/books.google.ru/books?id=gLc5AgAAQBAJ&pg=PA4&lpg=PA4&dq=очень+хочется+рисовать+это+болезнь&source=bl&ots=ElSafyBHji&sig=N-2d4sRZqYX5Y7rV1BBTCAwqxl8&hl=ru&sa=X&ved=0ahUKEwiR-fO28KLOAhXJFCwKHZ31A-0Q6AEIJDAB#v=onepage&q=очень хочется рисовать это болезнь&f=false

• 5 причин стать художником
• С чего начать?
• Что нужно, чтобы начать рисовать
• Где учиться?
• Как учиться рисовать по книгам
• Тест на зрительную память
• Как правильно точить карандаши
• Держим карандаш правильно
• Развитие воображения
• Уроки рисования бесплатно
• Почему «не получается»
• Что нужно, чтобы получалось рисовать
• Как рисовать, за столом или за мольбертом?
• Зачем учиться рисовать?
• Дарю книгу
• Про мотивацию
• Вдохновляющая история художницы
• Интервью с Викторией Патрушевой — текстовая версия
• Самое важное для художника качество
• Как организовать творческую мастерскую в маленькой квартире?
• Как отредактировать фото рисунка на компьютере
• Страх чистого листа.
• Учись видеть
• Почему стоит научиться рисовать и как это сделать

Композиция:

• Что такое золотое сечение
• Композиция по «золотому сечению»
• Композиция картины на примерах
• Основы композиции рисунка

Перспектива:

• Немного о перспективе
• Перспектива – основы
• Перспектива комнаты. Часть 1 — поле зрения
• Перспектива комнаты. Часть 2 — перспективный масштаб
• Угловая перспектива
• Перспектива сложных тел
• Круги в перспективе – просто!
• Ошибки при рисовании предметов в перспективе на примере учебных рисунков

Рисунок:

• Прямые линии
• Форма и объем
• Откуда берется объём?
• Для чего нужен ластик?
• Рисуем куб
• Любимые ошибки начинающего художника
• Объем цилиндра
• Рисуем шар
• Свет и тень в портрете
• Как рисовать карандашом
• Рисуем простые предметы
• Линейный рисунок
• Рисунок акварельными карандашами
• Эмоции в портрете
• Открыт набор на курс «Я — художник. Первые шаги»
• 5 секретов красивого штриха
• Рисуем розу
• Учимся рисовать — примерные задания по рисунку самому себе
• Как нарисовать человека: правило 8 голов
• «Ключи к искусству рисунка» — о книге
• Академический рисунок
• Рисовать «из головы» — как? И, главное, ЗАЧЕМ?
• Что правильно, штриховать или тушевать?
• Как сдать экзамен по рисунку
• Рисуем с детьми — забавные животные
• Вышла моя книга по обучению рисунку!
• Упражнение на развитие штриха
• Как рисовать шерсть

Живопись:

• Гуашь
• Акварель — некоторые тонкости!
• Бумага для акварели
• Гризайль
• Цвет и свет
• Характеристики цветов
• Баланс белого
• Цветовой круг — подбираем гармоничные цвета
• Как смешивать краски — видео
• Как я пишу портрет акварелью
• Живопись — как учиться рисовать красками
• Цветоведение — практический урок. Инструменты и материалы
• Цветоведение. Часть 2 — тональная растяжка
• Упражнение по колористике
• Портрет акварелью по фотографии
• Цветные тени — задача
• Какого цвета тень?
• Ответы на вопросы по акварели — видео
• Бесплатный вебинар по работе с цветом
• Курс по Цветоведению готов!
• Цветовая гамма в одежде и на палитре
• Акварельные цветы от Fábio Cembranelli
• Взаимно-дополнительные цвета в живописи
• Тестирую Moleskine для акварели
• Разговор об акварели — аудиозапись

Разное интересное:

