Найдется ли еще один такой художник, жизнь и слава которого сияли бы таким ярким солнечным блеском, художник, которого весь мир в своем восторженном поклонении признал бы королем всех художников.

Ф. Лист

Паганини родился в семье мелкого торговца. С четырех лет мандолина, скрипка и гитара стали спутниками жизни музыканта.Паганини рано стал сочинять - уже в восьмилетнем возрасте написал скрипичную сонату и ряд трудных вариаций. Первый концерт Паганини состоялся, когда ему было 11 лет. Среди исполняемых сочинений в нем прозвучали и собственные вариации юного музыканта на тему французской революционной песни «Карманьола».Постепенно слава о юном виртуозе распространилась по всему городу, и на Паганини обратил внимание первый скрипач капеллы собора Сан-Лоренцо Джакомо Коста. Уроки проходили раз в неделю, более полугода Коста, наблюдая за развитием Паганини, передавал ему профессиональные навыки.

После занятий с Костой Паганини смог, наконец, впервые выйти на эстраду. В 1794 году началась его концертная деятельность. Он познакомился с людьми, во многом определившими дальнейшую его судьбу и характер творчества. 

История создания

19 октября 1854 года Лист закончил свою первую симфонию — «Фауст». Она была написана в городе Гёте — Веймаре, столице маленького княжества, которую Лист на протяжении семи лет стремился превра­тить в один из крупнейших культурных центров Германии, каким он был на рубеже XVIII—XIX веков. Отказавшись от карьеры пианиста-вирту­оза, потрясавшего своими выступлениями всю Европу, он развернул просветительскую деятельность колоссальных масштабов: руководил театром, дирижировал симфоническими концертами, пропагандировал композиторов-новаторов, осуществил премьеру «Лоэнгрина», провел недели Вагнера и Берлиоза, воскрешал забытые произведения прошло­го, давал уроки пианистам из многих стран, сочинял музыку в самых различных жанрах. Наиболее значительный из них — симфоническая поэма, новый, созданный им программный жанр.
Первая же симфония заставила автора сомневаться в ее достоинствах. Через два месяца после ее окончания он иронически писал другу: «Эта вещь или, может быть, вздор получилась очень длинной, и я постараюсь издать и исполнить 9 симфонических поэм, прежде чем открою дорогу «Фаусту», на что может потребоваться еще более года». Потребовалось три, и 5 сентября 1857 года на праздничном концерте в честь открытия в Веймаре памятников Гёте, Шиллеру и Виланду «Фауст-симфония» впервые прозвучала под управлением автора. Тогда же был дописан заключительный хор, исполнение которого композитор не считал, однако, обязательным.
Посвящением «Фауст-симфонии» Берлиозу Лист отдал дань создателю романтического симфонизма, но оно еще сильнее подчеркнуло их различия в понимании программности. Особенно подходящими для программной музыки он считал «философские эпопеи», среди которых величайшая, по его мнению, — «Фауст» Гёте. Характеризуя подобные произведения, Лист утверждал, что целью их является не показ «деяний героя, но изображение аффектов, страстей, властвующих над его душой. Гораздо важнее показать, как герой думает, чем каковы его поступки».

Ф.Мендельсон (3 февраля 1809 — 4 ноября 1847)

Увертюра "Гебриды, или Фингалова пещера"

Замысел увертюры возник у Мендельсона во время путешествия по Шотландии в 1829 году, при посещении одного из Гебридских островов, расположенных у ее западных берегов. В письме от 7 августа Мендельсон приводит музыкальную фразу (она стала первой темой увертюры), «чтобы объяснить, какое странное душевное состояние охватило меня». На острове Стаффа находится гигантская базальтовая пещера, дно которой всегда покрыто водой. Зеленые волны с шумом ударяют о скалы, а пещера — черная, гулкая, с множеством базальтовых колонн — напоминает гигантский орган. Вокруг нее, вблизи и вдали, расстилается безбрежное серое море. В тихую погоду морской прибой рождает мелодичные звуки, а в бурю гром, наполняющий пещеру, разносится на много километров вокруг. Пещера носит имя Фингала — легендарного героя кельтского народного эпоса. Его подвиги, по преданию, были воспеты одним из его сыновей, тоже могучим героем и бардом (сказителем) Оссианом, якобы жившим в III веке на юге Ирландии. Песни Оссиана пользовались широкой популярностью в Ирландии и Шотландии, где их пели вплоть до XIX века.

Фингалова пещера (англ. Fingal’s Cave) — прославленная морская пещера, вымытая в скале морской водой, на острове Стаффа, входящем в группу  Гебридских островов.

