Меня давно интересовала тема картин двойников...и вот увидела на Яндекс-фотках интересную подборку фотографий, собранную NataZin, посвященную двойникам в живописи.

Не объясняя причин, искусствоведы отмечают, что такой мотив с зеркалом был популярен в 16-17 столетиях. Похожие картины есть не только у Тициана и Рубенса, но и, например, у Веласкеса (но у него девушка лежит на чем-то). Вообще, зеркало стало атрибутом девушек на картинах с легкой руки Джорджоне и Джамбеллино.
А заимствования друг у друга дело обычное. Кому-то нравится композиция, но он думает, что мог бы воплотить идею лучше. Существует довольно много похожих картин у разных мастеров. Например, "Леда". А еще мне кажется, что причиной копирований могла бы популярность той или иной картины. Заказчику нравится нечто и он просит другого художника создать что-то подобное.
Кстати, у того же Тицина есть "Венера Урбинская", которую с некоторой разницой (т.е. это не прямые копии, а самостоятелные картины, в основе которых лежит тициановский образец) повторили Гойа ("Обнаженная Маха") и Мане ("Олимпия").

1. Тициан "Венера у зеркала" (1554-55 г.г.), National Gallery of Art, Washington
2. Рубенс "Венера и Купидон" (1608г.), Музей Thyssen-Bornemisza, Мадрид, Испания

«Венера у зеркала»Тициана – самая известная светская картина мастера, породившая появление множества студийных копий и версий. Сидя на ложе, Венера держит левую руку на груди, а правой закрывает покрывалом колени. Перед ней два амура: один протягивает ей венок, а другой держит зеркало, в котором видно отражение богини. Прекрасно написанная фигура напоминает классический образ Venere pudica, олицетворяющей целомудренную красоту и так непохожую на всех прежних чувственных Венер, возлежащих в любовном томлении на лоне природы или в интерьере.
Поразительная по живописи и полная гармонии картина оставалась в доме мастера до конца, пока вместе с другими полотнами и прочим имуществом не была продана старшим сыном Помпонио.
В 1850 году картина была приобретена императором Николаем I для коллекции Эрмитажа вместе с «Кающейся Марией Магдалиной», «Святым Себастьяном» и другими работами Тициана.
В 1931 году по распоряжению Советского правительства и вопреки мнению дирекции Эрмитажа «Венера с зеркалом» была продана частному американскому лицу, а позднее оказалась в вашингтонской Национальной галерее.
Картина Рубенса "Венера и Купидон", написанная в Венеции, является одной из его ранних работ на мифологические темы. Отмечается явное влияние стиля Тициана. Похоже Питер Пауль Рубенс скопировал Тициановскую Венеру, но в своём обычном стиле: правая рука ушла немного вниз, опять же закрытый живот и открытые колени..., но одухотворённость и живость лица - нет, это совсем другая картина. Уже чувствуется собственный характерный стиль "Рубенсовских женщин", принесший его работам известность.

Интересно как менялся взгляд художника на изображение Данаи за 20 лет.
1. Тициан "Даная" (1544-45), Национальный музей Каподи-монте, Неаполь, Италия
2. Тициан "Даная" (1553), Музей Эрмитаж, Санкт-Петербург
3. Тициан "Даная" (1553-54), Музей Прадо, Мадрид, Испания
4. Тициан "Даная" (1564), Историко-художественный музей, Вена, Австрия

1. Парис Бордоне "Спящая Венера" (1540)
2. Кароль Лотц "Венера и Купидон" (конец 19в.)
3. Дюла Эдер "Обнаженная и ангелок с лютней" (1927)
-------
Парис Бордоне (1500-1571) – венецианский живописец, последователь Джорджоне и Тициана.
-------
Карл Антал Пауль Лотц (1833 –1904) - венгерский живописец. Известен как романтичный пейзажист, воспевавший венгерскую равнину Alföld и как создатель монументальных фресок в стиле венецианского художника Тьеполо.
-----------
Дюла Эдер (1875– 1945) - венгерский исторический живописец. Главными темами творчества были портреты, а также картины на мифологические и религиозные темы.

1. Джорджоне "Спящая Венера" (1510)
2. Тициан "Венера Урбинская" (1538)
-------
Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко), 1476/1477—1510 - итальянский художник, представитель венецианской школы живописи, один из основоположников искусства Высокого Возрождения. Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко-Венето недалеко от Венеции. Он был учеником Джованни Беллини. Он первым из всех итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу. Главным местом его деятельности была Венеция, где он писал надпрестольные образа, исполнял многочисленные портретные заказы и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов. Джорджоне умер в Венеции от чумы осенью 1510 года.
-----------------------------------------------------------------------------------------------------------------
Тициан Вечеллио (Tiziano Vecellio), 1477—1576 - один из величайших итальянских живописцев эпохи Возрождения. По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Фриули) его иногда называют да Кадоре, известен также как Тициан Божественный. Тициан родился в семье Грегорио Вечелли, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто и Джорджоне. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576.

