1947 – родился Аркадий Калмыков, художник




Родился в г. Копейске, вскоре семья переехала жить в г. Еманжелинск. Закончил в 1977г. Нижне-Тагильский педагогический институт, художественно-графический факультет.

Выставки:

1972г. - Всесоюзная выставка в г.Москве (Чеканка, резьба по дереву);
1994г. – в г. Челябинске "Каменный пояс" (совместно с еманжелинским художником М.Я.Франке), в Коркино, Южноуральске, Троицке, Челябинске.

"Аркадий Калмыков – фигура колоритная как в плане внешности, так и в смысле новаторского, оригинального восприятия и отражения мира" (В.Павлов, журналист).

Художник Аркадий Калмыков – яркая и незаурядная личность. За плечами зрелого мастера тридцать лет творческих поисков. Были разные периоды: авангардизм, символизм, сюрреализм и так далее. Рассказывая о своем увлечении абстрактным экспрессионизмом, художник делился в одном из своих интервью: "Друзья и родные не разделяют моего увлечения абстрактной живописью: "Ну что это нарисовано? То ли море, то ли метель, то ли северное сияние…", "Что здесь, по-вашему, нарисовано? Как это можно назвать?" "Мироздание" – кто-то ответил, глядя на изображенное на картине нечто таинственное, пронзительное и впечатляющее. Были журналисты, которые в его абстракционизм "влюблялись раз и навсегда!"

Творчество А.Калмыкова поражает разнообразием жанра. Прежде всего, он создатель великолепной портретной галереи. "Его образы притягивают внимание острым психологизмом, внутренней обнаженностью, меткой характерностью и живописной экспрессией", - характеризует его портретные работы искусствовед Т.Жукова.

"В мягком мерцании фона… сияют золотисто-оливковые отблески; тянутся тонкие, изящные линии хрупких стебельков с нежными огоньками цветов, словно это легчайшие эфемерные существа. В их едва уловимом движении, в чуть заметном колебании лепестков слышатся звуки далекой скрипки и сладость неразрешенной тайны." ( искусствовед Т.Жукова).

О картинах А.Калмыкова писал журналист Валерий Павлов: "Работам А.Калмыкова присущи острый психологизм и внутренняя обнаженность, меткая характеристика и живописная экспрессия, энергичная манера письма и богатство цветовых нюансов.

Рассматривая его картины, затрудняешься определить, что в них главное: поэтическая ли взволнованность или импульсивность цвета, образная выразительность или свободная живописная манера… Так или иначе, одно несомненно: его произведения представляют мир как яркую, стремительную, глубоко эмоциональную и вместе с тем прекрасную одухотворенную действительность".

http://admemr.ru/site/index/yard/crs/Hudozhniki/
http://www.chelglobus.ru/art/Emanzhelinsk/index.html

1889 - родился Г.М.Шегаль (1889-1956), художник



Талантливый живописец, автор полотен на историко-революционную и бытовую темы, замечательный пейзажист Григорий Михайлович Шегаль был человеком широких художественных интересов, высокой культуры и активной жизненной позиции.

Путь в профессиональной деятельности был у Шегаля долгим и нелегким.

Будущий художник родился в 1889 году в городе Козельске. Рано оставшись без отца - талантливого и разносторонне одаренного самоучки, - он с детских лет вынужден был зарабатывать себе на хлеб. Единственной отрадой было для него чтение, пробуждавшее в нем безотчетное желание переносить на клочки бумаги рождавшиеся в душе образы, навеянные книгами и впечатлениями окружающего мира.

Сознательное стремление стать художником появилось у него немного позже, когда он работал в Смоленске подмастерьем в граверной мастерской. Тратя весь свой скудный заработок на занятия со студентом-репетитором, Шегаль за три года подготовился к сдаче экстерном экзаменов на аттестат зрелости и, успешно выдержав их, переехал в Петербург, где в 1912 году поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств. Здесь он учился у таких видных мастеров, как Н.Рерих, А.Рылов. В 1917- 1918 годах Шегаль короткое время занимался в Академии художеств у Г.Залемана и И.Билибина и завершил свое профессиональное образование лищь в 1925 году во Вху-темасе, окончив мастерскую А.Шевченко и будучи уже зрелым человеком.

Начав свой самостоятельный творческий путь в 1920-е годы - интереснейшее для нашего искусства время, Шегаль, как и многие другие мастера этого поколения, стоял у самых истоков советской художественной культуры, вместе с которой рос и мужал его талант. С 1923 года Шегаль начал активно участвовать в выставках. Свои работы он экспонировал вместе с группой "Бубновый валет", был членом "Общества московских художников", а с 1926 года постоянно участвовал в выставках Ассоциации художников революционной России (АХРР) - объединения, ставившего своей главной задачей показ сегодняшнего дня советских городов и сел, выступавшего за новое содержание в искусстве.

Желание отобразить на полотне трудовые будни страны, строящей социализм, запечатлеть новых героев стало главным для Шегаля с первых лет самостоятельной творческой деятельности. Однако он никогда не ограничивал свои искания выбором лишь новых тем и образов, всегда углубленно и вдумчиво работая над живописными качествами своих работ.

В годы учебы во Вхутемасе Шегаль испытал подлинное потрясение от живописи импрессионистов и Сезанна, с пристальным вниманием изучал их наследие. Столь же сильные впечатления он пережил от встречи с искусством Рембрандта, Веласкеса, Хальса, Шардена.

Влияние мастеров прошлого просматривается во многих ранних работах Шегаля. Но будучи строгим и требовательным к себе он не мог довольствоваться готовыми формулами и рецептами. Его творчество - это постоянный поиск языка самобытного и свежего, звучание которого с каждым годом все явственнее слышалось в его произведениях. Персональная выставка работ Шегаля, состоявшаяся в 1935 году, позволила говорить о нем как о сложившемся, зрелом живописце, художнике, плодотворно работавшем в различных жанрах.

Проводя много времени в поездках по стране, посещая стройки первых пятилеток, художник стал одним из зачинателей жанра индустриального пейзажа. Он побывал в Златоусте и Карабаше, Соликамске и Новокузнецке, знакомился с Турксибом, через всю Среднюю Азию проехал на Алтай. Выполненные в этих поездках пейзажи Шегаль называл "очерками", хотя идейно-художественное значение их неизмеримо глубже.

В 1930-е годы художник впервые обращается к историко-революционной теме и создает две картины, получившие широкую известность. Замысел первой возник в 1933 году во время творческой командировки на Урал. В основу картины "Расстрел железнодорожников колчаковцами в Кизеле в 1919 году" лег реальный трагический эпизод гражданской войны. Над воплощением своего замысла Шегаль работал два года, собирая материал, тщательно продумывая композицию и драматическую "канву" полотна. Картина, получившая высокую оценку М.Нестерова, поражает глубокой эмоциональностью, которой автор добивается прежде всего живописно-пластическим решением полотна.

"Бегство Керенского из Гатчины в 1917 году" - вторая картина Шегаля, возвращающая нас в революционные годы. Она была подготовлена к выставке "XX лет РККА и Военно-Морского Флота". Мастер развертывает здесь перед зрителем подлинную историческую драму, каждое действующее лицо которой наделено неповторимой психологической характеристикой - от фарсовой фигуры "премьера", переодевающегося в женское платье, до трагического образа офицера, начинающего постигать истинный смысл свершающихся событий.

На протяжении всей своей творческой жизни художник постоянно работал и в более камерных жанрах - натюрморте и пейзаже. Особая и наиболее глубоко пережитая Шегалем тема его творчества - родная природа. Он не переставал обращаться к ней до последних дней, работал любовно и проникновенно. По пейзажам Шегаля легко можно проследить, как менялось его художественное видение, совершенствовалось живописное мастерство. На смену ярким, декоративным работам конца 1920-х годов, часто отмеченным влиянием любимых художником мастеров, пришли предвоенные крымские пейзажи, построенные на передаче тончайших нюансов световых и цветовых отношений в природе, созданных как бы в тесном слиянии с ней. Большую роль в эволюции пейзажного творчества Шегаля сыграли впечатления военных лет - месяцы, проведенные в эвакуации, поездки в разрушенные прифронтовые районы. Они породили в душе художника чувство особой ценности жизни и органичной любви к родной земле. В многочисленных пейзажах послевоенных лет, запечатлевших неброскую природу средней полосы, самоценное звучание обретает тема Родины. В них Шегаль выступает как преемник лучших традиций русского демократического искусства.