«Композитор Глинка» — фильм Григория Александрова о жизни и творчестве великого русского композитора Михаила Ивановича Глинки, создателе русской музыки, авторе замечательных опер «Руслан и Людмила», «Иван Сусанин», снятый в 1952 году. Фильм цветной. Вышел на экраны 1 октября 1952 г.

Михаил Глинка, 1852 год - ровно за 100 лет до создания фильма

    Торжественный коронационный марш был сочинен в марте 1883 года. Чайковский в это время находился в Париже и усиленно работал над инструментовкой оперы "Мазепа". Одновременно он получил срочные заказы из России. В письме композитора к Н.Ф. фон Мекк от 9/21 марта 1883 года читаем: "На меня низверглись два неожиданных труда. Город Москва заказал мне торжественный марш для исполнения на празднике, который будет дан государю в Сокольниках, а коронационная комиссия прислала мне текст большой кантаты... Я уже начал сегодня писать то и другое". Через несколько дней Петр Ильич сообщает брату Анатолию : "Эта неделя ознаменовалась учетверенной сочинительской деятельностью, ибо разом пишу кантату и марш; и то и другое нужно делать поскорее, и я работаю на всех парах. И опять-таки имею основание быть довольным собой. Работы эти берут у меня много времени, но не стоили никакой натуги и напряжения: все идет у меня легко, скоро, хорошо,- и я совершенно доволен как тем, так и другим". 26 марта партитуры Коронационного марша и кантаты "Москва" были высланы в Москву.

Александр III Александрович

13-й император всероссийский

 «Любая форма общения с музыкой учит слышать музыку, непрерывно совершенствуя умение вслушиваться и вдумываться в нее», - говорил известный педагог Д.Б. Кабалевский. Но самой активной и доступной, пробуждающей мысли и чувства формой общения  с музыкой являются моменты, когда человек выступает в роли слушателя. Именно в эти минуты от него требуется наибольшее внимание, сосредоточенность и напряжение душевных сил.  «Слушание» является основным видом музыкальной деятельности. И поэтому необходимо использовать любую возможность для того, чтобы сформировать музыкальный вкус, умение сравнивать, сопоставлять, различать и узнавать прослушанное.

Музыка Бородина... возбуждает ощущение силы, бодрости, света; в ней могучее дыхание, размах, ширь, простор; в ней гармоничное здоровое чувство жизни, радость от сознания, что живешь.

Б. Асафьев

Симфония №2 си минор `Богатырская` 

Вторая симфония Бородина — одна из вершин его творчества. Она принадлежит к мировым симфоническим шедеврам, благодаря своей яркости, своеобразию, монолитности стиля и гениальному претворению образов русского народного эпоса. Композитор задумал ее в начале 1869 года, однако работал над ней с очень большими перерывами, вызванными как основными профессиональными обязанностями, так и воплощением других музыкальных замыслов. Первая часть была написана в 1870 году. Тогда же он показал ее своим товарищам — Балакиреву, Кюи, Римскому-Корсакову и Мусоргскому, которые составляли так называемый балакиревский кружок или Могучую кучку (определение их старшего наставника и идейного руководителя искусствоведа В. Стасова). У друзей показанное вызвало подлинный энтузиазм. Мусоргский предложил для нее название Славянская героическая. Однако Стасов, задумавшийся уже не над эмоциональным определением, а над названием, с которым музыка будет жить, предложил: Богатырская. Автор не стал возражать против такого толкования его замысла, и симфония осталась с ним навсегда.

Во все времена поэты находили вдохновение в музыке любимых ими композиторов. Под влиянием музыкальных образов появляются замечательные стихи, в которых выражены чувства и мысли поэтов...

***

Еще звучит в моих ушах
Седьмого вальса легкий шаг,
Как вешний ветерок,
Как трепетанье птичьих крыл,
Как мир, который я открыл
В сплетенье нотных строк.

Еще звучит тот вальс во мне, 
Как облако в голубизне,
Как родничок в траве,
Как сон, что вижу наяву,
Как весть о том, что я живу
С природою в родстве.

(Л.Озеров) 

Седьмой вальс Шопена исполняет один из самых талантливых пианистов нашего времени Евгений Кисин

Художник: Олег Тимошин

Сюжет трагедии Шекспира «Гамлет» привлекал Чайковского с 1876 г., а в 1885 г. им сделан набросок с подтекстовкой на английском языке начальных слов монолога Гамлета «To be or not to be» («Быть или не быть»). Сохранились наброски в блокноте № 4, выполненные, как считают библиографы композитора, осенью 1887 г. в селе Флоровское.
В 1880-х годах в России выступил с гастролями знаменитый французский актёр Люсьен Гитри. После исполнения им заглавной роли в пьесе "Кин", в которую по ходу действия вводится сцена из "Гамлета" У. Шекспира, П.И. Чайковский обмолвился, что охотно напишет музыку к этой трагедии, если Гитри будет играть".
Наконец лишь в 1888 году, когда Гитри собирался выступить в "Гамлете" в намечавшемся благотворительном спектакле, он напомнил об этом обещании. Как всегда верный своему слову, Чайковский принялся за сочинение, но, увлёкшись работой, написал не скромную пьесу вспомогательного значения для немногочисленного инструментального ансамбля в драматическом театре, а концертную увертюру-фантазию для большого симфонического оркестра. "Успех большой. Гитри бесподобен", - записал он в дневник после спектакля. Но и вне зависимости от театра увертюра-фантазия "Гамлет" сразу же после её написания получила самостоятельное значение в качестве концертной пьесы. 

