Среди всех произведений художника наиболее широкой известностью пользуется картина "Утро в сосновом лесу". Занимательный жанровый мотив, введенный в картину, во многом способствовал её популярности, но истинной ценностью произведения явилось прекрасно выраженное состояние природы. Это не просто глухой сосновый лес, а именно утро в лесу с его еще не рассеявшимся туманом, с легко порозовевшими вершинами громадных сосен, холодными тенями в чащах. Чувствуется глубина оврага, глушь. Присутствие медвежьего семейства, расположившегося на краю этого оврага, порождает у зрителя ощущение отдаленности и глухости дикого леса.
Замысел картины "Утро в сосновом лесу" был подсказан Шишкину Савицким, который выступил в роли соавтора и изобразил фигуры медвежат. Животные получились у Савицкого столь удачно, что он даже расписался на картине вместе с Шишкиным. Однако, когда картину приобрел Третьяков, он снял подпись Савицкого, оставив авторство за Шишкиным, ведь в картине, говорил Третьяков, «начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину». Хотя существует и другая версия исчезновения подписи Савицкого под картиной. Если брать ее за правду, Савицкий сам пришел к Третьякову с просьбой снять с картины инициалы автора мишек.
Картина пользуется популярностью благодаря композиционному включению в пейзажное полотно элементов анималистической сюжетности. Картина детально передает состояние природы, увиденное художником на острове Городомля. Показан не глухой дремучий лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны высоких деревьев. Чувствуется глубина оврагов, мощь вековых деревьев, солнечный свет как бы робко заглядывает в этот дремучий лес. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата.
Кстати, мишки появились на картине чуть позже. Шишкин показал Савицкому законченный пейзаж и посетовал на то, что картине не хватает динамики. А Савицкий, дескать, предложил свою помощь в написании какой-нибудь лесной живности, которую великий Шишкин, к сожалению, писать не любил. Так, совместными усилиями, появилась одно из самых известных русских художественных полотен.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 33 - Перов. Птицелов
Часть 34 - Шишкин. Рожь
Часть 35 - Шишкин. Утро в сосновом лесу
Часть 36 - Савицкий. Ремонтные работы на железной дороге
Часть 37 - Клодт. На пашне
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Эта картина экспонировалась на VI передвижной выставке, прошедшей в 1878 году в помещении Общества поощрения художеств. Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью.
Величаво, просторно раскинулась нива спеющих хлебов, и среди этого океана золотой ржи, словно сторожа русского богатства, встали великаны-сосны, вознеся свои гордые вершины к самому небу.Громады кучевых облаков тяжело нависают над рожью, они грозят близким ливнем — очистительным и благодатным. Тишина и безветрие, будто разлитые по пространству картины и почти физически ощущаемые, — тоже знак близкой грозы, необходимой земле для того, чтобы отдать возделывающему ее человеку свои дары.
Просёлок, полузаросший травой и цветами, словно приглашает путника пройти по нему, маня счастливыми открытиями и обещая увести в даль светлую.
На заднем плане картины могучая сосна. Это дерево — символ всего шишкинского творчества. Неизбывно влюбленный в русский лес, он выписывает её нежно и подробно — с её клонящимися от тяжести вниз ветвями, с её причудливо искривленным стволом, придающим дереву дополнительное очарование, с её гордо вознесенной в самую высь верхушкой.
Единственная деталь, навевающая неотчетливую тревогу, — погибшее дерево. Возможно, она внесена в композицию для усиления её реалистичного звучания и является результатом пленэрных штудий. Другое предположение: засохшая сосна выступает здесь эхом недавних переживаний автора, в одночасье потерявшего любимую жену, отца, двух малолетних сыновей.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 32 - Перов. Охотники на привале
Часть 33 - Перов. Птицелов
Часть 34 - Шишкин. Рожь
Часть 35 - Шишкин. Утро в сосновом лесу
Часть 36 - Савицкий. Ремонтные работы на железной дороге
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