Творческая деятельность Шегаля всегда сочеталась с педагогической практикой. Он преподавал в МГХИ имени В.И.Сурикова, был профессором ВГИКа. Обобщая свой профессиональный опыт, Шегаль опубликовал целый ряд статей по искусству, а также фундаментальную монографию "Колорит в живописи" (М., 1957), поднимающую важнейшие вопросы живописного мастерства и творческой практики.

Искусство художника снискало ему признание зрителей, высокую оценку художественной общественности. Григорий Шегаль был избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР.

http://www.hrono.ru/biograf/shegal.html
http://maslovka.info/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=80



Читать далее...

1889 – родилась Любовь Сергеевна Попова (1889–25.05. 1924), русская художница



Родилась в имении Красновидово (село Ивановское, Московская губерния) 24 апреля (6 мая) 1889 в семье богатого предпринимателя. Свои первые шаги в живописи Попова сделала, обучаясь в частных студиях С. Ю. Жуковского(1907) и К. Ф. Юона (1908-1909), в студии "Башня" (вместе с В. Е. Татлиным, К. М. Зданевичем, А. А. Весниным, 1912) и в парижской академии "Ла Палетт" («Палитра») под руководством А.Ле-Фоконье, А.Сегонзака и Ж.Метценже (1912–1913. В эти годы много путешествовала по России и Западной Европе.

В 1914–1916 участвовала в целом ряде авангардистских выставок («Бубновый валет», «Трамвай В», «О, 10», «Магазин»). Познакомившись с К.С.Малевичем, зимой 1916–1917 приняла участие в организации недолговечного общества «Супремус». Ранние вещи художницы решены в духе фовизма и аналитического кубизма. Позднее перешла к более динамичной, «кубофутуристической» манере ("Человек + воздух + пространство", 1913; "Портрет философа", 1915; обе работы – в Русском музее) и полуабстрактному синтетическому кубизму.

Манера художницы воспринимать мир как гигантский натюрморт, воссоздаваемый на полотне или в графическом листе в остроритмичных, а колористически – в декоративно-насыщенных, красочно-звучных формах, в полной мере проявились в произведениях середины 1910-х годов. Этапным в этом смысле явился цикл Живописная архитектоника, исполненный в 1916–1918-х годах. Именно разнообразие красочных ритмов отличает эти произведения от более строгого супрематизма Малевича.

В 1920 г. художница обращалась к сценографии, предваряя в ней стиль компромиссного между модерном и авангардом «ар деко» (эскизы занавеса и кукол для спектакля Сказка о попе и работнике его Балде по А.С.Пушкину для Первого государственного театра для детей; оформление спектакля Канцлер и слесарь по пьесе А.В.Луначарского в Театре комедии).

С 1920 преподавала во Всесоюзных художественно-технических мастерских (Вхутемас) и работала в Институте художественной культуры (Инхук), занимаясь там в секции монументального искусства, руководимой В.В.Кандинским; в 1922 примкнула к ЛЕФу («Левому фронту искусств»). Ее дизайн спектакля «Великодушный рогоносец» по пьесе Ф.Кроммелинка (поставленного в 1922 мастерской В.Э.Мейерхольда) стал этапным шедевром авангардной сценографии, с доминирующим на сцене миром абсурдно-гротескных структур и вещей; конструктивизм здесь впервые столь решительно продвинулся в сферу театра, однако сами «инхуковские» конструктивисты устроили над Поповой показательный (по-своему театральный) суд, считая этот «выход из лабораторной стадии» преждевременным.

Тем не менее теория авангарда продолжала переходить в практику: в 1923 Попова оформила для Мейерхольда еще один спектакль («Земля дыбом» по пьесе М.Мартине – С.М.Третьякова), а в 1924 занялась «производственным искусством», разрабатывая рисунки текстиля для 1-й ситценабивной фабрики.

За свою недолгую жизнь Л. С. Попова прошла весь путь русского авангарда - от сезаннизма, через кубизм и футуризм к супрематизму, а затем конструктивизму, и от станковой живописи к промышленному искусству; успела поработать в книжной графике (обложки для журнала "Леф", 1921; для книги П. А. Аксенова "Эйфелия. Тридцать од", 1922) и плакате, в театре - и везде ее опыты были отмечены особой органикой.

Участница всех значительных авангардных выставок ("Трамвай", "О, 10", "Магазин", "5х5=25"), профессор Вхутемаса и деятель Инхука, она умерла неожиданно, от скарлатины (перед тем потеряв мужа, а за несколько дней до своей смерти - сына), умерла на взлете таланта.

Воспринятый в Париже кубизм наложился на любовь к русской иконе и итальянскому ренессансу; классическая мера сказалась и в последующих беспредметных работах Поповой - и тогда, когда она стала членом группы "Супремус" (1915) и воплотила свой вариант "общей веры" в серии "Живописных архитектоник" (1916-18), и тогда, когда перешла к "живописным конструкциям" (1920) и "пространственно-силовым построениям" (1921), и тогда, когда вовсе оставила живопись ради производства тканей. Ее произведениям чужда патетика космизма, - скорее, на разных этапах творчества она искала структурный и гармонический закон устройства бытия, пытаясь повсеместно распространить найденную гармонию.

http://www.krugosvet.ru/articles/79/1007911/1007911a1.htm
http://russia.rin.ru/guides/5483.html
http://staratel.com/pictures/ruspaint/488.htm
http://www.vestnik.com/issues/2000/1024/win/Orlov.htm
http://wwar.com/masters/p/popova-liubov.html
http://www.elibron.com/english/other/item_detail.phtml?msg_id=56784
http://www.safran-arts.com/42day/art/art4apr/art0424.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Lyubov_Popova
http://russia.rin.ru/guides/5483.html
http://www.krugosvet.ru/articles/79/1007911/1007911a1.htm

Читать далее...

1880 — родился Эрнст Кирхнер (Ernst Ludwig Kirchner) (1880 - 15.06.1938),, немецкий художник-экспрессионист.






Эрнст Людвиг Кирхнер - один из лидеров экспрессионизма. Родился в Ашаффенбурге. Вырос в семье инженера-химика. В 1901-05 гг. учился в Высшей технической школе в Дрездене на факультете архитектуры. Посещал учебно-экспериментальную мастерскую свободного и прикладного искусства в Мюнхене.

Вернувшись в Дрезден, в 1905 году вместе с Хеккелем и Шмидт-Ротлуфом основал группу «Мост». Эта группа стала эпицентром экспрессионистского движения. В 1911 г. переехал в Берлин. Тут в 1912 году издал Хронику «Моста», но вскоре поссорился с членами группы и стал работать отдельно.

В его картинах преобладают темы большого города, пейзажи. Изображения на его картинах в нервных и изломанных формах, в драматическом, напряжённом и контрастном колорите. Кирхнер также был великим мастером рисунка и гравюры.

В начале Первой мировой войны он служил артиллеристом под Галле, но уже через год (1915) был демобилизован. Война имела тяжёлые последствия для его психики, он начал употреблять алкоголь и морфий. В том же году Кирхнер переехал в Швейцарию и жил во Фрауэнкирхе, расположенном недалеко от Давоса, в санатории, которую украсил своими фресками.

Здесь он по-прежнему создавал картины в напряжённом, динамичном ритме и колорите. Его картины и графические работы стали более весёлыми, на них преобладают альпийские мотивы. Художник создал несколько циклов гравюры на дереве. Свою идею искусства, как сочетания «иероглифов», передающих внутренний смысл видимого мира, выразил в критических заметках к собственным работам, опубликовал которые под псевдонимом «Луи де Марсаль».

