В тёплом полумраке комнаты на передний план выходит фигура молодой женщины. Рядом, опираясь на её руки, на столе сидит младенец. Картина «Кормилица с ребёнком» написана Алексеем Венециановым около 1830 года, запечатлев момент нежной близости между нянькой и младенцем.
Кормилица изображена в традиционной русской одежде. Её голову украшает красный кокошник с богатой вышивкой, а на шее поблёскивают простые бусы. Этот наряд подчёркивает народные корни и социальный статус няньки, ведь в дворянских семьях младенцев часто доверяли крестьянским женщинам. Однако художник изображает её не просто как служанку, а как значимую фигуру в доме, обладающую достоинством и внутренним спокойствием.
Младенец, сидящий на столе, оживлён и подвижен. Он тянется к кормилице, его пухлая ручка схватила её бусы, словно в игре или попытке привлечь внимание. Этот жест придаёт сцене особую теплоту и показывает духовную связь между женщиной и ребёнком. Несмотря на юный возраст, малыш кажется полным энергии и любопытства.
Композиция полотна проста, но выразительна. Фигуры занимают почти всё пространство, а нейтральный тёмный фон подчёркивает их значимость. Венецианов делает акцент на лице кормилицы, передавая в её взгляде не только заботу, но и внутреннюю силу. Это больше, чем бытовая зарисовка — в картине ощущается глубокое уважение к кормилице, её заботе и незаменимой роли в судьбе ребёнка.
В первобытную эпоху борьба за выживание являлась главным смыслом существования любого одушевлённого существа. Наравне с животными человек сражался за место под солнцем, учился противостоять стихиям и приспосабливаться к среде обитания. Картина «Две матери» написана французским художником Леоном Максимом Февром в 1888-м году.
Крепкая рыжеволосая женщина готовится отразить нападение дикой медведицы. Заслоняя своим телом малышей-погодок, она крепко сжимает в руке самодельный топорик. На лице ни тени страха или отчаяния, только волевая решимость преодолеть очередное испытание. Мускулистое телосложение героини и её решительные движения дают возможность предположить, что из схватки она всё-таки выйдет победительницей.
Стремительно появляющаяся из горной расщелины хищница, судя по названию работы, тоже мать. В маленьком человеческом семействе, вставшем у неё на пути, она видит лишь добычу, которой сможет прокормить медвежат. Силуэт зверя окутывает мрак, тогда как фигуры людей составляют единое световое пятно.
Живописец идеализирует героев, изображая их в академической манере, привычной для посетителей парижского Салона. Помимо чистой белой кожи, нехарактерной для пещерных жителей, обращает на себя внимание элегантная женская причёска в стиле «девушек Гибсона». Собранные на затылке волосы придерживают не шпильки, а длинная кость с подвеской из морских ракушек.
Сегодня полотно хранится в коллекции Лувра (Париж, Франция).
Мрачное узилище озарил робкий луч надежды. К обречённому на гибель старику стражники пропустили родную дочь, которая стремится хоть чем-то подкрепить силы голодающего родителя. Картина «Отцелюбие римлянки» написана фламандским художником Питером Паулем Рубенсом в 1612-м году.
Замысел произведения навеян мастеру одной из античных легенд дохристианских времён. Народное предание в пересказе древнеримского литератора Валерия Максима повествует о неком человеке по имени Кимон.
За неведомую провинность он был осуждён на голодную смерть и тихо угасал в своей камере. Его дочь Перо получила разрешение навещать батюшку, чтобы перетрясать солому и умывать узника. Увидев, в каком состоянии находится престарелый отец, молодая женщина, недавно ставшая матерью, накормила страдальца грудным молоком.
Весть об отчаянном милосердии Перо дошла до власть предержащих. Изумлённые судьи сменили гнев на милость, и заключённый был освобождён. На холсте изображён кульминационный момент сказания. Цветущая молодостью и здоровьем героиня бережно придерживает за плечи закованного в кандалы героя. Седеющие волосы мужчины всклокочены, отсутствующий взгляд остановился на питающей его женской груди.
Необычный сюжет был невероятно популярен не только среди древних живописцев, но и у их последователей, трудившихся в эпоху барокко и неоклассицизма. Для них история служила примером почтительности и чести.
Сегодня полотно хранится в Санкт-Петербурге в коллекции Государственного Эрмитажа.
Невольничий рынок древнего Рима открыт от рассвета до заката, но знающие покупатели приходят за лучшим товаром в первой половине дня. Картина «Продажа невольницы» написана французским художником Жаном-Леоном Жеромом в 1884-м году.
Толпа, состоящая из мужчин разных возрастов, обступила высокий помост. Люди выкрикивают цену, которую готовы отдать за юную рабыню. Свои выкрики они подкрепляют вскинутыми руками, а количеством вытянутых пальцев дублируют озвученную сумму. Старый опытный торговец принимает ставки. Когда гвалт становится нестерпимым, его голос властно перекрывает крики покупателей.