Глиэр, Рейнгольд Морицевич

(11 января 1875 — 23 июня 1956)

Глиэр. Балет «Красный мак»

Действующие лица:

Тао Хоа, актриса Ли Шанфу, ее жених, авантюрист
Главный надсмотрщик
Начальник порта
Капитан советского корабля
Хозяин ресторана и курильни опиума
Заговорщики, старик-фокусник, его помощник, глашатай при театре, кули, полицейские, надсмотрщики, английские офицеры, кокотки, танцовщицы, советские и иностранные матросы, бои, фениксы, боги, цветы, бабочки, кузнечики, европейские дамы, лакеи

 Действие происходит в Китае в начале XX века.

Когда композитор пишет произведение, которое обычно относят к классической музыке, он указывает, какие ноты он хочет услышать, какие инструменты или голоса должны играть или петь, он обозначает даже число инструментов или голосов. Он даст самые различные пояснения, какие только может придумать, чтобы сообщить исполнителю, как играть: быстро или медленно, громко или тихо. Конечно, ни одному исполнителю не удается сыграть абсолютно то, что хотел бы услышать композитор. Никаких слов не хватит для объяснений его замысла. Но от того работа исполнителя так увлекательна. Он читает, что композитор написал, и старается по возможности точно понять, что он хотел сказать. Поэтому каждый исполнитель играет произведение немножко по-другому.

Возьмем, например, любую популярную песню. Ее можно исполнить как угодно. Сыграет быстро или медленно, горячо или сентиментально, громко или тихо. Это не имеет значения. Мелодию можно сыграть один раз или повторить раз пятнадцать – и любом ключе, даже меняя аккорды. И ни один из этих способов исполнения не будет неправильным.
Ее можно и нужно исполнять по-разному. Тем более что никакой композитор не устанавливал законов, как ее играть.
Классическая музыка действительно существует, но это понятие не означает "серьезную" музыку вообще. Классическая музыка относится к определенному периоду истории музыки, который так и называется – классическим периодом, или периодом классицизма. 
Давайте постараемся понять, что это такое – "классический период" в музыке. Продолжался он примерно сто лет, с 1700 года по 1800-й (строго говоря, первая половина восемнадцатого века относится к периоду барокко, или доклассическому периоду, но мы сейчас не будем говорить об этом).

Вивальди. "Рондо Венециано"

Генри Пёрселл родился в Лондоне в 1659 году в музыкальной семье. Его отец Томас Пёрселл был при Стюартах придворным музыкантом: певцом капеллы, лютнистом, хорошо играл на виоле.

Генри Пёрселл с детства был связан с придворными кругами. Появившись на свет в канун Реставрации, он еще в раннем детстве обнаружил блестящие музыкальные способности. С шести- или семилетнего возраста он пел в хоре королевской капеллы, обучался там вокальному искусству, композиции, играл на органе и харпсихорде (разновидность английского клавесина крыловидной формы, наподобие современного пианино). Его учителями в капелле были отличные музыканты — капитан Кук, Джон Блоу и знаток французской музыки Пельгам Гемфри. Пёрселлу было двадцать лет, когда его блистательная игра проложила ему путь к широкому признанию. В 1679 году он стал органистом Вестминстерского аббатства, а в первой половине 1680-х годов и придворная капелла, где он еще недавно пел скромным мальчиком, пригласила его на этот пост. Его слава как виртуоза росла. Плебейские слои столицы — музыканты и ремесленники, поэты и рестораторы, актеры и торговцы — составляли один круг его знакомств и заказчиков. Другим был королевский двор с его аристократической и чиновной периферией. Вся жизнь Пёрселла, раздваиваясь, проходила между этими полюсами, но именно к первому он тяготел неизменно.

Имя Микаэла Таривердиева больше знают по музыке к популярным фильмам, таким как «Семнадцать мгновений весны», «Ирония судьбы». Но помимо того, что он написал музыку к 132 кинофильмам, он ещё и автор камерных вокальных циклов, четырёх балетов, четырёх опер, органной музыки. Ученик Арама Хачатуряна (закончил класс композиции Государственного педагогического института имени Гнесиных в 1957 году), он дебютировал как композитор в Большом зале Московской консерватории — его романсы исполнила прославленная камерная певица Зара Долуханова.