1870 год был самым тяжелым в личной жизни Перова: за один год у него умерла жена и двое старших детей, остался один младший сын. Смириться с этим было невозможно. Боль утраты лишала художника сил, он терял веру в жизнь. Спасали только друзья, природа и редкие светлые воспоминания. Осенью 1870 года, гуляя по лесу со своим другом художником Прянишниковым, Василий Перов увидел старика, лежащего на земле, который потихоньку свистел в дудочку, заманивая птичку, а рядом с ним мальчишка. На Руси птиц часто ловили в это время, чтобы зимой они услаждали слух своим пением слух, а на Благовещение пичужек выпускали на свободу.
Возвратившись домой, Перов принялся за написание «Птицелова». Картина Птицелов получилась душевной и бесхитростной. Последние сумеречные осенние денечки, ветер, налетая порывами, срывает уцелевшие на ветках побуревшие листочки. Но сквозь многолетние уже обнаженные стволы пробивается утреннее солнышко, озаряя своими золотистыми лучами маленькую полянку и птицеловов.
Отставной солдат, служащий лакеем в помещичьей усадьбе, лежит у дерева, а сосредоточенно наблюдающий за птичкой опрятно одетый мальчик, возможно сынок небогатого помещика, сидит рядом. Старик терпеливо ждет, заманивая птицу в силок, посвистывая в дудочку. Он обещал поймать птаху для ребенка, и мальчик напряженно следит за поведением пичужки, стараясь ничего не упустить из вида, держа наготове клетку.
Фон картины написан Алексеем Кондратьевичем Саврасовым. Это немного мрачная лесная даль, расплывающаяся в мареве солнечных лучей.
Лица у персонажей картины настолько живые, а их мимика так реалистична, что представляешь, как спустя несколько минут птицеловы, поймав птичку, поднимутся и пойдут домой. Глядя на персонажей картины, зритель, как бы представляет, что знаком с ними и невольно сопереживает им, погружаясь в созданный живописцем мир.
За «Птицелова» Василий Перов был удостоен звания профессора.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 31 - Саврасов. Грачи прилетели
Часть 32 - Перов. Охотники на привале
Часть 33 - Перов. Птицелов
Часть 34 - Шишкин. Рожь
Часть 35 - Шишкин. Утро в сосновом лесу
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Картина была написана Перовым в поздний период его творчества. К этому времени художник уже отошёл от изображения печальных картин народной жизни, какими была насыщена первая половина периода его творчества («Тройка», «Проводы покойника» и др.). Крушение идеалов 1860-х годов, глубокое разочарование, переживаемой значительной частью передовой интеллигенции, не миновали и Перова. С другой стороны, после трагической гибели почти всей семьи – жены и детей от эпидемии в 1869 - 1870 годах, он, судя по всему, стал по-новому смотреть на жизнь, начал обращаться к сюжетам, в которых главным героем стал простой, незаметный человек, его увлечения и радости.
Василий Григорьевич Перов был страстным охотником. Именно поэтому тема охоты была ему хорошо знакома. Ещё до «Охотников…» Перов в 1870 году пишет картину «Птицелов», за которую получает звание профессора, а также место преподавателя в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В течение 70-х годов художник также создает еще несколько картин, посвященных «охотничьей тематике».
На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.
Вся эта сцена происходит на фоне довольно мрачного осеннего пейзажа, что вносит тревожный оттенок в её комическое содержание. Любопытно также и сочетание в картине и жанровой бытовой картины, и пейзажа, и натюрморта из охотничьих вещей и дичи.
Оценки критиков были неоднозначны. Так, если Стасов высоко оценивал картину и сравнивал её с охотничьими рассказами Тургенева, то Салтыков-Щедрин критиковал её: писателю показались излишне наигранными лица героев.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 30 - Савицкий. Партизанская мадонна
Часть 31 - Саврасов. Грачи прилетели
Часть 32 - Перов. Охотники на привале
Часть 33 - Перов. Птицелов
Часть 34 - Шишкин. Рожь
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Эта картина - самое известное произведение Саврасова. Этюды к ней были написаны в селе Молвитино (c 1939 года Сусанино) Костромской губернии. На ней изображена Воскресенская церковь, сохранившаяся до наших дней (сейчас в церкви — музей Ивана Сусанина). Доработка картины происходила в Москве, в мастерской художника. В конце 1871 года картина «Грачи прилетели» впервые предстала перед публикой на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. «Грачи» стали открытием в живописи.
На окраине маленького селения возвышается небольшая шатровая колоколенка. К светло-голубому с высокими облаками небу тянутся еще голые, но уже забродившие соками ветки берез. На них с шумом и граем опускается стая грачей. Лёд на пруду растаял, да и снег потерял уже свою зимнюю чистоту и пышность. На глазах у зрителей происходило величайшее чудо рождения весны. "Грачи прилетели" назвал свою картину Алексей Кондратьевич Саврасов, и уже в названии содержится определенное отношение художника к природе. Знакомая всем с детства картина представляется сейчас одним из символов русского пейзажа, постоянно любимых народом верной и преданной любовью. В ней, такой простой и внешне безыскусной, было пронзительно воплощено свойственное русскому человеку лирическое чувство, поэтому картину сразу и восприняли как олицетворение русской природы, всей деревенской России. Пруд и берёзы, деревенские дома и церковка, потемневшие весенние поля - все обжито и согрето сердечным теплом.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 29 - Хруцкий. Портрет жены с цветами и фруктами
Часть 30 - Савицкий. Партизанская мадонна
Часть 31 - Саврасов. Грачи прилетели
Часть 32 - Перов. Охотники на привале
Часть 33 - Перов. Птицелов
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Савицкий сумел ощутить потребность народа увидеть себя в зеркале образа величественного, монументального и, одновременно, земного. В образе, который воплощал бы мужество и жертвенность, но при этом не оскорблял глаз натуралистическим изображением страданий. Более того — художник сумел сделать нечто для середины 60-х невозможное: соединить религиозную традицию с идеологией атеистического государства. «Партизанская» в том контексте — это из советского лексикона, а «мадонна» — христианский знак.
Молодая мать с младенцем на руках, горестное лицо старой женщины, прощальный взгляд уезжающего в бой партизана - все здесь исполнено драматизма, дыхания грозной силы войны. Но с этой безжалостной силой как бы диссонирует задумчиво устремленный вдаль взгляд молодой матери, более всех рискующей в атмосфере опасности и менее всех защищенной от нее. В этом страдальческом взгляде, однако, великая материнская любовь и надежда, которых не в состоянии лишить ее даже такая жестокая сила, какой была минувшая война.