Рядом с обнажённой девой лежит сорванное с плеч светлое покрывало. Не имея более даже этой тонкой защиты, девушка страдальчески прикрывает лицо. За её спиной установлен массивный стол с сидящими за ним молодыми писцами. В Римской империи во всём должен соблюдаться строжайший порядок, даже если дело касается бесправных невольников. На фоне стен из кроваво-красного кирпича выделяются ещё две обособленные группы. Это мать с детьми и пленённые мужи. Женщина не в силах подавить вырывающиеся из груди горестные вздохи. В молчаливой компании приготовленных к продаже мужчин видны крепкие воины и убелённые сединами старцы.
Жанровая композиция выполнена в лучших традициях западного академизма. Её отличают продуманная театральность действия, чёткость рисунка и эмоциональная проработка каждого образа.
Сегодня полотно хранится в Санкт-Петербурге в коллекции Государственного Эрмитажа.
Склонив голову на могильный холмик, подросток погрузился в тягостный сон. Забытье длится давно, снежная крупа успела припорошить одинокую фигуру. Картина «Сирота на могиле матери» написана сербским живописцем Урошем Предичем в 1888-м году.
После смерти родительницы мальчик стремительно повзрослел. За одну ночь горе стёрло ласковую мягкость детских черт. На бледном осунувшемся лице отныне поселилась скорбная строгость, а между бровей навсегда залегла глубокая суровая складка. Вместо плаща, спасающего от зимних ветров, мальчуган укутывается в старое шерстяное покрывало, а значит, мать и сын жили бедно. Единственным достоянием друг для друга были они сами.
Похороны состоялись недавно. Из-за наступивших заморозков зелёная поросль травы не смогла затянуть холм. Он усыпан лишь мёрзлыми бурыми комьями. Неизвестно, остались ли у героя родственники. Судя по свежеструганному, но покосившемуся кресту, вкопанному нетвёрдой рукой, кроме ребёнка в последний путь женщину провожали только немощные соседки.
Образование художник получил в Венской Академии изобразительных искусств. В середине 1880-х он возвратился в родное село Орловат, где за несколько лет создал серию работ, посвящённых жизни земляков. Холст со скорбящим парнишкой как раз относится к указанному творческому периоду.
Сегодня полотно хранится в Белграде в Национальном музее Сербии.
Это пасмурное зимнее утро – последнее в жизни больного. У человека, стоящего на пороге вечности, осталось единственное желание, и, к счастью, оно выполнимо. Картина «Дорогой посетитель» написана австрийским художником Максимилианом Курцвайлем в 1894-м году.
Чувствуя неизбежное приближение смерти, офицер хочет попрощаться со своим конём. Красавец-скакун служил ему верой и правдой: стремительно и смело нёс в атаку, не раз выносил из-под вражеского огня, благородно вышагивал на парадах и смотрах, образцово показывал себя на учебных манёврах. Теперь умное животное взирает на некогда сильного и ловкого хозяина, который настолько не владеет своим телом, что не может приподняться на постели без помощи ординарца.
У мужчины не хватает сил посмотреть вокруг. Но, даже оставаясь с закрытыми глазами, он чувствует присутствие друга и, собрав остатки угасающей воли, поднимает руку, чтобы напоследок приласкать лошадь. Печальный исход предрешён, в подтверждение тому на прикроватной тумбе стоит задутая свеча.
Яркая форма и бравый вид солдат резко контрастируют с бледной фигурой умирающего. Распахнутая сорочка, скомканное одеяло, блёклые казарменные стены, полупрозрачная занавеска и снег за окном вызывают ассоциации с погребальным саваном, который совсем скоро покроет тело героя.
Сегодня полотно хранится в частном коллекционном собрании.
Гордыня, страсть и чувство мести – практически ровесники человечества. Если к ним присовокупить предательство, то можно кратко пересказать один из ветхозаветных сюжетов. Картина «Самсон и Далила» написана фламандским художником Питером Паулем Рубенсом в 1609-м году.
В истории имя силача уже стало нарицательным. Он был рождён для борьбы с филистимлянами, сильно досаждавшими израильтянам. Герой совершил многие подвиги во славу своего народа, но однажды возгордился и сбился с пути благочестия. Полюбив Далилу, девицу из вражеского стана, он женился на ней.
По наущению бывших соплеменников красавица уговорами и обманом выведала секрет необычайной силы супруга, которая таилась в его длинных волосах. Опоив мужа, изменница впустила врагов, которые срезали с его головы 7 локонов. Ослабевшего, его пленили, ослепили и заточили в подземелье. Когда кудри вновь отросли, обретший былую мощь слепец обрушил кровлю темницы, похоронив под завалами и себя, и своих мучителей.
