Великие испанские композиторы: Франсиско Таррега, Исаак Альбенис, Энрике Гранадос, Мануэль де Фалья, Мигель Льобет, Федерико Морено Торроба

Requerdos de la Alhambra - Francisco Tarrega

Capricho Arabe (Serenata) - Francisco Tarrega

Suite Espanola Sevilla (Sevillanas) - Isaac Albeniz

Suite Espanola Asturias - Isaac Albeniz

Recuerdos de Viaje Rumores de la aleta (Malaguena) - Isaac Albeniz

Mallorca - Isaac Albeniz

Danzas Espanolas Andaluza - Enrique Granados

El sombrero de tres picos: Danza del Molinero - Manuel De Falla

Melodias Popular Catalana: El Testament d'Amelia - Miguel Llobet

Melodias Popular Catalana: Canco del'llarde' - Miguel Llobet

Serenata Burlesca - Frederico Moreno-Torroba

Фильм-опера, экранизация одноимённой оперы Джузеппе Верди. Музыкальная трагедия. Отелло — воин и прославленный в битвах герой, но доверчивый человек и ревнивый муж, страстно влюблённый в свою красавицу-жену, кроткую и чистую Дездемону. Яго, коварно попирающий все нравственные законы, убеждает Отелло в неверности супруги... Трагедия, поражающая правдивостью и глубиной воплощения человеческих характеров. С необычайной рельефностью и драматической силой созданы музыкальные портреты в опере Верди — одного из поздних шедевров композитора. рассказывающие о вечном конфликте человеческих чувств – чистой и кроткой любви, безумной страсти и ревности, коварстве и подлости.

Гениальная музыка великого композитора создает прекрасный фон, на котором еще ярче проступают характеры героев, их страсти и переживания.

Производство: Ленфильм, СССР, 1987 год
Режиссёр: Александр Белинский
Сценарий: Александр Белинский
Оператор: Генрих Маранджян
Художник: Белла Маневич-Каплан
В фильме звучит музыка Чарльза Чаплина
В ролях:
Гали Абайдулов, Екатерина Максимова,
Наталия Киричек, Константин Заклинский,
Андрей Босов

Режиссер-постановщик этого фильма Александр Белинский рассказывал: "Этот фильм на музыку Чаплина, по мотивам произведений Чаплина, но не о Чаплине. Герой картины - "маленький" человек, артист варьете; антигерой - диктатор, правящий в одном вымышленном государстве. Нигде ни разу цитатно не обыгрывая великих фильмов Чаплина, мы хотели сохранить его дух, его смех, его трогательность, его характеры и даже его атрибуты и места действия.

В своей работе мы придерживались главной темы творчества Чаплина - сочувствие "маленькому" человеку и старались выразить эту главную мысль средствами современной и классической хореографии".

Роль примадонны варьете и фаворитки диктатора в этом фильме исполнила известная балерина Екатерина Максимова. Такого характера еще не было среди сценических и экранных созданий балерины. Но именно телеэкран особенно щедр на сюрпризы и именно в телебалетах каждый раз так неожиданно раскрываются еще неизвестные грани уникального дарования Максимовой.

Смелость и умение рисковать в поисках нового всегда отличали творчество Владимира Васильева. Выдающийся танцовщик и балетмейстер все чаше обращается к режиссуре и созданию целостных художественных произведений. Теперь та же творческая группа "Анюты", тот же коллектив единомышленников объединился в работе над "Чаплинианой".
Гали Абайдулов, еще студентом исполнявший одну из главных партий в чеховском балетном шедевре Васильева, исполняет в "Чаплиниане" сразу две роли - всесильного Диктатора и мечтателя - клоуна, на противоборстве которых и строится сюжет фильма. С именем Абайдулова связано даже рождение нового амплуа - "артист телевизионного балета".
"Чаплиниана" - дипломная работа Абайдулова, выпускника курса Васильева и Максимовой балетмейстерского отделения ГИТИСа. Это весьма редкое сочетание - сотворчество в одном фильме учителей и учеников.


 


 

Шуберт. «Прекрасная мельничиха»

Die schöne Müllerin, Op. 25, D. 795

Вокальный цикл

(1823) — своего рода «роман в песнях», охваченный единой фабулой. Молодой человек, полный сил и надежд, отправляется навстречу счастью. Весенняя природа, бодро журчащий ручеек — все создает жизнерадостное настроение. Уверенность вскоре сменяется романтическим вопросом, томлением неизвестности: Куда? Но вот ручей приводит юношу к мельнице. Любовь к дочери мельника, ее счастливые мгновения сменяются тревогой, терзаниями ревности и горечью измены. В ласково журчащих, убаюкивающих струях ручья герой находит покой и утешение.

