100 советов начинающему художнику

100 советов начинающему художнику:
1. Пишите каждый день.
2. Пишите до тех пор, пока не почувствуете физическую усталость, потом сделайте паузу и поработайте ещё немного.
3. Размышляйте.
4. Если оказались в тупике, присмотритесь к работам знаменитых художников.
5. По возможности, покупайте лучшие художественные материалы.
6. Пусть в полной мере проявится ваш энтузиазм.
7. Найдите средства для собственной поддержки.
8. Будьте строгим критиком своих работ.
9. Развивайте умение посмеяться над самим собой.
10. Пусть стремление к работе войдет в привычку. Начинайте писать с самого утра. Если вы на какое-то время прервали работу, не ешьте. Лучше выпейте стакан воды.
11. Не берите за точку отсчета свой средний уровень.
12. Не позволяйте неудачам раздавить себя. Рембрандту не везло. Успех рождается из неудач.
13. Почувствуйте союзника в каждом стремящемся к успеху художнике.
14. Не осложняйте. Будьте проще.
15. Хорошо знайте свое оборудование и надлежащим образом следите за ним.
16. Куда бы вы ни собирались, всегда имейте под рукой необходимые и готовые к работе инструменты и материалы.
17. Всегда начинайте работать вовремя, никогда не опаздывайте к началу занятий или на деловые встречи.
18. стремитесь опережать свой самый плотный график работы. Старайтесь быть лучше данного вами слова.
19. Общайтесь с настоящими друзьями.
20. Не завидуйте более талантливым художникам. Просто старайтесь работать на пределе возможностей.
21. Очень приятно получать премии и награды. Но истинная конкуренция заключается в соперничестве со своим вчерашним результатом.
22. Позвольте себе потерпеть неудачу, чтобы затем яростно бороться за покорение новой вершины.
23. Засыпая, думайте о том, с чего в первую очередь вы начнете завтрашний день.
24. Изучайте работы великих мастеров. Обратите внимание на то, каким образом расставлены акценты на их полотнах; что выделено, а что является второстепенным.
25. Пользуйтесь минимумом бытовых вещей, без которых не можете обойтись.
26. Запомните: Микеланджело когда-то был беспомощным ребенком. Шедевры создаются в результате героического труда.
27. В искусстве нет абсолютно ценных трюков: стремитесь находить свои проблемы.
28. каждой работе отдавайте самого себя.
29. Посвятите искусству всю свою жизнь.
30. Без борьбы прогресса не бывает.
31. Лучше действовать, чем бездельничать.
32. Не говорите себе: "Времени нет". У вас ежедневно его столько же, сколько было у выдающихся мастеров.
33. Читайте. Будьте знакомы с великими идеями.
34. Чем бы вы ни зарабатывали себе на жизнь, совершенствуйте своё искусство.
35. Задавайте вопросы. Жадно учитесь.
36. Вы ученик собственной художественной школы. Кроме того, вы в ней и учитель.
37. Стремитесь находить художников, чьё мероприятие созвучно вашему и старайтесь постоянно расширять их круг.
38. Гордитесь своими работами.
39. Гордитесь самим собой.
40. Учитесь управлять своими чувствами.
41. Во время работы над картиной помните, о чем она.
42. Будьте организованы.
43. Если у вас неприятности, вспомните о судьбах тех, кто создавал великое искусство.
44. Выражения типа, "Какой я несчастный!" вам не помогут.
45. Пытайтесь найти то, чему можно поучиться у больших художников; не нужно искать в их произведениях недостатки.
46. Всматривайтесь и наблюдайте окружающую жизнь.
47. Преодолевайте ошибки вашей наблюдательности, подчеркивая контрасты и характерное.
48. Критики - неудавшиеся художники.
49. Держитесь подальше от заносчивых и высокомерных художников.
50. Если вы не можете решить над чем работать дальше, напишите автопортрет.
51. Никогда не говорите: "Это мне не под силу". Подобные мысли мешают потенциальному развитию.
52. Будьте изобретательны.
53. Помните: если приложить достаточно усилий, открываются любые двери.
54. Если искусство представляется чем-то очень сложным, это значит, вы пытаетесь выйти за рамки того, что уже умеете.
55. Рисуйте всегда и везде. Художник - это, образно говоря, этюдник плюс личность.
56. В каждой попытке создать прекрасное уже присутствует искусство.
57. Если вы смогли вложить в работу личное отношение, зритель почувствует это: он станет вашим зрителем.
58. Деньги - штука хорошая, но в жизни есть более важные вещи.
59. Старайтесь тратить меньше, чем вы заработали.
60. Будьте умеренным и самокритичным, но ставьте перед собой самые высокие цели.
61. Не скрывайте ваши знания. Делитесь ими.
62. Попробуйте поработать с тем, что вам не по нутру: так вы откроете, истинно своё.
63. Праздную голову вдохновение не посещает. Оно приходит, когда вы погружены в работу.
64. Привычка сильнее желания. Если вы сможете выработать у себя привычку рисовать каждый день, вас уже ничто не остановит.
65. Существует три способа познания искусства: изучать жизнь, людей и природу; изучать великих художников; и писать.
66. Помните: Рембрандт не был совершенен. Ему пришлось преодолевать посредственность.
67. Не называйте себя художником. Пусть так вас назовут другие. Звание "художник" ко многому обязывает.
68. Будьте скромным; учитесь у каждого.
69. Научить способны только те произведения, которые отняли много сил; часто они же являются любимыми.
70. Интенсивность цвета относительна. Найдите самый светлый тон и сравните с ним остальные светлые тона. То же самое сделайте с темными тонами.
71. Выдержка и твердость характера - волшебные составляющие успеха.
72. Пусть ваша картина сама приветствует зрителя.
73. Стремитесь обогатить новыми именами круг ваших любимых художников.
74. Анализируйте произведения художников, которые решают близкие вам проблемы.
75. Перед демонстрацией работ в галерее настройтесь позитивно.
76. Не изобретайте оригинальной живописной манеры. Этим вы можете связать себя на всю жизнь. Или, что ещё хуже, вам придется менять свой стиль каждые несколько лет.
77. Если то, что вы хотите сказать, исходит из глубины ваших чувств, у вас будет свой зритель.
78. Постарайтесь заканчивать рабочий день с сознанием того, с чего вы начнете работать завтра.
79. Не завидуйте чужому успеху. Будьте душевно щедрым и поздравляйте других от всего сердца.
80. Требования, предъявляемые к самому себе, должны быть выше и существеннее требований ваших критиков.
81. Вкладывайте в картину сердце. А затем и всего себя.
82. Вермейер мог найти сюжет для большой работы даже в уголке комнаты.
83. В картинах Рембрандта наиболее важный элемент всегда очевиден.
84. Если работа какого-нибудь художника остается неизвестной, его вины в этом может и не быть.
85. Критики не имеют решительно никакого значения. Кто прислушивается к тому, что говорят критики о Микеланджело?
86. Распределите свой день так, что бы у вас было время писать, читать, тренироваться и отдыхать.
87. Будьте устремлены ввысь за пределы собственных возможностей.
88. На стадии завершения картины старайтесь не торопиться.
89. Согласно так называемой теории последнего дюйма, по мере приближения к концу работы над картиной вы должны собрать воедино все свои ресурсы.
90. Пишите картину цельно, от крупных участков к мелким.
91. Воспринимайте участки светлых тонов как форму; теневые участки как форму. Прищурьтесь и найдите крупные, подвижные формы.
92. Обратите внимание на то, что Рембрандт в портретах снижал до минимума проработку деталей одежды, более тщательно прописывая голову и руки.
93. Наиболее важным достоинством Рембрандта являлось умение глубоко сопереживать и сострадать.
94. Выделение какого либо элемента означает, что остальные части картины должны изображаться приглушенно.
95. Готовясь к работе на пленэре, сначала осмотритесь.
96. Прорабатывая композицию картины, делайте множество эскизов и старайтесь избегать банального копирования увиденного.
97. Присмотритесь к колориту и тону шедевров.
98. Если вы преподаете, используйте индивидуальный подход. Найдите у вашего ученика слабые стороны и помогайте преодолеть их.
99. Живопись - практичное искусство, использующее конкретные материальные предметы: краски, кисти, холсты и бумагу. Ее неотъемлемой частью является зарабатывание средств к существованию.
100. И наконец, не будьте снобом от искусства. Большинство художников преподают, занимаются иллюстрированием или работают в сферах, близких к искусству. Смысл заключается в том, что бы выжить.