Живописец изображает библейских персонажей вне религиозного контекста. В комнате публичного дома на коленях полуобнажённой женщины крепко спит атлетического вида мужчина. Старая сводница держит зажжённую свечу, при свете которой человек с ножницами в руках быстро и осторожно совершает задуманное. В дверях топчутся латники, готовые к пленению ничего не подозревающего Самсона.
Сегодня полотно хранится в Великобритании в коллекции Национальной галереи Лондона.
Поведение стихии предугадать сложно. Ещё некоторое время назад ничего не предвещало беды, и вот на смену безмятежной морской глади пришла пожирающая всё живое буря. Картина «Прощание» написана французским художником Альфредом Гийу в 1892-м году.
Поутру небольшое рыбацкое судно вышло в море. Отец, с юности ходивший под парусом, решил приобщить сына к честному и трудному промыслу, которым испокон веков зарабатывали на жизнь его предки. Однако сегодняшний урок привёл к фатальному результату. Штормовой ветер перевернул лодку, которую тут же захлестнули потоки солёной воды.
В момент отчаянной борьбы людей с природой и произошло непоправимое событие. То ли от случайного удара, то ли вследствие иной роковой случайности молодой человек погиб, и уже бездыханного его перебросило волной через борт. Старый рыбак успел подхватить тело. Он понимает, что сохранить и доставить на сушу его не сумеет, но право проститься с ребёнком безжалостный фатум у него всё-таки не отнимет. Придерживая безжизненно повисшую фигурку в изодранной одежде, мужчина в последний раз целует дорогое дитя.
Живописец не понаслышке знал о коварстве моря. Уроженец приморского городка Конкарно, он видел немало штормов и связанных с ними трагедий. Недаром на корме терпящего бедствие судёнышка он выводит название родного города – «Concarneau».
Сегодня полотно хранится в Кемпере в коллекции Музея изящных искусств (Бретань, Франция).
Винтовая лестница старого замка настолько узкая, что на ней с трудом могут разойтись 2 человека. Стражник и юная дева уже почти разминулись. Рука героини как хрупкая веточка на миг зацепилась за мужское плечо, и суровый воин благоговейно припал к ней губами. Тайное свидание быстротечно, а итог запретных отношений предрешён. Вестниками трагедии осыпались на древние каменные ступени смятые лепестки белой розы.
Полотно «Хеллелила и Хильдебранд: встреча на лестнице башни» написано в 1864-м году художником-прерафаэлитом Фредериком Уильямом Бёртоном. Сюжет композиции воспроизводит эпизод старинной датской баллады о любви принцессы и рыцаря.
Влюблённым не разрешали пожениться, и они решились на побег. Когда беглецов настигли, Хильдебранд в схватке убил отца и шестерых братьев возлюбленной. Седьмого по просьбе красавицы он пощадил и был им повержен. Непокорную королевну родственники продали в рабство. На чужой стороне несчастная вскоре скончалась от горя.
Известно, что Бёртон не переносил запаха масляных красок, поэтому творил материалами, имеющими водную основу. Эта работа выполнена акварелью. Чтобы шедевр не пострадал от нежелательных внешних факторов, его хранят в особом защитном боксе.
Картина является частью коллекции Национальной галереи Ирландии, расположенной в Дублине.
Учительский труд – благородное, но непростое занятие, на которое в одинаковой степени требуются как моральные, так и физические силы. Картина «Заснула» написана Борисом Кустодиевым в 1896-м году.
В комнате юной учительницы стоит звенящая тишина. Готовясь к завтрашним урокам, утомлённая девушка незаметно для самой себя задремала. Голова медленно опустилась на руку, веки крепко сомкнулись, и наступил короткий миг незапланированного, но такого желанного отдыха.
Начинающий живописец писал композицию с натуры. Моделью послужила старшая сестра художника Екатерина Михайловна. По окончании положенных гимназических классов она на 3 года отправилась в Санкт-Петербург, где обучалась на Педагогических курсах. Одолев науку и получив звание домашней наставницы, Катя вернулась на малую родину и поступила на должность преподавателя математики Мариинской женской гимназии.
Произведение с документальной чёткостью воспроизводит как облик героини, так и интерьер её комнаты. Портретное сходство подтверждается сохранившимися фотографическими снимками. Рабочее место даёт представление об интересах девушки. Помимо книг и конспектов на столе в стакане стоят карандаши и кисти – отсылка к семейному увлечению живописью. Именно Екатерина, художник-любитель, привила брату любовь к искусству и привела будущего мастера в художественную студию Павла Алексеевича Власова.
Сегодня работа хранится в Астрахани в коллекции Дома-музея автора.
В тесной обстановке бедной комнаты разворачивается тихая драма. Уставший мужчина в смятой фраковой одежде сидит на краю кровати и машинально считает оставшиеся деньги. Перед ним стоит молодая женщина в длинной ночной рубахе, её руки сложены на животе, а во взгляде — немой укор и тревога. Такова сцена картины Иллариона Прянишникова «В казино был», где художник показывает разрушительное воздействие азартной страсти на семейную жизнь.