Им написаны три концерта для органа «Кассандра», «Полифоническая тетрадь», «Десять хоральных прелюдий», Симфония для органа «Чернобыль», в которой нашли отражение впечатления от поездки в Чернобыль вскоре после аварии. Среди сочинений Таривердиева также два концерта для скрипки с оркестром и «Концерт в романтическом стиле для альта и струнного оркестра», написанный композитором по заказу альтиста и дирижера Юрия Башмета.

Его музыку обычно узнают с первых тактов. Независимо, в каком жанре она написана — будь то музыка в кино, театре, опера или романс.

Сонеты Шекспира (1982)

Микаэл Таривердиев и камерный ансамбль Симфонического оркестра Министерства культуры СССР

1. Любовь слепа
2. Мешать соединению двух сердец
3. Сонет о яблоке
4. Люблю
5. Я виноват
6. Сонет о покинутой любви
7. Пылающую голову рассвет
8. Увы, мой стих

Леопольд Семёнович Ауэр (также Лев Семёнович; нем. Leopold Auer, венг. Auer Lipót; 7 июня 1845, Веспрем, Венгрия — 15 июля 1930, Лошвиц, близ Дрездена) — скрипач венгерского происхождения, педагог, дирижёр и композитор.

Ученик Йозефа Иоахима. Является основателем так называемой русской скрипичной школы. Воспитал свыше 300 учеников (Константин Горский, М. Б. Полякин, Я. Хейфец, Е. Цимбалист, М. Эльман, Иосиф Ахрон, Д. Бертье, Цецилия Ганзен и другие). Преподавал в Петербургской консерватории с 1868 по 1918 год. В 1918 году эмигрировал в США.

Биография

Леопольд Семёнович Ауэр родился в Австро-Венгрии в еврейской семье (впоследствии принял православное христианство). Сын бедных родителей (отец — маляр), он рано обнаружил музыкальные способности. Будучи ещё четырёхлетним ребёнком, он мог уже маршировать, отбивая такт на барабане, впереди войск, возбуждая во время революции 1849 года патриотический энтузиазм в зрителях. С 14-ти лет как «вундеркинд»-гастролёр уже содержал семью. Музыкальное образование Ауэр получил вначале в Пештской консерватории, где он обучался игре на скрипке у Давида Ридли-Коне. Затем перешёл в Венскую консерваторию к профессору Донту и совершенствовался у Иоахима, жившего в Ганновере.

  Состоял концертмейстером в Дюссельдорфе, потом в Гамбурге. В 1868 году он вступил первым скрипачом в знаменитый квартет братьев Мюллер, но вскоре оставил его, получив приглашение в Санкт-Петербургскую консерваторию профессором по классу скрипичной игры, на место ушедшего Генрика Венявского.

Михаил Михайлович Ипполитов-Иванов (настоящая фамилия — Ива́нов; 1859, Гатчина — 1935, Москва) — русский композитор, дирижёр.

Жена — оперная певица В.М. Зарудная, помогавшая мужу в его творческой и педагогической работе.

Родился будущий композитор в Гатчине, близ Петербурга, 7 ноября (19 ноября по новому стилю) 1859 года.

Первоначальное музыкальное образование получил в музыкальных классах для малолетних певчих при Исаакиевском соборе в Петербурге (1872—1875), затем в Петербургской консерватории, в которой в 1882 году он закончил класс композиции Н. А. Римского-Корсакова.

 С 1882 по 1893 годы работал в Тифлисе (ныне — Тбилиси) в качестве руководителя основанного им отделения Русского музыкального общества, оперно-симфонического дирижёра и преподавателя музыкального училища. В Тифлисе в классе М. М. Иполитова-Иванова начинает свое музыкальное образование польский композитор и педагог Витольд Малишевский. В 1895 году, на основе армянских народных мелодий, записанных им в Нахичевани, композитор создает симфонию «Армянская рапсодия», а в 1933 году он пишет 4 пьесы на армянские народные темы для струнного квартета.

С 1893 года по приглашению Чайковского Ипполитов-Иванов — профессор Московской консерватории, а в 1906—1922 годах — её директор. В 1899—1906 годах дирижёр Московской частной русской оперы Саввы Мамонтова и Оперы Зимина, а с 1925 — Большого театра. Под его руководством впервые были исполнены следующие оперы: «Царская невеста», «Кащей Бессмертный» и др.

Александр Даргомыжский вместе с Глинкой является основоположником русского классического романса. Камерная вокальная музыка была для композитора одним из главных жанров творчества.

