Совсем не для того, чтобы стирать. Ластик художнику нужен для того, чтобы рисовать, как ни странно это звучит.

В начале работы над рисунком ластик не нужен вообще, как и в середине, по 2 причинам:

• 1-я. Ластик нарушает структуру штриховки, и повреждает бумагу.
• 2-я. Когда ластик под рукой, слишком большой соблазн постоянно что-то исправлять (когда исправлять особенно нечего). В результате можно бесконечно рисовать одну и ту же линию, стирая и нанося ее заново, до тех пор, пока на бумаге не появятся дырки.

При этом идеально построить с первого же раза даже самый простой предмет, такой как куб, для новичка (и не для новичка) практически невозможно.

Как же быть в этой ситуации?

Ну, во-первых, не стирать. Все линии нужны, в том числе и неправильные — они в конечном итоге сольются и будут создавать тон. Для этого линии построения должны быть достаточно легкими и светлыми. Поэтому предварительный рисунок можно выполнять твердыми карандашами и без лишнего давления. Если линия кажется не на месте, не стирайте ее. Нарисуйте рядом еще одну, потом еще одну — до тех пор, пока не найдется точная. Ее можно выделить поярче, а остальные спрятать за штриховкой. Так найти правильную линию намного проще, чем стирая и рисуя каждый раз на чистом листе.

Во-вторых, существует альтернатива ластику — это формопласт. Он не стирает карандаш, а слегка облегчает общий тон, оставляя все линии и штриховку на своих местах. И что важно, в отличие от ластика, он не разрушает структуру бумаги.

Ластик нужен в тех случаях, когда нужно стереть что-то полностью, до цвета бумаги. То есть, для нанесения бликов и усиления контраста на завершающей стадии рисунка.

Чтобы рисовать ластиком, нужно его заточить. Но, конечно, не так, как карандаш. Ему нужна острая кромка.

Часть ластиков, которые можно встретить в магазинах, уже имеют такую кромку: (та половина, что предназначена для стирания ручки, в рисунке не используется).

А часть не имеют:Тогда канцелярским ножом можно разрезать его по диагонали. Острым уголком можно нарисовать и тонкую линию, и плоскость, в зависимости от того, какластик развернуть:

Чтобы понять, как рисует ластик, попробуйте сделать простое упражнение, «рисунок наоборот». Затонируйте лист мягким карандашом (заодно потренируетесь держать карандаш и отработаете штриховку). А потом нарисуйте что-нибудь с помощью ластика.

У меня получилось так:

рисунок ластиком

У меня это упражнение заняло минут 10, не больше. Как видите, ластиком можно даже выявлять полутона — все зависит от силы нажима. Правда, я не удержалась, и в конце все же слегка усилила тени карандашом — начальный тон оказался недостаточно темным.

Не забудьте подложить под ладонь листок бумаги, чтобы не растирать штриховку. А еще ластик пачкается графитом, и вместо белого тона можно случайно нарисовать пятно. Поэтому, время от времени нужно его чистить, то есть стирать лишний графит об стол или другой лист.

Цветовой круг — это схема, показывающая, как связаны между собой цвета видимого спектра. Таких схем в теории цвета существует множество. Первую модель цветового круга предложил еще Исаак Ньютон. Он состоял из семи секторов — как вы догадываетесь, это были 7 цветов радуги. Собственно, Ньютон и выделил эти цвета спектра как основные.

Очень ценной оказалась идея о непрерывности цвета, на цветовом круге можно наглядно видеть, как один цвет плавно переходит в другой.

Как видите, в цветовом круге отсутствуют черный и белый, то есть, ахроматические цвета, которые, строго говоря, цветами не являются. Это модель взаимодействия спектральных цветов.

Сейчас чаще всего художники и дизайнеры используют цветовой круг Иттена:

В основе модели лежат 3 основных цвета: красный, желтый и синий. Этих красок достаточно для получения всех остальных цветов спектра. Промежуточными красками будут оранжевый, зеленый и фиолетовый.

12-ступенчатый цветовой круг удобен для подбора гармоничных цветовых сочетаний из 2-х, 3-х или 4-х цветов.

Как подобрать гармоничные цвета с помощью цветового круга:

Сочетания 2-х цветов:

Комплиментарные цвета — расположены на концах диаметра круга.

Предельно удаленная пара.

Сочетания 3-х цветов:

 Классическая триада — цвета расположены на вершинах правильного треугольника, вписанного в цветовой круг.

Аналогичная триада — 3 ближайших друг к другу цвета.

 Контрастная триада.

Сочетания 4-х цветов:

 В этой схеме каждая пара цветов будет комплиментарной.

При использовании этих схем нужно учитывать количество цвета. Самый простой вариант — это взять один цвет за основу, а остальные использовать как дополнительные, в качестве акцентов. Также можно менять яркость — то есть разбавлять исходный цвет белилами. В общем, вариантов достаточно много.

Надо сказать, что круг Иттена будет правильным только в случае физического смешения красок — в живописи, полиграфии или промышленности. При смешивании световых лучей основными цветами будут красный, синий и зеленый (RGB). О различных вариантах смешивания цвета я напишу позже.

Круг — не единственная геометрическая модель спектра. Различные цветовые схемы могут накладываться на треугольники, призмы, даже на звезду. Сейчас нередко используется квадратные схемы — в них объединяются 2 модели получения цвета: CMYK и RGB. То есть, основными цветами будут красный, желтый, зеленый и синий. Сравните:

Ну и напоследок, схемы — это не железное правило, можно их использовать, а можно даже и не знать об их существовании и полагаться только на свой вкус. Все же восприятие цвета — вещь глубоко индивидуальная, и один и тот же цвет может казаться абсолютно разным, в зависимости от того, где и как он использован.

Если хотите узнать о цвете больше, можно почитать:
Искусство цвета | Иоханнес Иттен — эта книга была и остается одной из лучших книг по колористике.

Для первых живописных работ обычно выбирают гуашь (кстати, гуашьюназываются не только сами краски, но и живописные работы, выполненные этими красками). Техника гуаши кажется наиболее простой для начинающего художника, но у этой техники есть некоторые особенности, которые нужно обязательно учитывать. Эти особенности тесно связаны с физическими свойствами краски.

Итак, что же собой представляет гуашь?

Гуашь — это клеевая краска на водной основе. Она растворяется водой и быстро высыхает, за что ее так любят новички и учителя рисования в школах. Но в то же время, эти ее достоинства являются и недостатками. Попробую объяснить.