На протяжении 1920-х годов его работы становились всё абстрактнее, образы стали «иероглифическими», полуабстрактными. С приходом к власти нацистов, как и другие авангардисты, был причислен к представителям «искусства вырождения», оказался в вынужденной творческой изоляции, хотя, как житель нейтральной Швейцарии, был в относительной безопасности.

Трагические события в Германии толкнули его к самоубийству.

http://menas.somee.com/index.asp?lng=ru&page=2&id=9
http://de.wikipedia.org/wiki/Ernst_Ludwig_Kirchner
http://www.artchive.com/artchive/K/kirchner.html#images
http://www.artcyclopedia.com/artists/kirchner_ernst_ludwig.html


Читать далее...

1858 - родился Алексей Степанович СТЕПАНОВ, живописец (1858 – 1923)



Скромного, деликатного, доброго А. С. Степанова, "Степочку", как его все звали, любили и ценили друзья - С. В. Иванов, Н. П. Чехов, братья С. А и К А. Коровины, И. И. Левитан, М. В. Нестеров - и многочисленные ученики, среди которых были П. Д. Корин, А А Пластов, Л. В. Туржанский и др.

Корин после выставки Степанова говорил: "Словно я Пушкина стихи прочитал. Вот так же просто, просто, а высоко... Что о нем сказать? Художник он был. Вот все тут и сказано. И было в нем все просто, без эффектов. Душа в нем была, и это - самое главное. Но притом артистизм высокий, мастерство несравненное. Сверкающий он при великой своей простоте".

Степанов очень рано лишился родителей. С семи лет его воспитывал опекун, по настоянию которого юноша в 1879 г. окончил Межевой институт в Москве и приобрел профессию землемера. Однако работать по этой специальности не стал, а в 1880 г. поступил в МУЖВЗ. Занимался в классе И. М. Прянишникова, учился успешно и в 1884 г. окончил училище с большой серебряной медалью.

Во второй половине 1880-х гг. Степанов несколько летних сезонов работал вместе с И. И. Левитаном - сначала под Звенигородом, потом на Волге. Наряду с Левитаном он считается одним из создателей так называемого пейзажа настроения, когда художник не только ищет в природе мотив, соответствующий его внутреннему состоянию, но и психологизируст пейзаж, переносит в него собственные мысли и переживания.

Работы Степанова носят пленэрный характер, они написаны широко, эскизно, жидким прозрачным мазком, очень мягко, немногими цветами. Любил изображать крестьянских детей, наблюдающих окружающий мир - голый, бедный, осенний, но родной и широкий. Степанов любил животных и оиладал редким умением передавать их повадки и даже психологию. Жанр, в котором предпочитал работать художник, можно назвать пейзаж-ноанималистическим. М. В. Нестеров считал Степанова лучшим анималистом после В. А. Серова.

Серов также высоко ценил этот дар художника, потому настоял на приглашении Степанова в качестве преподавателя в МУЖВЗ. Около двадцати лет (1899 - 1918) Степанов руководил там "классом животных". Ученики любили его до обожания. Очень немного известно о личной жизни художника - незадолго до смерти он уничтожил свой архив. Зато весь он - в своих картинах.

http://www.artlib.ru/?id=11&fp=2&uid=1592
http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=165
http://www.varvar.ru/arhiv/gallery/animal_art/stepanov/index.html
http://staratel.com/pictures/ruspaint/590.htm


Читать далее...

1928 – родился Валентин Михайлович Сидоров (1928), живописец-пейзажист



Родился в селе Сорокопенье (Тверская область) в крестьянской семье. В 1936 г. переехал с родителями в Москву. Учился в студии при районном Доме пионеров (1940–1942), Московской средней художественной школе (1942–1948) и Институте имени В.И.Сурикова (1952–1954).

В 1960–1966 был художественным руководителем дома творчества «Академическая дача имени И.Е.Репина» (в Тверской области, под Вышним Волочком), – с ландшафтами «академички» и расположенного поблизости села Подол (где он расположил свою летнюю мастерскую) связано большинство мотивов его картин.

Получил известность сельскими пейзажами, продолжающими национально-романтическую традицию «Союза русских художников».

Занимая с 1987 должность председателя Российского Союза художников, в период перестройки внес большой вклад в сохранение и укрепление этой организации, остающейся крупнейшим творческим объединением на территории бывшего СССР. При этом в его многочисленных выступлениях в печати постоянно проявлялись программный эстетический консерватизм и резкое неприятие новейших авангардистских течений.

В 1986 вышла его книга-альбом "Край вдохновения". К 100-летию Дома творчества художников «Академическая дача имени И.Е.Репина», в 2000 – автобиографическая повесть Гори, гори ясно. Лауреат двух высших Государственных премий – СССР (1984) и Российской федерации (1996).

http://www.biograph.comstar.ru/bank/sidorov_vm.htm
http://www.sibmincult.ru/news/17032006.php
[url]http://www.rah.ru/content/ru/person-2004-12-11-22-18-13.html[/url]
http://2.sloncher.z8.ru/content/ru/main_menu/secti...2-18-13.html?showContentPart=1
http://sinfo3.rbc.ru/ru/culture_sport/premia/index.php?from4=1&id4=68309&i4=5#2
http://www.art-auction.ru/painters_detailed.php?id=32
http://www.bel.ru/news/2007/11/27/27485.html
http://www.bel.ru/news/2007/11/28/27509.html
http://www.krugosvet.ru/articles/93/1009365/print.htm
http://www.llr.ru/poisk_show.php?namer_id=enc4_2159&code=&name=
http://www.novostiuzbekistana.st.uz/42_220/kultura.htm
http://www.peoples.ru/art/painter/valentin_sidorov/

Читать далее...

1834 – родился Виктор Александрович Гартман (1834 – 4.08.1873), русский архитектор, художник и орнаментист, один из основоположников псевдорусского стиля в архитектуре.




Родился в Петербурге в семье чиновника-француза (позднее к имени прибавил отчество «Александрович»). Занимался в Академии художеств в качестве «вольноприходящего» ученика (1852—1861), затем работал помощником своего дяди, архитектора А. Гемильяна. В 1852–1868 как «пенсионер» Академии посетил Германию, Швейцарию и Италию.

Вернувшись в Россию, показал себя одаренным сценографом, оформив оперы «Руслан и Людмила» М. И. Глинки и «Вражья сила» А. Н. Серова (обе — в Мариинском театре, 1871). В том же году в связи с начавшимся строительством Политехнической выставки переселился в Москву.

Активно сотрудничал с абрамцевским кружком и журналом-увражем «Мотивы русской архитектуры» (1874—1880), которые ознаменовали выход «русского стиля» на новый, более «демократический» или, по декоративно-пластическому характеру, фольклорно-«крестьянский» этап.

Стал (наряду с И. П. Ропетом) одним из самых ярких и авторитетных представителей «неорусской» стилистики. Известнейшей его работой является «Студия» (мастерская) в Абрамцеве (1872). По проекту Гартмана возведена Мамонтовская типография в Москве (обе — 1872).

Наиболее живописные его произведения — павильоны Всероссийской мануфактурной выставки в Петербурге (1869), Военный павильон и Народный театр (вероятно, первое в России здание сборно-разборного типа) на Политехнической выставке в Москве, а также подмосковная дача Мамонтова в Кирееве (поселок, со временем исчезнувший; существовал на месте современного Ленинградского шоссе в районе Химок; все — 1872) до нас не дошли.

Органичней всего его идеи, развивающие характерные мотивы народных вышивок и резьбы по дереву, воплощались именно в деревянных постройках. В изданном В. В. Стасовым альбоме «Образцы русского орнамента» (1872) гартмановские проекты такого рода воспроизведены наряду с узорами крестьянских полотенец из собрания зодчего.

Гартман вошел также в историю русской музыки, поскольку посмертная выставка его рисунков и проектов (1874) вдохновила М.П.Мусоргского на написание знаменитых "Картинок с выставки".

„Картинки с выставки“ принадлежат к жанру “tombeau” — произведения искусства, увековечивающего чью–либо память. Как известно, „Картинки“ являются откликом на ретроспективу рисунков и проектов Виктора Гартмана, близкого друга Мусоргского.