Он сочинял романсы и песни в течение нескольких десятилетий, и если в ранних произведениях было много общего с сочинениями Алябьева, Варламова, Гурилева, Верстовского, Глинки, то поздние некоторыми чертами предвосхищают вокальное творчество Балакирева, Кюи и особенно Мусоргского. Именно Мусоргский называл Даргомыжского «великим учителем музыкальной правды».

Портрет работы К. Е. Маковского (1869)

Даргомыжский создал более 100 романсов и песен. Среди них — все популярные вокальные жанры того времени — от «русской песни» до баллады. Вместе с тем Даргомыжский стал первым русским композитором, который воплотил в своем творчестве темы и образы, взятые из окружающей действительности, и создал новые жанры — лирико-психологические монологи («И скучно, и грустно», «Мне грустно» на слова Лермонтова), народно-бытовые сценки («Мельник» на слова Пушкина), сатирические песни («Червяк» на слова Пьера Беранже в переводе В. Курочкина, «Титулярный советник» на слова П. Вейнберга).

Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер (нем. Carl Maria von Weber; 18 ноября 1786, Ойтин — 5 июня 1826, Лондон) — немецкий композитор, дирижёр, пианист, музыкальный писатель, основоположник немецкой романтической оперы, предшественник Вагнера. Вершиной творчества Вебера по праву считается опера «Вольный стрелок» (1821).

Расцвет музыкально-драматического дарования Вебера совпал с новыми достижениями композитора в области фортепианной музыки. Одним из наиболее значительных сочинений была программная пьеса — «Приглашение к танцу»  которая по своим художественным достоинствам возвышается над другими фортепианными произведениями Вебера.

В «Приглашении к танцу» (1819), программной пьесе, изобра­жающей картины бала, автор создает поэтический образ вальса, который предвосхищает такие выдающиеся произведения XIX века, как пьесы Шумана, вальсы Шопена, «Сцену на балу» из «Фантастической симфонии» Берлиоза и многие другие, вплоть до «Вальса-фантазии» Глинки и вальса из Пятой симфонии Чайков­ского. Ритм вальса проходит через эту блестящую пьесу, объеди­няя разнообразные моменты. Связь с бытовым танцем придает му­зыкальному языку свежесть и исключительную доступность.

"Приглашение к танцу", Петр Лаул (фортепиано)

Скрипач 

Любовь Сирота

 Фото из сети

Bach, J.S. Sonata № 2 for solo violin BWV 1003 

Grave, Fuga, Andante, Allegro

Они познакомились в 1972 году в Баку, где в Филармонии имени Муслима Магомаева проходила декада русского искусства в Азербайджане. Хотя певица не хотела приезжать в Баку.
Тамара Синявская: "Я безумно не хотела ехать. Но мне сказали, что "надо укрепить бригаду" в Баку. "Я заболела", - отнекивалась я. "Да вы там отогреетесь", - был ответ. Приехала - тепло, фрукты на каждом углу, лук в связках, горы арбузов, дынь, огромные гранаты - тогда это для нас было в диковинку. Так красиво! Я просто влюбилась в город, филармонию, носящей имя великого азербайджанского композитора Муслима Магомаева, деда Муслима, нас подвели друг к другу Роберт Рождественский с супругой.
Он мне протянул руку и очень застенчиво так, потупив взор, сказал: "Муслим". Она улыбну­лась: "И вы еще представляетесь? Вас ведь знает весь Союз".

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919). Леди за пианино, 1875 г.

Владимир Набоков

Все окна открыв, опустив занавески,
ты в зале роялю сказала: живи!
Как легкие крылья во мраке и блеске,
задвигались руки твои.

Под левой - мольба зазвенела несмело,
под правою - отклик волнисто возник,
за клавишем клавиш, то черный, то белый,
звеня, погружался на миг.

В откинутой крышке отливы лоснились,
и руки твои, отраженные там,
как бледные бабочки, плавно носились
по черным и белым цветам.

И звуки холмились во мраке и в блеске,
и ропот взбирался, и шепот сбегал,
и ветер ночной раздувал занавески
и звездное небо впускал.

Шуберт - "Auf dem Wasser zu singen"

 

Camille Thomas and Beatrice Berrut

"Воскресение Георга Фридриха Генделя" - музыкально-литературная композиция по одноимённой новелле австрийского писателя Стефана Цвейга. В один из самых кризисных моментов жизни Г.Ф.Генделя из-под его пера выходит "Мессия", его гениальная оратория, обеспечившая маэстро новое воскресение и славу на века. Цвейг, при всей фактологической аккуратности, интерпретирует подлинные события с художественными подробностями и незаурядным темпераментом...