В гуаши содержится значительное, по сравнению с другими красками, количество пигмента, связанного гуммиарабиком. И если клеевая составляющая растворяется в воде, то цветные пигменты — нет. Кроме того, при производстве, в краски может добавляться мел, который тоже разбавить водой, как вы догадываетесь, трудно. В результате, растворяетсягуашь не равномерно, жидко разведенная краска не будет однородной, может появиться цветной осадок. А смесь нескольких сильно разбавленных цветов выглядит совсем непривлекательно.

Отсюда вывод: гуашь — не должна быть прозрачной! Это кроющая краска, и она должна быть достаточно густой, настолько, чтобы бумага и ранее сделанные мазки не просвечивали из-под верхнего слоя.

Однако, многие в начале работы делают подмалевок именно жидкойгуашью. Дело в том, что густая краска не слишком хорошо ложится на бумагу, особенно, если эта бумага имеет глубокую фактуру. Это вполне допустимо, при условии, что мазки верхнего слоя будут достаточно плотными. Еще я встречала такой совет: до начала работы прогрунтовать лист разведенной краской или акриловой грунтовкой.

Хотя сама по себе гуашь не требует специального грунта, на подготовленной основе рисовать может быть легче.

Вот как выглядит тот же фрагмент, прописанный более густой краской:

Поскольку гуашь в разбавленном виде выглядит неважно, она не годится для лессировки.

Лессировка — живописный прием, при котором полупрозрачные слои краски наносятся поверх основного цвета.

То есть, гуашью можно только перекрашивать работу, писать так, чтобы просвечивали более глубокие мазки, не получится.

Другой недостаток гуаши заключается в том, что при высыхании она заметно светлеет. Дело в том, что для лучшей укрывистости, при изготовлении гуаши, в нее добавляют белила. Это же придает гуашевой живописи особую мягкость и бархатистость — в случае, если вы не забываете об этом свойстве красок.

На палитре гуашь выглядит совсем не так, как после высыхания, и даже капля белил, добавленная в краску, может буквально убить цвет. Поэтому я советую использовать белила очень аккуратно, только для выявления света и в бликах. Если в замес для теней попали белила, то когда работа высохнет, вы можете обнаружить, что тени пропали вообще.

Высыхает гуашь очень быстро. С одной стороны, это удобно для внесения правок в уже готовую работу. С другой стороны, практически теряется возможность менять или дополнять цвет прямо на бумаге, пока слой краски еще влажный. Кроме того, на готовой работе видны все мазки, а если в гуаши воды больше, чем требуется, то эти мазки будут высыхать в виде не слишком красивых полосок.

Итак, подведем итоги:

Плюсы гуаши:

• Цена.  Гуашь дешевле масла или акрила, но и самую дешевую покупать я бы не советовала. Лучше выбрать краску, предназначенную для художественных работ, чем для ученических. Разница между дешевой и более дорогой гуашью может быть огромной.
• Плотность.  Хотя я гуашь не слишком люблю, начинать, наверное, лучше все же с нее. Просто, чтобы привыкнуть к работе густой краской. Вернуться к разбавленной почему-то оказывается легче.
• Простота и универсальность.  Гуашь не требует специальной подготовки холстов, грунтов и растворителей. Ею можно писать на бумаге, картоне, холсте, дереве.
• Гуашь быстро высыхает — это удобно для правки, а также в плане экономии времени.

Минусы:

• Плохо растворяется водой — если писать сильно разведеннойгуашью, останется впечатление грязи в работе.
• Светлеет при высыхании — иногда очень заметно.

Плюсов, как видите, получилось больше. Минусов в гуаши для меня только 2, но значительных. Художники уже несколько веков используют гуашь в работе, правда, в основном, для эскизов. Но для того, чтобы попробовать свои силы, почувствовать цвет, для каких-то декоративных работ, гуашьподходит просто идеально.

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый

Grzegorz Wrobel

Любите ли вы акварель так, как я? Вероятнее всего, смотреть акварельные работы — да, но не писать акварелью. И это неудивительно, акварельочень живой и своенравный материал, он намного сложнее в освоении, чем гуашь или даже масло. И конечно, для первых шагов в живописи,акварель не слишком подходит. Однако при некоторой практике и она поддается укрощению.

Есть два принципиально разных способа акварельной живописи:

1. Писать лессировками, по сухой бумаге, высушивая каждый следующий слой и снова перекрывая, до тех пор, пока не наберете необходимый тон. Не буду сейчас подробно рассказывать про этот метод. Техника отмывки, про которую я писала здесь, как раз пример акварельной лессировки.
2. Другой способ — это писать акварелью в один слой, «по-сырому». На профессиональном жаргоне такая техника называется «эль примо», то есть, в один прием.

Трудно сказать, как писать сложнее, «по-сухому» или «по сырому». В первом случае живописную работу очень легко «пересушить», сделать «грязной». Во втором — результат часто случаен и непредсказуем. В любом случае, при живописи как первым, так и вторым способом, необходима практика.

• Важно: акварель очень требовательна к бумаге. Статью Константина Стерхова о том, какая необходима бумага для акварели, читайте ЗДЕСЬ

Вообще, уроков и пособий по работе акварелью можно найти множество, в том числе уроков техники письма «по-сырому». Но обычно в них упускаются некоторые принципиально важные, во всяком случае, для меня, моменты, и я хотела бы их обозначить.

• Первое — практически решающую роль играет качество бумаги! На бумаге, не подходящей дляакварели, сделать хорошую работу в десятки раз труднее, чем на профессиональной акварельной! Конечно, стоит хорошая бумага дорого, и найти ее бывает проблематично. Но она того стоит…

• Слова «живопись «по-сырому» часто понимаются так, что на бумаге должны быть целые озера. Учитывая, что акварельная краска и так практически состоит из воды, она начинает течь независимо от ваших пожеланий, как ей вздумается.

Чтобы контролировать акварель, нужно контролировать количество воды!

Чем больше воды, тем сильнее акварель течет и расплывается, тем сложнее ей управлять. Идеальный вариант, когда бумага влажная, но не мокрая. Тогда вы можете чувствовать себя свободнее, где-то добавлять воду, где-то подсушивать, чтобы краска не утекала, куда не нужно.