10 правил творчества...

10 правил творчества

Манифест о жизни, работе, интернете, общении и творчестве.

Остин Клеон, художник и поэт, автор сборника Newspaper Blackout Poems, сформулировал правила эффективного творчества, которые мгновенно его прославили. Вы не пожалеете, что прочитали эту статью.

1. Кради как художник

Каждому приходится отвечать на вопрос, откуда он берет свои идеи. Честный художник ответит: «Я ворую их». Вот и все, что можно об этом сказать. Это понимает каждый творческий человек

.Читать далее

ТВ ХУДОЖНИК. Секреты старого Мастера.Тиунчик Н В.

Родился в 1937 г. на Украине. Окончил Московский государственный педагогический институт им. Ленина, художественно-графический факультет. Преподаватели Ефанов В.П. и Неменский Б.М. С 1977 г. участие в выставках. Вступление в МСХ в 1980 г., секция живописи.
Очень интересный и познавательный рассказ о применяемых материалах и инструментах живописцем: о кистях, мастихинах, маслах, палитре красок, муштабеле. О них и технике письма великих мастеров прошлого узнаете много интересного:)

Также можно посмотреть и другие выпуски ТВ проекта :

ТВ ХУДОЖНИК   http:// http://www.youtube.com/watch?v=lQif1bMiPo8

Серия сообщений "Полезное для художников, о живописи":
Часть 1 - ТВ ХУДОЖНИК. Секреты старого Мастера.Тиунчик Н В.
Часть 2 - Современные названия цветов и оттенков.
Часть 3 - 100 советов начинающему художнику
...
Часть 47 - Обучение живописи. Масло.
Часть 48 - Как загрунтовать холст.
Часть 49 - "Как я работаю акрилом", бесценные Советы и не только для начинающих

Невероятно, но это акварель

 

Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 23 часть. 16.11.13г. Юрий Синчуков- "Как за 5 минут создавать Пейзажи, Предметы и Эмоции обычным карандашом"


Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 23 часть. 16.11.13г Вебинар от Юрия Синчукова "Как за 5 минут создавать Пейзажи, Предметы и Эмоции обычным карандашом"

Юрий Синчуков Поведал всем участникам Важный
Секрет - оказывается, для того, чтобы создавать настоящие Шедевры
в творчестве, не нужно Врожденных талантов! Особенно в рисовании
карандашом.
Чтобы стать Профессиональным Мастером, достаточно всего трех
ключевых составляющих:
1. Практика
2. Увлеченность
3. Хороший учитель (наставник)
И на сегодняшнем Выступлении Юрий был для Вас таким Наставником.
Он показал, как можно легко рисовать пейзажи, трехмерные объекты, и
даже Более 7 видов Эмоций!
И все это проходило ОНЛАЙН, только Практика, многие сидели и
повторяли сразу за Юрием, ведь он выбрал Максимально Легкие сюжеты
для рисования, чтобы Вам было по плечу.
Заметим, что самое интересное Юрий оставил на последок, для самых
стоиких и заинтересованных участников.