• Внимание! Знаки на дороге
• Сальвадор Дали о Сальвадоре Дали
• Плагиат?
• Почерк Леонардо
• Ощутите себя художником — флеш-рисовашка)
• «Я так вижу» или следящие животные
• Что вы читаете?
• Талант или скрытые возможности?
• Летящие сказки
• Что такое креативность?
• Что вы можете предложить заказчику?
• Какую картину вы бы купили? Опрос
• Выбор картины
• Моя волшебная дверь — интеллект-карты
• Мои любимые картины
• Неожиданная награда
• Как сделать эксклюзивную свечку своими руками
• Творческий подарок — предновогодняя эстафета-чехарда!
• Тест (немного о планах)
• Отчет по тренингу
• Поэтическое ожерелье — конкурс
• Притча о художнике
• Вопросы по работе с цветом
• Может ли художник зарабытывать своим творчеством?
• Разговор с художником о деньгах
• Как назначить цену на картину?
• Как стать великим художником
• Публично о личном
• Музей плохого искусства
• Дэвид Линч. Медитация, осознанность и творчество
• Великая женщина-художник эпохи Ренессанса
• О чем говорят рисунки на полях тетради
• Артбуки, эскизные блокноты и путевые дневники
• Развитие правого полушария по методу brain gym
• Призрак бродит по Европе…
• Сотвори и продай
• Как художнику стать известным?

 Дневник начинающего художника:

• С самого начала!..
• Как перестать беспокоиться и начать рисовать!
• Как поставить критику себе на службу
• Как справиться с неудачей
• Первые рисунки не художника
• Несколько советов от Валерия Янкина
• Почем талант?
• Монолог начинающего художника
• Привычка рисовать — флешмоб июня)
• Академия художеств — впечатления и результаты творческого марафона
• Взломщики — осенний марафон
• Почему мы не рисуем?
• Почему мы не рисуем — ОТВЕТ
• «Я — сделаю!» — анонс конкурса для начинающих художников
• Победители конкурса и немного критики
• Метод ассоциаций как основа для творчества

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый!

Написать на эту достаточно спорную и для кого-то даже болезненную тему, меня сподвиг этот комментарий:

Алла: Я преподаю в  Х.Ш,,, все годы учила звонкому штриху, как и меня когда то учили- НЕ ТУШЕВАТЬ, а штриховать по форме, хоть предмет, хоть портрет! Но в  последнее время только везде и вижу ТУШЕВКУ! Разве это правильно?

Ответ у меня получался очень развернутым, поэтому я решила вынести его в отдельную статью.

Уважаемая Алла! Меня, так же, как и вас, учили прежде всего штриховать. И я тоже огорчаюсь оттого, что растушеванных работ в последнее время появляется все больше, а красивой твердой графики все меньше. Но прежде, чем говорить о том, правильно это или нет, хочу отметить вот что: повсеместное распространение тушевки ЗАКОНОМЕРНО.

В первую очередь это происходит благодаря изобилию фотографии. В настоящее время фотоизображение стало восприниматься как визуальный эталон. Все чаще в адрес художественных работ можно услышать такой (сомнительный, с моей точки зрения) комплимент: «Как красиво! Прямо как фотография!». Причем так говорят не только неискушенные зрители, я слышала эту фразу даже от своих бывших студентов-художников.

И, коль скоро сходство рисунка с фото вызывает восхищение, то верно и противоположное: в массовом представлении все, что делает графическую работу не похожей на фотографию, может восприниматься как дефект, возникший из-за недостатка мастерства художника.

Разумеется, спрос не может не отразиться на предложении, — художники, зарабатывающие творчеством часто вынуждены подстраиваться под вкусы публики. Представьте, что в числе уличных художников, рисующих портреты, появится один, пишущий в духе позднего Пикассо. Вряд ли к нему выстроится очередь… Зато спросом всегда пользуются работы в фотореалистическом ключе. Особые приметы таких портретов: глубокие черные тени, множество ярких бликов и, конечно же, плавные РАСТУШЕВАННЫЕ тональные переходы.

На самом деле, ни таких резких теней (при нормальном дневном свете), ни бликов на каждом выступающем участке лица в реальности не увидишь (так же, как например, красных зрачков). Эти эффекты возникают на фотографии при съемке со вспышкой, но зритель, завороженный иллюзией документальности, не обращает на такие мелочи внимания.

Франко Клун (Franco Clun)

Работа в стиле фотореализма бесспорно требует от автора огромного мастерства. Это и безупречный глазомер, и умение правильно воспринимать и передавать тональность, также значительную роль играют опыт и терпение. Все это не может не восхищать. Но главный минус фотореализма, с моей, опять же, точки зрения, заключается в том, что этот стиль требует отказа от индивидуальности. Все штрихи, мазки, линии, — то, из чего складывается художественная МАНЕРА, тщательно прячутся, затушевываются.