• Следующий момент, вытекающий (ага) из сказанного выше — использование разных кистей. Почему-то все убеждены, чтоакварель пишется исключительно беличьими кисточками. Но я, например, ими почти не пользуюсь. Белка легко набирает воду и легко с ней расстается. То есть, с помощью кисти из белки можно очень быстро устроить на своей работе настоящее болото. А провести четкую красочную линию такой кисточкой скорее всего не получится, слишком она мягкая. Поэтому я предпочитаю более твердые кисти — плотную синтетику или колонок. Можно в какие-то моменты использовать щетину и даже малярные кисти. В общем, в зависимости от ситуации. Попробуйте писать разными кисточками, тогда будет понятнее, от какой кисти какого результата можно ожидать.

• Все знают, что акварель прозрачная, и при наложении мазки нижнего слоя будут просвечивать. Но еще стоит учитывать, что светлые краски не перекрывают более темные. То есть, конечно, можно попробовать положить сверху на синий цвет охру, и она будет просвечивать, но результат будет выглядеть грязновато. Поэтому, сначала в акварельной живописи лучше прописывать светлые тона, потом темные. Если вы рисуете ленинградской акварелью в коробочке, то знаете, что цвета там располагаются в определенном порядке, от лимонной желтой до сажи газовой. Краска, которой вы пишете поверх, должна лежать в коробке правее, чем та, которую перекрываете.

• Ну и последнее. Конечно, это во многом дело вкуса, но мне очень нравятся акварельные работы, в которых просвечивает бумага. Вакварели нет белого цвета, и единственный способ сохранить в работе свет (если не добавлять к краске белила), это оставить часть бумаги не закрашенной. Добиться этого можно 2 способами: во-первых, можно просто обходить кисточкой те участки, которые нужно оставить белыми. А можно на стадии предварительного рисунка закрасить их чем-то, не пропускающим воду. Есть специальные маскировочные жидкости для акварели, но можно обойтись белым восковым мелком или даже просто кусочком свечи. Кстати, техника акварели по сырому очень напоминает свободный батик! Но если требуется остановить краску, в батике используется резерв. В горячем батике резервом также будет воск. А про то, какие резервы можно применять в холодном батике, можно прочитать в этой статье.

Все эти советы из личного опыта работы с акварелью. Попробуйте, поэкспериментируйте. Вполне вероятно, вы найдете свои методы работы.

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый!

Сегодня я предлагаю попробовать порисовать акварельными карандашами.  Техника эта очень интересная, нечто промежуточное между акварелью и карандашным рисунком. При этом, если акварельможет растекаться абсолютно непредсказуемым образом, то, рисуя карандашами, результат все же можно предвидеть. А посколькуакварельные карандаши размываются водой, рисунок получается более живым и свежим, чем при использовании обычных карандашей.

Техника рисования акварельными карандашами достаточно свободная,  она не имеет каких-то академических канонов. Поэтому я просто покажу, как рисую я.

Для примера я сделаю рисунок с фотографии. Я ни в коем случае не призываю копировать снимки! Лучше, конечно, рисовать с натуры. Но, если вы используете фото, берите его как основу, от которой можно отталкиваться. Итак, я выбрала снимок, который требует некоторого переосмысления и доработки:

Начнем, как всегда, с композиции в листе. Мне нравится фигура мальчика, и я думаю, что лучше она будет смотреться в вертикальном формате. Легкими линиями намечаю расположение на бумаге:

Для акварельных карандашей лучше использовать фактурную плотную бумагу. Хотя годится любая, кроме, может быть, мелованной глянцевой.

Кстати, ни в живописи, ни с цветными карандашами, я никогда не использую для предварительного рисунка простой карандаш. Особенно в акварели — она прозрачна, и в готовой работе карандашные линии будут просвечивать. И не использую черный цвет — ни самостоятельно, ни в смесях.

Следующий шаг — минимальная прорисовка. Задача — наметить основные цветовые соотношения и скорректировать рисунок:

Кстати, на фото в кадр не вошли ножки и половина лица закрыта комками земли. Надо это исправить)

Потом я беру кисточку и немного размываю то, что получилось. Очень аккуратно — хорошие карандаши хорошо размываются, они могут какакварель совсем расплыться и смешаться между собой. Поэтому, чтобы сильно не размазывать рисунок, для акварельных карандашей я чаще использую мягкие беличьи кисти.

Воды лучше не долить, чем перелить. Где-то я оставляю сухие участки, где-то размываю сильнее. Основа для рисунка готова. Когда бумага высохнет, можно будет прорабатывать более детально:

Дальше все то же: немного размыть, высушить, доработать. Важно сохранить свет — его легко случайно закрасить, а вернуть назад намного труднее.

Ну вот рисунок практически готов. Когда результат меня уже устраивает, я еще оставляю работу на денек «отлежаться», чтобы потом посмотреть свежим взглядом и внести какие-то изменения (правда вижу их, по-большей части, только я)).

Вот и все. Рисунок можно вставить в рамочку или оформить в паспарту — как вам больше нравится. Рисование акварельными карандашамиосновывается не столько на знании, сколько на интуиции. Попробуйте сами!

Есть немало людей, которые хотят научиться рисовать. Это действительно прекрасный способ самовыражения и чудесная возможность показать себя в совершенно новом качестве. И есть среди таких творчески настроенных людей те, кто по разным причинам не имеет возможности учиться в специальных учебных заведениях. Часто их поиски ограничиваются интернетом, в котором просто завал «уроков рисования бесплатно«. Это в подавляющем большинстве рисунки для поэтапного срисовывания. Скажите, если вы пробовали так учиться, вас устраивает результат?

В действительности, ответ на него есть, и он настолько очевиден, что далеко не все его почему-то видят. Даже если вы не посетили ни одного занятия в студии и не купили ни одной книжки, вы можете научиться рисовать абсолютно бесплатно. И это не так сложно, как кажется, не нужно ни особого таланта, ни мастерской, ни берета с трубкой и прочего антуража.

Как? Если вы еще не догадались, ответьте на вопрос: как научиться готовить? А как научиться водить машину? Как научиться вязать?