Скажите, Вы когда-нибудь испытывали несколько разных эмоций за
10 минут?
Получалось ли у вас так, что на первую минуту вы боитесь О_О, на
вторую вы в ГНЕВЕ!, а на третью уже катаетесь по полу от смеха? :D

Юрий к последние пол часа выступления показал, как можно при
помощи рисунков Вызывать различные эмоции! Обязательно
посмотрите........................................................................................................
Этот Прекрасный подарок Юрий дарит Всем Женщинам нашей Конференции и он был бы очень Рад, если бы Вы сумели повторить Розочку по этому Мастер-Классу

Серия сообщений "Обмен опытом ":

Часть 1 - Фотогалерея / Работы участниц онлайн курса "Старение без кракелюра 2.0": мк "Старая бронзовая шкатулка"
Часть 2 - Международная Онлайн Конференция "Рукоделие 3.0" Отчет о работе. 1 часть- 21 октября 20013г
...
Часть 23 - Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 21 часть. 14.11.13г Вебинар от Елены Лаврентьевой «Что такое Чулочные куклы"
Часть 24 - Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 22 часть. 15.11.13г Вебинар от Ларисы Клепачевой "Как умение Шить превратить в заработок"
Часть 25 - Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 23 часть. 16.11.13г. Юрий Синчуков- "Как за 5 минут создавать Пейзажи, Предметы и Эмоции обычным карандашом"
Часть 26 - Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 24 часть. 18.11.13г Вебинар от Анны Власовой "Волшебные картины исполняющие Желания"
Часть 27 - Межд Конференция "Рукоделие 3.0"- 25 часть. 20.11.13г Вебинар от Галины Перовой «Секреты создания вышитых картин стоимостью от 500-1000 долларов»
...
Часть 44 - Ложная мозайка, как средство, в создании многослойного фона в декупаже. - Мастер Наталья Большакова. Вебинар
Часть 45 - ВЕБИНАР Галины Вакула "Иммитация камня + декупаж,контуры и др. " - множество вариантов (мастер класс)
Часть 46 - АНОНС ТЕХНИК РУКОДЕЛИЯ на сайте "СТРАНА МАСТЕРОВ"

Color Blender. Шпаргалка смешивания цвета.

 

Color Blender. Цветовой Блендер.

Шпаргалка смешивания цвета.  Всегда под рукой. 

 

    

 

Это чудесная находка для людей, чьё творчество связанно с цветом,

т.е. для всех, увлечённых красотой.

подробная инструкция в картинках…

Александр Жиляев. Секреты Мастера

... Золотые Секреты Мастера ...

СЕКРЕТЫ РУКОДЕЛЬНИЦАМ: Как ГАРМОНИЧНО сочетать цвета в поделках

Разберём  вопрос - почему у одних рукодельниц получается изделие (кукла, шкатулка, вазочка, покрывало) или комплект одежды, которое вызывает полный восторг, а у других, вроде все в работе красиво, но чего-то не хватает...

А ведь это ЧТО-ТО - называется Цветовым Решением! И чем более это решение гармонирует и в самой одежде куклы, игрушки, поделки,  тем более продаваемой и радующей глаз будет такая рукоделка или ансамбль. 

 У каждого есть любимые цвета и предпочтительные сочетания, но я заметила, что есть красивые сочетания, элегантные, а есть аляпистые и заведомо дешево выглядящие.

В этой статье я покажу свои любимые цветовые сочетания, которые ВСЕГДА БЕСПРОИГРЫШНЫ а также  поделюсь простыми СЕКРЕТАМИ - КАК ГАРМОНИЧНО сочетать ЦВЕТА  рукодельницам,  не имеющим  профессионального художественного образования. 

А ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ, что

1. Один и тот же цвет в зависимости от окружения может вызвать как приятные так и не приятные ощущения.  

2. Цвета не сочетающие между собой можно сделать гармоническими изменив фактуру материала, характер поверхности.

Читать далее...

Как загрунтовать холст.





В этой статье, речь пойдет о том, как загрунтовать, и тем самым подготовить холст или картон для живописи маслом.



Недавно, я встретил одного знакомого, самобытного художника. Он пишет свои картины, в основном, на готовых, покупных холстах.
И тут у меня спрашивает: а, как и чем можно загрунтовать холст? Сначала, этот вопрос меня удивил. Ведь о том, как загрунтовать холст, существует много художественных книг. Где все расписано и разжевано. Сотни рецептов. И вдруг такой вопрос! Поискав, в интернете, ответ на этот вопрос, пришел к выводу, что эта тема интересует многих, начинающих художников. Покупные холсты, стоят прилично. А для начинающих художников, это все ж накладно.
Итак, начнем, небольшой мастер класс, по подготовке холста.

Для обучения подойдут, полотна самодельного производства. По характеристикам, не уступающим фабричным, а где-то, и превосходящих их. Но то, что это будет дещевле- факт.

Самый простой, но не самый удачный вариант- покрыть натянутый холст клеем
ПВА, немного разведенным водой, в несколько слоев.
Этот способ покрытия холста, более подойдет для этюдов или эскизных работ.

А теперь, перейду к рассказу, о нормальном способе грунтовки холста.

Возьмем готовый подрамник с уже натянутым холстом (для ученических работ или этюдов, вместо холста можно использовать бортовку, двунитку или даже мелкую мешковину). Теперь, нам нужно взять, обычный пищевой желатин. Он продается, в любом продуктовом магазине. Думаю, найти его, для Вас не составит большого труда.
Насыпаем желатин в стакан, хватит половины чайной ложечки, а затем заливаем холодной водой, и даем желатину набухнуть.
Обычно, я делаю эту процедуру вечером, тогда за ночь, желатин успевает набухнуть.

Небольшое отступление. Желатин попадается разный. Бывает прозрачный желатин, его запариваешь, а он как вода, не густеет и не превращается в желе. Такого желатина надо больше класть в стакан. Одну- полторы чайные ложки. Вычисляется, только на практике.
Желательно покупать, желтый насыщенный желатин. И получать желе при комнатной температуре.

Далее, берем кастрюльку, наполовину заполненную водой, и ставим ее подогреваться на огонь. В это время, переливаем воду с желатином из стакана, в какую - нибудь баночку с ручкой. Чтобы было удобно, держать, эту самую баночку над кастрюлькой.
Ждем, чтобы вода в кастрюльке закипела. Теперь, опускаем нашу баночку в кастрюльку с кипящей водой, придерживая за ручку. Следим за тем, чтобы вода из кастрюльки, не попала в баночку с желатином. После того, как желатин раствориться и снизу баночки, начнут подниматься пузырьки, выньте ее с желатином из кастрюльки и поставьте остужаться.