Лирическая проникновенность «Партизанской мадонны» зиждется на переосмыслении иконографического типа древнерусских образов. В самой пластической организации полотна используется древнерусская традиция, и, особенно, - композиционная система К. Петрова-Водкина. Это проявляется и в подчинении изображения «сферической перспективе», и в граненом, складчатом характере поверхностей, и в открытом воздействии звучных локальных пятен цвета, и в самой трактовке женского облика.
Фантастический успех «Партизанской мадонны» на Всесоюзной выставке в Москве (картину приобрела Третьяковская галерея) в Беларуси прозвучал громом среди ясного неба. Стало очевидно, что старшему поколению придется потесниться, что в белорусском искусстве выявился новый лидер. Власть (пусть даже в такой специфической сфере, как искусство) даром не отдают. Завистники пытались дискредитировать Савицкого, обвинив его в плагиате, и формально они были правы. Отдельные фрагменты картины можно при желании трактовать как «одолженные» у классиков ХХ века или даже списанные с известных фотографий, но в концептуальном плане (а это главное!) «Партизанская мадонна» абсолютно оригинальна. К слову, лет через 20 в практике «постмодернизма» заимствование, цитирование уже трактуются как вполне законные деяния, как творческий метод — так что Савицкий вроде как смотрел в будущее... В общем, художник отбился от наскоков недоброжелателей. И, как говорится, «начал быть». Даже каламбур родился «Вот и пришла САВИЦКАЯ власть...»
"Партизанская мадонна" экспонировалась на многих международных выставках - в Италии, Канаде, Англии, Венгрии, Германии, Румынии, Японии, Монголии.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 28 - Непринцев. Отдых после боя
Часть 29 - Хруцкий. Портрет жены с цветами и фруктами
Часть 30 - Савицкий. Партизанская мадонна
Часть 31 - Саврасов. Грачи прилетели
Часть 32 - Перов. Охотники на привале
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Большую часть своей жизни Иван Фомич Хруцкий провёл в своём имении Захарничи под Полоцком, где с большим усердием и умилением писал знаменитые натюрморты с цветами и овощами, портреты своих детей и близких людей, выполнял многочисленные заказы.
У Хруцкого часто натюрморт и пейзаж служил фоном в портретах и жанровых полуфигурах художника. Так, в наиболее значительной его работе 1830-х годов — «Портрет жены с цветами и фруктами» — молодая женщина изображена у стола, заставленного корзинами с плодами, графином с водой и букетом в керамической вазе. Фоном для всей сцены служит осенний пейзаж, решённый в багряных тонах. Подобная композиция, представляющая собой некий синтез жанрового портрета, натюрморта и пейзажа, появилась у Хруцкого как дань романтизму.
Очаровательных женских портретов у Хруцкого множество. Но до сих пор остается загадкой - кто эти женщины. Многие искусствоведы недоумевают, отчего ни на одном полотне художник не запечатлел свою жену, хотя писал всех родственников.- Но задолго до женитьбы он писал все время одну и ту же женщину, которую мы хорошо знаем по картине «Неизвестная (жена) с цветами и фруктами». Есть она на его полотнах маленькой девочкой, взрослой, беременной, постаревшей. В семье потомков Хруцких живет легенда, что это все-таки его жена, которую он знал еще 8-летней девочкой, а когда построил имение, женился на ней. Предполагают, что «Неизвестная» - его младшая сестра. И все девочки-женщины на его полотнах в образах «прекрасных садовниц» - его сестры. Ведь они похожи друг на друга.
Иван Фомич с 1845 года был женат на польке Анне Ксаверьевне Одровонж-Бебновской (1822-?), дочери капитана костюшкинской армии. Супруга Хруцкого по одной из версий изображена на полотне художника «Портрет неизвестной (жены) с цветами и фруктами». Анна Ксаверьевна пережила мужа на несколько лет, но точный год её смерти неизвестен.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 27 - Бубнов. Утро на Куликовском поле
Часть 28 - Непринцев. Отдых после боя
Часть 29 - Хруцкий. Портрет жены с цветами и фруктами
Часть 30 - Савицкий. Партизанская мадонна
Часть 31 - Саврасов. Грачи прилетели
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Замысел картины Непринцеву подсказали личные наблюдения и переживания военных лет, а также знаменитая поэма А. Твардовского «Василий Тёркин». После начала войны художник добровольцем ушёл на фронт, служил в истребительном батальоне и действующих частях Краснознамённого Балтийского флота, участвовал в обороне Ленинграда.
Работа над картиной продолжалась с 1949 по 1951 год и увенчалась большим успехом автора. Показанная на Всесоюзной художественной выставке в Москве, картина получила высокую оценку зрителей и специалистов. В 1952 году за картину «Отдых после боя» Юрий Непринцев был удостоен Сталинской премии первой степени. Миллионами репродукций картина разошлась по всей стране, что сделало её одним из самых известных произведений советского изобразительного искусства.
Оригинал картины «Отдых после боя» был подарен руководителю КНР Мао Цзэдуну. В 1953 году Юрий Непринцев пишет вторую авторскую версию картины для Георгиевского зала московского Кремля, а в 1955 году — третью версию для Государственной Третьяковской галереи. Картина вошла в «золотой фонд» отечественной живописи как одно из лучших воплощений образа советского человека. Для Непринцева картина стала вершиной творчества, хотя в последующие годы им будет создано немало живописных и графических работ, в том числе и на темы Великой Отечественной войны.
Картина Непринцева «Отдых после боя» , перекликается с поэмой «Василий Тёркин» А. Т. Твардовского:
Привалясь к стволу сосны,
Не щадя махорки,
На войне насчет войны
Вёл беседу Тёркин.
Балагуру смотрят в рот,
Слово ловят жадно
Хорошо, когда кто врёт
Весело и складно.
Центр картины, занятый бойцами, выделяет ярко-красный кисет в руках рассказчика. Боец что-то весело говорит присутствующим. Вспоминаются «политбеседы» Тёркина – «не унывай» , когда он балагурил, поднимая дух бойцов. Серьёзный рассказчик веселит окружающих шуткой. Это прекрасно видно на картине Непринцева.
Вероятно, солдаты только что вышли из боя: один проголодался и что-то ест, другие курят или просто молча слушают, думая о своем. Война – страшная вещь, но постоянно горевать нельзя и на фронте, слишком тяжело на сердце. Драматичные события, ежедневные потери трудно переживались людьми. И когда выпадали недолгие минуты отдыха, люди могли успокоиться, порадоваться тому, что остались живы, вернули очередную пядь своей земли.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 26 - Тоидзе. Родина-мать зовет!
Часть 27 - Бубнов. Утро на Куликовском поле
Часть 28 - Непринцев. Отдых после боя
Часть 29 - Хруцкий. Портрет жены с цветами и фруктами
Часть 30 - Савицкий. Партизанская мадонна
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