Книги и учителя, это, конечно, хорошо, но недостаточно. Есть только один, 100% работающий способ чему-то научиться. Просто брать и делать это, причем постоянно. Достаточно завести блокнот и карандаш и носить их с собой. Делать наброски, — очень хорошо, кстати, рисуется в метро или в электричке. Копировать рисунки из книг, из журналов. Это и будут самые эффективные уроки рисования бесплатно. Результат не заставит себя ждать, поверьте. Заодно проверите, действительно ли это вам нужно. Я видела студентов (художников, разумеется), которые жаловались, что не смогут научиться рисовать, поскольку слишком мало занятий в расписании, времени не хватает, а преподаватель достался не тот. Но при этом они и сами делали один рисунок за полгода… И я думаю, что они действительно не смогут научиться, и ни один преподаватель им не сможет помочь.

Есть расхожее утверждение, что гениальный музыкант отличается от талантливого только одним — временем, которое он тратит на репетиции. Гениальный музыкант репетирует в 10 раз больше. Не знаю, насколько это справедливо, но очень похоже на правду. То же можно сказать и про спортсменов, и про художников. И, если планка гениальности кажется слишком высоко, то уровень хорошей художественной школы достижим для каждого, не забывайте об этом!

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый!

В рисовании наиболее часто используются два основных способадержать карандаш. Назовем их условно «для письма» и «за хвост». В этой статье я хочу рассказать как выглядят эти позиции и для чего используются.

Самый привычный нам всем способ держать карандаш, намертво усвоенный в школе и институте, это позиция «для письма». Вот как это выглядит:

Думаю, долго объяснять не надо — точно так же вы держите ручку, когда что-то пишете. Угол между карандашом и бумагой здесь почти прямой. Именно так новички стараются держать карандаш, однако в классическом рисовании эта позиция используется только для определенных задач. Это, прежде всего, проработка мелких деталей, которая проводится уже на финальной стадии работы. Также позиция «для письма» годится для некоторых видов штриховки. То есть так стоит держать карандаш только тех случаях, когда требуется высокая точность, обычно уже на законченном рисунке.

Важно: когда вы рисуете карандашом в позиции «для письма», необходимо защищать бумагу. Ребро ладони лежит прямо на листе, и когда вы двигаете рукой, вы непроизвольно растираете готовый рисунок. В результате, на бумаге появляются некрасивые пятна, от которых невозможно избавиться. Для того, чтобы этого не происходило, стоит подложить под ладонь листочек чистой бумаги. Кроме того, можно использовать муштабель — специальное приспособление, придерживающее руку над картиной.

Вторая, наиболее широко использующаяся в классическом рисовании, позиция карандаша выглядит так:

Я называю этот способ держать карандаш «за хвостик». Угол наклона карандаша к рисунку острый, иногда они могут быть практически параллельны друг другу. Держа карандаш таким образом, вы можете намечать основные контуры, пропорции, штриховать, набирать тон. При этом кисть не касается бумаги и не размазывает рисунок. Эта позиция универсальна, поскольку карандаш лежит в руке свободно и им легко манипулировать.

В этой позиции важно следить, за тем, чтобы движения руки не были скованными, оставлять себе пространство для маневра и ни в коем случае не вцепляться в карандашик мертвой хваткой. И тогда он будет легко летать по бумаге.

Это, конечно, не единственные два варианта. Поэкспериментируйте с линиями, со штриховкой. Может быть, вы найдете свой собственный способ держать карандаш, подходящий лично вам. Я считаю лучшим итогом занятий — когда вы о карандаше просто забываете, то есть он становится как бы продолжением руки — тогда он двигается непринужденно, а рисунок получается живым и свежим.

Рисуем вместе

Блог Александры Мережниковой. Научиться рисовать может каждый!

 На этом примере и будем рассматривать особенности красивой штриховки.

5 принципов красивой штриховки:

1. Во-первых, красивый штрих делается уверенными и быстрыми движениями. Я уже писала о том, как проводить прямые линии, они нужны не сами по себе («вот как я здорово могу провести прямую без линейки!»), а как элемент штриха. На рисунке эти линии очень хорошо читаются. Чтобы проводить прямые именно так, нужноправильно держать карандаш.  Линии, проведенные дрожащей неуверенной рукой вряд ли будут смотреться эффектно)
2. Тон нарабатывается перекрёстным штрихованием, усилением нажима и более частыми штрихами. Но в первую очередь важно именно перекрещивать линии — смотрите, даже в самом тёмном месте через штриховку просвечивает бумага. Это даёт общее впечатление чистоты.
3. Не используется растушёвка. Я не говорю о том, что тушевать нельзя вообще. Нельзя смешивать в одном рисунке перекрёстное штрихование и тушёвку, если растирать — то весь рисунок. Потому что когда графит размазан только в нескольких местах, кажется, будто это следствие общей неаккуратности. Так бывает, например, когда во время штрихования рука ездит по бумаге и растирает уже готовые участки — от этих пятен потом трудно избавиться. Проще их избежать, подложив под руку чистый листочек.
4. Штрих накладывается в соответствии с формой. Например, на рисунке видно, что бананы лежат на горизонтальной плоскости, а за ними — плоскость вертикальная. Если горизонтальную плоскость штриховать вертикальными линиями, она встанет на дыбы) Что, в общем, отчасти и произошло в правом нижнем углу рисунка.
5. Наиболее внимательно прорабатывается то, что находится на переднем плане — там самые сильные контрасты светотени. Вдали тональные переходы ровнее, все как будто подернуто дымкой — так показывается воздушная перспектива.

6. И самое главное, не нужно бояться провести линию неправильно, заступить за границу и т. п. Иначе вы будете чувствовать себя скованно, и это ощущение непременно передастся зрителю (если вы решитесь показать кому-то замученный рисунок). Чтобы получилось хорошо, нужно рисовать С УДОВОЛЬСТВИЕМ и меньше думать о результате).

   Еще одно важное замечание: особенности штриховки во-многом зависят от характера человека и темперамента. Это как почерк. Поэтому не расстраивайтесь, если ваша манера штриховать отличается от манеры других художников, и сравнивайте свои рисунки только с собственными!

Откуда берется страх чистого листа, и как с ним бороться.

рисунок Херлуфа Бидструпа

Друзья, предлагаю сегодня поговорить о знакомой многим проблеме, блокирующей творчество. Это так называемый страх чистого листа.

Чтобы преодолеть этот страх (как и любые другие страхи), нужно прежде всего разобраться, откуда он берется и что скрывается за ним. Большинство наших страхов исчезают в тот момент, когда вы начинаете понимать, что они из себя представляют. В ситуации, когда прямой угрозы нет, пугает иррациональное, а что-то понятное и определенное может, ну разве что, вызывать небольшой дискомфорт. И тот легко преодолевается, если вы знаете причины его возникновения.