После того, как желатин остыл и принял студнеобразную форму, берем шпатель или линейку, и втирающими движениями, вгоняем, втираем, желатин сначала в дырки холста.
После этого, промажем весь холст, и даем ему полностью просохнуть.

После полной просушки, просмотрите весь холст и убедитесь, что все отверстия заполнены. Далее, повторяем процедуру еще раз. После второго раза, все отверстия заполнятся. Промазка желатином, нужна для того, чтобы защитить сам холст от красок, и воздействия лаков на материалы холста.
После второй просушки, можно приступать нанесению грунтовки.

Однажды, вместо грунтовки, использовал белую фасадную краску. Она имеет белоснежный цвет и пластична на холсте, после просушки.
Разводим фасадку, до состояния жидкой сметаны, и простой щетинной кистью, нужного размера, красим весь холст, уже прогрунтованного на два слоя желатином.
Можно сделать и цветной холст, просто добавляем в краску колер. ( краситель нужного цвета).
Эту процедуру, так же выполняем в два слоя. С полными просушками.

И последнее, завершающее действие. Возьмем прозрачную фасадную глубинную пропитку. И пройдемся щетинной кистью, пропитывая уже загрунтованный и высохший холст. Это придаст холсту дополнительный защитный слой. И при будущем письме масляными красками, холст не будет вытягивать масло из красок.
Теперь, дайте холсту выстояться. Старые мастера, выдерживали холсты после
грунтовки по 6 месяцев и более. А Вы сами смотрите. При новых технологиях, все процессы ускоряются. Но дать, на полную просушку 2-7дней, стоит.

Вот и все, холст готов. Смело приступайте к работе с ним.
Такими холстами я пользуюсь сам, вот уже более 10 лет.

P.S
Вчера на одном сайте мне попалась заметка,похожая на мою.
Там один художник советует, в желатин добавить мел или сухие цинковые белила.
Это и будет грунтовка. Да это старая технология.
Я предлагаю вам сделать небольшой эксперимент. Возьмите 3 подрамника с натянутыми холстами.
И загрунтуйте их тремя разными способами. Приведенными выше. И почувствуйте разницу.
Нарисуйте на них маслом. А потом напишите , свои комментарии.

Обучение живописи. Масло.

ЕЩЁ

• Как натянуть холст на подрамник и загрунтовать его - Обучение живописи. Масло. Введение, 1 серияArtStudying.Com46 412 просмотров
  54:00
• Живопись маслом. Необычная техника живописи.Дмитрий Ревякин1 432 просмотра
  17:25
• ПодмалёвокРуслан Григорьев2 035 просмотров
  4:47
• Игорь Сахаров, зимний пейзаж, уроки живописи для взрослыхМаксим Засульский1 359 просмотров

Читать далее...

Гуашь с ПВА как замена масла и акрила

Гуашь с ПВА как замена масла и акрила

автор мастер класса   Елена Крючкова

далее слова автора

 

Акрил - дорогой, масло - дорогое, еще и сохнет долго. Что, если вы хотите только попробовать что-то нарисовать на холсте? Всего одну картинку, ради которой не хочется выкидывать "бешеные тыщи" на краски, которые потом будут просто лежать без дела? Или вы только учитесь, или рисуете с детьми, или просто рисуете для себя. В любом из этих случаев на помощь приходит дуэт гуашь+клей ПВА.   

Читать далее...

Влияние окружающей цветовой среды на изменение локального цвета объекта в живописи

ВЫДЕРЖКИ ИЗ СТАТЬИ:

...Все видимые изменения локального цвета появляются из-за влияния а) толщины воздушной прослойки, б) освещения и в) колористического окружения. Величина воздушной прослойки диктует правила воздушной перспективы или закономерности изменения цветотона вследствие увеличения световоздушного пространства между наблюдателем и предметом. Время суток и погода с их характерными цветовыми состояниями освещения во многом определяют гамму* и колорит** картины. Цветовая (или колористическая) среда, под которой мы будем понимать здесь разнообразие цветов объектов в окружающем мире, не менее важна, чем воздушная перспектива или освещение для понимания создания колористического богатства в живописи. В частном случае цвета окружения диктуют, как живописно обогатить отдельно изображаемый объект, а в глобальном смысле они создают богатую взаимосвязанную цветовую гармонию в живописном произведении...

 

... «Рефлекс (от лат. reflexus – обращенный, повёрнутый назад, отражённый) в живописи (реже в графике), отсвет цвета и света на каком-либо предмете, возникающий в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от окружающих объектов (соседних предметов, неба и т.д.)» [1]. В общем смысле рефлекс – это влияние окружающей среды на объект.

Количество и сила рефлексов, зависят как от материальной фактуры поверхности изображаемых предметов (матовая, прозрачная, глянцевая), так и от яркости находящихся рядом предметов. Например, если рядом с глянцевым кувшином, с теневой стороны положить желтый лимон, то на темной поверхности кувшина, появится сильно заметный рефлекс желтого оттенка. Глянцевые, блестящие поверхности дают сильные отражения и имеют множество цветных бликов и рефлексов. Шероховатые и матовые поверхности, рассеивают лучи и имеют более мягкие и плавные переходы световых градаций.

Как правило, рефлекс принято определять составной частью собственной тени, где влияние окружения на предмет заметить легче всего. Особенно сказанное относится к графическому рисунку. Однако приведем очень важные размышления великого французского колориста Э. Делакруа. Он писал: «Чем больше я размышляю о цвете, тем больше убеждаюсь, что окрашенный рефлексом полутон есть тот принцип, который должен доминировать, потому что именно он дает верный тон – тот тон, который образует валёры, столь важные в предмете и придающие ему подлинную живость» [2, С.101].

Основываясь на приведенном высказывании можно рекомендовать окрашивать отраженным цветом не только рефлекс в тени, но и полутень со стороны света.