Гартман был довольно известным архитектором, всесторонне образованным человеком, полным любознательности и широко путешествовавшим по свету. В 1873 году Гартман скоропостижно скончался, будучи еще очень молодым; Мусоргский был потрясен этим известием, и, по посещении весной 1874 года мемориальной выставки гартмановских работ в Санкт–Петербургской Академии Художеств, с жаром принялся за музыкальное увековечивание памяти своего друга.

„Гартман кипит, как кипел „Борис“ — писал композитор В.В. Стасову. „Картинки“ были сочинены в июне 1874 года за рекордный срок — две недели.

http://en.wikipedia.org/wiki/Viktor_Hartmann
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%93%D0%B0%D1%80%D1...%D1%80%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D1%87
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9A%D0%B0%D1%80%D1...%D1%82%D0%B0%D0%B2%D0%BA%D0%B8
http://www.korschmin.com/forum/?pp_album=main&pp_cat=viktor-hartmann
http://www.krugosvet.ru/articles/88/1008848/1008848a1.htm
http://www.rulex.ru/01040902.htm
http://www.spbvedomosti.ru/article.htm?id=10241943@SV_Articles
http://www.stmoroky.com/reviews/gallery/pictures/hartmann.htm


Читать далее...

1825 родился Джордж Иннесс /George Inness/ (1825 — 03.09.1894) — американский пейзажист.




Обучался у французского художника Жиньу.

В 1840-е годы Иннесс исполнял протокольно-точные, несколько пестрые по колориту пейзажи Новой Англии (“Старая мельница”, 1849, Художественный институт Чикаго).

Поездки в Италию и Францию, изучение произведений К.Лоррена, К.Коро, мастеров барбизонской школы позволили Иннессу выработать в 1850-1860-е годы собственную манеру пейзажной живописи, в которой сочетались классическая монументальность композиции, мягкая элегичность настроения и реалистическая достоверность мотива.

В 1860 г. вернулся в Америку. Из его картин лучшие: «Заход солнца», «Долина тени смерти», «Осеннее утро», «Сосновый бор виллы Берберини», «Триумф света», «Восход солнца» и др.

Реалистические виды американской природы ("Долина Делавэра", 1859) отличаются одухотворенностью и интересом к естественному освещению.

В дальнейшем Иннесс обратился к более интимным формам видения природы: используя импульсивный динамичный мазок, он воссоздавал изменчивость световоздушной среды при различной погоде или в разное время суток (“Дубы осенью”, Метрополитен-музей). Одновременно в его творчестве нарастали тенденции символизма , мистической неопределенности (“Сестры в саду”, около 1881, Художественный институт Чикаго).

http://www.artcyclopedia.com/artists/inness_george.html
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%BD%D0%BD%D0...%D0%B6%D0%BE%D1%80%D0%B4%D0%B6
http://www.usc.edu/schools/annenberg/asc/projects/...rary/artists/InnessGeorge.html


Читать далее...

1900 - родился Антун Августинчич / Antun Avgustinchich / (1900-10.05.79) - югославский политический деятель, скульптор, член Югославской академии наук и художеств (1940), почетный член АХ СССР (1973).



По национальности хорват. Изучал скульптуру в Загребском училище ваяния и зодчества. Окончил Королевскую академию искусств (1924) и Академию искусств во Франции (1926).

С 1926 г. постоянно выставлялся в Загребе и стал одним из наиболее популярных графиков и скульпторов в Хорватии.

В 1929 г. состоялась его выставка в Барселоне, в 1930 - в Лондоне и Белграде. После оккупации германскими и итальянскими войсками Югославии встал в оппозицию к новому режиму. В 1941—45 участвовал в освободительном движении. В 1943-1945 член Президиума Национального комитета освобождения Югославии. С 1946 профессор Академии изобразительных искусств, а позже - ее канцлер.

Автор героических по духу монументальных произведений (памятник П. Кочичу в г. Баня-Лука, 1929; монумент Советской Армии в селе Батина-Скела, 1945—47; монумент Мира у здания ООН в Нью-Йорке, 1952—55), портретов, женских статуй и торсов.
Работам Августинчича. свойственны реалистичная выразительность, динамика и живописность форм.

http://www.hrono.info/biograf/bio_a/augustinch.html
http://www.taumuon.co.uk/gallery/ZagrebFebruary2008/Klanjec/slides/Augustincic.html
http://www.mdc.hr/augustincic/eng/augustincic/index.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Antun_Augustin%C4%8Di%C4%87


Читать далее...

1826 – родился Фредерик Эдвин Черч /Frederic Edwin Church/(1816 – 07.04.1900), североамериканский живописец-пейзажист, пользующийся большой известностью в своем отечестве и в Англии.



Родился в Гартфорде (в штате Коннектикут). Образовавшись под влиянием жившего в Кетскилле английского ландшафтиста Томаса Коля, он усердно изучал природу севера и юга Америки и пристрастился к воспроизведению преимущественно поразительных по красоте и величественности местностей в моменты эффектных явлений атмосферы.

Одним из первых его произведений, обративших на него внимание публики, был вид Ист-Рока, близ Нью-Гевена, еще несильный по колориту, но уже отмеченный печатью крупного таланта. Совершив в 1853 г. путешествие в Южную Америку, Черч. написал ряд тамошних видов, в том числе вид большой цепи Новогранадских гор.

Успех этой картины побудил художника пуститься в 1857 г. еще дальше на юг, в тропические страны. Плодами этой поездки были его пейзажи: "Котопахи", "Дождь под тропиками", "Чимборазо" и особенно замечательное "Сердце Арденов" - картина, пропитанная тропическим жаром и удивительно эффектная по разыгранному в ней освещению.

Написав после того два превосходных вида Ниагарского водопада, один с Канадского берега, другой с середины реки, Черч. отправился в Лабрадор и в ледовитые края Северной Америки; по возвращении оттуда исполнил, между прочим, вид Ледяных гор, останавливавший на себе общее внимание на выставке лондонской королевской академии 1863 г.

В 1866 г. Черч посетил Ямайку, в 1868 г. переплыл в Европу, съездил в Грецию и на Восток и изготовил там много этюдов; при их помощи были написаны им виды афинского Парфенона, Дамаска, пещерного храма в Каменистой Аравии, Иерусалима и другие картины, в сильной степени отзывающиеся направлением знаменитого английского пейзажиста Тернера, влияние которого отчасти отражалось и в прежних его картинах. Кроме живописи, Черч занимался физической географией и произвел несколько немаловажных исследований в области этой науки.

………………………………………………………………………………………………………..
Перед Гражданской войной Чёрч, ученик Коула. был самым популярным художником Он писал работы в основном крупного формата и использовал подчас слишком натуралистические мотивы, чтобы привлечь и ошеломить публику.

Чёрч путешествовал по самым экзотическим и опасным местам, собирая материал для изображения южноамериканских вулканов и айсбергов северных морей; одно из его самых известных произведений – картина Ниагарский водопад (1857, Вашингтон, галерея Коркоран).

Черч несколько отличается от других американских пейзажистов XIX в., поскольку его привлекли красоты не родной страны, а земель Южной Америки. Гражданина Соединенных Штатов они поразили своей экзотикой, необычностью и историческими ассоциациями с почти варварскими цивилизациями ацтеков и инков, а также многочисленными вулканами. Южная Америка представляла особый мир. столь непохожий на тот, особенности которого позже отобразил Грант Вуд в знаменитой «Американской готике».

http://www.wikiznanie.ru/ru-wz/index.php/%D0%A7%D0%B5%D1%80%D1%87
http://www.virtualology.com/virtualmuseumofart/hallofamericanart/FREDERICCHURCH.COM/
http://www.artcyclopedia.com/artists/church_frederic_edwin.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Frederic_Edwin_Church
http://wwar.com/masters/c/church-frederic_edwin.html


Читать далее...

1472 - родился Лукас КРАНАХ (старший) /Lucas Cranach the Elder/(1472–16. 10.1553) - немецкий живописец и график.




