаментах Галле доминировали мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых, с 1884 г. он выпускал и так называемые «говорящие» стеклянные изделия (verreries parlantes) с цитатами из Ф.Вийона, Ш.Бодлера, С.Малларме, П.Верлена и других поэтов.

С конца 1880-х годов занимался производством мебели, примечательной не своими формами (повторяющими традиционный рокайльный дизайн), а причудливыми резьбой и вставками из экзотических пород дерева, жемчуга, отделочных и полудрагоценных камней. Любил вводить поэтические цитаты, получая в итоге «говорящую мебель» (meubles parlantes).

Стеклопродукция его фирмы (вазы, светильники и др.) подразделялась на массовую («индустриальную»), более дорогую (или «полуроскошную») и, наконец, уникальную – последнюю мастер изготовлял собственноручно. В 1901 г. по инициативе Галле был организован «Провинциальный альянс художественной промышленности» (позднее более известный как «Школа Нанси»).

Посмертно, в 1908, были изданы его "Сочинения об искусстве – 1884–1889" ("Écrits pour l`art – 1884–1889").

http://www.artcyclopedia.com/artists/galle_emile.html
http://www.lemondedesarts.com/Dossiergalle.htm

Утром в Харькове, перекусили в пельменной на Сумской – время позволяло.

Потом нашли СКБО, зашли в приемную, сказали, что приехали на встречу, назначенную нам главным инженером.

- А его нет, он в командировке, - говорит нам секретарь.

- Как, в командировке? Мы же только вчера с ним договорились?

- А в конце дня ему срочно пришлось уехать.

- А заместитель директора, Ломазов?

- Тоже в командировке!

Мои подопечные с недоумением смотрели на меня, а я готов был провалиться сквозь землю

- А директор есть?

- Директор есть, но он занят, у него приезжий. Можете подождать.

После довольно долгого ожидания из кабинета директора вышел… тот самый человек, который поздоровался с нами в вагоне!

Мы переглянулись, но отступать было некогда.

Наличие в СКБО директора, конечно, подразумевалось, но я о нем ничего не знал. Только из таблички на дверях узнал, что зовут Степан Иосифович Васильцов.

Мы вошли, поздоровались, и я объяснил, что по договоренности с Лурье привез на собеседование кандидатов на должность начальника кременчугского отдела.

- Я знаю, - сказал Васильцов, - но дело в том, что начальник этого отдела у нас уже есть – вот вышел только что перед вами.

Он посмотрел в лежащие перед ним бумаги и добавил: « - Владислав Нестерович Треус».

Тут Цундер поднялся, сказал «Понятно, до свидания!» и пошел к выходу из кабинета.

- Постойте, - закричал ему вслед Васильцов, - у нас ведь есть еще и другие должности!

- С таким начальником я работать не буду! – ответил Цундер и вышел

Симкин и Ерш переглянулись, поднялись, сказали «Тогда и мы!» и пошли за ним следом.

Я в растерянности дернулся, было, тоже за ними, но они меня остановили:

- А ты то куда? Ты ведь уже работаешь здесь. Решай свои вопросы, мы тебя подождем.

- О какой должности шла у вас речь с Лурье? – спросил Васильцов.

- Ведущий инженер!

- Хорошо. Оклад 140 рублей.

Я рассмеялся.

- В чем дело?

- Да я на заводе получал на три рубля больше!

- Ладно, 145. Все остальные вопросы решите с начальником отдела.

1889 - родился Г.М.Шегаль (1889-1956), художник



Талантливый живописец, автор полотен на историко-революционную и бытовую темы, замечательный пейзажист Григорий Михайлович Шегаль был человеком широких художественных интересов, высокой культуры и активной жизненной позиции.
Путь в профессиональной деятельности был у Шегаля долгим и нелегким.

Будущий художник родился в 1889 году в городе Козельске. Рано оставшись без отца - талантливого и разносторонне одаренного самоучки, - он с детских лет вынужден был зарабатывать себе на хлеб. Единственной отрадой было для него чтение, пробуждавшее в нем безотчетное желание переносить на клочки бумаги рождавшиеся в душе образы, навеянные книгами и впечатлениями окружающего мира.
Сознательное стремление стать художником появилось у него немного позже, когда он работал в Смоленске подмастерьем в граверной мастерской. Тратя весь свой скудный заработок на занятия со студентом-репетитором, Шегаль за три года подготовился к сдаче экстерном экзаменов на аттестат зрелости и, успешно выдержав их, переехал в Петербург, где в 1912 году поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств. Здесь он учился у таких видных мастеров, как Н.Рерих, А.Рылов. В 1917- 1918 годах Шегаль короткое время занимался в Академии художеств у Г.Залемана и И.Билибина и завершил свое профессиональное образование лищь в 1925 году во Вху-темасе, окончив мастерскую А.Шевченко и будучи уже зрелым человеком.

