Джованни Легренци (итал. Giovanni Legrenzi; 1626 год, Клузоне, республика Венеция — 27 мая 1690 года, Венеция, республика Венеция) — итальянский композитор и органист, сыгравший важную роль в развитии стиля барокко в музыке на севере Италии.

Джованни Легренци родился в августе 1626 года в Клузоне, недалеко от Бергамо, в республике Венеция в семье скрипача Джованни Марии Легренци и Анджелы Рицци. Начальное музыкальное образование получил у отца. С 1639 по 1643 год обучался в Академии мариан в Бергамо, где его учителем был Джованни Баттиста Кривелли.

 30 августа 1645 года был принят на место органиста в церковь Санта Мария Маджоре в Бергамо. Здесь познакомился с Маурицио Каццати. В 1651 году был рукоположен в сан священника, а в мае того же года избран в капелланы хора церкви, где служил органистом до 30 декабря 1654 года, когда был уволен по неизвестной причине, но восстановлен 23 февраля 1655 года.

Наверно, я б не вспомнила о вас,
Но у Чайковского в то утро воскресенья
В усадьбе, под “Сентиментальный вальс”
Застенчиво кружился снег весенний.
Внимая вальсу, в стороне от всех,
Я думала, бредя пустой аллеей:
Он с вами схож, весенний этот снег,
Что тронуть ветви нежностью не смеет.
И снова стынь откуда-то взялась,
И грусть, что время весен пролетело…
Ах, этот вальс, сентиментальный вальс,
Задумчивый, весь от снежинок белый.

(И. Волобуева)

В своих 3 партитах и 3 сонатах для скрипки соло великий мастер полифонии ставит перед собой почти невыполнимую задачу – написать четырехголосную фугу для сольного струнного инструмента, пренебрегая всеми техническими ограничениями, налагаемыми самой природой инструмента. Вершина баховского величия, прекрасный плод его вдохновения – знаменитая чакона (из партиты № 2), цикл вариаций для скрипки, который биограф Баха Ф.Шпитта характеризует как «торжество духа над материей». Скрипач существует до или после "Чаконы" Баха. Среди его сольных сонат и партит "Чакона" - чудо из чудес.

Из всей инструментальной музыки Баха, может быть, только самые величественные органные прелюдии и фуги сравнимы с Чаконой. Одна из особенностей Чаконы в том, что отправным началом служит не мелодия, ведомая высоким голосом, а басовая тема. Она как бы программирует своим "басовым характером" тридцать вариаций Чаконы. Безмерна глубина содержания Чаконы, безмерны возможности виртуозного исполнения ее скрипачом. О Чаконе написана большая литература. И исследователями, и поэтами. Филипп Шпитта дал одну из первых ярких характеристик баховского скрипичного шедевра: "Произведение это обнаруживает не только подробнейшее знание скрипичной техники, но и полнейшее господство над фантазией, колоссальнее которой едва ли можно встретить у другого художника. Пусть помнят, что все это написано для одной только скрипки!"

Клавесин был изобретен ещё в древнейшие времена, а первые упоминания об инструменте были найдены в 1390 году, в записях, которые вёл один известный итальянский мастер. Ранее клавесин представлял собой короткий небольшой инструмент с очень увесистым корпусом. На сегодняшний день, клавесин – клавишный струнно-щипковый музыкальный инструмент, который имеет форму треугольника. Клавесин преимущественно использовался как один из солирующих инструментов в операх в качестве музыкального сопровождения. Однако, в начале 19 века инструмент потерял свою востребованность и вышел из моды. На смену клавесину пришли иные струнно-клавишные, такие как рояль и фортепиано.
Это произошло в результате коренной смены эстетических предпочтений. Эстетика барокко, в основе которой лежит либо ясно сформулированная, либо отчетливо ощущаемая концепция теории аффектов (кратко самая суть: одно настроение, аффект — одна звуковая краска), для которой клавесин был идеальным средством выражения, уступила место сначала мирочувствованию сентиментализма, затем более сильному направлению — классицизму и, наконец, романтизму. Во всех этих стилях самой привлекательной и культивируемой стала, наоборот, идея переменчивости — чувств, образов, настроений. И выразить это смогло фортепиано. Всего этого клавесин не мог сделать в принципе — в силу особенностей своей конструкции.