История создания

1820-е годы — пора расцвета творчества Шуберта. Уже написаны сотни песен, которые постепенно начинают завоевьтать признание у любителей музыки, исполняются на домашних вечерах. В последние 5 лет своей короткой жизни композитор создает новый крупный романтический жанр — вокальный цикл, состоящий из 20 и более миниатюр. Таких циклов у Шуберта два, и оба написаны на тексты Мюллера.

Вильгельм Мюллер (1794—1827) — современный Шуберту немецкий поэт-романтик, проживший почти столь же короткую жизнь. Сын ремесленника, он учился в Берлинском университете, но, увлеченный общим патриотическим порывом, в 19 лет вступил добровольцем в армию, чтобы сражаться с Наполеоном. Вернувшись после изгнания французов в университет, Мюллер, подобно Шуберту, стал участником кружка молодежи, включавшего поэтов и ученых. Они восхищались народной песней, обсуждали новинки поэзии и нередко устраивали литературные игры. В конце 1816 года это была игра «Роза, мельничиха», где руки прекрасной мельничихи добивались подмастерье мельника, охотник, садовник, рыбак; она вначале отвечала на любовь мельника, а затем отдала предпочтение охотнику. Каждый из членов кружка писал стихи от лица своего героя. Мюллер, в соответствии с фамилией, играл роль мельника. Зимой 1816—1817 годов он написал 8 стихотворений и сделал наброски еще нескольких. Его стихи были признаны в кружке лучшими, учитель юного Мендельсона композитор Людвиг Бергер положил 5 из них на музыку. Все это побудило Мюллера отделить свои стихи от чужих, дополнить их новыми и в 1818 году опубликовать цикл из 16 стихотворений под названием «Прекрасная мельничиха». Готовя к изданию сборник «Стихотворений из бумаг, оставленных странствующим валторнистом», поэт в 1820 году расширил цикл до 25 стихотворений, включавших пролог и эпилог. Две части сборника (77 стихотворений) были изданы в 1821 и 1824 годах с посвящением Веберу — «мастеру немецкой песни, в знак дружбы и восхищения».

1.В путь

Неизвестно, что вдохновило Римского-Корсакова на замысел Испанского каприччио: в отличие от Глинки, он никогда не был в Испании. Работа, которой он занимался в это время, была очень далека по тематике. Быть может, он услышал Испанскую симфонию Лало? Во всяком случае первоначально замысел был «сочинить что-нибудь виртуозное для скрипки с оркестром (в 1886—1887 годы композитор подробно познакомился со скрипичной техникой). Взяв две русские темы, я сочинил на них фантазию и посвятил П. А. Краснокутскому, преподавателю скрипки в капелле, которому был обязан многими разъяснениями по части скрипичной техники... оставшись доволен своей пьесой, я задумал написать еще виртуозную скрипичную пьесу с оркестром на испанские темы, но, сделав некоторый набросок ее, оставил эту мысль, предпочитая написать впоследствии на эти же темы пьесу оркестровую с виртуозной инструментовкой», — читаем в «Летописи» Римского-Корсакова.

Спокойное течение жизни было прервано трагическим известием: в феврале 1887 года члены Могучей кучки были потрясены неожиданной смертью своего сотоварища Бородина. «После похорон Александра Порфирьевича на кладбище Невского монастыря я вместе с Глазуновым разобрал рукописи, и мы решили докончить, наинструментовать, привести в порядок все оставшееся после А. П. и приготовить все к изданию, приступить к которому решил М. П. Беляев», — писал Римский-Корсаков в «Летописи». Работа была огромной, в основном — над оперой «Князь Игорь». «На лето 1887 г. мы наняли дачу в Лужском уезде (Петербургской губернии), в имении Никольском на берегу озера Нелай. Я усердно работал все лето над оркестровкой «Князя Игоря» и успел сделать многое. В середине лета эта работа прервалась на некоторое время: я написал Испанское каприччио из набросков предполагавшейся виртуозной скрипичной фантазии на испанские темы. По расчетам моим Каприччио должно было блестеть виртуозностью оркестрового колорита, и я, по-видимому, не ошибся». Эти строки «Летописи» — единственное свидетельство того, как создавалось яркое, блестящее и своеобразное произведение. Основой для него стал сборник «Ecos de Espana. Colleccion de cantos у bailes populares recopilados po Jose Inzenga. Barcelona. D. Andres Vidaly Roger», имевшийся у композитора. Впрочем, возможно именно изучение этого сборника и вдохновило его. Безусловно влияние на это произведение и замечательных Испанских увертюр Глинки.