Я говорю в основном о портрете потому, что портрет всегда был и остается самым притягательным жанром. По моим наблюдениям, большинство тех, кто хотел бы научиться рисовать, стремятся рисовать именно портреты. При этом основной источник информации сейчас для многих — это интернет. Художественные школы и мастерские есть не везде, да и доступны не всем (в силу возраста, финансовых возможностей, отсутствия времени и т. д.). Рисовать дома за компьютером кажется намного удобнее. А если есть выход в сеть, то возможности учиться намного шире.

Однако, попробуйте набрать в поисковике что-нибудь вроде «портрет рисунок». Какие визуальные образцы вам даст всемирная паутина?

В лучшем случае на один классический рисунок придется десяток перерисованных фотографий. Они чаще всего и становятся образцом для подражания.

Виноваты в этом отчасти и мы, преподаватели рисунка. В том, что не умеем привить вкус к хорошей графике. Не умеем внятно объяснить, как надо.

Чего стоит, например, требование штриховать «по форме». Абсолютно все, даже те, кто впервые взял в руки карандаш, знают, что штриховать надо именно по форме и никак иначе. Но что конкретно означает это требование, совсем не ясно.

Если форма простая, например куб, как располагать штриховку на гранях? Вертикально, горизонтально? Наносить штрихи в обоих направлениях, по сути рисовать решетку, это будет правильно? А если штриховать по диагонали?

Труднее, если форма округлая. Я видела рисунки, на которых чашки сверху донизу заполнены эллипсами разной кривизны. Ведь это «по форме». И уж совсем непонятно, как подступиться к шару.

Таким образом, проблемы возникают уже при попытке штриховать простые геометрические формы, что уж говорить про такие сложные, как лицо человека. Гораздо проще взять фотографию и просто копировать, растушевывая светотеневые переходы, чем разбираться, как там штриховать «по форме».

Беда в том, что классическая система обучения перестает отвечать требованиям времени. Академическое обучение рисунку длительное, да и если честно, довольно скучное. Мало кто способен подолгу и с удовольствием рисовать все эти кубы, призмы и цилиндры. И рисуют люди самостоятельно то, что интересно и так, как понимают.

Правильно это или не правильно?

Мне кажется, пока не сформируется какая-то достойная альтернатива классической системе обучения рисунку, ситуация не изменится. Мы будем везде видеть исключительно растушеванные копии фотографий.

Ну и наконец, отвечу на поставленный вначале вопрос: что правильно,штриховать или тушевать? Думаю, это в большей степени дело вкуса, и зависит от стиля, в рамках которого существует художник. Если это фотореализм, то тушевка будет более правильной и органичной.

Однако, могу предположить, что мода на фотореалистичные рисунки со временем пройдет или трансформируется во что-то иное. Как любая мода.

Мне недавно пришел на почту такой вопрос: «Как лучше рисовать, за столом или за мольбертом?»

Если честно, меня этот вопрос озадачил. Я поняла, что вертикальное положение листа при рисунке стало для меня настолько привычным, что я воспринимаю его как само собой разумеющееся. И мне даже не приходило в голову, что многие рисуют, сидя за столом. У этого способа рисовать есть существенный минус, поэтому я решила ответить на вопрос здесь, на своем блоге.

Рисуем за столом.

Когда лист лежит перед вами горизонтально, то, что на нем нарисовано, вы видите в перспективе, то есть, искаженно.

Допустим, вы положили перед собой лист бумаги и рисуете на нем круг и квадрат (лист бумаги на столе изображен в перспективе):

То есть, вы думаете, что это круг и квадрат. А когда разворачиваете рисунок прямо, то оказывается, что нарисовано на нем вот что:

Ну, круг и квадрат — формы простые, привычные. Можно легко заметить ошибку и исправить. А если нарисовано что-нибудь посложнее, часто, глядя на законченный рисунок, возникает странное чувство, будто что-то не так, но вот что именно?

Или, к примеру вы рисуете портрет. Допустим, такой:

А когда вешаете портрет на стену, видите, что на нем изображен совсем другой человек (плюс, композиция съехала куда-то вниз):

 И вы не можете понять, как же это произошло?