Возрождение клавесина, проходившие в Европе с конца XIX века, в нашей стране было фактически остановлено в середине 1930-х годов. Новый этап начался в послевоенный период. Он был связан с поставкой клавесинов немецких фирм, с гастролями зарубежных клавесинистов и с появлением отечественных ансамблей старинной музыки и исполнителей на клавесине. 

Д.Чимароза. Рондо для клавесина.

Славный подвиг героини французского народа Иоанны (Жанны) д’Арк, как сюжет для оперы, заинтересовал Чайковского в 1878 году. Такой интерес возник не случайно.
Романтическая драма Шиллера «Орлеанская дева», впервые с огромным успехом поставленная в Лейпциге в 1831 году, пользовалась, благодаря переводу Жуковского  большой популярностью в прогрессивных кругах России. Популярность эта еще более возросла в годы общественного подъема 70-х—80-х годов. Но пьеса Шиллера была в то время запрещена к сценическому представлению. Тем не менее великая русская трагическая актриса М. Н. Ермолова нередко читала на вечерах, устраиваемых студенческой молодежью, монологи из «Орлеанской девы». Образ девушки-героини, беззаветно проникнутой идеей освобождения родины, воспламенял сердца демократической аудитории.
Народно-патриотическое содержание трагедии прежде всего привлекло к ней внимание композитора: крестьяне и рыцари Франции, одушевленные личной отвагой и пламенным призывом крестьянской девушки, побеждают англичан в так называемой Столетней войне. Решающая битва произошла у Орлеана; отсюда название Жанны — Орлеанская дева. Оклеветанная, она по приговору католического суда предается сожжению на костре.
Образ Жанны (Иоанны) д'Арк, национальной героини Франции, привлекал внимание многих на протяжении ряда столетий. Не одно поколение историков стремилось внести свой вклад в дело изучения феномена простой крестьянки, сумевшей подчинить себе королевскую власть и выступившей для спасения Франции. Известны самые разноречивые оценки этого загадочного явления. Уже среди ее современников раздавались насмешливые голоса, и при изначальном преклонении перед ней народных масс в этих же массах ее считали колдуньей, а в высших слоях — обманщицей и обманутой.
«Орлеанская дева» — одно из самых величественных оперных творений П.И.Чайковского. В ней много монументальных хоровых сцен и развернутых ансамблей и вместе с тем выразительных лирико-психологических эпизодов.

Кавати́на (итал. cavatina, уменьшительное от итал. cavata) — небольшая лирическая оперная ария. Произошла от каваты. С конца XVIII века часто - выходная ария в опере (каватина Фигаро в опере «Севильский цирюльник», каватины Князя, Алеко). Небольшая и несложная песенная форма в небыстром темпе в духе арии с одной нежной темой. В XIX—XX вв. наряду с виртуозной (каватина Розины и др.) распространена каватина созерцательного плана в умеренно-медленном темпе, с песенной мелодикой (две каватины в оратории «Времена года» Й. Гайдна; каватины Агаты, Антониды; каватина Невесты в симфонии-кантате «На поле Куликовом» Шапорина; каватина Тома в опере «Похождения повесы» Стравинского). Некоторые каватины являются развёрнутыми ариями (каватины Людмилы, Кончаковны, Владимира Игоревича). Каватинами иногда называют певучие инструментальные пьесы.

Rossini The Barber of Seville - Rosina's Cavatina

Собор Святого Павла

Под куполом этого величественного собора, великолепного сооружения, построенного архитектором Кристофером Реном, наследник британского престола и леди Спенсер сказали друг другу: «клянусь». Это случилось 28 июля 1981 года. Многие помнят, как самая красивая невеста в мире шла между рядов церковных скамей под "Trumpet Voluntary" композитора Джереми Кларка.

Но мало кто помнит автора этого волнующего произведения.