Здесь нет громких жестов и внешнего пафоса: напряжение рождается из молчания, из простых бытовых деталей. Скомканное одеяло, забытая на стуле шаль и блеклые обои усиливают ощущение безысходности. Взгляд зрителя будто становится свидетелем разговора, который ещё не начался, но исход его уже очевиден.
Картина Прянишникова — часть традиции критического реализма второй половины XIX века, где бытовая сцена становится поводом к социальному размышлению. Художник показывает не просто частный случай, а типичную историю падения человека под властью порока, затрагивающую самые простые и уязвимые стороны жизни — доверие, семью, любовь.
Картина находится в Нижнетагильском музее изобразительных искусств.
Изгнание поляков из Кремля Пожарским
Автор: Лисснер Эрнест-Николай-Иоганн Эрнестович
Годы жизни: (1874 – 1941)
22 октября (1 ноября) казаки взяли штурмом Китай-город, откуда остатки польских войск бежали в Кремль. 26 октября (5 ноября) Московский гарнизон согласился сложить оружие и сдаться на милость победителей. На следующий день, 27 октября (6 ноября), началась сдача поляков. Русское ополчение освободило Кремль.
Название картины Эрнста Лисснера “Изгнание польских интервентов из Московского Кремля” говорит само за себя. Событие, изображённое на полотне, предвосхитило конец Смутного времени.
С недавних пор наша страна отмечает день 4 ноября как государственный праздник – День народного единства. Но праздник не такой уж и новый: ещё царь Алексей Михайлович объявил эту дату государственным православным праздником Казанской иконы Божией Матери (список с чудотворной иконы был привезён под Москву казанскими ополченцами).
Традиция отмечать день изгнания польских интервентов прервалась после революции, и праздник стал только церковным. В 2005 году всё вернулось на круги своя, только праздников стало уже два. Православный – отмечается непрерывно с 1649 года. А светский в полном соответствии с названием отмечается всей Россией вне зависимости от конфессий и национальностей.
Названию своему он вполне соответствует, ведь во Втором ополчении Минина и Пожарского слились в едином порыве представители разных народов, и у них была одна Родина – Россия.
В полумраке роскошной спальни разворачивается тихая сцена, полная повседневной интимности. Перед зрителем — момент начала дня, когда мир ещё не вошёл в привычный ритм, и всё вокруг дышит ленивым покоем. Так выглядит полотно «Утро», написанное французским художником Жозефом Каро в 1865 году.
Хозяйка лежит на высокой постели в белой ночной сорочке — домашнем дезабилье эпохи Второй империи. В спальню входит горничная с подносом: фарфор, серебряный кофейник, лёгкий книксен — и утро превращается в маленькую церемонию. В глубине альковa видно вторую служанку: она возится у портьер, приводя в порядок комнату, — тихий намек к ленивой неге хозяйки. У кровати подпрыгивает маленькая собака на пуфике, требуя внимания.
Критики отмечали в этой картине Каро внимание к деталям интерьера: тяжёлые портьеры, гобеленовые кресла, изящная мебель и тёплый свет камина создают образ уюта, но одновременно указывают на социальный статус героини. «Утро» воспринимается не только как жанровая сцена, но и как своеобразный портрет эпохи, в которой частная жизнь стала предметом художественного наблюдения и эстетического интереса.
«Всадница» - одна из самых узнаваемых картин Карла Брюллова. Однако на родине художника о её существовании практически сорок лет было ничего неизвестно. Кто выступил заказчиком картины, кто на нём изображен и как она попала в коллекцию Третьяковской галереи – читайте в статье искусствоведа Евгения Чернилевского.
Карл Брюллов. Всадница. 1832. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея
История создания картины связана с музой художника – графиней Юлией Самойловой, с которой Брюллов познакомился в Риме в 1827 году. Самойлова была известна современникам как «царица салонов», покровительница искусств, состоятельная, но крайне расточительная. В её миланском родовом особняке собирались знаменитые художники, артисты и композиторы. Среди последних были Джузеппе Верди, Джоаккино Россини, Гаэтано Доницетти, Винченцо Беллини, а также автор оперы «Последний день Помпеи» Джованни Пачини.
Графиня обладала богатой коллекцией картин и скульптур. Помимо собственных приобретений, ей по наследству досталось собрание графа Юлия Литта, супруга её бабушки Екатерины Васильевны. В состав унаследованной коллекции, включавшей произведения западноевропейской и русской живописи, входила и «Мадонна Литта» Леонардо да Винчи.