Это, конечно, не значит, что рисовать сидя за столом, нельзя. Но я бы советовала, во-первых, брать бумагу небольшого формата (не больше А4 — альбомного листа). Во-вторых, когда будете рисовать, время от времени ставить лист вертикально и смотреть, не поплыла ли форма. Тогда перспективных искажений вполне можно избежать.

Рисуем за мольбертом.

Мольберт предпочтительнее для более-менее больших рисунков. Ну и для живописи, разумеется. Никому же не придет в голову натянутый холст положить на стол и так писать?

Мольберты бывают разные, но существенное отличие между ними одно: за одними мольбертами нужно рисовать сидя, за другими — стоя. Мне, как преподавателю, нравятся мольберты, перед которыми приходится стоять. И не потому, что я люблю мучить учеников. Просто, когда стоишь, удобнее отходить от работы и смотреть со стороны. Это тоже нужно для самопроверки. Дело в том, что расстояние между работой на мольберте и художником не больше полуметра, а ошибки часто видны только на расстоянии.

На каком расстоянии? Нужно, чтобы весь рисунок целиком попадал в поле зрения. Лучше всего он будет восприниматься на расстоянии, равном его 1,5-2 диагоналям. То есть, если вы пишете картину 50*70 см, у вас должна быть возможность отойти назад хотя бы на 1,5 (а лучше, 2) метра.

Рисуем на планшете — компромисс.

И третий вариант — если покупать мольберт дорого (или места в квартире для него не достаточно), а за столом рисовать неудобно, можно использовать планшет. В принципе, не обязательно нужен именно планшет, это может быть любая доска, лист фанеры, или даже просто книжка большого формата. В общем, что-то, к чему можно прикрепить лист.

Планшет по размеру должен быть больше, чем рисунок. Можно поставить его на колени, другой край опереть о край стола, и так рисовать — я последнее время в основном так и поступаю. И, аналогично, нужно время от времени ставить планшет вертикально и отходить, чтобы взглянуть на рисунок на расстоянии.

Совсем не для того, чтобы стирать. Ластик художнику нужен для того, чтобы рисовать, как ни странно это звучит.

В начале работы над рисунком ластик не нужен вообще, как и в середине, по 2 причинам:

• 1-я. Ластик нарушает структуру штриховки, и повреждает бумагу.
• 2-я. Когда ластик под рукой, слишком большой соблазн постоянно что-то исправлять (когда исправлять особенно нечего). В результате можно бесконечно рисовать одну и ту же линию, стирая и нанося ее заново, до тех пор, пока на бумаге не появятся дырки.

При этом идеально построить с первого же раза даже самый простой предмет, такой как куб, для новичка (и не для новичка) практически невозможно.

Как же быть в этой ситуации?

Ну, во-первых, не стирать. Все линии нужны, в том числе и неправильные — они в конечном итоге сольются и будут создавать тон. Для этого линии построения должны быть достаточно легкими и светлыми. Поэтому предварительный рисунок можно выполнять твердыми карандашами и без лишнего давления. Если линия кажется не на месте, не стирайте ее. Нарисуйте рядом еще одну, потом еще одну — до тех пор, пока не найдется точная. Ее можно выделить поярче, а остальные спрятать за штриховкой. Так найти правильную линию намного проще, чем стирая и рисуя каждый раз на чистом листе.

Во-вторых, существует альтернатива ластику — это формопласт. Он не стирает карандаш, а слегка облегчает общий тон, оставляя все линии и штриховку на своих местах. И что важно, в отличие от ластика, он не разрушает структуру бумаги.

Ластик нужен в тех случаях, когда нужно стереть что-то полностью, до цвета бумаги. То есть, для нанесения бликов и усиления контраста на завершающей стадии рисунка.

Чтобы рисовать ластиком, нужно его заточить. Но, конечно, не так, как карандаш. Ему нужна острая кромка.

Часть ластиков, которые можно встретить в магазинах, уже имеют такую кромку: (та половина, что предназначена для стирания ручки, в рисунке не используется).

А часть не имеют:Тогда канцелярским ножом можно разрезать его по диагонали. Острым уголком можно нарисовать и тонкую линию, и плоскость, в зависимости от того, какластик развернуть:

Чтобы понять, как рисует ластик, попробуйте сделать простое упражнение, «рисунок наоборот». Затонируйте лист мягким карандашом (заодно потренируетесь держать карандаш и отработаете штриховку). А потом нарисуйте что-нибудь с помощью ластика.

