Данные археологии, истории искусства и письменности позволяют предполагать, что кружевоплетение было известно еще до нашей эры грекам и египтянам. В конце XV – начала XVIв. оно получило довольно широкое распространение в Европе. Производством его занимались во многих странах мира. Италия долгое время занимала первое место в этой отрасли, но спустя какое то время ей пришлось уступить лидерство Франции и Фландрии.

В России первые сведения о кружевах относятся к XIII веку. Ипатьевская летопись говорится о том, как в 1252г. князь Даниил Галицкий принимал иностранных послов в богатой одежде с изумительной отделкой, напоминающей кружева. Но заметным явлением повседневной жизни России они стали в XVII столетии. Причемкружевные изделия были распространены и при царском дворе, и в купеческой, и в крестьянской среде. Только качество их, конечно, было различным. Хотя трудно сказать, в какие времена кружевоплетение стало известно на Русском Севере. Можно только предположить, что появление его в Вологодском крае было связано с открытием в XVIв. Северного морского пути. Если это действительно так, то кружева в Вологду попали через Северную Двину, Белое море и Сухону вместе с товаром, который завозили из Западной Европы. Как бы то ни было, самые ранние образцы местного кружевоплетения, сохранившиеся в музейных собраниях, относятся к XVIIв. Это так называемые «золотные» кружева из золотых и серебряных нитей. Их продавали на вес, принимая в расчет, прежде всего, ценность драгоценных металлов, а не мастерство исполнения. Эти кружева использовали для украшения нарядов из плотных дорогих тканей – парчи, бархата, узорного шелка. Также применяли их и для отделки церковной утвари. При правлении Петра I мастериц кружевоплетения выписывали в Россию из-за границы. Мода на этот промысел привела к тому, что многие жены русских дворян стали изучать приемы работы с коклюшками, и организовывали в своих усадьбах мастерские, где крепостные крестьянки плели кружево. Искусницами в этом деле прославились и женские монастыри. К концу XVIII в. сформировались художественные особенности центров русского кружевоплетения. Такими центрами стали Ростов, Галич, Вологда, Калязин, Торжок, Балахна, Рязань. В 1820г. помещицей В.А. Засецкой под Вологдой в сельце Ковырино была создана первая кружевная фабрика.

Мириам Хаскелл много лет назад стала путеводной звездой для многих женщин в ювелирном дизайне, раз и навсегда изменив представление о том, что создавать украшения – мужская работа.

Мириам Хаскелл была дизайнером бижутерии, однако бижутерии высочайшего качества – каждая созданная ею вещь могла бы быть названа произведением искусства. В 1920-е годы Хаскелл стояла у истоков появления стильных «костюмных украшений» из недрагоценных материалов.

Сегодня ее имя известно в основном исследователем и коллекционерам, которые называют Сюзанн Бельперрон важнейшим дизайнером ювелирных украшений ХХ века. Многие ее творения оставались анонимными, зачастую она просто не ставила на них клеймо со своим именем, утверждая, что ее подпись – это ее стиль. И именно она совершила переворот в мире драгоценностей, подарив ему новые образы, новые материалы и неподражаемый «стиль Бельперрон»…

Город Сен-Клод – в 60 километрах от Женевы – всегда славился своими ремеслами. Долгие зимы местные крестьяне проводили, занимая руки каким-нибудь делом – и особого успеха достигли в обработке камней. К началу XX века Сен-Клод превратился в мировую столицу огранки алмазов. Здесь теплым осенним днем – или же ненастной осенней ночью, история умалчивает – в семье торговца Жюля Вуйлерма родилась девочка, Мадлен Сюзанн, которой суждено было изменить историю ювелирного искусства.

Наталья несколько лет назад увлеклась изготовлением кукол, а 5 лет назад решила попробовать создать ватную ёлочную игрушку. И ей это удалось! Наибольшей популярностью сегодня пользуются ватные детки из нашего советского детства, и тут Наталье есть чем похвастать.