Карл Брюллов. Последний день Помпеи. Фрагмент с Юлией Самойловой в образе матери с дочерями. Около 1834. Авторское повторение. Картон, акварель. Государственная Третьяковская галерея
В числе тех, кому покровительствовала Юлия Самойлова, был и Карл Брюллов. Знакомство с графиней сыграло большую роль в творческой биографии художника. При ее посредничестве молодой меценат Анатолий Демидов заказал у Брюллова монументальную картину «Последний день Помпеи», принёсшую ему заслуженную славу.
Раздел имущества редко обходится без упрёков и обид — особенно, когда за одним столом собирается целая семья. В этом напряжённом моменте, где каждый жест и взгляд становятся аргументом, художник находит драму повседневной жизни. «Семейный раздел» — картина Василия Максимова, написанная в 1876 году.
В центре сюжета — разлад между двумя братьями, делящими крестьянское имущество на глазах у всей семьи и деревенских старшин. Мужчина в синей рубахе с негодованием обращается к старшим, заступаясь за свою жену, но это только усиливает напряжение. Молодая женщина стоит с опущенной головой, её поза выражает обиду и внутреннее бессилие. По сравнению с жёсткой и властной старшей невесткой, она выглядит беззащитной и униженной — словно заранее понимает, что справедливости не добиться. Между ними лежат свёртки тканей, меха, сбруя — символы спора, к которым прибавлен хлеб с ножом на столе: прямое указание на делёж и окончательный разрыв.
Максимов, представитель критического реализма, точно схватывает бытовой конфликт, превращая его в сцену с почти театральной напряжённостью. Его интерес к жизни крестьян проявляется в честном взгляде — с вниманием к деталям и правде характеров.
Сегодня картина находится в Третьяковской галерее.
В благородном семействе намечается бурное выяснение отношений. Муж застал жену за написанием неоднозначного письма. Возможно, на случай внезапного раскрытия переписки осторожная супруга использовала в любовном послании завуалированные формулировки. Сейчас сквозь витиеватые фразы озадаченный герой пытается докопаться до сути подозрительной записки.
Картина «Перехваченное письмо» написана Федерико Андреотти в конце XIX века. Главной и единственной темой в творчестве итальянского художника было изображение ушедшей эпохи с её искусством элегантного обольщения и тонкого флирта.
Пара на полотне принадлежит к сливкам общества. Один расшитый камзол аристократа стоит баснословных денег. Вероятно, мужчина уже знаком с сомнительной корреспонденцией супруги, но всякий раз ловкой барышне удаётся вывернуться из неблаговидного положения. Она и теперь с выражением наигранной невинности на лице пытается выудить листок из руки нахмуренного рогоносца. Дама настолько уверена в успехе предприятия, что даже не потрудилась незаметно смахнуть со стола оставшийся компромат.
Сегодня картина Андреотти находится в частной коллекции.
Время на сцене трагедии замерло, словно затаив дыхание. Между героями повисло напряжение, в котором переплелись любовь, сомнение и предчувствие гибели. Именно этот драматический момент запечатлён в картине «Гамлет и Офелия» французского художника Гуго Мерле, написанной в 1873 году.
Офелия, одетая в белое платье с бирюзовой отделкой, стоит у окна в задумчивой позе. Её взгляд устремлён в пространство, а пальцы машинально касаются подбородка — жест, указывающий на внутреннюю борьбу. Позади неё — Гамлет, одетый в чёрное. Его лицо выражает страстное убеждение, как будто он только что произнёс одну из своих мрачных тирад. На поясе висит шпага, как немой свидетель мужской роли в предстоящей катастрофе.
В композиции читается чёткое противопоставление: светлая, мягкая фигура Офелии и мрачный, активный облик Гамлета. Преломлённый сквозь витражный свет, интерьер резиденции Эльсинора становится ареной, на которой разворачивается драма. Картина визуально интерпретирует ключевую сцену шекспировской пьесы, подчеркивая психологическую дистанцию между героями, которая становится всё более неодолимой.
Художник Гуго Мерле был мастером исторической и литературной живописи. В «Гамлете и Офелии» он соединяет театральность постановки с живописной точностью, передавая психологическую сложность персонажей без излишней экспрессии.
Искренность и непосредственность детских чувств всегда вдохновляли художников, находя воплощение в сюжетах, наполненных жизнью и теплотой. Маленькие повседневные жесты, незаметные на первый взгляд, могут рассказать целую историю о любви и привязанности. Именно такую историю запечатлел французский художник Уильям Бугро в своей картине «Нежность», написанной в 1890 году.
На картине изображены две девочки на ступеньках перед домом. Младшая из них тянется на цыпочках и ласково целует в щёку старшую девочку, обняв её за шею. Нежность и доверие, выраженные в прикосновении ребёнка, подчёркиваются спокойствием и лёгкой улыбкой старшей девочки, мягко обнимающей сестрёнку. Пространство вокруг персонажей наполнено естественным светом, подчеркивающим чистоту и трогательность момента.