В страхе чистого листа я бы выделила 2 аспекта:

1. Страх неопределенности;
2. Страх, что реальный результат вашей работы не будет соответствовать задуманному.

Давайте разберемся в этом более подробно.

Первое, это страх неопределенности.

Чистый лист — это масса возможностей. Первые мазки могут принадлежать любой картине, вариантов того, во что это может вылиться, слишком много.

Кроме того, сама пустота довлеет, она мешает художнику в работе, привлекая к себе избыточное внимание. Ведь в готовой картине чисто белого цвета или нет вообще, или крайне мало. И расположены белые пятна в строго определенных местах — скорее всего, это блики, которых по определению не может быть очень много. А если белый занимает большую часть изображения?

Поэтому, первая задача — это избавиться от чистого листа (или холста) как можно скорее. Не в смысле сжечь, а в смысле заполнить белые участки.

Если это рисунок, то нанести легкий тон по всей плоскости листа. Не рисовать отдельно предмет, чтобы потом добавить к нему фон, а работать над фоном и предметом одновременно. Создавать среду. Пусть даже сразу нужный тон не получится (так скорее всего и будет), но когда есть хоть какой-то тон, над ним уже можно работать. Где-то усиливать, где-то высветлять. При этом страха белого листа вы уже не испытываете, ввиду отсутствия предмета страха. Просто работаете.

В живописи первая стадия работы — это подмалевок. Задача та же: закрыть всю поверхность. То есть, первоначально вы находите место основных цветовых пятен, их взаимное расположение. Подмалевок может выглядеть как витраж из крупных фрагментов. Объем, детали, рефлексы появляются на следующей стадии работы.

Когда я училась, преподаватели не подходили и не давали советов, пока лист не был заполнен. Просит человек: «Посмотрите», ему отвечают: «Тут еще не о чем говорить. Закрой все белые пятна». И правильно делали. Потому что когда все белые пятна пропадали, вместе с ними часто пропадали и многие вопросы. Как-то понятней становилось, что делать дальше.

Если краски требуют грунтованной основы, многие художники используют цветной грунт. Часто просто маслом, оставшимся на палитре, грунтуют свежий холст на будущее. А иногда даже берут за основу готовую, но не слишком удавшуюся картину. Переворачивают ее вверх тормашками и пишут поверх что-то новенькое. Тогда пустоты и неопределенности нет изначально, зато есть множество зацепок для будущей работы.

Другой аспект проблемы, — это страх, что реальный результат вашей работы не будет соответствовать задуманному.

Если вам знакомо это чувство, могу вас «обнадежить». Готовая картинавсегда будет отличаться от идеального образа в голове. Это просто неизбежно.

Хотя бы потому, что в воображении вы видите идеальный образ. Он существует только в вашей голове, даже если вы рисуете с натуры, вы имеете дело с той картинкой, которую формирует ваш мозг. Можно сказать, что это информация в чистом виде.

А для передачи образа художественными средствами, ваш результат зависит не в последнюю от материалов, которые вы используете. И тут полно подводных камней. Акварель течет не туда, куда следует, бумагакоробится, гуашь меняет цвет после высыхания. Масло, случайно оставшееся на кисти от предыдущего замеса, вылезает неожиданным пятном, и вы тратите массу усилий на то, чтобы его убрать. Некоторыекраски при смешивании образуют жуткую грязь вместо чистого цвета.

В общем, нередко работа художника — это борьба с материалом, управляемая желанием выжать из имеющихся красок необходимый результат, несмотря на их очевидное сопротивление.

Я, конечно, немножко утрирую. Но в целом ситуация складывается примерно таким образом, особенно для начинающих художников. Если это сопротивление материала не преодолеть, легко опустить руки, решив, что раз ничего не получается, то проблема во мне. Руки у меня крюки, аталанта вообще нет.

Но что, если посмотреть на живопись как на игру? Что нужно, чтобы победить?

В первую очередь, мне кажется, стоит присмотреться к сопернику повнимательнее. Изучить его сильные и слабые стороны, понять, на что он способен, а чего ему не дано.

В художественных Вузах курс цветоведения является обязательным. Во-первых, потому что он закладывает теоретическую основу для работы сцветом, во-вторых, потому что выполняя на занятиях бесчисленные выкраски, студенты изучают свойства материала, учатся понимать краски и приспосабливаются к ним.

Потому что теоретические представления часто не согласуются с тем, что выходит на практике. Пример: кажется, будто для того, чтобы получить промежуточный цвет между двумя какими-либо цветами, нужно смешать 2 краски в пропорции один к одному. Например, красный + желтый =оранжевый.

А на практике оказывается, что один из пигментов «забивает» другой, и этой краски нужно добавлять чуть меньше. Или на палитре цвет смотрится идеально, а на бумаге после высыхания блекнет (или наоборот, темнеет). И для того, чтобы просто смешать всего 2 краски, но с предсказуемым результатом, уже нужен некоторый опыт.

Если приступить сразу к живописному полотну, без предварительной подготовки, которую дает курс цветоведения, легко впасть в отчаяние, столкнувшись с неизбежными трудностями технического плана.

А трудности в каждом материале свои. Акварель ведет себя не так, как гуашь, а гуашь не так, как масло. Различаются свойства одной и той же краски, выпущенной разными производителями. И важно понимать, что неудачи — это не обязательно следствие нашей бездарности (как мы все склонны считать в приступе пессимизма). Они вполне могут быть результатом недостаточного знакомства с материалом. Лечится это, как вы, наверное, догадываетесь, только практикой.

Это объективное объяснение тому, что готовая картина будет скорее всего отличаться от замысла.

Но есть еще другая сторона вопроса, субъективная, связанная с личным восприятием.

Художники крайне редко бывают на 100% довольны своей работой, даже когда всем остальным кажется, что все в порядке. Замысел — вещь тонкая, не так легко поймать образ, который существует только у вас в голове.