У меня получилось так:

рисунок ластиком

У меня это упражнение заняло минут 10, не больше. Как видите, ластиком можно даже выявлять полутона — все зависит от силы нажима. Правда, я не удержалась, и в конце все же слегка усилила тени карандашом — начальный тон оказался недостаточно темным.

Не забудьте подложить под ладонь листок бумаги, чтобы не растирать штриховку. А еще ластик пачкается графитом, и вместо белого тона можно случайно нарисовать пятно. Поэтому, время от времени нужно его чистить, то есть стирать лишний графит об стол или другой лист.

Цветовой круг — это схема, показывающая, как связаны между собой цвета видимого спектра. Таких схем в теории цвета существует множество. Первую модель цветового круга предложил еще Исаак Ньютон. Он состоял из семи секторов — как вы догадываетесь, это были 7 цветов радуги. Собственно, Ньютон и выделил эти цвета спектра как основные.

Очень ценной оказалась идея о непрерывности цвета, на цветовом круге можно наглядно видеть, как один цвет плавно переходит в другой.

Как видите, в цветовом круге отсутствуют черный и белый, то есть, ахроматические цвета, которые, строго говоря, цветами не являются. Это модель взаимодействия спектральных цветов.

Сейчас чаще всего художники и дизайнеры используют цветовой круг Иттена:

В основе модели лежат 3 основных цвета: красный, желтый и синий. Этих красок достаточно для получения всех остальных цветов спектра. Промежуточными красками будут оранжевый, зеленый и фиолетовый.

12-ступенчатый цветовой круг удобен для подбора гармоничных цветовых сочетаний из 2-х, 3-х или 4-х цветов.

Как подобрать гармоничные цвета с помощью цветового круга:

Сочетания 2-х цветов:

Комплиментарные цвета — расположены на концах диаметра круга.

Предельно удаленная пара.

Сочетания 3-х цветов:

 Классическая триада — цвета расположены на вершинах правильного треугольника, вписанного в цветовой круг.

Аналогичная триада — 3 ближайших друг к другу цвета.

 Контрастная триада.

Сочетания 4-х цветов:

 В этой схеме каждая пара цветов будет комплиментарной.

При использовании этих схем нужно учитывать количество цвета. Самый простой вариант — это взять один цвет за основу, а остальные использовать как дополнительные, в качестве акцентов. Также можно менять яркость — то есть разбавлять исходный цвет белилами. В общем, вариантов достаточно много.

Надо сказать, что круг Иттена будет правильным только в случае физического смешения красок — в живописи, полиграфии или промышленности. При смешивании световых лучей основными цветами будут красный, синий и зеленый (RGB). О различных вариантах смешивания цвета я напишу позже.

Круг — не единственная геометрическая модель спектра. Различные цветовые схемы могут накладываться на треугольники, призмы, даже на звезду. Сейчас нередко используется квадратные схемы — в них объединяются 2 модели получения цвета: CMYK и RGB. То есть, основными цветами будут красный, желтый, зеленый и синий. Сравните:

Ну и напоследок, схемы — это не железное правило, можно их использовать, а можно даже и не знать об их существовании и полагаться только на свой вкус. Все же восприятие цвета — вещь глубоко индивидуальная, и один и тот же цвет может казаться абсолютно разным, в зависимости от того, где и как он использован.

Если хотите узнать о цвете больше, можно почитать:
Искусство цвета | Иоханнес Иттен — эта книга была и остается одной из лучших книг по колористике.

Для первых живописных работ обычно выбирают гуашь (кстати, гуашьюназываются не только сами краски, но и живописные работы, выполненные этими красками). Техника гуаши кажется наиболее простой для начинающего художника, но у этой техники есть некоторые особенности, которые нужно обязательно учитывать. Эти особенности тесно связаны с физическими свойствами краски.

Итак, что же собой представляет гуашь?

Гуашь — это клеевая краска на водной основе. Она растворяется водой и быстро высыхает, за что ее так любят новички и учителя рисования в школах. Но в то же время, эти ее достоинства являются и недостатками. Попробую объяснить.