На картине показано ожидание битвы, последние минуты затишья перед бурей, нарастающее напряжение перед битвой. Русское войско стоит среди поля неподвижно и молчаливо. От фигуры к фигуре нарастает движение, оно сдержанно и выразительно. Взоры направлены к врагу, и эта устремлённость подчёркивается и усиливается жестом Дмитрия Донского, указывающего мечом в сторону татарских полчищ.
Художник осуществил свой замысел, используя лучшие традиционные приёмы реалистической живописи. Он прекрасно передал саму атмосферу события. Показал этих могучих людей в боевых доспехах, как бы вросших в родную землю, — всю в буйном цветении трав. У каждого воина свой характер, свой возраст, облик, оружие. И каждый по-своему напряжён, готовый на смерть и на славу. Не «поскупился» художник и на краски, живописуя кольчуги, шеломы, звериные шкуры, посконные рубахи и червлёные щиты. И картина зазвучала многоголосым народным хором.
Композиция полотна построена с расчетом подчеркнуть сплоченность и монолитность русской рати. Фигуры воинов словно выросли из земли, покрытой густыми, нехожеными травами; этих людей не сдвинешь назад, не потеснишь. Но это не значит, что композиция статична. В вытянутом мече Дмитрия Донского , в фигуре воина, наклонившегося вперед и приподнимающего щит с земли, в копьях, взятых наперевес,– во всем этом выражено движение, которое замыкается спокойной, могучей фигурой воина с топором. Часть фигур срезана рамой картины. Войско как бы бесконечно продолжается за пределами полотна. Ряды воинов сомкнуты. Одна фигура теснит другую, дальше видны новые и новые лица, словно огромная мощная лавина надвигается из глубины.
За эту картину Бубнову присуждена Государственная (Сталинская) премия.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 25 - Иогансон. Рабфак идет
Часть 26 - Тоидзе. Родина-мать зовет!
Часть 27 - Бубнов. Утро на Куликовском поле
Часть 28 - Непринцев. Отдых после боя
Часть 29 - Хруцкий. Портрет жены с цветами и фруктами
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