Михаил Врубель, «Демон поверженный»

Картину «Демон поверженный» Михаил Врубель многократно писал и переписывал, порой простаивая у мольберта по 20 часов в день. Уже на выставке, прямо в зале, он несколько раз менял образ, подходя к работе в утренние часы, пока было мало зрителей. Воплощение этого сюжета далось художнику крайне тяжело…

Конечно, такая одержимость — крайний случай, я привожу эту историю как наиболее выразительный пример того, что автор всегда предъявляет к своей работе самые высокие требования. Идеальный образ, к которому он стремится, это что-то вроде морковки, подвешенной перед мордой осла и заставляющей его бежать вперед. Вы уж извините меня за такую метафору…

Но в то же время, недовольство собой — это то, что позволяет художнику расти и совершенствоваться. Кажется, что если в этот раз что-то не вышло так, как было задумано, то в следующий раз получится наверняка. И действительно, с каждой новой картиной мастерство возрастает. Впрочем, растут и требования к себе.

Но представьте себе, если бы этого чувства не было? Вообразите художника, написавшего идеальное, с его точки зрения, полотно. Куда двигаться дальше? Он всего уже достиг, остается только почивать на лаврах. А попытки создать что-то еще будут блокироваться страхом, что в этот раз так хорошо уже не получится.

Нужен ли вам такой идеал?

Не бойтесь совершенства. Вам его не достичь. Тем более, что в совершенстве нет ничего хорошего.

Сальвадор Дали

Итак, для преодоления страха чистого листа необходимы всего 3 вещи:

1. Проходить стадию чистого листа как можно быстрее, накладывая карандашный тон или делая подмалевок, избавляясь от белых «провалов»;
2. Изучать свойства материалов — не теоретически, а на практике. И тогда будет проще ими управлять.
3. Принять как факт мысль, что законченная работа будет скорее всего отличаться от идеального образа в голове. И если испытываете неудовлетворенность от того, что получилось, будьте благодарны этому чувству. Именно оно толкает нас вперед и позволяет расти и развиваться.

Надеюсь, что моя статья поможет вам разобраться с этим страхом!

Как вы понимаете, чтобы рисунок был реалистичным, нужно не только правильно построить предметы, но и придать им объем.

Поскольку все что мы видим — это световые лучи, отраженные от предметов, степень реалистичности рисунка зависит прежде всего от распределения на нем света и тени. То есть, объем и форму предмета мы воспринимаем только в том случае, когда объект освещен. На круглой поверхности свет распределяется иначе, чем на плоскости. Если у тела выражены грани — переходы от света к тени будут четкими, если форма сглаженная — плавными.

Кроме того, на распределение светотени влияет фактура — бархат и стекло отражают свет по-разному; удаленность источника света, его направленность и интенсивность — представьте, какие тени от костра или свечи, и как выглядят предметы при дневном свете; удаленность самого предмета — вдали тени будут более размытыми, а контраст не таким ярким.

Итак, речь сегодня пойдет о светотеневой моделировке.

В тональном рисунке разделяют свет, блик, полутона, тень и рефлекс. Это именно те выразительные средства, с помощью которых художник передает объем предмета. От того, как распределяются эти элементысветотени на рисунке зависит восприятие формы и объема изображенных предметов.

Свет — ярко освещенная поверхность. Однако, как бы ярко она не была освещена, свет все равно тонируется, хоть и достаточно легко. Чтобы определить, насколько интенсивной должна быть штриховка, можно поставить, например, в натюрморт, лист белой бумаги для сравнения.

Блик — светлое пятно на освещенной поверхности — чистый, отраженный свет. Блик — самое яркое пятно в рисунке, он может быть цвета бумаги (хотя, если вы рисуете натюрморт из нескольких предметов, на каждом из них могут быть блики разной интенсивности. А может и вообще не быть — в зависимости от освещения и материалов).

Полутон — пограничная освещенность, переход от света к тени. Полутона появляются там, где есть непрямое освещение, лучи падают на поверхность предмета под углом. Как вы понимаете, таких переходных тонов может быть множество. И в литературе могут попадаться разные названия: полусвет, полутень. Это связано с тем, что глаз воспринимает очень большое количество тонов — следовательно, шкала полутонов, которые вы используете, может быть очень широкой. На круглых поверхностях переход между полутонами будет мягким и незаметным, без резких границ. На предметах прямоугольной формы свет и тень могут лежать на соседних гранях, безо всякого перехода между ними (вспомните, как мы рисовали куб).

От того, насколько много полутонов используется в рисунке, напрямую зависит его реалистичность. 1 полутон — стилизованный объем, 20 — уже ближе к реальности.

Тень — не освещенная, или слабо освещенная поверхность. Тени также могут быть более или менее интенсивными. Различают собственные и падающие тени. Падающая тень — это то же, что мы называем тенью в быту, предмет отбрасывает ее на другие поверхности. Собственная тень— неосвещенная сторона самого предмета. Обычно в рисунке собственная тень темнее, чем падающая. Даже, если настоящее освещение слабое, и тени не слишком интенсивные, художник часто усиливает собственную тень для того, чтобы форма предмета лучше читалась.

Рефлекс — появляется в собственной тени. Рефлекс — это отраженный свет от соседних предметов. В живописи рефлексы будут цветными, отражающими цвет предметов вокруг. Но, независимо от цвета, по тону рефлекс будет обязательно светлее тени. Яркость рефлекса также будет разной, в зависимости от поверхности. На глянцевых предметах могут быть очень яркие и светлые рефлексы, на матовых — почти не заметные.

Но, даже если вы не видите рефлекс, он обязательно будет. Глухая тень без рефлексов выглядит скучно, поэтому постарайтесь все же найти его. Или представить себе и нарисовать)

Итак, на каждом изображаемом предмете должны присутствовать:

свет, блик, полутень, тень, рефлекс

Именно в таком порядке. Запоминается как гамма. И у каждого элементасветотени своя роль.

Свет и тень — самые выразительные средства рисунка. Они одинаково важны для общего результата. По ходу работы нужно все время контролировать, не пропали ли из рисунка свет или тень, не превратились в полутона. Если это произойдет, рисунок будет казаться серым. Хотя, это может быть именно тем эффектом, который вам нужен — к примеру, если вы рисуете дождь или туманный пейзаж.

Полутона важны для объема. Чем больше полутонов, тем объемнее предметы. Хотя, использовать полутона или нет — опять же, зависит от задачи. Скажем, плакаты, комиксы или рисунки граффити могут спокойно обходиться вообще без полутонов.

Блики и рефлексы оживляют изображение. В зависимости от того, как вы их используете, они могут или придать реалистичность изображению, или наоборот. Неправильно поставленный блик или рефлекс может разрушить форму, даже если другие элементы светотени лежать правильно.