А детям обязательно нужны игрушки, поэтому появились на свет мишки, зайчики, слоны. Вы только посмотрите, с каким мастерством выполнены эти миниатюры. И это всё из ваты!

В 1764 году пензенский помещик Алексей Бахметев построил в принадлежавшем ему селе Никольском хрустальный завод, который вскоре прославился своей продукцией, не уступавшей по качеству лучшим зарубежным образцам.

«Мастер Александр Вершинин». Художник А.С. Шуршилов 

Первое, что сделал дворянин Бахметев для будущего предприятия, - повелел всем жителям села Никольское работать на этих фабриках. Каждый глава семьи должен был осваивать новое ремесло и учить своих детей. В договоре с приглашенными издалека мастеровыми прописывалось, обучение крепостных людей Бахметева своему ремеслу.

Этот народный промысел появился в Оренбурге около трех веков назад, но стал широко известен только с 1857 года, когда на международной ярмарке в Париже впервые появилось это чудо, созданное талантливыми уральскими мастерицами. С тех пор оренбургский пуховый платок стал символом не только Оренбуржья, но и всей России.

Б.Н. Кузнецов «Оренбургский платок», 1980 год

Парчмент крафт имеет древнюю историю и давние традиции. Самые старые пергаментные свитки были найдены еще в XV веке в европейских церковных общинах. Не очень отличающиеся от сегодняшних, предметы, созданные пергаментными мастерами, были кружевными, и они были сделаны для различных случаев, таких как карты причастия и религиозные иконы и картины.Эти первые пергаментные предметы были огромными, и Пергаментщик работал много часов и дней, чтобы завершить одну работу.

Примерно в XVIII веке люди проявили новый интерес к детальной и мелкой работе, которую влечет за собой пергаментное ремесло. Пергаментные карты превратились во что-то гораздо меньшее, более красивое и причудливое, с волнистыми границами и перфорацией, сделанной с несколькими размерами иглы.Хотя изначально пергаментное ремесло было исключительно европейским, в какой-то момент европейские миссионеры, высадившиеся в Южной Америке, взяли это прекрасное ремесло с собой.

Вот что Алёна Абрамова пишет о себе на своей страничке на Ярмарке Мастеров:
«Я художник по профессии и по жизни. Закончила холуйское училище, в 2004 году, до этого была попытка получить обычное, человеческое образование в Российской Академии туризма (Москва). Но не помогло мне это задушить в себе художника! Судьба закинула меня в Холуй (центр лаковой миниатюры). И до того влюбил меня в себя этот маленький кусочек России, что я до сих пор в восторге от тишины и природы. Это может оценить только городской человек! Природа и тишина – самые лучшие учителя для художника. Никакие цветоведения и композиции не идут с ними в сравнение! И не дадут того, что даёт просто внимательное наблюдение за МИРОМ. И искра Божья в душе, интуиция- гораздо больше, чем куча дипломов.
А рисовала всегда, ещё до художественного образования (оно скорее для «галочки»в личном деле).
Художник -это не работа, а стиль жизни. Как говорил наш учитель композиции: «Нашу профессию Бог дал нам в хорошем настроении и с закрытыми глазами»…»

После окончания обучения бесконечно расписывать шкатулки ей показалось скучным занятием. И Алена ушла как сейчас говорят " в свободное плаванье". Нет, шкатулки она и сейчас расписывает, по настроению, а так же пишет картины и иконы. Но основным занятием ее являются куклы. На «рождение» одной красавицы уходит иногда до двух месяцев. Кропотливой работы требуют не только лица, руки, мимика, у автора нереально проработанные и детализированные костюмы. Они вызывают настоящий восторг и желание рассматривать каждую деталь. В нарядах используются натуральные самоцветы: лазуриты, яшмы, кораллы и бирюза. А еще огромное количество страз, бисера, бусин. Волны шелка и золототканой парчи создают настоящие шедевры. Для создания своих работ художница использует информацию из книг, фильмов, чтобы костюмы, аксессуары и даже белье соответствовали эпохам, персонажам и художественному замыслу.
По всему миру в частные коллекции и музеи разлетелись утонченные красавицы, но ими всегда можно полюбоваться на фотографиях.