Теперь применим все теоретические знания по цветоведению и получим следующие рекомендации в живописи объекта:

- низ изображаемых объектов находится всегда под влиянием подиума и окрашивается отраженными от него лучами цвета и света;

-   верх изображаемого объекта находится под влиянием цвета неба или потолка и вообще того, что выше объекта внимания;

-  цвет боковых сторон со стороны собственной тени окрасится рефлексом, как составной частью собственной тени, а со стороны света окрасится отраженным от окружения цветом полутень;

-  в собственной тени появится цвет дополнительный (или контрастный) к основному локальному цвету изображаемого объекта по закону одновременного контраста;

-   падающая тень окрасится цветом предмета, от которого падает и приобретет холодный или теплый оттенок в зависимости от теплохолодности освещения. Также на ее цвет повлияет цвет объекта, на который тень падает;

-  в бликах и переломах формы, всегда заметна окрашенность, соответствующая цвету освещения. Например, блик в натюрморте при дневном освещении отражает контур окна и имеет цвет неба за окном. Блик от софита будет иметь цвет лампы и т.д.

Вместе с тем не только предмет находится под властью окружения, но и сам он влияет на цвет окружения.

Чтобы точнее объяснять принципы влияния цветов рядом стоящих объектов разберем ход мыслей на примере учебного задания, обратив внимание на рисунок 1.

На момент выполнения учебного задания постановка освещалась рассеянным тёплым светом, следовательно, рассеянные, как бы уходящие на нет тени приобретут холодные оттенки. У Объектов, окрашенных в теплые цвета, как то красная драпировка, яблоко, крынка и ваза в свету их цвет станет ярче и звонче, насыщеннее, а в тени их цвет поблекнет и приобретет ахроматический оттенок, то есть потеряют насыщенность. Наоборот, цвет освещенной части фоновой холодной синей драпировки потеряет свою красоту насыщенности и наберет ее в собственных и падающих тенях складок. Принцип прост: теплое плюс теплое или холодное плюс холодное складывается и дает насыщенность, а холодное плюс теплое вычитается и как бы обнуляет друг друга, дает движение цвета в ахроматику. Блики на предметах отражают цвет неба в окне. Низ каждого предмета в натюрморте находится под властью цвета драпировки на подиуме. Глянцевая вазочка хорошо отражает розовую драпировку, на которой она стоит, вместе с яблоком. Яблоко снизу приобретает розовый оттенок цвета подиума, а в полутени сверху отражает оттенок фоновой синей драпировки. Матовая керамическая крынка отражает не конкретные объекты, но отсветы от них. Полутень на крынке со стороны света и рефлекс внизу крынки также получают розовый оттенок от фоновой драпировки. Слева в тени появляется рефлекс от фоновой голубой драпировки. Также холодные тени, которые обычно пишутся голубовато-синими красками на охристо-желтой крынке и коричневой вазе по законам механического смешения цветов дадут живописцу зеленоватые оттенки. Яблоко в тени будет стремиться к зеленоватым оттенкам. Падающие тени приобретают оттенок цвета того предмета, от которого они падают. Охристая падающая тень от крынки на синей драпировке также стремиться в зеленую сторону. Падающая тень от розовой драпировки приобретает фиолетовый оттенок на синей фоновой материи. Собственные тени на складках синей драпировки также подсвечиваются розовым рефлексом. Крынка и вазочка подцветит рефлекс в собственной тени на розовой драпировке коричневыми оттенками. Падающая тень от глянцевой вазы написана примесью к основному розовому цвету драпировки коричневых холодноватых оттенков.

Так, на первый взгляд, верно переданные рефлексы помогают передать объемную форму. Однако, главная их функция – создать цветовую взаимосвязь между предметами в единой свето и цвето-воздушной среде, позволяют связать предметы между собой и со средой окружения. Они как бы вписывают объект в окружающую среду с разнообразными по цвету объектами. Это разноцветное окружение здесь и называется колористической средой. Потоки сильных и слабых, больших и малых рефлексов, пересекаются и как бы пронизывают, окутывают все вокруг, создавая особую цветовую среду, общий цветовой строй. Такой общий цветовой строй картины, где все красочные сочетания стремятся к единой, целостной, гармонично сглаженной жизненной правдивости, называется в живописи колоритом*. Общий колористический строй картины и ее гамма** как бы подводят чертой знаменателя частные колористические богатства нескольких изображенных объектов, иными словами создает необходимое единство многообразия.

Всё разноцветное многообразие изображаемых объектов с их различной теплохолодностью и темнотой в картине должно работать на выявление композиционного центра и создание соответствующей идее атмосферы. Холодный темный цветовой тон окружения, усиливает светлые теплые тона изображаемого объекта, а темный теплый тон, усиливает холодные светлые оттенки. При этом необходимо помнить, что разные «черные» краски тоже имеют теплые и холодные оттенки. Если живописцу нужен холодный черный цвет он добавляет в смесь синие краски, если теплый тон – то красные. Вообще холодные оттенки выделяют теплые и наоборот, а в равном масштабе таких цветовых пятен они вызывают эффект вибрации или сказочного мерцания. Художник следит за созданием или поддержанием теплой (от 100% теплых цветов, до соотношения 75 % теплых цветов до 25% холодных цветов), холодной (от 100% холодных цветов, до соотношения 75 % холодных цветов до 25% теплых цветов), и контрастной гаммы (50% теплых и 50% холодных цветов).