Творчество Бугро отличает глубокое понимание человеческой натуры и мастерское владение техникой реализма. На полотне с точностью переданы текстуры тканей и кожи, а нежные оттенки и мягкие линии подчёркивают чувственность и тепло сцены. В «Нежности» художник раскрывает способность простых и искренних эмоций превращать повседневность в настоящее искусство.
Порозовевшее на горизонте небо предупреждает о скором наступлении сумерек. День подходит к концу, но дневные тревоги ещё продолжаются. Картина «Бродяга» написана бельгийским художником Огюстом Буроттом в 1897-м году.
Девушка с раннего утра работала на господском поле. Уборка созревших хлебов под немилосердным июльским солнцем – труд не из лёгких. На закате, когда уставшие жнецы разбредались по домам, она намеренно отстала от толпы работников и решила вознаградить себя за старание. Присев у края жнивья, босоногая красавица собирается срезать серпом букетик полевых цветов. Вероятно, такая вольность запрещена хозяевами угодий. Чтобы избежать наказания за своевольный поступок, девица оглядывается в ту сторону, откуда по её мнению может появиться владелец этой земли. Однако опасность, подстерегающая жницу, гораздо ближе.
Прямо за её спиной в высоких колосьях затаился случайный прохожий. Судя по названию полотна, этот человек бесцельно скитается по округе. Помятая шляпа и пиджак, надетый на голое тело, не вызывают доверия у добропорядочных селян, поэтому оборванец в большинстве случаев предпочитает оставаться незамеченным. Пока, бесшумно раздвигая рукой стебли, он оценивает обстановку. Его взгляд, устремлённый на девушку, более чем заинтересованный. Вероятно, в его голове зреет недобрый план. В лучшем случае нищий просто напугает крестьянку. В худшем героине придётся обороняться от похотливого сластолюбца.
На заснеженной станции группа крестьян с явным любопытством наблюдает приближение паровоза. Их лица полны удивления, настороженности и простодушного интереса к невиданному чуду техники. «Сцена у железной дороги» — картина Василия Григорьевича Перова, написанная в 1868 году.
Во второй половине XIX века Российская империя переживала настоящий железнодорожный бум. Строительство новых веток охватывало всё больше регионов, связывая отдалённые губернии с промышленными центрами и портами. Паровоз, некогда диковинный, становился символом прогресса, но для сельских жителей он оставался загадкой и поводом для оживлённых разговоров. Именно это столкновение деревенского уклада с достижениями техники наглядно отразил Перов в своей работе.
Василий Григорьевич Перов (1834–1882) — один из основателей Товарищества передвижных художественных выставок и признанный мастер жанровой живописи. Перов не только фиксировал сцены повседневной жизни, но и наделял их смысловой остротой, превращая бытовые сюжеты в художественные свидетельства своего времени.
Сегодня картина находится в Третьяковской галерее.
Давая обещания, следует быть готовым к тому, что рано или поздно их придётся исполнить. Картина «Саломея» написана немецким художником Ловисом Коринтом в 1900-м году.
В Евангелиях от Матфея и Марка описывается печальная история расправы над Иоанном Крестителем. Правитель Галилеи Ирод Антипа давал пир в честь своего дня рождения. По случаю праздника его падчерица танцевала и настолько угодила гостям и отчиму, что тот приказал ей просить за своё искусство любой награды. По наущению матери, сожительствующей с тетрархом, Саломея попросила главу томящегося в темнице пророка. Жестокая просьба была удовлетворена.
На холсте изображён момент страшного подношения. В глубоком блюде синего стекла лежит честная глава христианского мученика. Разряженная полуобнажённая девица прикасается к мёртвому лицу тонкими белыми пальцами, унизанными драгоценными перстнями. С меча палача стекает алая кровь, а рабы ещё не успели вынести из царских покоев обезглавленное тело.
Взгляд главной героини затуманен. Не то неистовая пляска, не то лицезрение жуткого дара точно погрузили её в транс. На заднем плане видны ещё две женские фигуры. Прислужница с веером из перьев павлина застыла, словно скорбное изваяние. Женщина справа, наоборот, довольно ухмыляется. Возможно, это и есть Иродиада, незаконная супруга Ирода, только что избавившаяся от своего обличителя.
Сегодня полотно хранится в Германии в коллекции Музея изобразительных искусств Лейпцига.
Серое небо, словно погребальный саван, низко нависло над городом. Природа скорбит наравне с людьми. Картина «Святая Евлалия» написана британским художником Джоном Уильямом Уотерхаусом в 1885-м году.
Дева по имени Евлалия жила в Римской империи на рубеже III-IV веков. Несмотря на юный возраст, она отличалась от своих сверстников рассудительностью и воздержанностью от мирских соблазнов. В период очередного витка гонений на христиан девица имела мужество прилюдно исповедовать свою веру и обличать идолопоклонство. По приказанию правителя провинции мученицу схватили, пытали, а затем казнили. Нагое тело её было велено оставить без погребения. Однако густой снегопад как покрывалом прикрыл мощи святой.