Первоначально балет как вид театрального искусства не существовал самостоятельно, а служил дополнением, часто для перебивки действия в опере, опередившей балет в развитии, или действом для внимания зрителей на время, пока менялись декорации. Балетные фрагменты в операх были обычным явлением. Танцоры выступали в масках, а их танец, обычно бессодержательный, не имевший никакого отношения к разворачивающейся интриге основного представления (живые скульптуры или «живые пирамиды»), был отвлекающим танцевальным дивертисментом. В 17 веке балет именно в значении вводного танца неоднократно использовал в своих пьесах Мольер. Постепенно значение балета росло, к середине 18 столетия пантомимой даже порой стали замещать какую-нибудь оперную арию, но это все ещё были вставные номера. И так продолжалось до балетных реформ Ж.-Ж. Новерра, ставшего основателем современного цельного балетного сюжетного спектакля. Первым в истории полным сюжетным балетом, состоящим из пантомимических сцен наравне с танцевальными, стал балет «Ясон и Медея» на музыку Ж.-Ж.Родольфа, поставленный Новерром в Штутгарте. При этом балет не утратил и своей вспомогательной функции в оперных постановках, даже наоборот: развил её, превратив танец в оперном спектакле в канву общего сюжета. И во многих современных оперных спектаклях часто используются вводные балетные сцены.

Балетная сцена из оперы "Руслан и Людмила"Глинки.

Волшебный замок Наины. Появляются девы Наины и своими плясками (традиционный балетный номер в опере)  очаровывают Ратмира.

Симфония № 5 до минор, op. 67, написанная Людвигом ван Бетховеном в 1804—1808 годах, — одно из самых знаменитых и популярных произведений классической музыки и одна из наиболее часто исполняемых симфоний. Впервые исполненная в 1808 в Вене, симфония вскоре приобрела репутацию выдающегося произведения. Э. Т. А. Гофман назвал симфонию «одним из самых значительных произведений эпохи».

Бетховен в 1804 году. Фрагмент портрета работы В. Мэлера.

Главным и легко узнаваемым элементом первой части симфонии является двойной мотив из четырёх тактов:

Симфония, и особенно начинающий её мотив (известный также как «мотив судьбы», «тема судьбы»), стали настолько широко известны, что их элементы проникли во множество произведений, от классических до популярной культуры разных жанров, в кино, телевидение и т. д. Она стала одним из символов классической музыки.

Symphony No. 5 in C minor, Op. 67

Сопрано

Знаете ли вы сказку о Снегурочке? Ее написал русский драматург А. Н. Островский, а композитор Н. А. Римский-Корсаков создал на ее основе оперу. Партию Снегурочки - хрупкой, нежной дочери Мороза и Весны, он поручил высокому, светлому и серебристому, словно колокольчик, голосу - колоратурному сопрано. Колоратурное сопрано - самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения - колоратуры. Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц - спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков. Для колоратурного сопрано написано много разных партий. Раньше композиторов привлекали в нем блеск и виртуозность, возможность исполнять блестящие пассажи. Потом, в XIX веке, стали обращать больше внимания на выразительность пения. Характер звучания колоратурного сопрано позволяет создавать шаловливые, своенравные образы, такие как Людмила в «Руслане и Людмиле» Глинки, Церлина в «Дон-Жуане» Моцарта. Часто колоратурному сопрано поручают партии сказочных персонажей - Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. Шемаханской царицы в его же «Золотом петушке». Иногда большим количеством колоратурных украшений композитор хочет приблизить звучание голоса к тембру инструмента, подчеркнуть его холодный блеск.