По личным наблюдениям автора статьи за авторитетными художниками можно утверждать, что грамотный живописец при работе лишь проверяет в натуре точность своих теоретических рассуждений. Примерным рассуждениям может быть такое: если мы знаем, с какой стороны располагается источник освещения, следовательно, знаем, как будет распространяться свет по форме и куда упадут падающие тени. Мы сразу можем определить какой день: пасмурный или солнечный. Знаем время суток: утро, день, вечер. Эти данные определяют мастеру теплый или холодный свет, а, следовательно, и теплохолодность падающей тени. Далее знания всегда подскажут, как поменяется локальный цвет предмета, исходя из локального цвета предмета и оттенка освещения. Остается добавить к этому еще влияние рядом стоящих объектов, которые отбрасывают окрашенные в свой цвет лучи света. Если в натуре мастер зрительно находит соответствие своим выводам рассуждений, то можно с уверенностью закрепить осмысленное и увиденное в своей живописной работе. Остается еще держать гамму и колорит. Теоретические знания облегчат работу и избавят художника от визуальных обманов, вызванных а) усталостью глазной мышцы, настраивающей хрусталик; б) отдельного, фрагментарного рассматривания натуры вне контекста окружения и расстояния до глаза зрителя. И последнее. Нужно избегать каких бы то ни было канонов, потому что в природе встречаются самые разнообразные необычайные световые условия, самые неожиданные цветовые сочетания.

 

вся статья находится

ЗДЕСЬ:

http://artgryada.ru/%D0%B2%D0%BB%D0%B8%D1%8F%D0%BD...0%B5%D0%B4%D1%8B-%D0%BD%D0%B0/

 

 

Разбавители для масляной живописи. Статья Юлии Кошелевой

"О ТРЁХ РАЗБАВИТЕЛЯХ ДЛЯ МАСЛЯНЫХ КРАСОК" (Статья из новой серии "ЛИКБЕЗ ПО РИСОВАНИЮ И ЖИВОПИСИ ДЛЯ ВЗРОСЛЫХ") Особо нужно сказать о разбавителях, лаках и маслах, которыми разбавляются масляные краски. А вы знаете, что для масла существует сразу несколько, а вернее три разбавителя? В статье мы поговорим обо всех трёх очень подробно. 1. ЛЬНЯНОЕ МАСЛО Самое традиционное для современного художника безусловно ЛЬНЯНОЕ МАСЛО. Его изготовляют из семян льна способом холодного прессования. Выпускают два вида льняного масла: **Отбеленное, рафинированное **Уплотненное Высыхание льняного масла происходит в нормальных условиях на свету за 5-6 cуток, а при повышенной температуре и интенсивном освещении трое суток. Скорость высыхания зависит от толщины красочного и масляного слоя. Однако при интенсивном солнечном свете под воздействием ультрафиолетовых лучей масляная пленка разрушается. Высыхание живописного слоя в темноте удлиняет срок высыхания льняного масла до 60 суток (в редких случаях). Процесс высыхания условно проходит следующие стадии: -вначале на поверхности масляной краски образуется тонкая плёнка, дающая "отлип" при прикосновении пальцем (стадия "отлипа") -вторая (высыхание от пыли) характеризуется тем, что при нажатии пальцем на плёнку на ней остаётся отпечаток. -окончательное же высыхание масляной живописи происходит лишь через несколько лет. Лишь через полгода-год, после высыхания красочного слоя, можно покрывать картину лаком. Масло для разжижения красок в процессе живописи следует применять ограниченно, ведь современные выпускаемые краски уже содержат необходимое количество масла. Медленно сохнущие краски вообще не следует разбавлять одним маслом, а нужно применять смесь живописного масла с лаком или скипидаром. Уплотнённые масло рекомендуется только при в смешивании со скипидаром ("двойник") или при составления трёхкомпонентной смеси ("тройник"). Таки смеси содержат равне части ингридиентов. Например, тройник содержит смесь даммарного или мастичного лака, уплотнённого масла и очищеннонго скипидара (пинена). 2.ЛАКИ Живописные лаки представляют собой 30% растворы смол в пинене, за исключением копалового лака, (копаловая смола растворена в льняном масле). Выпускаются следующие виды лаков, применяемые как добавки к масляным краскам: -даммарный -акрил-фисташковый -ретушный -пихтовый РЕТУШНЫЙ ЛАК может служить не только в качестве добавки к краскам, но и для протирки промежуточных слоёв при послойной живописи. Его иногда применяют и как покрывной, если работа написана и высохла недавно, хотя он не даёт блеска. ДАММАРНЫЙ ЛАК это 30% раствор смолы даммара в пинене с примесью этилового спирта. Применяется как добавка к краскам и как покрывной лак. При хранении иногда теряет прозрачность, но, высыхая при высыхании пинена плёнка лака приобретает прозрачность. ПОЧТИ ВСЕМИ ЭТИМИ ЛАКАМИ МОЖНО И ПОКРЫВАТЬ СУХИЕ РАБОТЫ, КРОМЕ ПИХТОВОГО. Акрил-фисташковым, ведь плёнка этого лака почти бесцветна, обладает большой эластичностью и по прочности превосходит плёнку даммарного лака. Но плёнка меньше дышит, опасно покрывать не просохшие окончательно работы. Ретушным лаком покрывают те работы, которые только-только подсохли, если вам нужно срочно отдать работу. Пихтовый лак нельзя использовать в качестве финишного, так как его пленка даже после полного высыхания легко растворяется. ВНИМАНИЕ!!! О ПОКРЫТИИ РАБОТ ЛАКАМИ БУДЕТ ОТДЕЛЬНАЯ СТАТЬЯ. 3.СКИПИДАРЫ Это третья группа веществ, которыми разводят масляные краски. Органические разбавители масляных красок способны к сравнительно быстрому испарению. Чрезмерное разбавление красок чистыми СКИПИДАРАМИ приводит к разрушению красочного слоя, растворению связующего красок, делает его рыхлым и непрочным. Разбавитель осветляет некоторые краски, но после испарения они приобретают прежний, свойственный им цвет. Кроме того, установлено, что незначительное добавление скипидара к краскам, улучшает оптические свойства лессирующих и полулессирующих (прозрачных и полупрозрачных) масляных красок. -Разбавитель №1 применяется для разбавления масляных красок, рельефных пласт и в различных вспомогательных целях. -Разбавитель №2 часто применяется как разбавитель красок для мытья кистей и палитр. !!! Я не пропустила третий номер, его действительно нет. -Разбавитель №4 (пинен) окисляется значительно меньше, чем скипидар (которым вообще не рекомендуется пользоваться в живописи), но склонен к пожелтению и осмолению. Пинен применяется как разбавитель красок и лаков в живописи. -Разбавитель слабопахнущий Хорошо очищенный уайт-спирит. Делает краски более прозрачными, позволяя получить плавные переходы тонов. Улучшает текучесть красок и сцепление слоев красок. Быстро высыхает, не желтеет. Не растворет лаки и не используется для смешивания в составе тройника. Именно его я рекомендую ученикам, поскольку он почти не пахнет. -Терпентин Тоже скипидар, но более высококачественный и сделанный из других ингридиентов, часто слегка более маслянист, чем прочие разбавители. Разбавитель №1 и разбавитель №4 склонны при соприкосновении с воздухом быстро окисляться, то есть мутнеть с выпадением осадка и желтеть. Хранить разбавитель следует в плотно закрытых флаконах. ИТАК, ЧТО МЫ УЗНАЛИ: 1.Существует три разбавителя для масляной живописи 2.Для современных техник в основном используется "двойник", то есть смесь масла и скипидара в равных долях. Такая смесь задаёт маслу нужный "тормозной путь", то есть увеличивает вязкость красок прямо в процессе создания картины, позволяя продолжать работу по сыхому. "Двойником" также называется смесь масла и лака, которая используется для результирующих слоёв в многослойной живописи маслом. 3.Добавлять разбавители нужно в основном в очень небольшом количестве. 1.Чисиым маслом, как и лаком в живописи практически не пользуются. В чистом виде иногда используют только скипидар, например для подмалёвков. 4.Не забудьте, что скипидары и лаки при закрытых наглухо окнах использовать нельзя. Летучие и токсичные компоненты есть и в слабопахнущем разбавителе.