Большой зал Московской консерватории – один из самых известных кон цертных залов мира.
Прекрасное оформление, удобное расположение и – самое главное для музыкантов – великолепная акустика снискали ему заслуженную славу лучшей концертной площадки Москвы и России.
Его торжественное открытие состоялось 7 (20) апреля 1901 г.
Здание строилось по проекту архитектора В. П. Загорского. От старого дома, построенного на этом месте еще для княгини Е. Р. Дашковой в конце XVIII века, он оставил только знаменитый фасад с полуротондой.
Многое было сделано на деньги московских меценатов – от меблировки и ковров до прекрасного органа парижской фирмы «А. Cavaille-Coll» («Кавайе-Коль») 1899 г., до сих пор украшающего Большой зал.
Еще в 1900 г. на Парижской всемирной выставке он был признан одним из лучших органов мира.
Большой зал в истории Москвы – больше, чем просто концертный зал.
 В Первую мировую войну (в 1915 – 1917 гг.) здесь располагался военный госпиталь, а с 1924 по 1933 г. в дневные часы Большой зал был популярным кинотеатром.

Большой зал московской консерватории

Джузеппе Тартини принадлежит к числу корифеев итальянской скрипичной школы XVIII века, искусство которых сохраняет свое художественное значение до нашего времени.

Д. Ойстрах

Биография Тартини – своего рода приключенческий роман. Родители готовили сына к карьере священнослужителя, однако он поступает в университет, чтобы стать юристом. Практически самостоятельно овладевает скрипичной игрой. Учился игре на скрипке у некоего Джулио ди Терни, который позднее сам учился у Тартини. В эти годы он больше, чем университетом, увлекается фехтованием и готовит себя к карьере фехтмейстера. Победы на дуэлях завоевали ему славу искуснейшего фехтовальщика городка, где он обучался юриспруденции.
Как утверждает одна из легенд о Тартини, он похитил племянницу кардинала Корнаро и тайно женился на ней. Уголовная полиция Рима настигла их в дороге. Тартини пришлось бежать, а потом под страхом смерти тайком пробираться к жене на свидания. Более двух лет Тартини скрывался в монастыре под чужим именем, проводя время в игре на скрипке, под руководством монаха. Там и определилось его музыкальное призвание. Он вернулся домой зрелым музыкантом. Им овладели религиозные настроения, он стал человеком внутренне сосредоточенным, полностью преданным избранному искусству. Он уединился еще на некоторое время, чтобы достичь совершенства в исполнительском искусстве. И добился своего.
Тартини внес серьезнейший вклад в развитие искусства игры на скрипке. Усовершенствовал конструкцию смычка, удлинив его, и выработал основные приемы ведения смычка, признанные всеми современными скрипачами.
Его игру отличала поразительная чистота, виртуозность, фантастическая для того времени техника. Необыкновенное звучание его скрипки считалось эталонным.
Композитор создал огромное количество произведений. В их числе около 125 концертов, 175 сонат для скрипки и чембало, «Трактат о музыке, основанный на истинном знании гармонии» и «Трактат об украшениях», отражающие музыкально-эстетические взгляды Тартини.
 

ТАРТИНИ. «ДЬЯВОЛЬСКИЕ ТРЕЛИ».

«Дьявольские трели» – скрипичная соната соль-минор. Сами «дьявольские трели» это невероятно сложные для исполнения пассажи в заключительной части сонаты: солист должен выводить трели на одной струне, играя быстрые пассажи на другой. Эта соната считается одной из самых сложных для исполнителей.
Существует легенда о том, что «Дьявольские трели» Тартини написал в монастыре, где вынужден был скрываться от преследований. Однажды ночью Тартини приснилось, что к нему пришел Дьявол и сыграл ему потрясающую скрипичную сонату. Утром Тартини вскочил и по памяти записал произведение. Так в мире искусства появилась еще одна легенда, а также безумно сложное и самое популярное произведение итальянского маэстро.