1. Очнев Андрей "Беседка" (1997)
2. Селезнёв Константин "Терраса" (1997)
-----
Очнев А. родился в 1973г. Работы его находятся в фондах Российской Академии Художеств, музее-усадьбе Ясная Поляна, Музейно-выставочном центре г. Малоярославца, частных коллекциях в России, Англии, Германии, Японии, Бельгии, Венгрии, Китае.
------
Селезнев К. родился в 1975г. Произведения его находятся во многих музеях и частных собраниях.
-----
Возможно, что оба художника учились в МГАХИ имени В.И. Сурикова (они практически ровесники), может даже были однокурсниками и ездили вместе на пленэр, где и увидели этот очаровательный дом с террасой в Ясной Поляне.

1. Франсуа Клуэ "Дама в ванной" (ок. 1571), Вашингтон, Национальная галерея искусства
2. Неизв.мастер Франции, 16 век, "Портрет Габриель д,Эстре"
-------
Франсуа Клуэ (фр. François Clouet, 1515 год, Тур — 22 декабря 1572, Париж) — крупнейший французский художник-портретист эпохи Возрождения при дворе королей Франциска I, Генриха II, Франциска II и Карла IX. Его насыщенным по цвету, сравнительно свободным по композиции живописным портретам присущи тщательное воспроизведение натуры, яркость характеристик, величавое спокойствие поз, роскошь виртуозно выписанных костюмов. Одной из известных картин Франсуа Клуэ на мифологические сюжеты является картина с обнаженной натурой "Дама в ванной" (ок. 1571, Вашингтон, Национальная галерея искусства), где, предположительно, изображена Диана де Пуатье. Утонченная грация, холодновато-изысканная эротика сближает Клуэ в подобных произведениях с творчеством художников маньеризма.

1. Харменс ван Рейн Рембрандт "Девушка у окна" (1645), Картинная галерея Далич, Лондон, Великобритания
2. Рембрандт Пил "Девушка в окне (портрет Розальбы Пил)" (1846)
3. Томас Салли "Девушка в окне"
------------
Про вторую и третью картины речь уже шла здесь: http://fotki.yandex.ru/users/natazin60/view/378788?page=1
Теперь нашла первоначальный оригинал, который и был благополучно сдут Пилом и Салли .

1. Микеланджело Буонаротти "Голова Клеопатры" (1533/34)
2. Джорджо Вазари "Голова Клеопатры" (1550)
---------
Рим, 19 февраля 1564 года. Накануне ночью скончался великий Микеланджело Буонаротти. Римские власти посылают в его мастерскую спецкомиссию, чтобы провести инвентаризацию. Однако описывать почти нечего. Прибывшие обнаруживают лишь десять выполненных на картоне набросков. Все остальное бесследно исчезло. Ученики художника уверяют, что незадолго до смерти Микеланджело свои эскизы просто сжег…
Герцог Флоренции Козимо Первй - в гневе. Он рвет и мечет, называя поступок Микеланджело в высшей степени недостойным. Однако у мастера были свои представления о достоинстве. Разумеется, он знал, на что идет, сжигая наброски своих картин и лишая современников столь дорогого наследия. В то же время, он не желал предавать гласности то, как рождались идеи его великих творений и какими путями шло их осуществление.
При этом многим как раз того и хотелось - через созерцание творения приблизиться к гению, созидать и мыслить с ним в унисон. Эскизы Микеланджело и при его жизни считались великой ценностью и тайной, в которую знаменитый художник почти никого не желал посвящать. Даже биографу и искреннему почитателю мастера, Джорджио Вазари, было отказано в том, чтобы взглянуть на рисунки. Тех же, кто удостаивался такой чести, можно было пересчитать по пальцам: несколько любимых учеников да итальянская поэтесса и друг Микеланджело Виттория Колонна.
-------
Похоже, что ученик просто передрал у своего учителя образ царицы.

1. Рафаэль Санти "Донна Велата" (1514), Палатинская галерея, Палаццо Питти, Флоренция
2. Александр Варнек "Портрет М.И.Варнек" (1816), Русский музей, Санкт-Петербург
-------
«Донна Велата» — один из известнейших портретов художника итальянского Возрождения Рафаэля Санти. Полагают, что натурщицей для данной работы служила возлюбленная Рафаэля - Форнарина. Рафаэль встретил Форнарину в 1514 году, когда работал в Риме по заказу банкира Агостино Киджи над оформлением главной галереи его виллы Фарнезина. Для фрески «Амур и Психея» Рафаэль стал искать модель и наконец на берегу Тибра увидел 17-летнюю дочь пекаря Маргариту Лути. Рафаэль прозвал её Форнарина (от итал. forno — печь). Художник предложил девушке поработать в качестве модели и пригласил её к себе в студию. Так начался их роман, он продолжался шесть лет, до самой смерти мастера. Рафаэль выкупил дочь у отца за 3 тыс. золотых и снял для неё виллу. После безвременной кончины великого художника Форнарина ушла в монастырь в 1520 году.
«Донна Велата» принадлежит к числу величайших шедевров Высокого Возрождения. Это редчайший эталон тихой, ничем не замутненной женской красоты.
Долгое время авторство картины не было установлено, и только в 1839 году выяснилось, что она принадлежит кисти Рафаэля.
-------
Варнек Александр Григорьевич (1782-1843). Жизнь и творчество известного художника-портретиста, которого современники называли "русским Ван-Дейком", были почти целиком связаны с одним городом - Петербургом и с одним учебно-художественным заведением - Петербургской Академией Художеств. Был лишь сравнительно недолгий период (с июля 1804 по октябрь 1809 г.), который художник провел вдали от Петербурга - в Риме, куда он был направлен в качестве пенсионера АХ. И хотя художественная деятельность Варнека началась еще в 1802- 03 гг. ("Портрет актрисы Е. И. Колосовой в костюме Артемиды", портреты молодых тогда художников Н. И. Уткина, А. В. Ступина, Е. О. Скотникова и А. X. Востокова), подлинный творческий дебют его состоялся в Риме.