«Родина-мать зовёт!» — знаменитый плакат времён Великой Отечественной войны.Работу над ним художник начал в момент сообщения Совинформбюро 22 июня 1941г. А в середине июля- плакат был известен уже всей стране.
Позировала для образа Родины-матери жена художника, Тамара Теодоровна, в жилах которой, по словам сына, «текла испанская, немецкая, польская и еврейская кровь».
Сын Ираклия Моисеевича вспоминает: «Плакат висел на сборных пунктах и вокзалах, на проходных заводов и в воинских эшелонах, на кухнях, в домах и на заборах. Для солдат и офицеров он стал портретом Матери, в котором каждый видел черты дорогого ему лица. Мама рассказывала, что, услышав сообщение Совинформбюро о нападении фашистов, страшно испугалась за детей. От первого брака у нее была 9-летняя дочь Марина, которая жила отдельно со своим отцом. Вбежав к отцу в мастерскую, мама с шумом распахнула дверь, крикнула в отчаянии: «Война!» Видимо, выражение лица у нее было такое, что отец воскликнул: «Стой так и не двигайся!»… Мама стояла у окна и позировала. У нее то и дело затекала поднятая вверх рука".Рукой она как-то растерянно указывала туда, за распахнутую дверь, где из уличного репродуктора только что прозвучало сообщение Совинформбюро о нападении фашистской Германии на СССР. Художник никогда еще не видел Тамару Федоровну в таком состоянии. Через испуг и тревожное смятение на ее лице пробивался немой призыв: «Надо срочно что-то делать!». Бежать, спасать!.
К утру плакат был готов. Через пять дней плакат уже вышел из типографии. Только первый тираж зашкалил за миллион. Образ Родины-матери во многом обобщенный. Маме в 1941 году было 37 лет, но никто ей тогда не давал и 30. Отец состарил ее. В изображенной женщине я разглядел черты и нашей соседки по коммунальной квартире. Отец с мамой были очень скромными людьми. Мама, например, могла одеваться в Париже, но имела весьма скромный гардероб. Отец был лауреатом четырех Сталинских премий всех возможных степеней — в 1941, 1948, 1949 и 1951 годах. В 51-м он стал заслуженным деятелем искусств РСФСР.
Типографии военного времени даже выпустили специальный, «миниатюрный» тираж «Родины-матери». Репродукции размером чуть меньше обычной почтовой открытки хранились у многих фронтовиков. Их носили в нагрудных карманах гимнастерок – рядом с фотографиями дорогих и любимых людей, рядом с партийными и комсомольскими билетами. В Первую мировую войну столь трепетно защитники Отечества относились к другому оберегу – иконке с образом Божьей матери.
Агитационный образ оказался настолько проникновенным и впечатляющим, что стал подлинным шедевром. По уровню воздействия на чувства людей с ним могла сравниться лишь песня «Священная война». И тем, кто этому воздействию подвергался, уже не нужно было на политзанятиях объяснять, как и для чего защищают Родину.
Русская женщина, изображенная на плакате, воплощает не столько страдания родной земли или её силу, сколько призыв к чувству долга советского воина. Обратим внимание на то, что в ее правой руке – текст воинской присяги, в которой сказано о суровой каре для тех, кто нарушает клятву защищать свою Советскую Родину. Иными словами, Родина-Мать в данном случае отделяет настоящих детей от предателей, верных детей от неверных. Этот женский образ значительно отличается от образов современниц с плакатов предвоенной поры, что связано, скорее всего, с тем, что автор стремился показать не классовый, а национальный характер мобилизации, используя символический капитал аналогичных сюжетов графики дореволюционной России.
В книге Виктора Суворова «День „М“» приводятся предположения о том, что этот плакат был создан и размножен ещё до войны. Разослан большим тиражом в секретных пакетах по военным комиссариатам в декабре 1940 г. с указанием вскрыть в день «М». Некоторые устные свидетельства говорят, что плакат появился на улицах городов уже 22 июня 1941 г., что якобы доказывает, что заготовлены и отпечатаны плакаты были значительным тиражом заранее. Тем не менее самый ранний из сигнальных экземпляров, хранящихся в РГБ, датирован 4 июля 1941 г.
Если исходить из основной концепции Виктора Суворова, которая заключается в том, что Сталин готовился первым напасть на Германию, то заготовленный заранее плакат «Родина-мать зовёт!» вполне вписывается в эту концепцию. Ведь главный смысл плаката: Родина-мать зовёт воинов выполнить военную присягу, что относится к любой войне.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 24 - Герасимов. Мать партизана
Часть 25 - Иогансон. Рабфак идет
Часть 26 - Тоидзе. Родина-мать зовет!
Часть 27 - Бубнов. Утро на Куликовском поле
Часть 28 - Непринцев. Отдых после боя
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Картины Б. В. Иогансона в советской живописи считались образцовыми, идеально соответствующими принципам социалистического реализма. 1928 год был весьма плодотворным для художника. Появились три крупные его работы - "Рабфак идет", "Советский суд" и "Узловая железнодорожная станция в 1919 году". Художник ищет новый социальный типаж.
"Рабфак идет" - поэтически-светлая и яркая картина. В ней художник создал незабываемые образы студентов 20-х годов и раскрыл обобщенный образ молодого человека, рожденного советской эпохой, - ясного в своих стремлениях, жаждущего знаний и отчетливо представляющего себе, как надо напряженно и страстно работать, чтобы построить новый, светлый мир. Устремлённые вперёд фигуры, яркие краски, плывущий мимо городской пейзаж - живописный импрессионизм, поиски в духе ОСТа.
Картина «Рабфак идет» и композиционно, и живописно построена на резких ритмах, динамичных линиях; формы агитплакатов и лапидарность лозунгов первых советских лет образуют стилистическую основу этой удивительно мажорной картины. Радостным чувством освоения не только знаний, но и всей жизни: городов, природы, сферы человеческих отношений,— проникнуты образы молодых людей, вместе, плечом к плечу, идущих в школу, идущих в жизнь.
Сегодня трудно сказать: было ли это на самом деле или плод охваченного революционным порывом состояния самого художника. По крайней мере так нужно было пропаганде того времени.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 23 - Герасимов. Колхозный праздник
Часть 24 - Герасимов. Мать партизана
Часть 25 - Иогансон. Рабфак идет
Часть 26 - Тоидзе. Родина-мать зовет!
Часть 27 - Бубнов. Утро на Куликовском поле
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Картина по праву является одной из самых сильных картин художника и одной из самых драматических работ всего советского искусства военного времени. Писалась художником на протяжении 7 лет с 1943 по 1950 год.
К моменту наступления Великой Отечественной войны Сергей Васильевич Герасимов был уже достаточно знаменитым художником, большинство его полотен были посвящены жизни русской деревни, не стала исключением и картина «Мать партизана», раскрывающая тему героизма рядового советского человека в годы войны. В центральной части картины, с гордо поднятой головой стоит мать партизана. Как выразился сам художник: «Я хотел показать в ее образе всех матерей, которые отправили на войну своих сыновей». Женщину не могут запугать немецкие захватчики. За ее спиной родная земля, оскверненная врагами и залитая кровью родных, священная родная земля. Великую силу народного гнева ощущают на себе фашисты. На фоне русской женщины немецкий офицер кажется жалким. Светлая и сильная, стоит она на фоне дымного пожарища. Ее лицо хранит суровую печать великого страдания, но это страдание гордого, сильного человека. В контраст с образом матери вступает образ гитлеровца лишенный яркой индивидуальной характеристики, выделяются лишь низкий лоб и тяжелая челюсть фашиста, придающие его облику нечто звериное. Остальные персонажи согласно задумки автора вторичны и прорисованы лишь в общих чертах.
В 1958 году картина экспонировалась на Международной выставке в Брюсселе и была награждена Золотой медалью.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 22 - Бродский. Ленин в Смольном
Часть 23 - Герасимов. Колхозный праздник
Часть 24 - Герасимов. Мать партизана
Часть 25 - Иогансон. Рабфак идет
Часть 26 - Тоидзе. Родина-мать зовет!
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Впервые «Колхозный праздник» предстал перед зрителями на выставке «Индустрия социализма» в 1938 году. Картина выглядит как сценическая красочная феерия, сотканная из отдельных «сочных» кусочков. Тотчас вокруг полотна разгорелись ожесточенные споры; не всё было понято и принято в картине сразу. Раздавались голоса, упрекавшие художника то в недостаточно глубоком раскрытии темы, то в том, что художник слишком много внимания уделяет изображению природы, что содержание ярче выражено в пейзаже... Понадобилось немало времени, чтобы картина заняла заслуженное место в ряду лучших произведений советской живописи.
Картина эта несет отпечаток тех процессов, которые происходили во всей советской живописи 1930-х годов. В то время проблема создания тематической жанровой картины с особой остротой встала перед мастерами изобразительного искусства. Эта тенденция была искусственно привнесенной извне, так или иначе навязанной живописцам. Художник изобразил то, что и нужно было режиму: атмосферу деятельных, полных энергии и напора созидания 1930-х годов. Однако здесь нет ни одного не то что смеющегося, но даже улыбающегося лица. Возможно, художник намекает, что никакого праздника нет, а есть только казённое мероприятие. Художник начисто отказывается от экзальтации в проявлении чувств, от бурной жестикуляции. В этой сдержанности особую роль приобретает энергичный жест оратора, делая его образ центральным, ведущим в действии. Композиция построена барельефно, на узкой полосе переднего плана. Художник располагает своих героев на пригорке, и именно этот приём дает ему возможность развернуть перед нашими глазами широкую панораму, далеко просматриваемую с высоты.
Может быть в своё время картина и воспринималась как праздник, как то, что должно было быть. Но по сути это была просто пропаганда, хотя рука мастера в ней безусловно чувствуется. Вопрос лишь в том, верил ли сам художник в то, что изобразил или решал только конъюнктурные и художнические задачи.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 21 - Нестеров. Портрет академика И.П.Павлова в Колтушах
Часть 22 - Бродский. Ленин в Смольном
Часть 23 - Герасимов. Колхозный праздник
Часть 24 - Герасимов. Мать партизана
Часть 25 - Иогансон. Рабфак идет
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Во все времена именно большие мастера и гении живописали портреты сильных мира сего. Не стоит ругать и наших замечательных мастеров, изображавших отечественных монархов.
Для своей картины Бродский избирает конкретное время и обстановку, что должно убедительно говорить о правдивости и почти документальности созданного образа. Этой же цели подчинена вся композиция работы, включая мельчайшие детали. Она тщательно продумана Бродским и безупречно отвечает замыслу картины.
Фигура написана почти в натуральную величину, это позволяет зрителю увидеть себя рядом с вождем. Так же достоверно и тщательно изображен кабинет - небольшая комната Смольного, где еще сохранилась обстановка комнаты классной дамы бывшего здесь недавно Дворянского института—мягкая мебель в строгих белых чехлах. Скромная, почти аскетичная обстановка, не соответствующая масштабу принимаемых Лениным решений, должна говорить об ответственности большевистской власти. Колорит картины сдержан, выдержан в мягких охристых тонах и приближен к реальной цветовой гамме. Скрупулёзность в изображении Бродским деталей интерьера и костюма помогают усилить достоверность изображения и подчеркнуть историческую значительность момента. Написанная спустя шесть лет после смерти Ленина, картина призвана канонизировать образ вождя.
После своего появления картина «Ленин в Смольном» стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции. Она неоднократно экспонировалась на крупнейших художественных выставках, воспроизводилась в печати, в том числе массовыми тиражами в виде цветных репродукций. Бродским были сделаны несколько авторских повторений картины, незначительно отличавшихся от первого варианта размерами.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 20 - Левитан. Март
Часть 21 - Нестеров. Портрет академика И.П.Павлова в Колтушах
Часть 22 - Бродский. Ленин в Смольном
Часть 23 - Герасимов. Колхозный праздник
Часть 24 - Герасимов. Мать партизана
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