Серия сообщений "Масло":
Часть 1 - Техника быстрого рисования. Демонстрации
Часть 2 - Учимся рисовать цветы
...
Часть 10 - Oleg Buiko.
Часть 11 - подсолнухи
Часть 12 - Разбавители для масляной живописи. Статья Юлии Кошелевой
Часть 13 - Сирень
Часть 14 - матрица натюрморта Ю.Кошелева

Серия сообщений "Всякоразно для художников":
Часть 1 - Загадка чисел Фибоначчи
Часть 2 - Красители для ткани
...
Часть 5 - ммм
Часть 6 - Влияние окружающей цветовой среды на изменение локального цвета объекта в живописи
Часть 7 - Разбавители для масляной живописи. Статья Юлии Кошелевой
Часть 8 - БАЗОВЫЕ ПОНЯТИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА И ПРИНЦИПЫ СОЗДАНИЯ КАРТИНЫ"
Часть 9 - Упражнение живописца. Академия Реалистического искусства Святослава Брахнова
...
Часть 16 - квадрат
Часть 17 - Пейзаж по технике СМ
Часть 18 - пейзаж по тсм дале

БАЗОВЫЕ ПОНЯТИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА И ПРИНЦИПЫ СОЗДАНИЯ КАРТИНЫ"