В гуаши содержится значительное, по сравнению с другими красками, количество пигмента, связанного гуммиарабиком. И если клеевая составляющая растворяется в воде, то цветные пигменты — нет. Кроме того, при производстве, в краски может добавляться мел, который тоже разбавить водой, как вы догадываетесь, трудно. В результате, растворяетсягуашь не равномерно, жидко разведенная краска не будет однородной, может появиться цветной осадок. А смесь нескольких сильно разбавленных цветов выглядит совсем непривлекательно.

Отсюда вывод: гуашь — не должна быть прозрачной! Это кроющая краска, и она должна быть достаточно густой, настолько, чтобы бумага и ранее сделанные мазки не просвечивали из-под верхнего слоя.

Однако, многие в начале работы делают подмалевок именно жидкойгуашью. Дело в том, что густая краска не слишком хорошо ложится на бумагу, особенно, если эта бумага имеет глубокую фактуру. Это вполне допустимо, при условии, что мазки верхнего слоя будут достаточно плотными. Еще я встречала такой совет: до начала работы прогрунтовать лист разведенной краской или акриловой грунтовкой.

Хотя сама по себе гуашь не требует специального грунта, на подготовленной основе рисовать может быть легче.

Вот как выглядит тот же фрагмент, прописанный более густой краской:

Поскольку гуашь в разбавленном виде выглядит неважно, она не годится для лессировки.

Лессировка — живописный прием, при котором полупрозрачные слои краски наносятся поверх основного цвета.

То есть, гуашью можно только перекрашивать работу, писать так, чтобы просвечивали более глубокие мазки, не получится.

Другой недостаток гуаши заключается в том, что при высыхании она заметно светлеет. Дело в том, что для лучшей укрывистости, при изготовлении гуаши, в нее добавляют белила. Это же придает гуашевой живописи особую мягкость и бархатистость — в случае, если вы не забываете об этом свойстве красок.

На палитре гуашь выглядит совсем не так, как после высыхания, и даже капля белил, добавленная в краску, может буквально убить цвет. Поэтому я советую использовать белила очень аккуратно, только для выявления света и в бликах. Если в замес для теней попали белила, то когда работа высохнет, вы можете обнаружить, что тени пропали вообще.

Высыхает гуашь очень быстро. С одной стороны, это удобно для внесения правок в уже готовую работу. С другой стороны, практически теряется возможность менять или дополнять цвет прямо на бумаге, пока слой краски еще влажный. Кроме того, на готовой работе видны все мазки, а если в гуаши воды больше, чем требуется, то эти мазки будут высыхать в виде не слишком красивых полосок.

Итак, подведем итоги:

Плюсы гуаши:

• Цена.  Гуашь дешевле масла или акрила, но и самую дешевую покупать я бы не советовала. Лучше выбрать краску, предназначенную для художественных работ, чем для ученических. Разница между дешевой и более дорогой гуашью может быть огромной.
• Плотность.  Хотя я гуашь не слишком люблю, начинать, наверное, лучше все же с нее. Просто, чтобы привыкнуть к работе густой краской. Вернуться к разбавленной почему-то оказывается легче.
• Простота и универсальность.  Гуашь не требует специальной подготовки холстов, грунтов и растворителей. Ею можно писать на бумаге, картоне, холсте, дереве.
• Гуашь быстро высыхает — это удобно для правки, а также в плане экономии времени.

Минусы:

• Плохо растворяется водой — если писать сильно разведеннойгуашью, останется впечатление грязи в работе.
• Светлеет при высыхании — иногда очень заметно.

Плюсов, как видите, получилось больше. Минусов в гуаши для меня только 2, но значительных. Художники уже несколько веков используют гуашь в работе, правда, в основном, для эскизов. Но для того, чтобы попробовать свои силы, почувствовать цвет, для каких-то декоративных работ, гуашьподходит просто идеально.

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый

Grzegorz Wrobel

Любите ли вы акварель так, как я? Вероятнее всего, смотреть акварельные работы — да, но не писать акварелью. И это неудивительно, акварельочень живой и своенравный материал, он намного сложнее в освоении, чем гуашь или даже масло. И конечно, для первых шагов в живописи,акварель не слишком подходит. Однако при некоторой практике и она поддается укрощению.