Соната для фортепиано № 23 фа минор, соч. 57, также известная как Аппассионата (итал. Appassionato - воодушевленно, страстно, живо) — одна из самых известных бетховенских сонат. Композитор работал над ней в течение 1804 - 1805 и, возможно, 1806 годов. Это тяжелый период в жизни Бетховена, когда он начал осознавать необратимость прогрессирующей глухоты (в 1802 году написано его "Гейлигенштадтское завещание"). Соната имеет посвящение графу Францу фон Брунсвик. Впервые опубликована в Вене в феврале 1807 года.

Общепризнано, что Аппассионата принадлежит к величайшим завоеваниям Бетховена в области героического искусства. Это кульминация в развитии героико-драматической сонаты, произведение потрясающей силы воздействия (Ромен Роллан, определяя значение Аппассионаты среди других сонат, сравнил ее с «Монбланом, который царит над альпийским массивом»). Сам композитор считал Аппассионату самой лучшей своей сонатой.

В отличие от Сонаты №8, "Патетической", Appassionata получила свое название уже после смерти композитора, оно появилось в 1838 с легкой руки издателя четырехручного переложения сонаты (принадлежит гамбургскому издателю Кранцу). Название очень точно отражает сущность бетховенского творения, в музыке которого бушуют страсти поистине шекспировского масштаба. Их необыкновенное напряжение подчиняется железной мощи логики (тот же Роллан назвал Аппассионату «пламенным потоком в гранитном руслe»).

Известно, что Бетховен связывал содержание Аппассионаты  с шекспировской «Бурей», прославляющей мужество человека, его разум и волю.  Бетховен утверждает: смысл человеческой жизни – в преодолении страха и отчаяния, героическом сопротивлении, в неустанной борьбе. Мало услышать в буре только бушева­ние стихийных сил природы – это бури и вихрь душевных страстей. Музыка рождает ощущение острой борьбы, мучительных усилий, предельного напряжения душевных сил.

 Джон Уильям Уотерхаус - Миранда ("Буря" Шекспира)

Одно из лучших исполнений этой сонаты - Клаудио Аррау

Каменный гость — опера в трёх действиях Александра Сергеевича Даргомыжского по тексту А. С. Пушкина «Дон-Жуан, или Каменный гость» из цикла «Маленькие трагедии». Написана в 1866—1869 гг.

Идея оперы возникла у Даргомыжского в 1863 году, однако не будучи уверен в успехе, он поначалу рассматривал свою работу как опыт, творческую «разведку» и в одном из писем сообщал: «Забавляюсь над „Дон-Жуаном“ Пушкина. Пробую дело небывалое: пишу музыку на сцены „Каменного гостя“ так, как они есть, не изменяя ни одного слова»  Композитор был увлечен работой, но из-за болезни сердца она продвигалась не столь быстро. Опера уже была близка к завершению, и композитор с удовольствием рассказывал о ходе работы над ней своим друзьям. Но дописать ее до конца Даргомыжский не сумел, смерть в январе 1869 года не позволила. Это сделали его друзья. После смерти Даргомыжского, в соответствии с его желанием, «Каменный гость» был дописан по авторским эскизам Кюи (в клавире) и оркестрован Римским-Корсаковым. Первое исполнение оперы состоялось 4 (16) февраля 1872 года на сцене Мариинского театра в Петербурге.
В 1987 г. Михаил Коллонтай оркестровал оперу без дополнений и поправок Кюи и Римского-Корсакова.

ПРИХОД ВЕСНЫ

Зелень нивы, рощи лепет,
В небе жаворонка трепет,
Теплый дождь, сверканье вод,-
Вас назвавши, что прибавить?
Чем иным тебя прославить,
Жизнь души, весны приход?
Василий Жуковский

  La Primavera - Allegro (март) 

«Онегин»

 «Я не принадлежу какому-то одному народу, какой-то одной стране или вероисповеданию. Я хореограф. Я художник. Я принадлежу всем. Мое кредо – совесть». Посмертная судьба его наследия - подтверждение правоты этих слов. За отпущенные 45 лет жизни Кранко успел создать шедевры, которые и сегодня привлекают любителей балета во всем мире. В 1994 году труппа «Бостон балет» стала первым коллективом, воссоздавшим шедевр Кранко «Евгений Онегин» на американском континенте.

Под звуки с детства игранной-переигранной пьесы Чайковского перед глазами вдруг возникает занавес-экран: лавровый венок, бронзовыми листьями оплетающий выпуклый, золотом расшитый вензель «ЕО». Торжественная элегантность вступления сразу задаёт тон всему последующему действию и особому состоянию души тех зрителей, для которых слишком многое «слилось и отозвалось...» в сочетании этих букв:

Татьяна пред окном стояла,
На стекла хладные дыша,
Задумавшись, моя душа,
Прелестным пальчиком писала
На отуманенном стекле
Заветный вензель О да Е...