Лукас Кранах Старший родился в 1472 г. в местечке Кронах в Верхней Франконии (северная часть нынешней Баварии) в семье живописца Ганса Мюллера, известного лишь по упоминаниям. Живописи обучался у своего отца.

Усвоив основы ремесла, молодой художник покинул родительский дом. В поисках признания в 1490-е гг. он исколесил придунайские земли и в 1500 г. обосновался в Вене. Здесь Кранах написал первые дошедшие до нас картины («Распятие», «Отдых на пути в Египет»). В них он обращается к проблеме взаимоотношения человеческой фигуры и пейзажного фона. Его художественные искания этих лет, связанные в первую очередь с изображением природы, сближают его с мастерами дунайской школы. В Вене художник пишет свои первые портреты («И. Куспиниан»). Работал в Австрии (около 1500-04), в Виттенберге
Прибыв в 1504 году в просвещенный университетский город Виттенберг, безродный живописец очень скоро получил от правящего курфюрста Саксонского Фридриха Мудрого право на дворянскую грамоту с собственным гербом в виде крылатого дракона.

В 1505 г. Кранах принял приглашение Фридриха Мудрого стать придворным художником, в и оставался при дворе курфюрста и его преемников в Виттенберге (1505-50), в Аугсбурге (1550-1552) и Веймаре (1552- до конца жизни в 1553).
Вместе с полагающимися привилегиями Кранах получил целый ряд обязанностей: он сопровождал своего господина на охоте, участвовал в турнирах и празднествах. Проницательный государь сразу угадал необыкновенный талант новоявленного придворного. И не только в художестве.

В 1508 году весьма скорый на мысль художник послан с дипломатической миссией к императору "Священной Римской империи" Максимилиану I, двор которого в это время обитал в Нидерландах. После чего в Антверпене всем показывали портрет императора, исполненный Кранахом на стене полюбившегося ему трактира.

В 1509 г. он совершил путешествие в Нидерланды. Будучи в Нидерландах, он познакомился с самым мистическим художником Европы - Иеронимом Босхом - и примкнул к его таинственной секте "Садовых братьев", исповедовавших полную свободу в любви, мечтавших о возвращении на землю легендарного Золотого века.

В 1509 году 37-летний Лукас Кранах впервые в живописи Германии дерзнул изобразить обнаженную богиню любви Венеру. До этого он, как и другие его собратья по кисти, писал только строгие библейские сюжеты для церковных алтарей и заказные портреты для знати.

А затем дошло до того, что однажды мастер, как бы между прочим, набросал "Суд Париса" - на обороте своего же рисунка с Христовым Распятием. Сцена соблазна впрямую пересеклась с трагизмом Голгофы. Так или иначе, но именно с легкой руки Лукаса Кранаха в немецкую живопись активно ворвались мифологические темы, а с ними и вольные языческие пристрастия. Не в пример своему современнику, принципиальному реалисту Дюреру Кранах всегда тяготел к сказочным мотивам.

Ранние произведения Кранаха поражают яркостью новаторских замыслов: в "Распятии" (1503, Старая пинакотека, Мюнхен) дерзкая правдивость образа, резкая асимметрия композиции, беспокойные краски пейзажа как бы навеяны предчувствием общественных потрясений; в "Отдыхе на пути в Египет" (1504, Картинная галерея, Берлин-Далем), напротив, господствуют проникновенные идиллические ноты, а зоркость и свежесть восприятия природы открывают путь достижениям дунайской школы.

В первые несколько лет придворной службы Кранах занимался преимущественно гравюрами. Он был одним из первых европейских граверов, начавших создавать цветные оттиски («Адам и Ева»), которые печатались с двух досок: одна давала черный рисунок, другая — цветной фон. Единственным живописным произведением этого периода стал «Алтарь Св. Екатерины». Лишь после нидерландского путешествия Кранах вновь обратился к живописи, работая в различных ее жанрах. Это и большие алтари для саксонских церквей («Княжеский алтарь»), и картины на библейские темы («Рождество Христа»), и мифологические композиции («Венера и Амур», «Нимфа источника», «Суд Париса»), и жанровые сцены, и сцены охоты («Охота на оленей»).

В Виттенберге определился противоречивый творческий облик Кранаха, отразивший сложность эпохи и среды, в которой жил и работал художник. В "Алтаре святой Екатерины" (1506, Картинная галерея, Дрезден), "Княжеском алтаре" (1510, Государственная галерея, Дессау) претворены достижения искусства Возрождения. В позднейших религиозных картинах они переплетаются с чертами манерности, ощутимыми также в гравюрах на дереве. Эти черты напоминают искусство поздней готики, но также предвосхищают маньеризм. Гуманистические идеалы выражены в картинах "Венера и Амур" (1509), "Мадонна" (обе в Эрмитаже, Ленинград), "Нимфа источника" (1518, Музей изобразительных искусств, Лейпциг).

На протяжении всей жизни Кранах оставался замечательным мастером портретного жанра. Его портреты пользовались большой популярностью. Моделями Кранаха были саксонские курфюсты и члены их семей, вельможи, деятели церкви и науки («И. Шёнер»). Особое место в ряду образов, созданных художником, занимают портреты Мартина Лютера и его сподвижника Меланхтона, считающиеся единственными их изображениями

Сам великий реформатор сыграл немаловажную роль в жизни Кранаха. Их знакомство состоялось в начале 1520-х гг. и вскоре переросло в тесную дружбу. Кранах многократно его портретировал, в том числе в гравюре на меди, 1521), пропагандировал идеи Реформации в ряде своих произведений (в т. ч. в гравюре на дереве "Проповедь Иоанна Крестителя", 1516). Но он принимал заказы и от противников Реформации. В числе его постоянных заказчиков был кардинал Альбрехт Бранденбургский — ярый приверженец католической церкви (Портрет кардинала Альбрехта Бранденбургского, 1526, Эрмитаж).

Как истинный универсал эпохи Возрождения, Лукас явил себя мастером на все руки. Помимо живописи и отличных гравюр, он поставляет отменные образцы всяческого дизайна - эскизы для декоративных тканей, гобеленов, росписей домов. Сам рисует, режет и лепит модели из дерева и глины для надгробий, церковной утвари и светских безделок, придворных костюмов и ювелирных украшений.

Затем следуют выгодная женитьба Кранаха на дочери богатейшего виттенбергского пивовара и строительство большого собственного дома. Вскоре художник числится в Виттенберге владельцем уже двух домов, сдает их в аренду книжному магазину, винной лавке, аптеке... А в 1515 году явился на свет Лукас Кранах Младший. Говорят, что на детях "природа отдыхает". Однако сын унаследовал от отца и творческий дар, и деловую хватку, и неплохой капитал, и почетные должности. Ведь к этому времени Лукас Старший побывал уже в членах городского совета, трижды в разное время исправлял должность казначея, а 1537 был избран правящим бургомистром Виттенберга.

В двадцатых годах Кранах является самым состоятельным горожанином после канцлера двора Брюна. И может позволить себе роскошь принимать, а при необходимости и скрывать в обширных своих владениях всяких европейских знаменитостей. Одним из таких его гостей стал скандальный религиозный реформатор Мартин Лютер, которого щедрый хозяин увековечил в самых разнообразных портретах.

В тысячах гравированных отпечатках эти портреты расходятся в народе, оповещая всех и вся, что гонимый праведник живет и действует. Кранах был доволен: его выразительные "агитки" совмещали самую животрепещущую актуальность с коммерческой основательностью. Художник сам финансирует и издает в собственной типографии со своими иллюстрациями знаменитое "Сентябрьское Евангелие" Лютера, прогремевшее на всю Германию.

Когда же Лютер знакомит Кранаха со своим семейством, то все внимание живописца переходит на жену реформатора - Катарину фон Бора. Красотой она не блещет. Зато буквально захватывает властной силой, диковатым и терпким очарованием женственности.

О растущем успехе и благосостоянии художника свидетельствует огромное количество произведений, выполненных его мастерской, многие из которых были написаны старшим сыном Кранаха Хансом; после его смерти (1537) там работал и второй сын мастера — Лукас Кранах Младший.