При этом, каждый предмет не существует в изображении сам по себе. Важно распределить свет и тень по всему рисунку. Чтобы определить, где будут лежать основные света и тени, попробуйте посмотреть на то, что вы рисуете, прищурившись, как бы из-под ресниц. Предметы, которые находятся ближе обычно освещены больше, на них самые яркие контрасты. Дальние — в большей степени будут состоять из полутонов.

Этих знаний о распределении светотени в рисунке, достаточно для того, чтобы рисовать объемные предметы не только с натуры, но и, что еще более важно, по представлению, ведь необходимые предметы не всегда есть в наличии.

Сообщества творческих людей (для вдохновения)

• Behance.net
• illustrationmundo.com
• Thisiscolossal.com
• Revision.ru

Сайты с уроками рисования

• Drawspace.com
• Learn-to-draw.com
• Toadhollowstudio.com
• Drawsketch.about.com
• Drawschool.ru
• Purmix.ru
• Prostoykarandash.ru

Приложения

• 5 лучших программ для рисования на Android.
• 5 лучших приложений для рисования на планшете.

Есть что добавить? Есть опыт обучения рисованию? Знаете классные сайты или приложения для начинающих художников? Пишите комментарии!

Итак, научиться рисовать может каждый. Но как? Вопрос, какие методики обучения выбрать, мы адресовали нашим экспертам.

1.   Елизавета Ищенко посоветовала осваивать академическую школу и заниматься с преподавателем:

Я сторонник академической школы — наброски, постановки, пропорции… Мне кажется, надо начинать с азов. Не с видео «Как нарисовать героя фильма “Люди Х” в лыжном костюме за 2 часа», а с понятия форм, геометрических фигур и света.

2.  А Вреж Киракосян, напротив, считает видеоуроки весьма полезными:

Нет ничего лучше, чем просматривать мастер-классы по рисованию. В Сети много материалов такого рода: начиная с основ до серьезных работ.

3.  Александра Мережникова также рекомендует учиться у профессионала, но отмечает, что, постоянно практикуясь, можно воспользоваться и самоучителем.

Общие рекомендации просты. Чтобы научиться шить, нужно шить, чтобы научиться водить машину — водить машину, чтобы научиться готовить — готовить. Так же с рисунком: чтобы научиться рисовать, нужно рисовать. Лучше учиться с преподавателем, который может что-то показать, подсказать, похвалить, — это очень важно! Но можно и самостоятельно. Если говорить о самоучителях, мне понравилась книга «Искусство рисунка» Берта Додсона, он дает достаточно цельную и гибкую методику. Но, конечно, все индивидуально, кому-то его метод может и не подойти. Сейчас выбор достаточно большой, можно найти то, что будет нравиться лично вам.

4.  Рисовать с натуры — совет Софьи Чариной. Это кажется весьма правильным, если вспомнить исследование Ребекки Чемберлен.

Для новичков очень важно работать с натуры. Еще незаменим педагог, который направит в нужную сторону. Иначе процесс будет более долгим и с ошибками. Работа, сделанная с картинки, — это не полезно. Дело в том, что двухмерные носители (фото, картинки) не отображают полностью форму предметов, а это очень важно. Человек, по сути, не чувствует ее.

5.  Екатерина Кукушкина, исходя из своего опыта, дала следующие рекомендации:

1. Заведите блокнот и рисуйте хотя бы по одному рисунку в день.
   

   Так человек развивает внимание и фантазию. Он каждый день ищет новые объекты для зарисовки или придумывает что-то свое, таким образом набивает руку и формирует творческий взгляд на мир.

2. Сходите на пару групповых занятий по рисованию — там потрясающая атмосфера.
3. В свободное время ходите на выставки.
4. Мониторьте информацию по рисованию в Интернете. Находите близких вам по духу художников, иллюстраторов, дизайнеров.
5. Изучайте творчество известных художников.

Но не надо повторять за кем-то! Всегда помните, что вы уникальны и неповторимы, ваш стиль и почерк — это вы и есть! Человек, который смело выражает свой стиль, всегда выделится из толпы.

Кроме того, Екатерина советует пробовать рисовать в разных техниках.

Как можно больше разных техник рисования (акварель, гуашь, прикладное рисование, тушь, карандаш, пластилин, коллаж и т. д.). Лучше всего рисовать самые простые вещи: фрукты, посуду, предметы интерьера и др. После того как человек перепробует несколько техник, он сможет выбрать ту, которая больше всего ему по душе, и начать в ней работать.

 

Рисование развивает когнитивные функции

Благодаря рисованию улучшаются восприятие, зрительная память, мелкая моторика. Оно помогает смотреть на вещи глубже, изучать предметы всесторонне.

Мнение эксперта:

Рисование помогает смотреть на мир иными, новыми глазами, начинаешь еще сильнее любить природу, людей и животных. Начинаешь еще сильнее все ценить! Сам же процесс рисования вызывает неимоверные, восхитительные эмоции. Человек духовно обогащается и растет над собой, развивается и раскрывает свои скрытые способности. Рисовать надо, чтобы быть счастливым и дарить миру добро и красоту.

Вреж Киракосян

Рисование — способ самовыражения

Рисуя, человек раскрывает свой личностный потенциал. Живопись —  это диалог внутреннего «Я» с миром.

Мнение эксперта:

Каждому человеку рисование дает что-то свое. Кто-то в этом процессе находит умиротворение и релаксацию, а кто-то — кайф и поднятие настроения. Для третьих — это смысл жизни. Я сейчас изучаю арт-терапию для детей и взрослых. Можно смело утверждать, что рисование помогает решить многие психологические вопросы: повысить самооценку, убрать напряжение в отношениях (семейных или рабочих), избавить от страхов и т. д. К примеру, есть такой метод Мандала — рисование в круге (еще его называют целительным кругом). Проверила на себе — это работает! Рисование — это бессознательный процесс и это всегда соединение со своим «Я», со своим потенциалом, который заложен в каждом человеке с самого рождения. Мой совет: рисуйте как можно больше и чаще, узнавайте новые грани своей жизни, наполняйте творчеством каждый день!

Екатерина Кукушкина

Рисование повышает самооценку

Рисуя, человек становится увереннее в себе. Страх показать свои работы и быть непонятым — неизбежен. Каждый художник проходит через него. Но со временем вырабатывается «иммунитет» к несправедливой критике.