Есть два принципиально разных способа акварельной живописи:

1. Писать лессировками, по сухой бумаге, высушивая каждый следующий слой и снова перекрывая, до тех пор, пока не наберете необходимый тон. Не буду сейчас подробно рассказывать про этот метод. Техника отмывки, про которую я писала здесь, как раз пример акварельной лессировки.
2. Другой способ — это писать акварелью в один слой, «по-сырому». На профессиональном жаргоне такая техника называется «эль примо», то есть, в один прием.

Трудно сказать, как писать сложнее, «по-сухому» или «по сырому». В первом случае живописную работу очень легко «пересушить», сделать «грязной». Во втором — результат часто случаен и непредсказуем. В любом случае, при живописи как первым, так и вторым способом, необходима практика.

• Важно: акварель очень требовательна к бумаге. Статью Константина Стерхова о том, какая необходима бумага для акварели, читайте ЗДЕСЬ

Вообще, уроков и пособий по работе акварелью можно найти множество, в том числе уроков техники письма «по-сырому». Но обычно в них упускаются некоторые принципиально важные, во всяком случае, для меня, моменты, и я хотела бы их обозначить.

• Первое — практически решающую роль играет качество бумаги! На бумаге, не подходящей дляакварели, сделать хорошую работу в десятки раз труднее, чем на профессиональной акварельной! Конечно, стоит хорошая бумага дорого, и найти ее бывает проблематично. Но она того стоит…

• Слова «живопись «по-сырому» часто понимаются так, что на бумаге должны быть целые озера. Учитывая, что акварельная краска и так практически состоит из воды, она начинает течь независимо от ваших пожеланий, как ей вздумается.

Чтобы контролировать акварель, нужно контролировать количество воды!

Чем больше воды, тем сильнее акварель течет и расплывается, тем сложнее ей управлять. Идеальный вариант, когда бумага влажная, но не мокрая. Тогда вы можете чувствовать себя свободнее, где-то добавлять воду, где-то подсушивать, чтобы краска не утекала, куда не нужно.

• Следующий момент, вытекающий (ага) из сказанного выше — использование разных кистей. Почему-то все убеждены, чтоакварель пишется исключительно беличьими кисточками. Но я, например, ими почти не пользуюсь. Белка легко набирает воду и легко с ней расстается. То есть, с помощью кисти из белки можно очень быстро устроить на своей работе настоящее болото. А провести четкую красочную линию такой кисточкой скорее всего не получится, слишком она мягкая. Поэтому я предпочитаю более твердые кисти — плотную синтетику или колонок. Можно в какие-то моменты использовать щетину и даже малярные кисти. В общем, в зависимости от ситуации. Попробуйте писать разными кисточками, тогда будет понятнее, от какой кисти какого результата можно ожидать.

• Все знают, что акварель прозрачная, и при наложении мазки нижнего слоя будут просвечивать. Но еще стоит учитывать, что светлые краски не перекрывают более темные. То есть, конечно, можно попробовать положить сверху на синий цвет охру, и она будет просвечивать, но результат будет выглядеть грязновато. Поэтому, сначала в акварельной живописи лучше прописывать светлые тона, потом темные. Если вы рисуете ленинградской акварелью в коробочке, то знаете, что цвета там располагаются в определенном порядке, от лимонной желтой до сажи газовой. Краска, которой вы пишете поверх, должна лежать в коробке правее, чем та, которую перекрываете.

• Ну и последнее. Конечно, это во многом дело вкуса, но мне очень нравятся акварельные работы, в которых просвечивает бумага. Вакварели нет белого цвета, и единственный способ сохранить в работе свет (если не добавлять к краске белила), это оставить часть бумаги не закрашенной. Добиться этого можно 2 способами: во-первых, можно просто обходить кисточкой те участки, которые нужно оставить белыми. А можно на стадии предварительного рисунка закрасить их чем-то, не пропускающим воду. Есть специальные маскировочные жидкости для акварели, но можно обойтись белым восковым мелком или даже просто кусочком свечи. Кстати, техника акварели по сырому очень напоминает свободный батик! Но если требуется остановить краску, в батике используется резерв. В горячем батике резервом также будет воск. А про то, какие резервы можно применять в холодном батике, можно прочитать в этой статье.

Все эти советы из личного опыта работы с акварелью. Попробуйте, поэкспериментируйте. Вполне вероятно, вы найдете свои методы работы.