Вильгельм Петерсон-Бергер (Wilhelm Peterson-Berger)

"Фрёсёнские цветы" (Flowers of Frösö) , оркестровая сюита № 1 

Summer song

Шопен - один из главных представителей романтизма в музыке. Никогда — ни до, ни после Шопена — на его родине, Польше, не рождался музыкальный гений такого уровня. Его творчество почти целиком является пианистическим. Хотя редкий композиторский дар Шопена мог бы сделать его замечательным симфонистом, его деликатная, замкнутая натура довольствовалась рамками камерного жанра — если не считать, конечно, двух его замечательных фортепианных концертов. Им было написано всего 2 концерта для фортепиано с оркестром (1829, 1830 ). Они (особенно ми-минорный) стали высшим достижением раннего творчества Шопена, отразили все грани художественного мира двадцатилетнего композитора. Элегическая лирика оттеняется блеском виртуозности и по-весеннему светлыми  темами.  Сокровенный лиризм, глубочайшая психологичность, тонкость в передаче настроений, мечтательная созерцательность - важнейшие тенденции музыкального романтизма.

Хореографическая сюита на музыку Дмитрия Шостаковича по одноименной трагедии У.Шекспира

Год выпуска: 1969
Жанр: Фильм-балет
Выпущено: СССР, ТО «Экран»
Режиссер: Виктор Камков, Сергей Евлахишвили
Исполнитель: Марис Лиепа, Маргарита Алфимова, Сергей Радченко, Ирина Холина, Андрей Кондратов, Василий Смольцов, Екатерина Аксенова, Ирина Возианова, Григорий Гуревич

О фильме: Наверное, трудно найти человека, не знающего великого поизведения Уильяма Шекспира «Гамлет», а знаменитое «Быть или не быть» произносят люди, ни разу не читавшие его… просто на слуху. Величайшие режиссёры не раз воплощали эту пьесу на экране: Лоуренс Оливье и Григорий Козинцев, Тони Ричардсон и Франко Дзеффирелли, Кеннет Брана и многие, многие другие. Хореография при воплощении Шекспировской трагедии находится в более сложном положении по сравнению с другими видами театрального искусства. Как выразить пластикой тела главный вопрос: «Быть или не быть?», как раскрыть глубину философской мысли Шекспира, как передать танцем монологи, например Гамлета «Бедный Йорик»? Эти вопросы стояли перед постановщиками балета, которые работали над хореографической интерпретацией великой трагедии. В предлагаемом фильме-балете это вполне удалось и в первую очередь благодаря гениальному Марису Эдуардовичу Лиепе.

Cовершенно справедливо. Гениальное "вживание" Мариса Лиепы в образ - залог успеха этого красивейшего и волнующего зрелища!!!
Очень красивый балет!!! При минимуме декораций ( их, практически, нет, только фон да лестница), за счёт яркого таланта и высочайшего уровня исполнительского мастерства абсолютно всех участников этой драматической истории, интересных и необычных режиссёрских находок, оригинального постановочного замысла и грандиознейшей, потрясающей музыке Дмитрия Шостаковича, мы видим здесь настоящего Гамлета из одноимённого произведения Шекспира - влюблённого, одолеваемого сомнениями, глубоко страдающего, мятущегося...сражающегося.
Здесь и тень отца Гамлета, который "рассказывает" сыну о злодеянии, совершённом против него... Очень интересно решён этот момент...
И кровь на ступенях лестницы...из красной материи... И множество других интересных придумок.
Невозможно не отметить музыку Шостаковича, которая поражает многообразием оттенков, отображающих настроение каждого из героев, и придаёт определённый музыкальный окрас каждому событию и душевному состоянию героев.
Торжественная, бравурная, тревожная, лирическая, печальная - музыка, как живой организм.
 

Источник:Торрент трекер Кинозал.ТВ

Густав Малер родился 7 июля 1860 года в небольшом местечке Калишт на границе между Чехией и Моравией. 

Он оказался вторым ребенком в семье, а всего у него было тринадцать братьев и сестер, из которых семеро умерли еще в раннем детстве.

Бернгард Малер - отец мальчика - был человеком властным и в небогатой семье крепко держал вожжи в своих руках. Может быть, поэтому Густав Малер до конца своей жизни "не нашел ни слова любви, говоря о своем отце", и в воспоминаниях лишь упоминал о "несчастливом и полном страданий детстве". Но, с другой стороны, отец сделал все возможное для того, чтобы Густав получил образование и смог полностью развить свой музыкальный талант.

Доменико Чимароза.