Подмосковный художник Маргарита Шутова создаёт текстильные куклы, которые идеально отражают внутреннее эго и душу, а также идеально вписываются в любой интерьер. Именно поэтому каждая кукла создаётся с огромной любовью и в единственном экземпляре.

Образцы были приобретены у Isabelle Goldschmidt. Теперь они являются частью коллекции "Museum purchase from Au Panier Fleuri Fund".

 Данные работы выполнены на текстиле и посвящены растительным мотивам, которые были особенно популярны в то время и использовались для украшения одежды аристократов. Растительные мотивы были оень популярны в то время, ими украшали платья и камзолы.

Trompe l'oeil — оптическая иллюзия, обманка. В конце XIX столетия такие подарки часто преподносили коллеги по работе. Многие из этих вещей имеют дарственные надписи.

Серебряная солонка на малахитовой подставке, фабрика П. Овчинникова, 1870 год

Бережливые рукодельницы в восторге от особой техники лоскутного шитья – ляпочихи, дающей «вторую жизнь» старой одежде. Цветные лоскутки, размещённые на полотне по задумке рукодельницы, составляют яркие узоры. Стремитесь оформить квартиру, или дачный дом в деревенском стиле, наполнить её уютом с помощью рукодельных предметов декора? Техника «Ляпочиха» придется здесь как нельзя кстати.

Техника лоскутного шитья «ляпочиха» зародилась в крестьянские времена, когда каждая женщина должна была уметь обшивать всю семью из собственноручно сотканной ткани. Считалось, что поношенную одежду нельзя выбрасывать, иначе семья потеряет благосклонность высших сил и будет обречена на бедность. Мастерицы стремились сберечь каждый лоскут ткани и использовать его для украшения дома. Особую популярность приобретали лоскутные одеяла и «пушистые» коврики, созданные из цветных обрезков старой одежды.

Владимир Каневский потрясающий мастер, который много лет работает с фарфором и делает из него просто невероятной красоты керамические растения.

Владимир создает объемные композиции, где из фарфора, металла и керамики сделаны не только растения, но и кашпо, и даже земля, поросшая акварельным «мхом». Мастер работает сразу с двумя материалами - керамикой и металлом. Так, цветы сделаны из фарфора, а стебли и листья металлические. С одной стороны, это уже не чистый фарфор, но с другой, изделия получаются гораздо прочнее.

Серия сообщений "фарфор":
Часть 1 - Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства. (продолжение)
Часть 2 - Юсуповский фарфор.
...
Часть 15 - Фарфор «Рate-sur-pate»
Часть 16 - Однокашник Ломоносова, гениальный русский учёный, которого, как собаку, сажали на цепь
Часть 17 - Фарфоровые цветы от Владимира Каневского
Часть 18 - Две загадки Фарфорового храма в Бангкоке
Часть 19 - Любимое блюдо бойцов царской армии, им даже награждали

«Fore-edge painting» – живопись на обрезе книги — это старинное книжное искусство, которое в наш век почти забыто.

Необычное искусство рисовать картины на обрезах книжных страниц родилось в ХVI веке. Его родоначальником считается итальянец Чезаре Вечеллио - итальянский гравер и художник эпохи возрождения, работавший в Венеции, двоюродный брат Тициана.

Марина никогда не делала кукол-детей и не мечтала о пупсах, которые во времена ее детства были желанным подарком для любой девочки. Но когда она увидела рекламу Барби по телевизору, то была поражена до глубины души: Марина вспоминает, что на тот момент Барби была самой прекрасной куклой, какую она видела в своей жизни.

Когда Марине было 14 лет, она переехала с семьей в Канаду, в город Ванкувер. Новая культура, новые люди, новая языковая среда, новая жизнь…

Марина Сергеевна Бычкова, родилась 16 марта 1982 года в городе Новокузнецке. Марина - художник, писатель и дизайнер шарнирных кукол, ювелир.