Бранденбургские концерты (BWV 1046-1051) Иоганна Себастьяна Баха — цикл из 6 концертов, преподнесённых Бахом в качестве подарка маркграфу Бранденбург-Шведта Кристиану Людвигу Бранденбург-Шведтскому в 1721 г., но, скорее всего, сочинённых ранее.

"Покорнейше прошу Вас не судить их несовершенство со строгостью музыкального вкуса, тонкого и деликатного, которым, как всем известно, Вы обладаете", - с присущей ему скромностью писал Бах в посвящении.

Поскольку под дарственной надписью стоит дата 24 марта 1721 г., известен terminus ante quem, однако точное время сочинения неизвестно. Скорее всего, концерты были написаны в годы работы в Кётене или даже ранее того.

Дарственная надпись Баха указывает лишь, что это «Concerts avec plusieurs instruments», т. е. концерты для нескольких инструментов. На самом деле, в концертах Бах задействовал множество инструментов в смелых и неожиданных для своего времени сочетаниях.

Рахманинов - Ангел (М. Лермонтов)

По небу полуночи ангел летел
И тихую песню он пел;
И месяц, и звезды, и тучи толпой
Внимали той песне святой.
Он пел о блаженстве безгрешных духов
Под кущами райских садов;
 О Боге великом он пел, и хвала
Его непритворна была.
 Он душу младую в объятиях нес
Для мира печали и слез,
И звук его песни в душе молодой
Остался – без слов, но живой.
И долго на свете томилась она,
Желанием чудным полна;
И звуков небес заменить не могли
Ей скучные песни земли.

Как-то так получилось, что в Сообществе осталось без внимания такое событие, как День рождения великого и всеми любимого композитора Фредерика Шопена. Сегодня, пусть с небольшим опозданием, постараюсь это исправить...

Мой благодарный слушатель , ты тут...
Я чувствую...И я играю снова !
Пусть звуки те скорее путь найдут
К душе , что жаждет , требует такого -
С Шопеном вместе сопереживать ,
Услышать эхо неземных мелодий...
Ведь музыка не может не сближать!
Как чуткий друг , всегда слова находит,
Когда темно в душе - невмоготу...
Или любовью вся душа сияет.
Мой благодарный слушатель,ты тут -
Поёт рояль...Шопена дух витает...

Татьяна Герасимова

К мазурке Шопен обращался чаще, чем к любому другому жанру. Мазурка была постоянной спутницей его жизни, «зеркалом души», «венцом» всего шопеновского творчества – как известно, первым произведением композитора стал полонез, а последним – мазурка. Об огромном значении мазурки в музыке Шопена говорит и то, что ее стилистические признаки часто проникают в другие жанры композитора, например, в полонез, прелюдию, вариации, концерт. И всюду их появление безошибочно указывает на национальное начало, будучи своеобразным символом Польши.

Формируясь вдали от придворной культуры, польская мазурка сохранила свою самобытность, практически не испытав иноземных влияний. Шопен бережно сохранил эту самобытность. Показательно, что из всех его сочинений именно мазурки труднее всего воспринимались западноевропейской публикой, воспитанной на иных музыкальных традициях.

В мазурках особенно наглядно проявилась прочная опора композитора на национальные народные истоки. Больше, чем где бы то ни было, он приближается здесь к собственно фольклорным образцам – при том, что прямое цитирование народных тем для него вовсе не характерно.

В мазурках Шопена можно выделить несколько характерных типов, исходя из особенностей содержания. Есть мазурки жанрово-бытовые, рисующие картины деревенского праздника. Сам композитор называл их obrazki – «картинки». Своим задорным характером они напоминают крестьянские танцы. Другая разновидность – мазурки бальные – более «аристократические», элегантные, изысканные. Особенно многочисленна группа лирических и лирико-драматических мазурок, где танцевальная основа сохраняется лишь как повод для чисто лирического высказывания. Лирические мазурки часто окрашены чувством грусти, ностальгии. Диапазон образов в них простирается от минорных элегий до трагических монологов–размышлений.