В последние годы жизни мастера его произведения становятся все более манерными. Положение придворного художника способствовало развитию в творчестве Кранаха черт жеманства и условности, пристрастия к сложным аллегорическим и мифологическим сюжетам, оживлению некоторых традиций готики (застылость композиции, мелочная отделка деталей, архаические каноны красоты).

Нарастающая стандартность произведений Кранаха усугублялась тем, что его мастерская выпускала с его знаком-подписью множество однообразных посредственных картин. Сам художник в наибольшей мере сохранил своё высокое мастерство в портретах, замечательным мастером которых он был, создав начиная с раннего периода ряд остро выразительных образов своих современников (портреты: И. Куспиниана, 1502-03, Собрание О. Рейнхарта, Винтертур; С. Рейса, 1503, Германский национальный музей, Нюрнберг; И. Шёнера, 1529, Музей старинного искусства, Брюссель).

В поздний период творчества он писал алтарные и мифологические композиции и сцены охоты. Среди принадлежащих его кисти портретов — изображения нескольких друзей, в т.ч. Мартина Лютера.

После смерти Фридриха Мудрого художник остался при дворе его брата Иоганна Твердого (Постоянного). Он стал наставником его сына, Иоганна Фридриха, впоследствии получившего прозвище «Великодушного». Кранах стоял во главе саксонского посольства, прибывшего к курфюсту Иоанну III Миротворцу, чтобы посватать его дочь, принцессу Сибиллу Клевскую, за принца Иоганна Фридриха. В дальнейшем именно Сибилла стала моделью для многочисленных кранаховских женских персонажей, мифологических и библейских («Адам и Ева», «Венера и Амур», «Лукреция»).

Осенью 1546 года придворный живописец Лукас Кранах Старший в последний раз получил придворное жалование - и полную свободу. Да ведь и некому стало служить: в войне немецких князей Иоганн Фридрих потерпел сокрушительное поражение, едва избежал смертной казни и навсегда лишился своего курфюршества вместе с благословенным Виттенбергом.

В 1550 г. курфюст Иоганн Фридрих, впавший в немилость императора Карла V, был взят в плен, а затем отправлен в ссылку. Верный своему воспитаннику до конца, благодарный художник - усталый свидетель и художественный летописец взлетов и падений царственной четы - последует за своим пленным государем сначала в Аугсбург, а затем в Веймар.

Но перед тем как навсегда покинуть давший ему столько счастья и творческой силы Виттенберг, мастер создает своего рода поэму любимому городу. Глубокий старик пишет картину "Источник юности", излучающую светлую и звонкую радость. Вопреки всякой жизненной логике, но в полном согласии с мудростью сказок, композиция этой картины развивается от конца к началу - от старости к молодости.

В Веймаре сохранился дом Кранаха, в Дворцовом музее - галерея Кранаха.

http://izoselfportrait.narod.ru/simple27ger.html
http://www.kranah.ru/
http://www.peoples.ru/art/painter/kranah/
http://users.univer.omsk.su/~guts/Cranach/
http://smallbay.ru/cranach.html


Читать далее...

1906 - родился Леонид Зусман, живописец, график и художник книги. Иллюстрировал книги для Детгиза и Гослитиздата.



Леонид Павлович Зусман считал делом своей жизни оформление и иллюстрирование книг. Он сделал рисунки к «Оливеру Твисту» Ч. Диккенса, «Легенде о Тиле Уленшпигеле...» Ш. Де Костера, «Красному и черному» А. Стендаля, «Тысяче и одной ночи», а также почти к 70 другим книгам, вышедшим главным образом в издательствах «Детская литература», «Госиздат», «Молодая гвардия», «Советский писатель». Он много работал и как театральный художник, создавая декорации к классическим и современным пьесам. Так, в Московском театре Сатиры он оформил спектакль «Неравный брак», в Одессе в его декорациях шли «Блуждающие звезды», в Минском оперном театре – «Кармен».

Родился Л.П. Зусман в белорусском городе Гродно в семье инженера и зубного врача. После рождения сына семья перебралась в Москву, где отец работал по специальности, а мать оставила врачебную деятельность и посвятила себя домашним делам и воспитанию будущего художника.

Одновременно с учебой в старших классах средней школы Леонид посещал частные студии художников Ф.И. Рерберга и А.Э. Миганаджиана и был вольнослушателем в первых государственных свободных художественных мастерских в классе И.И. Машкова – одного из основателей известного объединения московских художников «Бубновый валет».

В 1924 году он поступил в Академию художеств в Ленинграде, где учился у замечательного художника К.С. Петрова-Водкина. Об этом времени Зусман вспоминал: «... я, несмотря на все восхищение искусством своего учителя, не сумел понять его педагогическую систему... А с приходом нового ректора началась вообще полная перестройка учебного процесса. Пришли новые профессора с другими традициями и с другим представлением о реализме в живописи... Я был совершенно дезориентирован, с трудом выполняя задания по академическому рисунку, хотя и старался не отстать от своих сокурсников... Затем в 1927 году по семейным обстоятельствам я перевелся в Москву во Вхутеин (Высший художественно-технический институт) и попал в мастерскую Д.П. Штеренберга. Здесь я встретил совершенно другую обстановку: каждый студент делал что хотел и как хотел».

Не имея постоянного руководителя и наставника, Зусман постепенно утрачивал интерес к работе художника и даже подумывал о перемене профессии.

В 1930 году он закончил Вхутеин и перед ним стал вопрос – как зарабатывать на жизнь. Убедившись, что живопись его не прокормит, он начал пробовать свои силы в книжной графике, не имея в этом деле ни школьного, ни практического опыта.

Он вспоминал: «Нужда заставила почти самоучкой ”превзойти” всю книжную премудрость, научиться этому строгому ремеслу – делать обложки, писать шрифты, ”крутить” орнаменты, конструировать книжные макеты. Все это давалось ценой больших усилий. Мои первые опыты как иллюстратора тоже принесли много огорчений... Однако выхода не было, и я продолжал работать в книге... и если графика стала моей второй профессией, да еще, несмотря на все, кормившей меня, то живопись осталась в качестве какого-то, как теперь говорят, ”хобби”».

Он жил в маленьком домике в старом Замоскворечье и излюбленным мотивом его живописи стали улицы этого района, где прошли годы детства и учебы. Художник писал и портреты близких ему людей. Были у него и литографические работы – портреты генерала П.И. Багратиона и полководца М.И. Кутузова.

В 1932 году Леонид Павлович стал членом Союза художников, в секции графики.
В Великую Отечественную войну он на фронте, участвовал в боях. Дослужился до сержанта. Во время армейской службы работал и как художник фронтовых газет («Крылья Победы», «В бой за Родину»). В 1944 году после госпиталя Зусман был демобилизован по болезни. Он начал сотрудничать в «Окнах ТАСС» и различных издательствах, а также был художественным редактором журнала «Вокруг света».

Леонид Павлович Зусман участвовал во многих московских, республиканских, общесоюзных и зарубежных выставках. Еще в 1929 году его работы были представлены на выставке советского искусства в Нью-Йорке, в 1931 году – на Парижской выставке, в 1939-м – в Брюсселе. В 1959 году на Международной выставке книги в Лейпциге он был удостоен серебряной медали.

Творчество художника было представлено на всех отечественных выставках иллюстраторов книги, в ежегодных выставках, приуроченных ко Дню Победы. Его работы неоднократно отмечались дипломами и почетными грамотами министерства просвещения и комитетом по делам печати. Некоторые работы Леонида Павловича были приобретены Русским музеем в Ленинграде, художественным музеем в Твери и музеем искусства в Тбилиси.

Мало кто теперь знает об умершем в 1984 году художнике Л.П. Зусмане. Но если в руки читателя попадется книга с его иллюстрациями, то он по достоинству оценит этого мастера книги.

http://www.lechaim.ru/ARHIV/102/aspiz.htm


Читать далее...