В Канаде Марина закончила среднюю школу и институт художественного дизайна имени Эмили Карр. Имеет степень бакалавра изобразительного искусства.

Японцы любят свое прикладное искусство, и всемерно его поддерживают и продвигают по всему миру. Все знают, что нэцкэ делают в Японии, режут их по большей части из кости или из твердого дерева. Кое-кто знаком с термином «окимоно» — это уже по сути интерьерная скульптура на подставке, в отличие от миниатюрной нэцкэ.

Ваза с цветами — такие композиции тоже называются окимоно. Это сборная скульптура, где каждый цветок вырезан отдельно, и даже сам состоит из нескольких деталей. Именно это придает легкость и ажурность букету. Сборная скульптура из множества частей очень характерна для резьбы по кости в Китае, но вот сама трактовка растительности типично японская, динамичная и свободная. 109 x 115 x 50 cm, 1900 гг.

Алена закончила Холуйское художественное училище. Является членом Союза художников России.

Куклы Алены Абрамовой – восхитительны! Все продуманно до мелочей и образы, и аксессуары. Для одежды и аксессуаров своих кукол Алена использует натуральные камни. Очень часто  для отделки одежды и головных уборов Алена использует винтажную вышивку.

Кукла «Русская красавица» Полимерная глина, шёлк натуральный, павловопосадский платок, парча, жемчуг натуральный, камни натуральные, кружево винтажное. 110 см

Резьба по камню является одним из древнейших искусств Китая.  Секреты которого бережно хранятся китайскими мастерами.

Для резьбы искусные китайские камнерезы использовали яшму, нефрит и близкий ему по расцветке жадеит. А также агат, халцедон, бирюзу, горный хрусталь, аметист, коралл и другие камни, которые привлекали мастеров разнообразием красок, твердостью и звонкостью материала.

Резьба по лаку — древний китайский промысел. Использование лака в декоративно-прикладном искусстве началось еще в VI веке до н.э. Вначале он применялся для защитного покрытия различных ёмкостей: ящиков, сосудов. Немного позже мастера Китая научились смешивать лак с разнообразными пигментами, что позволило применять его в живописи, а потом и для оформления лаковых изделий в технике резьбы по лаку. Уникальные шедевры были солидным дипломатическим подарком и дорогим товаром.

Попав в Японию в XIV веке такой лак нашел свое применение для атрибутов чайной церемонии и до сих пор является основным стилем оформления посуды. Некоторые мастера соседних стран, например, Вьетнама, Кореи и Монголии переняли идею и также использовали технологию в своем творчестве.

Куклы (яп. нингё) с древности занимали значимое место в жизни японцев. Они использовались в различных религиозных обрядах и церемониях. Большое распространение изготовление кукол получило в период Эдо (1603-1868). В это время в стране установился мир, стали активно развиваться связи между отдельными районами, люди начали активно передвигаться, в том числе с целью паломничества. Куклы изготавливались в качестве амулетов, оберегов, сувениров, детских игрушек. Практически в каждой провинции существовали свои особые типы кукол и игрушек. Разнились также материалы и техники.
В 1920-е годы появилась новая тенденция - изготовление авторских кукол, в которую включились как профессиональные мастера, так и любители. Эта волна подхватила и Оно Хацуко.

Оно Хацуко (1915-1982) является одним из самых интересных мастеров кукольного направления в японском декоративном искусстве ХХ века.
Родилась в Осаке, в 16 лет переехала в Токио, где занялась изучением западной живописи. Однако вскоре поняла, что ее больше привлекают объемные формы искусства. Это привело ее к работе над авторскими куклами. Позже художница занималась дизайном одежды (а созданные ею куклы, одетые в придуманные ею наряды, выставлялись в витрине ателье). Во время Второй мировой войны занималась изготовлением кукол на продажу.