Мнение эксперта:

Я рисую просто потому, что мне это нравится. Кто-то рисует на продажу (тут можно выразить ответ на вопрос «Зачем?» во всеобщем эквиваленте). Но ощущение удовольствия никак не взвесить и не измерить. Я как-то задавала этот вопрос на своем сайте, один из ответов запал в душу: «Я рисую для того, чтобы быть счастливой». И понятно, что счастье у всех свое. Кто-то счастлив, когда танцует, кто-то — когда несется с горы на лыжах. Кто-то — когда рисует. Но удовольствие от процесса возникает, когда получается, а если учишься, то может получиться не сразу. Однако если преодолеть трудности, потом вырастают крылья. Не скажу, что это навсегда, бывают и неудачи и разочарования. Но радость от того, что получается, стоит приложенных усилий.

Рисование как способ медитации(вот прямо в точку-полностью согласна!!!)

Многие сравнивают рисование с медитацией. Художественное творчество позволяет расслабиться, войти в состояние потока. Художники отмечают, что, рисуя, они «отключаются» от внешнего мира, в голове нет места бытовым мыслям.

Александра Мережниковам

Рисование – это удовольствие

Это одно из самых увлекательных занятий. Когда на белом листке «оживает» город или, к примеру, лес, испытываешь неподдельное удовольствие.

Мнение эксперта: 

Рисовать — это наслаждение. Это самовыражение. Это выплеск эмоций и успокоение нервов. Вот идешь, бывает, по улице, и свет такой красивый, и сирень зацвела, и домики так красиво в ряд встали… И думаешь: «Эх, вот сесть бы сейчас тут и порисовать всю эту красоту!». И хорошо на душе сразу…

Елизавета Ищенко

(точно-точно!!)

Сторонники метода правополушарного рисования тоже считают, что «секрет» кроется в голове. Но причиной неумения некоторых людей рисовать называют то, что в процессе художественного творчества они (ошибочно) задействуют левое, рациональное, полушарие мозга.

Метод правополушарного рисования разработала преподаватель искусства, доктор наук Бетти Эдвардс (Betty Edwards) в конце 1970-х годов. Ее книга «Художник внутри вас» (1979 г.) стала бестселлером, была переведена на десятки языков и выдержала несколько изданий.

В основу концепции Эдвардс легли научные изыскания нейропсихолога, профессора психобиологии, лауреата Нобелевской премии Роджера Сперри (Roger Sperry).

Доктор Сперри изучал «функциональную специализацию полушарий головного мозга». Согласно его теории, левое полушарие мозга использует аналитический и вербальный режимы мышления, оно отвечает за речь, математические вычисления, алгоритмы. Правое полушарие, напротив, «творческое», мыслит образами и отвечает за восприятие цвета, сопоставление размеров и перспективы предметов. Эти особенности доктор Эдвардс назвала «Л-режим» и «П-режим».

У большинства людей при обработке информации доминирует левое полушарие. 90% людей, думающих, что не умеют рисовать, во время художественного творчества продолжают «пользоваться» левым полушарием, вместо того, чтобы включить «П-режим» и воспринимать целостные зрительные образы

Чтобы понять, как это работает, представьте, будто вы хотите нарисовать стул. Вы говорите себе: «Нарисую-ка я стул». Левое полушарие мгновенно перевод слово «стул» в символы (палочки, квадратики). В результате вместо того, чтобы рисовать стул, вы рисуете геометрические фигуры, из которых, по мнению вашего левого полушария, состоит стул.

Поэтому суть метода правополушарного рисования заключается во временном подавлении работы левого полушария.

Таким образом, наука слоняется к тому, что умение рисовать — это навык, который может обрести любой желающий.

Не умеете рисовать, но всегда хотели научиться? . Я вам расскажу почему одни рисуют с рождения, а другие нет, что нужно сделать, чтобы научиться рисовать и какие бонусы привносит рисование в жизнь.

Мнение эксперта:

Почему одни умеют рисовать, а другие нет? Это как спрашивать, почему одни люди блондины, а другие темненькие. :) Потому что какие-то вещи нам даны природой, а какие-то нет. Можно научиться, можно отточить навык, совершенствоваться и брать упорством, но это уже другое. Изначально умение рисовать — это, скорее, дар…

Елизавета Ищенко, арт-директор компании «Буферная бухта»

Люди, не умеющие рисовать, видят не так, как художники. Глядя на предмет, они неправильно оценивают его размер, форму и цвет. Именно поэтому у них не получается точно перенести на бумагу видимый объект.

Кроме того, предрасположенность к изобразительному искусству зависит от памяти. Люди, не умеющие рисовать, не могут запомнить, к примеру, угол между линиями и, соответственно, воплотить его в рисунке.

Рисование- это практический навык, предполагающий, прежде всего, развитие глазомера. Это не происходит в один момент. Поначалу получается не очень-то похоже, слабо, плохо. И многим очень трудно справиться с разочарованием на начальном этапе. Они бросают, сказав себе что-то вроде: «Все равно ничего не получится» или «Наверное, у меня нет способностей». И совершенно напрасно. Практика показывает, что в рисовании количество неизбежно переходит в качество. Кроме того, есть другие люди, обладающие менее предметным и более образным мышлением. Они менее требовательны к реалистичности изображения, им важнее передача состояния, чувств, эмоций. Такие люди учатся легче, они видят свой прогресс, начиная с самых первых работ (конечно, многое здесь зависит и от учителя, от его способности обратить внимание учеников на сильные стороны их работы). В конечном итоге они рисуют. Они так же могут критически относиться к своим навыкам и считать, что рисовать не умеют или умеют недостаточно хорошо. Но это им не мешает заниматься творчеством, а именно в процессе творческой работы и происходит обучение. Как я уже сказала, количество переходит в качество.

Удивительно, но задолго до описанных исследований, художник (и психолог) Кимон Николаидис (Kimon Nicolaides) утверждал, что главная проблема людей, думающих, что они не умеют рисовать, в том, что они видят предметы неправильно. По мнению художника, умение рисовать не талант, а навык. Вернее, 5 навыков:

• видение края;
• видение пространства;
• видение отношений;
• видение тени и света;
• видение целого.

Упражнения для развития этих навыков изложены в книге «Естественный путь к рисованию» (The Natural Way to Draw).

Все люди умеют рисовать. Просто кто-то об этом еще не знает.
Так устроена система воспитания в нашем мире, которая поощряет развитие логического мышления и очень мало внимания уделяет интуитивному творческому развитию личности.