Усопшую героиню уже сняли с креста. Ни родственники, ни сочувствующие не могут подойти и, как положено, проститься с погибшей, ибо место истязания продолжают охранять вооружённые стражники. Мастер выстроил композицию таким образом, что крестообразно лежащая девичья фигура занимает почти весь передний план, при этом середина холста остаётся практически пустой. Благодаря подобной расстановке всё зрительское внимание сосредоточено на страдалице и окружающих её вольных птицах. Белый голубь, взмывающий над не смеющей приблизиться толпой, символизирует чистую душу замученной девушки, возносящуюся в горние выси.
Сегодня полотно хранится в коллекции галереи Тейт (Лондон, Великобритания).
Даже в летний день солнце не может пробиться сквозь густой зелёный купол. Здесь всегда царит прохлада, а мшистая, местами заболоченная почва не просыхает и в жару. Картина «Лесная глушь» написана Иваном Шишкиным в 1872-м году.
Будни таинственной чащи просты и суровы: выживает тот, кто сильнее. Могучие ели крепко и уверенно тянутся к небу. Слабенькие искривлённые берёзки чаще ломаются и погибают. Их мёртвые, разбросанные тут и там стволы тут же затягиваются покрывалом, сотканным из мхов и лишайников. Несмотря на кажущуюся неподвижность, заповедный уголок северных лесов полон жизни.
Пушистая лисица отправилась на охоту, но пока никого не поймала. Лакомая добыча – белая уточка – упорхнула из-под самого носа рыжей плутовки. Теперь голодной охотнице придётся всё начинать сначала.
За выполнение этого пейзажа, представленного на Второй передвижной выставке, мастеру присудили звание профессора живописи. Среди очевидных достоинств, подмеченных критиками, естественность и максимальная достоверность изображаемой натуры.
Обилие деталей не мешает целостному восприятию работы. Подробный передний план органично перетекает в перспективу мягко освещённой дали. Подобный приём не только грамотно выстраивает пространство, но и ненавязчиво переводит зрителей в ранг участников композиции.
Сегодня полотно хранится в Санкт-Петербурге в коллекции Государственного Русского музея.
По узкой улице средневекового города неспешно движется величественная фигура — обнажённая женщина верхом на лошади. Всадница решила сделать смелый вызов не только своему мужу, но и суровым обычаям того времени. Картина «Леди Годива» написана французским художником Жюлем Жозефом Лефевром в 1891-м году.
Согласно легенде англосаксонская графиня, жившая в первой половине XI века, была супругой правителя английского городка Ковентри. Мужчина слыл суровым хозяином, и его подданные платили в казну непомерную подать. Добросердечная женщина просила мужа снизить налоги, и тот согласился, однако поставил невыполнимое на его взгляд условие: жена должна проехать по городу обнажённой. Переборов стыд, аристократка выполнила договор, смелым поступком освободив горожан от высоких поборов.
Узкая городская улочка тиха и безлюдна. Ставни домов плотно заперты людьми в знак уважения перед отважной заступницей. Нагая героиня, прикрывшись длинными золотыми волосами, сидит в седле. Смирную лошадь ведёт под уздцы не то служанка, не то монахиня. Маленькую процессию сопровождает стая белых голубей, символизирующих чистоту и надежду.
Жители, согласно уговору, спрятались по домам, окна и двери закрыты, и лишь глухие каменные стены молчаливо наблюдают за её смелым поступком. Фон картины наполнен приглушёнными тонами, что позволяет зрителю сосредоточиться на центральной фигуре и её миссии.
Сегодня полотно хранится в коллекции Художественного музея Пикардии (Амьен, Франция).
Лёгкая любовь за деньги существовала во все времена. Недаром её служительниц называют представительницами одной из древнейших профессий. Картина «Пара в спальне» написана голландским художником Яном Стеном в 1670-м году.
Молодая, но уже опытная в своём искусстве куртизанка непринуждённо дразнит подвыпившего клиента. Растрёпанный седой мужчина тянет кокетку за подол платья, но игра только началась, и выпивохе придётся потрудиться, прежде чем заполучить подружку в крепкие объятия. За интимной сценкой наблюдает маленькая комнатная собачка. Вероятно, питомец проживает в доме терпимости вместе со своей хозяйкой.
Живописец наполнил композицию символами, дающими возможность безошибочно определить место действия. Помимо обильно использованного мастером красного цвета и его оттенков в работе присутствует ряд не менее ярких деталей. Например, курительный прибор, наклонённый на край ночного горшка, наглядно иллюстрирует старинный эвфемизм «чистить трубку». Для знающих людей словосочетание служило намёком на желание посетить бордель. Небрежно сброшенные туфли, скомканные чулки на стуле и небольшая жаровня в углу также служат тонкими намёками на чувственный подтекст.