1840 - родился Николай Андреевич КОШЕЛЕВ (1840 - 1918), художник из Артели Крамского, в составе которой расписывал купол храма Христа Спасителя, исторический, портретный и жанровый живописец.



Отсутствие материальных средств не позволило в детстве будущему профессору Академии художеств поступить в живописную школу академика А.В. Ступина, что была открыта в городе Арзамасе. Вместо нее одиннадцатилетний, страстно желавший рисовать мальчик был отдан в услужение вначале к одному художнику, затем к другому — оба случая ученичества оказались неудачными. И стало бы на нижегородской земле на одного художника-ремесленника больше, ни прими участие в судьбе Николая Кошелева местная помещица. Три года юноша жил в ее семье и три года неустанно работал, практически самостоятельно осваивая тонкости живописной техники.

После поездки с благодетельницей в Казанское художественное училище, где подающий надежды юный Н. Кошелев получил несколько уроков живописи у профессионального преподавателя, затем последовала самостоятельная работа по росписи церковного иконостаса и стены монастыря и, наконец, поездка в Петербург и поступление в Академию художеств (1861).

Первые годы обучения Н. Кошелев просто бедствовал и неделями пребывал в полуголодном состоянии. И, несмотря на это, жажда творчества заставляла его идти вперед — за 1862 год студент Кошелев получил три серебряных медали. А в 1863 году было куплено несколько его работ, что наконец-то улучшило материальное положение художника.

Он окончил курс в Академии Художеств с медалью за картину: "Меркурий усыпляет Аргуса".

С 1865 года Н.А. Кошелев вместе с И. Крамским и К.Б. Венигом участвовал в исполнении живописи в главном куполе московского храма Христа Спасителя, по эскизу Маркова , производил там же другие работы по картонам Басина и самостоятельно изобразил на сводах храма четыре картины: "Господь, восседающий на престоле, с книгою о четырех печатях", "И слово плоть бысть", "Семь таинств" и "Поклонение Господу 24 царей-старцев"; в тамбуре под главным куполом - "Вседержителя, окруженного святыми и ангелами". За эти работы получил звание профессора. Именно за эти работы он становится академиком (1873) и профессором (1878) Академии художеств.

Из произведений Кошелева, появлявшихся на академических выставках, пользовались известностью: "Послушник" (1867 г., в Третьяковской галерее), "Отрок Христос во храме, между мудрецами", "Крестный ход", "Офеня" (в Третьяковской галерее) и "Итальянка на молитве".

Своими жизнью и творчеством (а кисти художника принадлежат также замечательные портреты, пейзажи и жанровые картины) Н.А. Кошелев словно доказал, что и "в живописи нет широкой столбовой дороги, и только тот может достигнуть ее сияющих вершин, кто, не страшась усталости, карабкается по ее каменистым тропам" (мы позволили себе с заменой лишь одного слова повторить известные слова К. Маркса — они органично применимы к судьбе отечественного художника).

http://www.cathedral.ru/persons/koshelev
http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=112
http://www.rulex.ru/01110241.htm
http://www.museum.nnov.ru/art/collection/expos/13.phtml
http://www.krotov.info/spravki/persons/19person/1840kosh.html


Читать далее...

1662 — Маттеус Даниэль Поппельман (Пёппельма) (Matthäus Daniel Pöppelmann) (1662—17.01.1736), придворный архитектор герцога Саксонии.



В 1710 г. посетил Рим и Неаполь, в 1715 г. — Париж.

Работал преимущественно в Саксонии.

Главная работа Пёппельмана — строительство в Дрездене парадной резиденции курфюстов Саксонии — так называемого Цвингера, в композиции которого зодчий вдохновлялся планировочными принципами древнеримской площади-форума и цирка. Квадратная арена для празднеств с трех сторон окружена двухэтажными павильонами, соединенными одноярусными галереями с застекленными арками.

Классицистическая ясность общего замысла сочетается здесь с изяществом и барочной динамикой объёмов и скульптурного декора (Б. Пермозер и др.).

Нередко вводя в декор элементы рококо, Пёппельман стал одним из зачинателей этого стиля в Германии.

http://en.wikipedia.org/wiki/Matth%C3%A4us_Daniel_P%C3%B6ppelmann
http://artclassic.edu.ru/catalog.asp?ob_no=19870&cat_ob_no=19867
http://www.arstudia.ru/poppelmann/1.html
http://www.dresden.de/suche_en.php?m=any&ps=20&q=matth%E4us&ul=%2Fen%2F&wm=sub


Читать далее...

1884 – родился Николай Петрович Крымов (1884—1958), живописец, педагог



В историю русского искусства Николай Петрович Крымов вошел не только как один из лучших русских пейзажистов XX столетия, но и как крупный теоретик живописи и педагог.

Родился в семье художника. Первоначальную профессиональную подготовку получил у отца. В 1904 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где занимался у Валентина Серова и Константина Коровина. В первые годы учебы Крымов был так беден, что зачастую не мог купить краски и пользовался теми, которые счищали со своих палитр и холстов более состоятельные ученики. Это приучило Крымова к бережному обращению с красками и работе на полотнах небольших форматов.

Талант молодого художника развивался быстро. Уже одна из первых его самостоятельных вещей - "Крыши под снегом" (1906) - была приобретена В. А. Серовым для Третьяковской галереи. Крымов участвовал в выставках объединений "Голубая роза", "Венок", Союза русских художников. К моменту окончания училища (1911) он уже известный художник. Ранние работы Крымова можно назвать умеренно импрессионистическими: раздельный мазок, чистые краски, правда несколько блеклые, так сказать "нежные" и "поэтичные", - вполне в духе времени.

В пейзажах 1910-х годов Крымов стремился соединить непосредственность впечатления с декоративностью, обобщенность формы с тщательностью и тонкостью исполнения. Крымов любит писать воду и отражения в ней, когда мир словно удваивается, когда небо сливается с землей, когда возникают неожиданные пространственные. Природа в его картинах словно замерла; какие бы природные состояния ни изображал художник, над всем господствует его собственное поэтически-созерцательное состояние. Но иногда в работах Крымова появляются жанровые мотивы, имеющие несколько лубочный характер. В эти годы творчество Крымова, при всем его своеобразии, еще лишено цельности, и в картинах художника можно обнаружить следы влияний разных мастеров - от А. И. Куинджи до Константина Сомова и Н. Н. Сапунова. Однако главным для Крымова всегда оставалось живое эмоциональное восприятие природы, ему решительно чужды модные надуманные построения и безудержное экспериментаторство. Это определило характер его дальнейшего развития.

В работах 1920-х годов Крымов уже классик, в смысле осознанного возвращения к традициям русской реалистической живописи конца XIX - начала XX веков (любимые художники Крымова - Илья Ефимович Репин и Исаак Ильич Левитан). В работе с натуры Крымов требовал безусловной верности зрительному впечатлению. Тем не менее многие его пейзажи написаны по воображению, когда, используя отличное знание природы, художник создает своего рода живописный эквивалент определенному эмоциональному состоянию. Обобщенность своих картин Крымов объяснял тем, что он "не успевает" передать природу в целом и одновременно в многообразии деталей, в отличие, например, от А. А. Иванова, который "успевал".

У Крымова было немало прямых учеников. Но еще большее число художников имело возможность пользоваться его советами.

http://www.c-cafe.ru/days/bio/1/066.php
http://www.picture.art-catalog.ru/artist.php?id_artist=23
http://www.krugosvet.ru/articles/84/1008406/1008406a1.htm
http://staratel.com/pictures/ruspaint/297.htm



Читать далее...

1859 родился Леопольд Адольфович Бернштам (1859-1939)– скульптор-портретист

Леопольд Адольфович Бернштам — рижанин по происхождению, родился в 1859 году в еврейской семье. Он учился сперва у профессора скульптуры Д. И. Иенсена, потом посещал рисовальную школу общества поощрения художеств в СПб. и классы Императорской Академии Художеств. Широкую известность скульптор получил после того, как за короткий срок создал более тридцати бюстов деятелей русской культуры: Пушкина (фойе Александринского театра в СПб.), Фонвизина, Достоевского, Гончарова, М.Е. Салтыкова, М.Н. Каткова, А.Г. Рубинштейна

Достаточно известна, хотя и не лишена еще и белых пятен история монумента Петру I в Выборге.