Удивительна история композитора неаполитанца. С Венецией его связывает только то, что он там внезапно умирает. Но история отнесла его к венецианцам.
А еще - это первый известный композитор, оставивший свое имя в истории в России. Хотя до него в России был успешен и пребывал в фаворе композитор венецианец Галуппи.
18 век принес много нового в жизнь человека. Это, прежде всего, капитализм и все, что с ним связано. Зазвучало слово «рабочий», пришло активное осознание «бедняк-богач», заговорили о республиканском правлении и начались волны социальных протестов.
Вот в это-то время — в 1749 году 17 декабря, близ Неаполя -и рождается в семье каменщика мальчик Доменико.
Сегодня, в музыкальных школах, его музыку начинают играть уже во 2 классе. На экзамене по окончании года почти все дети играют сонаты Чимарозы.
Это и есть тот самый мальчик Доменико.
Однако имени композитора, которого сравнивают с Моцартом, за которым признают право создания «оперы-буффа», т.е. комической оперы, никто и не знает.

Судьба подарила ему трудное детство– отец умер очень рано, не оставив семье средств на жизнь. Мальчика отдали сначала в монастырскую школу, а затем в сиротский дом Санта Мария ди Лорето, где он пробыл целых одиннадцать лет. В приюте мальчика учили игре на скрипке, органе, клавесине. Здесь юный Чимароза много пел. Понятно, что детей сирот таким образом готовили к служению в церкви. Обучение, как и полагается в таких заведениях, сопровождалось побоями и унижениями.

 Il Maestro di Cappella (1/3) Sinfonia

Муцио Клементи появился на свет 23 января 1752 года в Риме, в семье ювелира – Николо Клементи, страстного любителя музыки. Талант мальчика раскрылся очень быстро: уже в 6 лет Муцио пел по нотам. Отец, Николо Клементи, заметив талант и дарование мальчика, решил, что его сын должен продолжать совершенствовать свое мастерство и в серьез заняться музыкальными занятиями. Для этого он приглашает двух выдающихся композиторов. В возрасте 7 лет, Клементи брал уроки гармонии у органиста Кордичелли, а затем продолжал учиться пению у Дж. Сантарелли. Они взялись заниматься с мальчиком и к 9 годам подготовили его к участию в конкурсе на место органиста, которое тот благополучно и занял.

В 14 лет Клементи отправился в Англию, где выступает с концертами, пользующимися огромной популярностью у публики. А через некоторое время, родители получают уведомление, что их сын получил место капельмейстера итальянской оперы в Лондоне, хотя Муцио нет и 20 лет.
Продолжая совершенствовать свое мастерство игры на фортепиано. Клементи постепенно снискал славу блестящего виртуоза и замечательного педагога.

Minuetto Pastorale.

Чечилия Бартоли  -  одна из самых ярких звезд современного оперного Олимпа. Когда Чечилию спрашивают о ее карьере, она отвечает: «Моменты красоты и счастья — вот то, что я хочу дать людям. Всевышний даровал мне возможность делать это благодаря моему инструменту. Направляясь в театр, я хочу, чтобы мы оставили привычный мир позади и устремились в мир новый».

В 1999 году в ансамбле с одним из самых популярных коллективов старинных инструментов «Il Giardino Armonico» Бартоли выпустила альбом арий Вивальди. Большинство этих сочинений в последний раз исполнялось более двухсот лет назад, и певица сама отбирала партитуры в библиотеке Турина. Ценность этого альбома не столько в знаменитых «пиротехнических» фиоритурах, сколько в удивительном сочетании аутентичного и вместе с тем сверхтемпераментного музицирования, которое отличает и пение Бартоли, и игру «Il Giardino Armonico». Певица обладает редким по красоте  голосом, ей свойственны поразительная трепетность и осмысленность интерпретаций. В Бартоли есть то, что было в лучших певцах прошлых поколений и что почти утрачено сегодня — глубина и сила высказывания...

Произведения из репертуара Ансамбля скрипачей Большого Театра.