Обозреватель знаменитой лондонской "The Guardian", так описывает свои ощущения от потрясшего его концерта: "Они выглядят как обычный хор, пока не запоют. Вдруг вас волной накрывает удивительный звук – необыкновенно богатый, мелодически мощный и при этом чрезвычайно искренний". "Этот хор звучит фантастически: отшлифованное пение и согласованный, совершенно безошибочный русский звук. Их голоса настолько хороши, что достойны самого пристального внимания" - вторит ему коллега из "San Francisco Classical Voice" - "Песнопения звучат живым органом. Переливы голосов и ритм, которые певцы слушают сквозь собственный пульс, завораживают – даже если слова непонятны..." - читаем мы в рецензии на одном из сайтов.

Что же это за уникальный коллектив, которому стоя аплодировали в Американском Конгрессе, в Кремле, в Ватикане, на многих самых знаменитых площадках мира: в зале Библиотеки Конгресса США в Вашингтоне, в Нью-Йорке (стулья, из-за обилия желающих, выставляли прямо на сцену), в Бостоне, в Центре искусств Торонто, в Симфони-центре Чикаго, в Сан-Франциско, Сиднее, Берлине, Лондоне, Париже? Мужской Сретенский хор ведет свои истоки из Сретенского монастыря, заложенного в Москве в конце XIV века. За шесть столетий своей истории хор довёл свое исполнительское мастерство практически до совершенства. Сретенский хор ведет активную концертную и гастрольную деятельность, записывает студийные музыкальные альбомы.
В 2005 году хор возглавил Никон Степанович Жила, выпускник Российской академии музыки им. Гнесиных. Художественный руководитель и дирижер говорит, что хор тепло принимают не только выходцы из стран СНГ, но все зрители, живущие в разных уголках мира: "Люди часто подходят к нам и благодарят со слезами на глазах. Наши программы мы всегда выбираем с учетом слушательской аудитории. Главной задачей нашего хора мы видим связь времен и поколений, осмысление великих песен XX века и общение со слушателями, на понятном для них языке, дабы призвать их к пониманию русской культуры так, как её понимают певцы". В составе хора 30 человек. Среди них - вокалисты из Московской академии хорового искусства, выпускники Московской консерватории и Академии музыки им. Гнесиных, студенты Сретенской семинарии.
В хоре восемь басов (в том числе два октависта), семнадцать первых и вторых теноров, каждый из которых – настоящая находка для любого хора. Собственные композиторы и аранжировщики: Федор Степанов, Александр Амерханов, Андрей Полторухин, Роман Масленников. Первоклассные солисты: Дмитрий Белосельский, Евгений Ставинский, Евгений Либерман, Андрей Башков, Антон Сергеев, Вячеслав Воробьев, Александр Корогод, Алексей Татаринцев.

Сайт хора Сретенского монастыря: http://bestchoir.ru

 Ах ты степь широкая.

С.С.Прокофьев, кантата "Александр Невский"

Кантата "Александр Невский", монументальное произведение для хора, меццо-сопрано и оркестра, создана в 1938 - 1939 годах на основе музыки к одноименному фильму С. Эйзенштейна. Текст поэта В. Луговского и самого композитора.

В кантате семь частей, каждая из них представляет собой законченный номер:

"Русь под игом монгольским"
"Песня об Александре Невском"
"Крестоносцы во Пскове"
"Вставайте, люди русские"
"Ледовое побоище"
"Мертвое поле"
"Въезд Александра во Псков"

Савелий Маркович Шальман (р.1945) - известный педагог, кандидат искусствоведения, автор школы "Я буду скрипачом", методических статей, составитель сборников пьес и этюдов. Многие его ученики уже в детстве стали лауреатами и дипломантами различных конкурсов, а выпускники работают в ведущих оркестрах Петербурга и за рубежом. Мастер-классы и концерты учеников С.М. Шальмана прошли во многих городах России, Европы и Америки. Успех деятельности С.М.Шальмана - в рационально выстроенной системе овладения навыками и изучения репертуара.

С.Шальман. Как играть на скрипке. Первые уроки

История искусства игры на духовых инструментах не знает, пожалуй, такого подъема исполнительского мастерства, который наблюдался во времена Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта . Каждый из композиторов проявлял огромный интерес к музыкантам-духовикам, имел среди них друзей, почитал их высокое мастерство.
Поэтому становление классического музыкального жанра не обошлось без создания замечательных сочинений для духовых инструментов.

Познавательный и увлекательный сериал для самых маленьких зрителей. В этом фильме дети смогут не только наблюдать за любимыми животными, но и узнают ответы на многие любопытные вопросы, например такие как: кто громче всех рычит, у кого самая большая семья и даже у кого самый неприятный запах. А также познакомятся со многими другими поразительными цифрами и фактами, касающимися живой природы