БАЗОВЫЕ ПОНЯТИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА И ПРИНЦИПЫ СОЗДАНИЯ КАРТИНЫ" (Статья из новой серии "ЛИКБЕЗ ПО РИСОВАНИЮ И ЖИВОПИСИ ДЛЯ ВЗРОСЛЫХ") Каждый художник должен знать базовые понятия изобразительного искусства и понимать принципы построения картины. Вы наверняка подумали: "О, статья будет нудная!" Но, потерпите немного, ведь то, что я опишу, на самом деле довольно очевидно, это легко запомнить. И потом эти знания выручат вас при работе над любой картиной, особенно если вы пишите в современном стиле, в стиле импрессионизм. Но и в классической живописи вы встретите всё то же самое. БАЗОВЫЕ ПОНЯТИЯ изобразительного искусства - основа любого произведения. Сознательно или нет, но решение о том, какие из этих элементов использовать, вы принимаете во время созидания своей работы. Базовое понимание художественных средств определяет, на то что в своей работе вы хотели обратить особенное внимание. ИТАК... ОСНОВНЫЕ ПОНЯТИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА: 1.ЦВЕТ *Цвет возникает как отражение света и описывает его характеристиками, такими как: тон, светлота и интенсивность (насыщенность). *Есть всего 3 основных, или первичных, цвета пигментов для красок: красный, жёлтый и синий, которые не могут быть созданы путём смешения других цветов. *Составные, или вторичные, цвета появляются при смешении двух первичных: это оранжевый, зелёный и фиолетовый. *Промежуточные, или третичные, цвета представляют собой смесь основного цвета с основным: красного с оранжевым, оранжевого с жёлтым, жёлтого с зелёным, зелёного с синим, синего с фиолетовым, фиолетового с красным. Цвета сочетаются или не сочетаются друг с другом, самое лучшее известное мне пособие справочник "ГАРМОНИЯ ЦВЕТА", его соит самомстояельно проштудировать от корки до корки. 2.ЛИНИИ Линии возникают как искусственно созданные отметки в пространстве, либа как пересечения двух форм определённой длины и ширины. Разное расположение линий вызывает разные эмоции благодаря ассоциациям, которые автоматически компилирует наш мозг. Так, поперечная линия наводит мысль о пейзаже, символируя горизонт. Ведь это образ, привычный нам с самого раннего детства. Образ горизонта вызывает у большинства людей ощущение спокойствия, напоминает о чём-то давно знакомом. Диагональные линии предполагают движение, поскольку устремлены в направлении, не параллельном горизонту. Вертикальные линии создают чувство высот, строгости, духовной наполненности и роста. Если сложить вместе горизонтали и вертикали, получаются формы, которые наш мозг воспринимает целостно. Кривые линии для нас самые чувственные, потому что напоминают естественные изгибы растений, цветов и человеческого тела. 3.ФОРМЫ Формы ограничены линиями-контурами и определяются их углами. Формы могут быть естественными, изогнутыми (например, у растений), или геометрическими (квадраты, прямоугольники, шестиугольники). Существует базовый набор геометрических тел, позволяющий понимать на основе их комбинирования все формы. Мы называем их ПЛАТОНОВЫ ТЕЛА: сфера, куб, усечённый конус, цилиндр, четырёхгранная пирамида. Начинайте с рисования их с левым передним светом, потом с правым. Затем с боковым,передним, задним. Пока не сможете, закрыв глаза, чётко представлять себе, как выглядят на этих фигурах тени, как свет создаёт их объём при любом возможном освещении. ЭТО ВАШ СТАРТ В ПОНИМАНИИ ЗАТЕМ ЛЮБЫХ ФОРМ. 4.ПРОСТРАНСТВО Позитивное (ПРЯМОЕ) или негативное (ОБРАТНОЕ) пространство описывает отношения между объектами и фоном в рамках двухмерного пространства картины. И ещё пространство - синоним слова глубина. Никогда не представляйте себе холст или рисунок, как что-то плоское. скорее стоит видеть основу как окно, в глубину которого в помещаете изображение. 5.ТЕКСТУРА (ФАКТУРА) Текстура создаётся с помощью различных мазков, например наложения краски густым слоем. Визуальная текстура создаётся благодаря использованию паттернов (узоров) на формах и фонах в картине. Вообще я очень рекомендую к понятию текстур подходить через понятие ПАТТЕРНОВ (устойчиво повторяющихся УЗОРОВ, ОРНАМЕНТОВ, РИТМА). Эта орнаментальность присутствует в любой картине: ветки деревьев, волны, складки, бугорки, яркие пятна создают так называемое орнаментальное начало картины через повторение определённых элементов. 6.СВЕТЛОТА (ТОН) Это соотношение светлых и тёмных пятен внутри картины, тоже ПАТТЕРН в своём роде. НА ЧТО ЖЕ БОЛЬШЕ ВСЕГО ОБРАЩАТЬ ВНИМАНИЕ ПРИ СОЗДАНИИ КАРТИНЫ? ПОЧЕМУ ЖИВОПИСЬ И РИСУНОК НАЗЫВАЮТ "АЛЬТЕРНАТИВНОЙ РЕЧЬЮ"? Принципы построения художественного пространства применимы ко всем видам изобразительного искусства и особенно нужны художникам на стадиях планирования композиции картины и критического переосмысления произведений, в том числе, своих собственных. ПРИНЦИПЫ описывают то, каким способом ПОНЯТИЯ взаимодействуют в картине. Это как слова, соединённые в предложение. Так появляется смысл. По большому счёту, они являются языком общения художников, дизайнеров, коллекционеров, галлеристов и кураторов: это образ мышления, система визуальных кодов для описания творческой работы. ПРИНЦИПЫ СОЗДАНИЯ КАРТИНЫ - это то, "аудит" чего следует проводить в начале, в середине и в конце каждой работы. Да, да, трижды. ЧТО ЖЕ ТАКОЕ ДОЛЖНО ПРИСУТСТВОВАТЬ В КАРТИНЕ, ЧТОБЫ ОНА СТАЛА ЦЕЛОСТНЫМ "ЖИВЫМ ОРГАНИЗМОМ"? 1. БАЛАНС Баланс - это ощущение равновесия объектов, цветов и пространства в изображении. Термины: «симметричный», «асимметричный» и «радиальный» описывают баланс элементов в композиции. 2.АКЦЕНТ (ЦЕНТР, ФОКУС) Акцент возникает, когда один элемент композиции, например, фокусная точка, притягивает взгляд к определённому участку изображения. Акцент может быть создан с помощью контраста, цветовой температуры, светлоты и масштаба. Существует специальная сумма приёмов, которая позволяет выделить центр картины. Простая работа с ЦЕНТРОМ показана тут: https://www.facebook.com/100002036911741/videos/g....28051995/?type=2&theater&ifg=1 3. ПРОПОРЦИИ, МАСШТАБЫ Пропорции и масштаб выражают взаимоотношения между объектами в реальности и по законам установленных автором координат, не всегда реалистических. 4.КОНТРАСТ Это краеугольное понятие в любой картине. Бывают: тональные, цветовые, контрасты текстур, размером, пластические. КОНТРАСТЫ нужно и можно описать отдельной статьёй. 5. РИТМ И ДВИЖЕНИЕ (ДИНАМИКА) Если паттерн, или узор - это повтор символа или элемента, орнаментальное начало. То ритм и движение появляются, когда восприятие форм, цвета, паттернов или определённой траектории смещения взгляда в рамках изображения создаёт движение или «такт» его предполагающий. То есть понятие РИТМ распростарняется на ощущение от всей картины целиком. А ПАТТЕРНЫ, УЗОРЫ это то, из чего и будет состоять КАРТИННЫЙ РИТМ и общее чувство движения. !!!ИТАК, РЕЗЮМЕ: ЕСТЬ ОБЩИЕ ПОНЯТИЯ И ПРАКТИЧЕСКИЕ ПРИНЦИПЫ. ПОНЯТИЯ НАДО ПОДРОБНО ИЗУЧАТЬ, А ПРИНЦИПЫ СТРЕМИТЬСЯ ВВЕСТИ В КАЖДУЮ КАРТИНУ, ОСОБЕННО НАПИСАННУЮ В СОВРЕМЕННОМ, ЭКСПРЕССИВНОМ СТИЛЕ.

Серия сообщений "Всякоразно для художников":
Часть 1 - Загадка чисел Фибоначчи
Часть 2 - Красители для ткани
...
Часть 6 - Влияние окружающей цветовой среды на изменение локального цвета объекта в живописи
Часть 7 - Разбавители для масляной живописи. Статья Юлии Кошелевой
Часть 8 - БАЗОВЫЕ ПОНЯТИЯ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА И ПРИНЦИПЫ СОЗДАНИЯ КАРТИНЫ"
Часть 9 - Упражнение живописца. Академия Реалистического искусства Святослава Брахнова
Часть 10 - Колористический квадрат. Святослав Брахнов.
...
Часть 16 - квадрат
Часть 17 - Пейзаж по технике СМ
Часть 18 - пейзаж по тсм дале