К моменту создания портрета М. В. Нестеров был уже известным и немолодым художником. Многие годы своей жизни художник посвятил росписи храмов, а также живописи на религиозные темы, за что преследовался советской властью, и даже был арестован. В этот период в новых условиях существования творческие усилия художника сосредотачиваются на портретной живописи. Художник, как правило, не делал заказных портретов, работая только с близкими и хорошо знакомыми людьми. Его интересовали творческие люди, изображенные в активном действии.
Нестеровым было написано два портрета академика Павлова, в 1930 и 1935 годах. Первый хранится в Русском музее, второй стал одной из лучших работ в коллекции Третьяковской галереи.
Академик Павлов, прославленный физиолог, лауреат Нобелевской премии, в отличие от других персонажей созданных тогда портретов, не был знаком художнику. Близкие М. В. Нестерова долго уговаривали его написать этот портрет, а он сопротивлялся, так как с одной стороны не считал себя портретистом, а с другой стороны не видел ничего привлекательного для себя в том образе ученого, который складывался под влиянием известных фотографий. Наконец уговоры достигли цели, было получено и согласие академика. В 1930 году художник приехал для работы над портретом в Ленинград, точнее в посёлок биологической станции в Колтушах, где и состоялось их знакомство. Художнику было тогда 68 лет, а академику 81 год. Художник писал, что с первой встречи его мнение о ученом совершенно изменилось. Темперамент и энергия академика вызвали в художнике желание работать, запечатлеть образ этого человека. Созданный тогда портрет представляет академика читающим на веранде на фоне окна. Несмотря на одобрение учёного и окружающих художник был не удовлетворен портретом. Однако с этого времени между ним и Павловым возникли близкие дружеские отношения и приезжая в Ленинград художник жил у Павлова, в его доме в Колтушах.
После 1930 года М. В. Нестеров создал ряд очень удачных по динамичной композиции портретов. На фоне этих творческих успехов видимо и возникло желание написать новый портрет академика Павлова. Как и в первый раз, художник работал и жил в доме академика. Академик позировал с утра около 2 часов. Во время сеансов он беседовал с одним из своих сотрудников, что было видимо необходимо для создания правильного образа. Сначала была написана фигура академика, затем был сделан этюд фона и далее за один приём в течение 8 часов работы был написан фон.
Академик Павлов изображён с вытянутыми вперёд руками, сжатыми в кулаки. Этот жест, связанный с внутренней сосредоточенностью и напряженной работой мысли, был характерен для ученого, тем не менее Нестеров долго сомневался в отношении этого жеста, что известно из воспоминаний близких. В итоге он всё же стал доминантной, определившей вытянутую по горизонтали композицию. На втором плане за окном видны строения биологической станции, материальное воплощение трудов академика.
Портрет получил одну из первых Сталинских премий в области искусства в 1941 году. Денежное вознаграждение составляло 100 тысяч рублей и выплачивалось за счёт личных средств И. В. Сталина, которые он получал как гонорары за издание книг. Премия была знаком официального признания данного направления реалистической живописи, как одного из жанров социалистического реализма. Видимо, какое-то знаковое значение для официальной идеологии было в том, что и автор и портретируемый были видными представителями дореволюционной культуры, нашедшими своё место в новом социалистическом обществе.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 19 - Левитан. Золотая осень
Часть 20 - Левитан. Март
Часть 21 - Нестеров. Портрет академика И.П.Павлова в Колтушах
Часть 22 - Бродский. Ленин в Смольном
Часть 23 - Герасимов. Колхозный праздник
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Эта, ставшая хрестоматийной картина, была написана в марте 1895 года, полностью с натуры, без предварительных этюдов, за несколько сеансов. Левитан в это время жил в усадьбе Горка, расположенной в полутора километрах от деревни Островно, ныне входящей в состав Удомельского района Тверской области. Усадьба принадлежала тайному советнику Ивану Николаевичу Турчанинову, и там часто проводила время его жена Анна Николаевна с дочерьми. Главным зданием усадьбы был двухэтажный дом с мезонином, окрашенный в желтоватый цвет.
Левитан писал картину на задворках усадьбы, стена которой видна в правой части картины. Солнечный мартовский день, начавший уже таять снег, деревья и просёлочная дорога, подходящая к крыльцу, у которой, греясь на солнышке, смирно стоит лошадь с санями. Эта лошадка стоит в центре пейзажа и составляет его неотъемлемую часть. Сохранилось даже имя лошади с усадьбы «Горка» — Дианка. Дверь в доме открыта. Эта деталь не случайна, она играет в пей­заже большую роль. Открытая дверь говорит о присутствии человека. Всё выглядело бы зна­чительно бедней без такой, казалось бы, несущественной подробности, мелочи. Общее настроение ожидания трогает нас в картине. Это ожидание прихода настоящей, теплой, могучей и неотвратимой весны. Скорое наступление её ощущается во всем: в ослепительном снеге, и в набухших почках, и в цвете теней, которые из холодно-синих становятся лиловатыми. Оттенки снега, синие тени деревьев и голубое небо создают очень живописную картину - сюжет, который потом не раз повторялся в пейзажах других русских художников.
Что, собственно, изображено на картине "Март"? Всего-навсего задворки обыкновенной усадьбы, пригретые и освещенные солнцем, тающий снег с синими тенями, тонкие ветки деревьев на фоне неба, весело и ярко освещенная стена дома. Но сколько во всем этом сладкой, безотчетной весенней мелодии, и может ли быть что-нибудь проще, безыскуснее и одновременно нежнее, напевнее этой обыденной на вид картины?
И. Левитана называли "чистым пейзажистом". Впоследствии не раз высказывалось мнение и о том, что именно с "Марта" импрессионистские приемы стали неотъемлемой частью левитановской живописи.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 18 - Поленов. Московский дворик
Часть 19 - Левитан. Золотая осень
Часть 20 - Левитан. Март
Часть 21 - Нестеров. Портрет академика И.П.Павлова в Колтушах
Часть 22 - Бродский. Ленин в Смольном
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Левитан любил рисовать осенние пейзажи. У него было более сотни картин, связанных с этим временем года. Среди них картина «Золотая осень» является одним из самых известных произведений художника. На ней изображена небольшая речка, окружённая деревьями, покрытыми жёлтой и красной осенней листвой. Вдали видны деревенские домики, поля, а далее, на горизонте — осенний лес, окрашенный в оттенки жёлтого цвета. Яркие, мажорные, оптимистические цвета этой картины не являются характерными для творчества Левитана — обычно он использовал более мягкие и нежные тона.
Левитан - мальчик из еврейской семьи, по сути отказавшийся от своего происхождения, отдав всего себя и положив себя на алтарь русской культуры. Картина «Золотая осень» среди других его картин занимает очень важное место. Левитан здесь изображает самый простой мотив - это среднерусская природа с русской речкой, уходящей от зрителя в глубину пространства, с лугами, с небольшим березовым леском, темнеющими далями, озимыми полями. То есть самый обычный среднерусский пейзаж, утопающий в золотых красках осени. И вот при всей простоте и, казалось бы, обыденности мотива Левитан наделяет эту картину каким-то особым торжественным патетическим настроением. Он словно приглашает нас охватить эту землю, эту роскошную природу, купающуюся в красках золота. Любоваться этой землей и прославлять ее. Один из очень известных исследователей творчества Левитана Федор Давыдов написал в своей книге о Левитане, что картина звучит, как поэма, как высший ранг поэтического, как гимн, гимн действительно русской природе, красоте русской природы, потому что здесь этот вид, эта многокрасочность, эта яркость, праздничность красок, она дает нам возможность прославлять русскую природу.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 17 - Современное искусство России на марках 2013 года
Часть 18 - Поленов. Московский дворик
Часть 19 - Левитан. Золотая осень
Часть 20 - Левитан. Март
Часть 21 - Нестеров. Портрет академика И.П.Павлова в Колтушах
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Эта картина является одной из самых известных картин Поленова.
В июне 1877 года Василий Поленов переехал из Санкт-Петербурга в Москву и стал снимать квартиру на углу Малого Толстовского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках. Из окна своей квартиры он и написал этюд к пейзажу «Московский дворик». Поленов так описывал историю создания картины: «Я ходил искать квартиру. Увидал записку, зашел посмотреть, и прямо из окна мне представился этот вид. Я тут же сел и написал его».
На картине изображён типичный старый московский дворик в начале лета. Солнце ещё не взошло высоко над горизонтом. Во дворе играют дети, идёт женщина с ведром, стоит запряжённая в телегу лошадь. На заднем плане купола церкви.Тишина. Неторопливо течет повседневная жизнь обитателей дворика. Сердечностью, ясной улыбкой озарен пейзаж. Чувство покоя и безмятежности разлито в природе. По словам искусствоведа Т. В. Юровой, «В. Д. Поленов вложил в полотно всю силу своей любви к людям и к жизни, именно эта любовь делает поэтическими самые обычные прозаические вещи».
«Московский дворик» — пейзаж-картина. Это произведение может быть названо картиной не только благодаря композиционной завершенности, гармоничности и законченности исполнения, но прежде всего в силу значительности, типичности образа реальной действительности. Пейзаж Поленова дан в столь обобщающей форме, что вызывает в памяти множество подобных уголков в старой Москве и в далекой провинции.
Картина Василия Поленова имела на выставке художников-передвижников 1878 года большой успех и принесла художнику известность.