В начале 1908 года Николай II сообщил военному коменданту Выборга о своем решении в ознаменование 200-летия взятия Выборга открыть в городе памятник Петру I и заложить фундамент военного собора. Началась экспроприация земельных участков на избранном для этого месте. В мае месяце 1910 года из Вахкалахти привезли монолит из розового гранита высотой 3,5 метра для изготовления постамента и около 40 тонн различного камня. 14 июня 1910 года в особо торжественной обстановке с крестным ходом на историческом месте, ныне — Петровской горе — памятник Петру I работы скульптора Л. А. Бернштама открыли.

Отлитый в бронзе Петр был установлен на высоком пьедестале из монолитной глыбы с высеченным на нем именем царя. Скульптор изобразил его стоящим у пушки с левой рукой, лежавшей на эфесе шпаги, а правой — план осады Выборга. Динамику скульптуре придает отставленная в сторону нога и, как бы откинутая порывом ветра, пола мундира. Современники и потомки находили в скульптурных портретах А. Л. Бернштама близкое фотографическое сходство с моделью и отмечали в них отсутствие острых психологических характеристик. В известной мере это относится к его памятнику Петра I в Выборге.

Над образом Петра Л. А. Бернштам работал довольно много. К сожалению, в начале 1919 года как «антихудожественные» были убраны два памятника Петра I, созданные Л. А. Бернштамом и установленные перед западным и восточным павильонами здания Адмиралтейства в Петербурге. Один из них — «Царь-плотник» изображал Петра в период его обучения кораблестроению и был открыт в столице одновременно с выборгским монументом 14 июня 1910 года. Авторское повторение этого памятника с 1911 стоит на главной площади голландского города Заандема. Там относятся к истории и произведениям искусства, как видно, иначе, чем в России. В 1997 году голландцы подарили городу точную копию подлинного памятника. Так памятник "Царь-плотник" был в восстановлен:

Второй памятник изображал царя во время спасения им лахтинских рыбаков. Тогда он простудился и заболел, что и стало причиной его смерти.

С 1885 года Л. А. Бернштам жил в Париже. Он и там работал над скульптурными портретами известных леятелей культуры: Флобера, Ренана, Золя, Коппе, Амбруаза Тома, Галеви и др. Портретируемая с натуры молодая. парижанка становится его женой и он навсегда остается в Париже. Прожив долгую жизнь, Л. А. Бернштам скончался во Франции в 1939 году.

http://www.rulex.ru/01020366.htm
http://www.vyborgcity.ru/text/text_24.htm
http://www.otdihinfo.ru/menu/catalog/about.php?section_id=5&object_id=407
http://www.cultinfo.ru/fulltext/////1/001/007/011/11329.htm

1695 – родился Джованни Николо Сервандони /Giovanni Niccolo Servandoni/ (1695 – 19.01.1766), французский архитектор и художник итальянского происхождения.



http://en.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Niccolo_Servandoni
http://fr.wikipedia.org/wiki/Jean-Nicolas_Servan
http://www.allposters.it/-st/Giovanni-Niccolo-Servandoni-Posters_c75247_.htm


Читать далее...

1962 – родился Николай Николаевич Дудко, художник живописи танка



Родился в г. Дессау (Германия).

Обучался европейской школе живописи на художественно-графическом отделении Педучилища в г. Улан-Удэ, а затем в Киевском Художественном Институте.

В 1986 году произошло первое посвящение в сложную науку религиозного буддийского искусства. Постичь буддийскую философию, помогли его первые духовные учителя: Лама Иволгинского Дацана Дармадодди и настоятель Цугольского Дацана Жимба-Жамсо Цыбенов. Позднее произошла встреча с его основным духовным учителем Намкхай Норбу Ринпоче.

С начала 90-х годов началось интенсивное изучение танка живописи, неоднократные поездки в Монголию, Непал и Индию. Завершением этого была годичная стажировка и обучение в Библиотеке Тибетских Рукописей и Архивов (LTWA) в г. Дхарамсала (Индия) у личного художника Е.С. Далай Ламы преподобного Сангей Еше.

В настоящее время Николай работает преподавателем рисунка и живописи танка в Восточно-Сибирской Академии Культуры и Искусства (ВСГАКИ), а также продолжает работу в своей мастерской. Его танка находятся во многих Дацанах Бурятии, а также в музеях и частных коллекциях многих стран мира.

http://www.thangka.ru/rus.html
http://savetibet.ru/2008/01/30/dudko.html
http://www.vsp.ru/show_article.php?id=44789



Читать далее...

1827 — родился Жюль (Жюль-Адольф) Бретон /Jules Breton/ (ум. 1906), французский жанрист и пейзажист.



Жюль Бретон родился в департаменте Па-де-Кале, ученик Девиня.

Сюжеты его картин заимствованы из народной жизни и, преимущественно, из жизни его родного края, бывшего графства Артуа.

Большинство его картин носит идиллический характер; они изображают жизнь пастухов или крестьян в поле; исполнение, в общем, отличается реализмом, но сама концепция не чужда некоторой идеалистической окраски.

http://www.artcyclopedia.com/artists/breton_jules.html
http://www.rehsgalleries.com/biography.html?key=13
http://en.wikipedia.org/wiki/Jules_Adolphe_Aime_Louis_Breton
http://www.kingsgalleries.com/1024x768/galleries/breton.htm



Читать далее...

1764 — родился Бенджамин Генри Латроб (Benjamin Henry Latrobe) (1764–03.09.1820), американский архитектор и инженер.





Родился в Фулнеке (Великобритания). Учился в Силезии и Саксонии, а в 1786г. возвратился в Англию и приступил к архитектурной практике. Согласно дошедшим до нас сведениям, он работал у инженера Дж.Ситона и архитектора С.Коккерелла.

В 1795 г., после смерти жены, Латроб уехал в США. Среди его первых работ в Америке – жилые дома в Норфолке и Ричмонде, а также ричмондский исправительный дом. В Филадельфии, куда архитектор перебрался в 1798, им были построены Пенсильванский банк и Филадельфийский водопровод, укоренившие его репутацию архитектора и инженера.

В числе его друзей были самые знаменитые люди того времени, в том числе президент Т.Джефферсон, который в 1803 г. назначил его испектором общественных зданий в Вашингтоне и поручил завершить перестройку сожженного англичанами в 1814 здания конгресса США – Капитолия. Латроб спроектировал также церковь Сент Джонс, Дикейтер-Хаус на Лафайет-сквер и ряд других построек в Вашингтоне.

Латроб работал на сооружении каналов и вместе с Р.Фултоном строил первые пароходы на Миссисипи. В 1818 г. он отправился в Новый Орлеан для завершения строительства водопровода, начатого его сыном в 1811 г. и приостановленного в связи с его смертью в 1817 г.

Созданные Латробом здания отличаются оригинальной планировкой и прекрасными пропорциями; для них характерно сочетание гладкой поверхности стены и тонко проработанных деталей, среди которых преобладают античные греческие мотивы. Для украшения здания Пенсильванского банка он впервые применил ионический ордер, и потому его иногда считают основоположником неоклассического стиля в американской архитектуре. При этом архитектор никогда не был простым имитатором классических форм, о чем свидетельствуют придуманные им для оформления фасадов Капитолия «кукурузный» и «табачный» ордера.

Его работы оказали огромное влияние на дальнейшее развитие американской архитектуры, а его ученики, У.Стрикленд и Р.Миллс, стали ведущими мастерами следующего поколения.

http://en.wikipedia.org/wiki/Benjamin_Latrobe
http://www.baltimorebasilica.org/dev_cms/index.php?page=benjamin-henry-latrobe http://www.artcyclopedia.com/artists/latrobe_benja...icles/58/1005878/1005878a1.htm
http://www.peoples.ru/art/architecture/benjamin_latrobe/


Читать далее...