Текст читает В. Лановой

Музыкальный ряд: Гендель Г.Ф. Фрагменты оратории "Мессия"
 

В памяти потомков он остался в основном как отец своего знаменитого сына. Но, по словам Альфреда Эйнштейна, «сияние, окружающее Вольфганга Амадея, падает и на отца, и вырывает его из тьмы времён». Его образ, со всеми светлыми и тёмными чертами, закончен и пластичен. Честолюбие, воля, энергия высоко поднимают Леопольда Моцарта над многими его современниками.

Леопольд Моцарт (нем. Leopold Mozart; 14 ноября 1719, Аугсбург — 28 мая 1787, Зальцбург) — австрийский скрипач, композитор. Отец и учитель В. А. Моцарта, оказал значительное влияние на его творческое формирование.

Николай Карлович Метнер (24 декабря 1879 (5 января 1880), Москва ― 13 ноября 1951, Лондон) ― русский композитор и пианист.

Биография

Предки Метнера имели скандинавское происхождение (отец ― датское, мать ― шведско-немецкое), но ко времени его рождения семья уже на протяжении многих лет жила в России. Первые уроки игры на фортепиано он получил в возрасте шести лет от матери, затем учился у своего дяди, Фёдора Гедике (отца Александра Гедике). В 1892 Метнер поступил в Московскую консерваторию, где обучался в классах А. Галли, П. Пабста, В. Сапельникова и В. Сафонова, и в 1900 окончил её с большой золотой медалью. Композицией Метнер занимался самостоятельно, хотя в студенческие годы брал уроки теории у Кашкина и гармонии ― у Аренского.

Вскоре после окончания консерватории Метнер принял участие в конкурсе пианистов имени Рубинштейна, на котором заслужил почётный отзыв от влиятельного жюри, однако, по совету Сергея Танеева и своего старшего брата Эмилия вместо концертной карьеры серьёзно занялся композицией, выступая лишь изредка, и в основном с собственными сочинениями. В 1903 году некоторые из его произведений появились в печати. Соната f-moll привлекла внимание известного польского пианиста Иосифа Гофмана, своё внимание на музыку молодого композитора обратил Сергей Рахманинов (ставший в более поздние годы одним из ближайших друзей Метнера). В 1904―1905 и 1907 годах Метнер выступил с концертами в Германии, но не произвёл на критиков особого впечатления. В то же время в России (и в особенности в Москве) у него появилось немало почитателей и последователей. Признание Метнера как композитора пришло в 1909 году, когда ему была присуждена Глинкинская премия за цикл песен на слова Гёте. Метнер принимал активное участие в деятельности «Дома песни». Вскоре он получил место профессора фортепианного класса Московской консерватории, а в 1916 ― ещё одну Глинкинскую премию за фортепианные сонаты. Н. К. Метнер состоял членом совета Российского музыкального издательства, учреждённого в 1909 г. Сергеем Кусевицким, в котором помимо него состояли также А. Ф. Гедике, С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин (позднее его место занял А. В. Оссовский), Н. Г. Струве .

 В 1921 году Метнер вместе с женой эмигрировал в Германию, где, однако, интерес к его музыке был ничтожно мал, а концертных предложений почти не поступало. Финансовую помощь Метнеру оказал Рахманинов, организовавший концертный тур пианиста по США в 1924―1925. Вернувшись в Европу, Метнер осел в Париже, но там, как и в Германии, его сочинения не пользовались большим успехом. Круг друзей Метнера в это время был небольшим и состоял в основном из русских эмигрантов. Среди немногих современных ему музыкантов во Франции, почитавших его творчество, был Марсель Дюпре. В 1927 Метнер выступил с концертами в Советской России, а год спустя ― в Великобритании, где композитор получил звание почётного члена Королевской академии музыки и с успехом исполнил собственный Второй концерт с оркестром Королевского филармонического общества. Радушный приём, оказанный ему, сподвиг его на то, чтобы постоянно поселиться в Лондоне. В 1929―1930 Метнер провёл новую серию концертов в Северной Америке, однако сотрудничавшее с ним концертное агентство обанкротилось, и лишь с помощью Рахманинова ему удалось избежать финансовых трудностей.