Серия сообщений "Картины русских и советских художников-5":
Часть 1 - Серов. Девочка с персиками
Часть 2 - Левитан. Над вечным покоем
...
Часть 16 - Архипов. В гостях
Часть 17 - Современное искусство России на марках 2013 года
Часть 18 - Поленов. Московский дворик
Часть 19 - Левитан. Золотая осень
Часть 20 - Левитан. Март
...
Часть 47 - Василий Перов на марках Сент-Винсент и Гренадины.
Часть 48 - Михаил Нестеров на марках Республики Мозамбик
Часть 49 - Русские художники на марках Республики Мозамбик

Диего Ривера (1886-1957) - мексиканский живописец, художник-монументалист, политический деятель левого толка.
Родился в городе Гуанахуато на северо-западе Мексики в зажиточной семье. По отцовской линии он происходил из испанской знати. Его мать была конверсо, еврейкой, чьи предки были насильно обращены в католицизм. Рассказывая о себе, Ривера писал в 1935: «Моё еврейство — главная часть моей жизни».
C 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии художеств Сан-Карлос в Мехико. За успехи был премирован стипендией, которая позволила художнику поехать в Испанию. С 1907 по 1921 год Ривера жил в Европе. Учился в Академии художеств в Мадриде (1907), затем жил и работал в Париже (1909—1920), в Италии (1920—1921). Побывал также в Бельгии, Нидерландах и Великобритании. Был близко знаком с парижской художественной элитой, в том числе с Пабло Пикассо.
В 1922 году Ривера вступает в Мексиканскую коммунистическую партию. В 1927 он приезжает в СССР, где в 1928 году становится членом-учредителем объединения «Октябрь».
Позднее Ривера стал придерживаться троцкистских взглядов, в 1929 вышел из Мексиканской компартии и после прибытия Троцкого в Мексику дал ему приют в своем доме. Однако затем между ними возник личный конфликт и 7 августа 1939 года Ривера был исключен из мексиканской секции 4 Интернационала. Позднее он занял позицию, соответствовавшую официальному курсу Сталина.
Ривера работал в США в 1930—1934 и 1940 годах. С 1922 он стал одним из основателей мексиканской школы монументальной живописи, расписав огромное число стен общественных зданий. Одной из главных тем в творчестве Риверы были фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики, а также революционное движение в Мексике.
В 1932—1933 годах Ривера сделал фреску «Человек на распутье» для Рокфеллеровского Центра в Нью-Йорке. Наиболее значимыми в этой фреске были изображения В. И. Ленина, соединяющего руки рабочих, и демонстрации трудящихся на Красной площади в Москве. Фреска была уничтожена в 1934 году, после того, как Ривера отказался заменить изображение Ленина «изображением лица неизвестного человека». Автор впоследствии воссоздал фреску в Мехико во Дворце изящных искусств. Копия фрески получила другое название — «Человек, управляющий Вселенной».
В 1955—1956 годах художник снова был в СССР.

На марках:
1. Автопортрет. 1949
2. Продавец цветов.1935. Сан-Франциско (США). Музей современного искусства.
32. Сахарная плантация. 1931. Филадельфия. Музей искусств.
3. Две женщины.
4. Человек, управляющий Вселенной (фрагмент фрески). 1934. Мехико. Дворец искусств.
5. Арбузы.