Начав свой самостоятельный творческий путь в 1920-е годы - интереснейшее для нашего искусства время, Шегаль, как и многие другие мастера этого поколения, стоял у самых истоков советской художественной культуры, вместе с которой рос и мужал его талант. С 1923 года Шегаль начал активно участвовать в выставках. Свои работы он экспонировал вместе с группой "Бубновый валет", был членом "Общества московских художников", а с 1926 года постоянно участвовал в выставках Ассоциации художников революционной России (АХРР) - объединения, ставившего своей главной задачей показ сегодняшнего дня советских городов и сел, выступавшего за новое содержание в искусстве.

Желание отобразить на полотне трудовые будни страны, строящей социализм, запечатлеть новых героев стало главным для Шегаля с первых лет самостоятельной творческой деятельности. Однако он никогда не ограничивал свои искания выбором лишь новых тем и образов, всегда углубленно и вдумчиво работая над живописными качествами своих работ.

В годы учебы во Вхутемасе Шегаль испытал подлинное потрясение от живописи импрессионистов и Сезанна, с пристальным вниманием изучал их наследие. Столь же сильные впечатления он пережил от встречи с искусством Рембрандта, Веласкеса, Хальса, Шардена.

Влияние мастеров прошлого просматривается во многих ранних работах Шегаля. Но будучи строгим и требовательным к себе он не мог довольствоваться готовыми формулами и рецептами. Его творчество - это постоянный поиск языка самобытного и свежего, звучание которого с каждым годом все явственнее слышалось в его произведениях. Персональная выставка работ Шегаля, состоявшаяся в 1935 году, позволила говорить о нем как о сложившемся, зрелом живописце, художнике, плодотворно работавшем в различных жанрах.

Проводя много времени в поездках по стране, посещая стройки первых пятилеток, художник стал одним из зачинателей жанра индустриального пейзажа. Он побывал в Златоусте и Карабаше, Соликамске и Новокузнецке, знакомился с Турксибом, через всю Среднюю Азию проехал на Алтай. Выполненные в этих поездках пейзажи Шегаль называл "очерками", хотя идейно-художественное значение их неизмеримо глубже.

В 1930-е годы художник впервые обращается к историко-революционной теме и создает две картины, получившие широкую известность. Замысел первой возник в 1933 году во время творческой командировки на Урал. В основу картины "Расстрел железнодорожников колчаковцами в Кизеле в 1919 году" лег реальный трагический эпизод гражданской войны. Над воплощением своего замысла Шегаль работал два года, собирая материал, тщательно продумывая композицию и драматическую "канву" полотна. Картина, получившая высокую оценку М.Нестерова, поражает глубокой эмоциональностью, которой автор добивается прежде всего живописно-пластическим решением полотна.

"Бегство Керенского из Гатчины в 1917 году" - вторая картина Шегаля, возвращающая нас в революционные годы. Она была подготовлена к выставке "XX лет РККА и Военно-Морского Флота". Мастер развертывает здесь перед зрителем подлинную историческую драму, каждое действующее лицо которой наделено неповторимой психологической характеристикой - от фарсовой фигуры "премьера", переодевающегося в женское платье, до трагического образа офицера, начинающего постигать истинный смысл свершающихся событий.

На протяжении всей своей творческой жизни художник постоянно работал и в более камерных жанрах - натюрморте и пейзаже. Особая и наиболее глубоко пережитая Шегалем тема его творчества - родная природа. Он не переставал обращаться к ней до последних дней, работал любовно и проникновенно. По пейзажам Шегаля легко можно проследить, как менялось его художественное видение, совершенствовалось живописное мастерство. На смену ярким, декоративным работам конца 1920-х годов, часто отмеченным влиянием любимых художником мастеров, пришли предвоенные крымские пейзажи, построенные на передаче тончайших нюансов световых и цветовых отношений в природе, созданных как бы в тесном слиянии с ней. Большую роль в эволюции пейзажного творчества Шегаля сыграли впечатления военных лет - месяцы, проведенные в эвакуации, поездки в разрушенные прифронтовые районы. Они породили в душе художника чувство особой ценности жизни и органичной любви к родной земле. В многочисленных пейзажах послевоенных лет, запечатлевших неброскую природу средней полосы, самоценное звучание обретает тема Родины. В них Шегаль выступает как преемник лучших традиций русского демократического искусства.

Творческая деятельность Шегаля всегда сочеталась с педагогической практикой. Он преподавал в МГХИ имени В.И.Сурикова, был профессором ВГИКа. Обобщая свой профессиональный опыт, Шегаль опубликовал целый ряд статей по искусству, а также фундаментальную монографию "Колорит в живописи" (М., 1957), поднимающую важнейшие вопросы живописного мастерства и творческой практики.

Искусство художника снискало ему признание зрителей, высокую оценку художественной общественности. Григорий Шегаль был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР.

http://www.hrono.ru/biograf/shegal.html
http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=80

julie_from_Moscow

ВЕСНА В МОСКВЕ