Идея создания этого прославленного коллектива принадлежала концертмейстеру оркестра Большого театра Юлию Марковичу Реентовичу, руководившему ансамблем с 1956 года до своей смерти в 1982 году. Ансамбль скрипачей Большого театра был создан в конце 1955 года, а его первое публичное выступление состоялось 25 февраля 1956-го, и эта дата считается днем его рождения.

«Первые шаги ансамбля скрипачей, – пророчески писал тогда Дмитрий Шостакович, – нас убеждают в том, что будущее этого коллектива прекрасно, и он займет видное место в строительстве советской музыкальной культуры».

Реентович не был великим композитором. Он не был и великим скрипачом, лауреатом международных и всяческих конкурсов.

Его имени нет даже во всезнающей Википедии!
И нет ни одной видеозаписи выступлений некогда прославленного Ансамбля скрипачей Большого театра, основателем и бессменным руководителем которого он являлся.
Есть только скупые несколько строчек биографии, да рассказы о его коллективе в статье, посвященной скрипачке ансамбля и его последовательнице Марте Кушнирской 

Вот в эти несколько строк уложилась биография этого талантливейшего мастера:
Юлий Маркович Реентович, скрипач.

Родился 12 ноября 1914 в Тамбове. Отец - скрипач и педагог Марк Наумович Реентович, ученик Леопольда Ауэра.
В 1931 окончил Тамбовский музыкальный институт по классу скрипки профессор М.Н. Реентовича.
В 1931-1935 совершенствовался в Москве у Абрама Ильича Ямпольского.
С 1931 - артист, с 1952 - концертмейстер оркестра Большого театра.
С 1956 - художественный руководитель организованного им Ансамбля скрипачей Большого театра.
С 1976 - Народный артист РСФСР. Даже не СССР.
И всё.
Но внутри этих коротеньких биографических строчек - целая жизнь.
 

Фибих "Поэма"

Режиссер: Александр Белинский

В ролях: Марис Лиепа, Екатерина Максимова, Вадим Гуляев, Константин Заклинский, Сергей Федянин, Святослав Кузнецов и артисты балета Оперной студии Ленинградской консерватории

Оркестр Академического Малого театра оперы и балета

Дирижер Тимур Коган

«Галатея» — фильм-балет по мотивам пьесы Бернарда Шоу «Пигмалион», поставленный режиссёром Александром Белинским и балетмейстером Дмитрием Брянцевым в 1977 году, на музыку Тимура Когана.

Идея фильма-балета по мотивам пьесы «Пигмалион» Джорджа Бернарда Шоу и мюзикла Фредерика Лоу «Моя прекрасная леди», созданного по этой пьесе пришла в голову сценариста и телевизионного режиссёра Александра Белинского в 1967 году. Но руководители советского телевидения не разделяли энтузиазма режиссёра и не были готовы запустить в производство столь сомнительный проект.

«Идея „Галатеи“ полностью принадлежит Александру Аркадьевичу Белинскому. Мы познакомились с ним давно, всё в том же Щелыкове, где он принимал деятельное участие в „Аркадиадах“. Там же, в Щелыкове, он рассказал мне свой замысел сделать фильм-балет по пьесе Бернарда Шоу „Пигмалион“, в котором профессор Хиггинс будет преподавать цветочнице Элизе хорошие манеры, но обучая её не правилам произношения, а правилам движений классического танца. Идея меня очень заинтересовала, но… ждать пришлось целых десять лет! В Москве нам долго снимать не давали. Белинский называл разных балетмейстеров, но все они не устраивали телевизионное начальство. Хотя на самом деле это был только повод, чтобы не пускать сам фильм.» — Екатерина Максимова

11 Хоральных прелюдий для органа Op.122

Mein Jesu,der du mich

Herliebster Jesu

O Welt, ich muss dich lassen

Herzlich tut mich erfreuen

Schmuecke dich, o liebe Seele

O wie selig seid ihr doch, ihr Frommen

O Gott, du frommer Gott

Es ist ein'Ros' entsprungen

Herzlich tut mich verlangen 

Herzlich tut mich verlangen 

O Welt, ich muss dich lassen