"Старое танго" — телевизионный фильм-балет по мотивам австрийского музыкального фильма «Петер» 1934 года, поставленный режиссёром Александром Белинским и балетмейстером Дмитрием Брянцевым в 1979 году, на музыку Тимура Когана.
На волне успеха первого телевизионного фильма-балета Александра Белинского «Галатея» с Екатериной Максимовой, режиссёр искал материал для нового проекта. Первоначально он задумывался о телебалете по пьесе «Цезарь и Клеопатра» Джорджа Бернарда Шоу для той же Максимовой. Но музыки оказалось мало (Белинский предполагал использовать музыку Сергея Прокофьева к спектаклю Московского Камерного театра «Египетские ночи» 1934 года) и её разрозненные фрагменты не складывались в единое целое. Тогда у Александра Белинского возникла идея снять фильм-балет по мотивам популярного музыкального фильма 1934 года «Петер» с венгерской звездой Франческой Гааль «Сюжет „Старого танго“ был взят мною для Максимовой… потому, что Франческу Гааль, исполнительницу главной роли, называли „Чаплин в юбке“. Я хотел видеть Екатерину Максимову в мужском костюме… Сюжет „Старого танго“ выстроился так, что юмору балерины был дан полный простор». Белинскому действительно хотелось показать на экране Максимову в брюках. Но не для этого же делалось „Старое танго“! Главной задачей здесь, было попытаться через комизм всевозможных ситуаций рассказать в телебалете о судьбе и страданиях маленького человека в бездушном, фрачном мире богатых людей. По сюжету фильма бедная бездомная девушка ищет работу, но находит её лишь переодевшись в мужское платье.
Взяв в соавторы сценария и сорежиссёры Дмитрия Брянцева, с которым уже поставил «Галатею», Александр Белинский для написания музыки к фильму обратился к Тимуру Когану. Композитор, как обычно, создал виртуозные и обаятельные «вариации на тему», в данном случае — популярных мелодий 1920-30-х годов.

Лядов А.К. (1855 - 1914)

«Волшебное озеро»

Анатолий Константинович Лядов. Портрет работы И. Репина (1902).

В русской музыке Лядов занимает видное место. Хотя в целом его творчество и не поднимается до уровня великих достижений русской музыкальной классики — оно не может сравниться с творчеством Глинки и  Чайковского полнотой и многосторонностью отраже­ния жизни, значительностью идейного содержания, — все же произведения Лядова составляют ценную часть русской клас­сической художественной культуры.

Ромберг (Romberg) Бернхард (11 ноября 1767, Динклаге - 13 августа 1841, Гамбург) - немецкий виолончелист и композитор. Сын фаготиста Антона Ромберга (игравшего также на виолончели) - его первого учителя. В 1774 выступил в концерте вместе с двоюродным братом Андреасом Ромбергом, с которым до 1799 гастролировал по странам Европы и в 1790-93 служил (одновременно с Л. Бетховеном) в Боннской придворной капелле. В Бонне играл в квартете с Ф. Рисом, Андреасом Ромбергом и Л. Бетховеном. В 1801-02 профессор Парижской консерватории; в 1805-06, а затем в 1816-19 солист Берлинской придворной капеллы. Затем жил в Гамбурге, много концертировал, в т. ч. в России (впервые в 1807); в последние годы выступал как оперный дирижёр. Концертно-исполнительская деятельность Ромберга, продолжавшаяся более 50 лет и во многом способствовавшая популяризации виолончели как сольного инструмента, ознаменовала новую ступень в развитии техники игры на этом инструменте.

Ромберг владел виртуозной техникой и мощным красивым звуком. Его игра славилась благородством фразировки, была лишена какой-либо сентиментальности. Ромберга высоко ценили Л. Бетховен, Э. Т. А. Гофман, а в России - В. Ф. Одоевский, М. Ю. Виельгорский (ученик Ромберга) и др. Ромберг-композитор, подобно Л. Шпору, проявил себя как представитель раннеромантического стиля. Автор опер "Die wiedergefundene Statue" (между 1791 и 1793, Бонн), "Ulysses und Circe" (1807, Берлин), "Rittertreue" (1817) и др., 5 симфоний и камерных произведений (в т. ч. 16 струнных квартетов). Педагогическое значение сохранили его виолончельные сочинения, среди которых 10 концертов, 6 концертино, сонаты, дуэты, фантазии, дивертисменты, вариации и др. Концерты, входящие в современные учебные программы, отражают виртуозное мастерство Ромберга и особенно развитую им технику левой руки (техника "ставки"). Значительный интерес представляют вариации на темы песен разных авторов, а также на темы русских народных песен (ор. 14, 19, 20, 52). Русские темы Ромберг использовал также в "Каприччо на русские песни" (ор. 38) и фантазии "Воспоминание о Санкт-Петербурге" (ор. 77). В 1840 была издана Школа для виолончели Ромберга ("Methode de violoncelle").