Живописное наследие Стена насчитывает около восьмисот картин, большинство которых посвящено быту крестьян и бюргеров средней руки. Произведения отличаются остроумием, нередко граничащим с социальной сатирой.
Сегодня работа, выполненная маслом на панели, хранится в коллекции музея Бредиуса (Гаага, Нидерланды).
Летний лес полон неприметной глазу хлопотливой жизни, подметить которую может лишь тот, кто привык дышать в унисон с природой. Картина «Крестьянская девочка» написана Василием Максимовым в 1883-м году.
Маленькая крестьянка бродила по лесным тропинкам в одиночестве. Кажется, её прогулка была не бесцельна. Судя по всему, она несёт в переднике что-то небольшое: ягоды, орехи или целебные травы. Выйдя из глубины чащи к тихо журчащему ручью, девчушка остановилась от ослепительного солнечного света. Её встревожил какой-то еле уловимый шорох, раздавшийся впереди. Путница настороженно прислушивается, оценивая обстановку. Зверь ли это, крупная птица или лихой человек она ещё не определила, но для верности правая рука инстинктивно потянулась в сторону сухой коряги, чтобы в случае чего быстро отломить ветку.
На юной героине надет традиционный народный костюм: платок, светлая нательная рубаха и сарафан. Из-под порядком потрёпанного подола выглядывают загорелые босые ступни. На шее можно разглядеть две нитки бус практически одинакового диаметра.
Тема крестьянства, его простого жизненного уклада была главным и единственным направлением в творчестве художника. Мастер стремился показать лучшее, что сокрыто в родном народе: простоту, трудолюбие, верность вековым традициям. Лица его героев привлекают внутренней безыскусной красотой и отразившейся в ясных глазах чистотой души.
Утрата любимых людей – тяжёлое испытание для их ближайших родственников. Ещё труднее смириться с мыслью о вечной разлуке, когда смерть подстерегла человека на самом взлёте. Картина «Опустошённая потерей своего возлюбленного, или жена полковника Манары на могиле мужа» написана итальянским художником Джузеппе Мольтени в 1850-м году.
Лучано Манара, живший во второй трети XIX столетия, считается национальным героем Италии. Его земной век был короток. Отмеренные 24 года молодой патриот без остатка отдал на благо родины. Добровольцем он участвовал в Первой итальянской войне за независимость, а к моменту сражений за Римскую республику уже занимал должность начальника штаба при генерале Гарибальди.
Погибнув в бою под стенами дворца Спада, герой был похоронен в Риме. Долгое время семья не могла добиться разрешения на перезахоронение тела в родном Милане. Лишь 4 года спустя оккупационные австрийские власти пошли на уступки и позволили родным перевезти останки сына, мужа и отца на родовую виллу. По распоряжению свыше перемещение праха состоялось в атмосфере строжайшей конфиденциальности.
Убитая горем вдова опустилась на колени у невысокого креста. В дар дорогому усопшему она принесла любовь, слёзы и сплетённый своими руками венок. Чёрные тучи нависли над землёй, так же как над Апеннинами распростёрлась железная рука Австрии. Но, несмотря на все трудности, в небе уже вспыхивают грозовые зарницы будущей свободы.
Сегодня полотно хранится в коллекции замка Алье (Турин, Италия).
В воздухе разносится гул десятков тысяч возбуждённых голосов. Кровавое пиршество вот-вот начнётся, и его свидетели всё сильнее выказывают нетерпение. Картина «Верные до смерти (Христиане – львам!)» написана британским художником-прерафаэлитом Гербертом Густавом Шмальцем в 1888-м году.
В Римской империи последователи христианского вероучения были гонимы вплоть до середины IV столетия. Их побивали камнями, некоторых лишали имущества и ссылали, других прилюдно казнили. Одним из излюбленных способов массовой расправы над неугодными стали цирковые представления, во время которых несчастных отдавали на съедение голодным диким зверям.
Арена величественного Колизея обильно присыпана песком. В него быстро впитается мученическая кровь. По периметру гигантского круга установлены скульптурные изображения идолов. Красные столбы служат не только постаментами для бюстов античных богов, но и пригодятся для скорого истязания. Опоры предназначаются для юных христианок, обречённых на заклание.
Божки украшены цветными лентами и венками, тогда как молодые мученицы в свой смертный час лишены даже одежд и вынуждены предстоять обнажёнными перед толпой мучителей. Героини ведут себя по-разному: одни молятся, другие тихо плачут, кто-то, не выдержав испытания, лишился чувств. Самая дальняя из девушек, болезненно изогнувшись, закрывает уши ладонями. Она не может слышать человеческого гомона и рыка хищников, выпускаемых рабами из клетки.
Dariadna