Серия сообщений "Художники разных стран-9":
Часть 1 - Питер БРЕЙГЕЛЬ Младший (1564-1639). Голландия. Часть 1
Часть 2 - Винсент ВАН ГОГ (1853-1890). Голландия. Автопортреты. Часть 1
...
Часть 37 - Уильям Майкл Харнетт (1848-1892) и Джон Фредерик Пето (1854-1907). США
Часть 38 - Художники США второй половины 19-го века на марках разных стран
Часть 39 - Диего Ривера (1886-1957). Мексика
Часть 40 - Рембрандт. Ночной дозор
Часть 41 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 1
...
Часть 48 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 8
Часть 49 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 9
Часть 50 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 10

На марках:

1. Джон Сингер Сарджент (1856-1925). Портрет Каролюса-Дюрана.1879. Вильямстон (США, штат Ю.Каролина). Галерея института Кларка.
Джон Сингер Сарджент (1856, Флоренция - 1925, Лондон) - американский художник, один из первых американских художников-космополитов в Европе.
Сын врача, учился в Италии, Германии и Франции где его наставником в 1874-1878 был Эмиль Огюст Каролюс-Дюран. Во Франции Сарджент сблизился с импрессионистами, теснее всего с Клодом Моне. По большей части жил во Франции и Великобритании. Наиболее известен своими портретами.
По адресу Сарджента нередко высказывались скептически художники-импрессионисты. Однако в 1960-е годы к Сардженту пришло широкое признание, его выставки состоялись в крупных музеях Европы и США, он достиг ранга национального и мирового классика.

2. Гарри Мельчерс (1860-1932). Мать с ребёнком (пастель).1906. Бостон. Музей изобразительных искусств.
Гари Мельчерс (1860-1932) - американский художник немецкого происхождения, один из крупнейших представителей натуралистической школы в живописи США. Превосходный, хотя и несколько суровый наблюдатель народной жизни больше всего жил в Голландии, и если ему нельзя отказать в оригинальности, то во всяком случае ни по выбору сюжетов, ни по стилю его нельзя также назвать истым американцем. Многие его полотна, написанные яркими, свежими, красочными тонами, посвящены жизни простых людей Голландии.

3. Фредерик Ремингтон (1861-1909). Офицер кавалерии (литография).1901. Индианаполис (США,шт.Индиана). Айтельджордж-музей.
Фредерик Ремингтон (1861-1909) - американский художник, иллюстратор и скульптор, известный своими произведениями на тему Дикого Запада. Учился в школе искусств Йельского университета. В 1884 году он стал выполнять иллюстрации, зарисовки и другие работы для книгоиздательств, публикующих книги и журналы на тему «Дикого Запада». Злоупотреблял алкогольными напитками, что стало одной из причин его избыточного веса. Умер во время операции по удалению аппендикса.

4. Джон Венгер (1887-1976). Бетховен. (Данные по картине не найдены).
Джон (Яков) Венгер (1887-1976) - знаменитый сценограф, живописец и график.
Родился Яков в Елизаветграде. Начал рисовать с трех лет. Учился в Елизаветградский гимназии, с 1900 по 1903 год в Одесском художественном училище. В Америку, где жил дядя - владелец магазина в штате Нью-Джерси, Яков уехал в 1903 году. Зарабатывал на жизнь моделированием женской одежды и ювелирных изделий. Потом поступил в Нью-Йоркскую академию дизайна. Стал знаменитым прежде всего как театральный художник, сделав революцию в художественном оформлении спектаклей. Писал также тематические композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, миниатюры и акварели.

5. Фредерик Коффай Йон (1875-1933). Херкимер в сражении при Орискани (август 1777).1901. Ютика (шт.Нью-Йорк). Публичная библиотека.
Фредерик Коффай Йон (1875-1933) - американский художник, иллюстратор. Йон специализировался на исторической военной тематике, особенно американской революции, а также Первой мировой войны.

6. Джордж Беллоуз (1882-1925). Ставьте на Шарки!.1909. Кливленд (США). Музей изобразительных искусств.
Джордж Беллоуз (1882-1925) - американский художник. Во время учебы в Государственном университете штата Огайо Беллоуз зарекомендовал себя недюжинными спортивными талантами. Однако иллюстрации Джорджа, которые готовились для оформления студенческого ежегодника, рассказывали совсем об ином - о карьере художника. Джордж оставил университетскую учебу и перебрался в Нью-Йорк на 57-ю улицу под крыло Роберта Генри, не без влияния которого Джордж Беллоуз стал одним из самых молодых ведущих художников школы Ашан. Он был приверженцем бытовой живописи, рассчитанной на широкий круг зрителей. Увлеченный литературными произведениями Джека Лондона и Теодора Рузвельта, посвященными боксу, Джордж почувствовал непреодолимую связь с этим видом спорта. Он даже записался в атлетический клуб, владельцем которого был отставной боксер, известный как Шарки. Занятия в клубе Шарки дали художнику возможность раскрыть суть мужской агрессии, помогли создать картину "Ставьте у Шарки!", в которой Джордж полностью и бесповоротно отрекается от викторианского благочестия, вызвав тем самым критическую полемику среди искусствоведов. Джордж Беллоуз никогда не покидал пределов Америки, однако спокойно учился у европейских мастеров, когда те приезжали выставлять картины в музеях США, например, в музее Метрополитен, где Беллоуз был постоянным посетителем.

Серия сообщений "Художники разных стран-9":
Часть 1 - Питер БРЕЙГЕЛЬ Младший (1564-1639). Голландия. Часть 1
Часть 2 - Винсент ВАН ГОГ (1853-1890). Голландия. Автопортреты. Часть 1
...
Часть 36 - Мэри Кассат (1844-1926). США. Часть 1
Часть 37 - Уильям Майкл Харнетт (1848-1892) и Джон Фредерик Пето (1854-1907). США
Часть 38 - Художники США второй половины 19-го века на марках разных стран
Часть 39 - Диего Ривера (1886-1957). Мексика
Часть 40 - Рембрандт. Ночной дозор
...
Часть 48 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 8
Часть 49 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 9
Часть 50 - Рембрандт на марках зарубежных стран. Продолжение 10