Bernhard Romberg - Симфония № 2 ми-бемоль мажор, Op.28

25 сентября почитатели классического музыкального искусства отмечали день рождения выдающегося композитора и пианиста Дмитрия Шостаковича. Несмотря на то, что талантливого музыканта уже давно нет, его творческое наследие продолжает пользоваться заслуженным признанием.
Настоящий подарок меломанам - от Валерия Гергиева и Дениса Мацуева. На сцене Большого зала консерватории состоялся грандиозный концерт Симфонического оркестра Мариинского театра. Выступление прошло в день рождения Дмитрия Шостаковича и стало своеобразным посвящением великому композитору.
Найти более опытный и сработавшийся дуэт дирижера и пианиста, наверное, сложно. Но Гергиев и Мацуев волнуются - посвящение Шостаковичу звучит в день рождения композитора.
Первый фортепианный концерт- переживания композитора в каждой ноте, написан еще молодым Шостаковичем. Публике он представлял его сам. И в Московской консерватории также своего рода премьера.
Денис Мацуев уверен, первый концерт Шостаковича - отличный пример того, как классическая музыка смогла достоверно, будто в кинохронике, отразить дух эпохи. Но "режиссер" этого своеобразного фильма, разумеется, человек ироничный.
"Без чувства юмора сложно понять эту иронию, это подтрунивание над советской действительностью, над советскими маршами. И, безусловно, таперское прошлое Дмитрия Дмитриевича очень сильно слышно в этом концерте", - отмечает Денис Мацуев, пианист, народный артист России.

Прасковья (Параша) Ивановна Ковалёва-Жемчугова, графиня Шереметева (31 июля 1768, Ярославская губерния — 23 февраля 1803, Санкт-Петербург) — русская актриса и певица, крепостная графов Шереметевых.

Николай Иванович Аргунов (1771 — после 1829), русский художник. Портрет Прасковьи Ивановны Жемчуговой-Шереметевой (1803)

«Мы по достоинству еще не оценили Карла Черни», - писал И.Брамс. Эта мысль, высказанная в 19 веке, справедлива и в настоящее время. Далеко не в полном объеме известны фортепианные сочинения Черни, в том числе сборники его полезнейших инструктивных этюдов и упражнений.
Карл Черни был выдающимся фортепианным педагогом, из школы которого вышли такие музыканты- виртуозы, как Лист, Лешетицкий, Д`Альбер, Зилоти, Есипова. Черни написал более тысячи произведений различных жанров, среди них множество симфоний, сонат, трио, квартетов, этюдов и упражнений, а также фундаментальных методических трудов.

В лице К. Черни гармонично сочетались и взаимно дополняли друг друга композитор, пианист, педагог, преследующий определенные просветительские цели. Просветительские цели прежде всего были направлены на пропаганду творчества глубоко почитаемого им Бетховена, фортепианные сочинения которого составляли неотъемлемую часть концертных программ Черни. Черни переложил для фортепиано симфонию Бетховена, и именно ему композитор доверил сделать фортепианный вариант единственной и страстно любимой своей оперы «Леонора». Черни способствовал также широкому распространению произведений выдающихся композиторов 18-19 веков; он аранжировал в две и четыре руки оратории Шютца, Генделя, кантаты И.С. Баха, симфонии Шпора, Гайдна и Моцарта; впервые осуществил редакции сонат Д. Скарлатти, «Хорошо темперированного клавира» и других полифонических сочинений И.С. Баха. Черни перевел на немецкий язык школу Л. Адама « метода или общий принцип аппликатуры на фортепиано», труд А. Рейхи « Полны учебник музыкальной композиции», а также «Искусство пения в применении к фортепиано» С. Тальберга. Большой заслугой Черни является и то, что им создана своего рода фундаментальная энциклопедия «Обзор всей музыкальной истории», где в хронологическом порядке представлены сведения о крупных композиторов всех времен и народов. Наконец, Черни оставил несколько поэтических опусов. Однако, все они, кроме этюдов оказались вскоре забытыми. Подобно Гуммелю, Черни представлял венскую школу пианистов. однако, если первый был типичным классиком, то второй принадлежал уже к следующему поколению музыкантов, которые, оставаясь во многом на позициях классицизма, отдавали и некоторую дань романтизму.

Творчество Карла Черни
 www.km.ru 

Есть субъективные и объективные художники. Искусство первых, определяемое личностью творца, почти не зависит от современной эпохи.  Они сами создают себе закон, идут наперекор своему времени, творят новые формы для выражения своих мыслей.

Бах должен быть причислен к художникам объективного плана. Они целиком принадлежат своему времени, пользуются художественными формами и мыслями, которые предлагает им эпоха, не подвергают критике современные им художественные средства выразительности и не  чувствуют никакой внутренней потребности к тому, чтобы пролагать новые пути.

Их жизнь и переживания не являются единственным источником творчества, поэтому сущность этих произведений не объясняется судьбой их творца. Художественная  личность здесь свободно противопоставляет  себя обыденной человеческой, подавляя последнюю как нечто случайное. Творения Баха остались бы теми же, если бы даже весь его жизненный путь был иным. Положим, мы знали бы о его жизни больше, нежели знаем ныне, и до  нас дошли бы все письма, которые он написал, - однако   о внутренних причинах возникновения его произведений мы были бы осведомлены не более, чем сейчас.