1. Джон Вандерлин "Спящая Ариадна на Наксосе" (1805/14), Пенсильванская Академия художеств, Филадельфия, США
2. Жан Огюст Доминик Энгр "Одалиска с рабыней" (1842)
----------
В 1805 в Филадельфии была основана Пенсильванская Академия изящных искусств, а в 1825 в Нью-Йорке - Нац. Академия. Большинство американских художников этого времени отправилось учиться в Европу - в Лондон, Париж и Дюссельдорф. Джон Вандерлин, учившийся в Париже в мастерской Венсана, выставил в Нью-Йорке картину "Ариадна на острове Наксос" (1805). Это прекрасное академическое изображение обнаженной натуры было сочтено непристойным. Чтобы выжить, художник был вынужден обратиться к более коммерческому виду искусства - панорамам.
----------
Высшие достижения Энгра были связаны с "бессюжетным" изображением обнаженной натуры. В знаменитых "купальщицах" и "одалисках", которые Энгр создавал на протяжении всей своей творческой жизни ("Купающаяся женщина", "Купальщица Вальпенсон", "Маленькая купальщица", "Большая одалиска", "Одалиска с рабыней", "Источник", "Турецкая баня"), с особой силой проявилось присущее именно ему понимание искусства, яркость его видения, правдивость по отношению к натуре и умение претворить ее в образы совершенной красоты. В отличие от своего антагониста Делакруа, искавшего красоту в непрестанном движении, в порыве и трагическом противоборстве страстей, Энгр воплощал ее в гармонических, устойчивых, скульптурно-четких, масштабных и одновременно филигранных образах. Его обнаженные целомудренно строги и чувственно полнокровны, интимны и экзотичны, загадочны и классически ясны по форме - и при этом окружены не менее прекрасными вещами - драгоценной утварью, узорными цветными тканями и т. д. Но хотя Энгр владел тайной гармонических отношений цветовых масс, главным средством его выражения оставалась линия. В изображениях обнаженной натуры она кажется особенно чистой и музыкальной, поистине поющей - передающей в своих ритмах не застывшие черты модели, но саму жизнь и движение формы.

1. Жан Огюст Доминик Энгр "Рафаэль и Форнарина" (1814), Музей университета Гарварда
2. Харменс ван Рейн Рембрандт "Автопортрет с Саскией на коленях" (1635-1636), Дрезден, Картинная галерея.
--------------
Заказчики Энгра часто просили художника написать небольшую картину на сюжет, взятый из исторических или литературных источников средневековой и ренессансной эпох. Подобные работы, получили название "трубадурских" (по имени средневековых поэтов, воспевавших куртуазную любовь и радости жизни). Их популярность в начале XIX века объясняется общей тягой к простоте и развлекательности, сменившей пафос революционного переустройства. В работе "Рафаэль и Форнарина", художник скрупулезно воссоздает мир эпохи Возрождения. Любопытно, что Рафаэля Энгр здесь написал на основе его автопортрета, хранящегося в галерее Уффици, а открывающийся из окна вид на Ватикан заимствовал у Микеланджело. Ориентация на вполне определенную эпоху проявляется как в наборе бытовых деталей, так и более глобально - в следовании традициям ренессансной живописи. Об этом свидетельствуют, в частности, особенности перспективы. Подобные "цитаты" делают эту картину Энгра почти постмодернистской.
-------------
Состоявшийся в 1634 году брак с Саскией ван Эйленбюрх открыл перед Рембрандтом двери особняков зажиточных бюргеров. Заказы сыплются к нему один за другим; не менее полусотни портретов датируются первыми годами пребывания Рембрандта в Амстердаме. Материальное благосостояние позволило ему приобрести собственный особняк, который он наполнял скупленными у антикваров предметами искусства - картины итальянских мастеров и гравюры, античная скульптура, оружие, музыкальные инструменты. К числу наиболее значительных портретов тех лет принадлежат изображения Саскии — иногда в домашней обстановке, лежащей в постели, иногда в роскошных одеяниях (кассельский портрет, 1634) и театрализованных обличьях («Саския в образе Флоры», 1634). Избыток жизненных сил художника в годы брака с Саскией с наибольшей бравурностью выражен в «Автопортрете с Саскией на коленях» (1636). Иконография этой прославленной работы восходит к моралистическим изображениям разврата блудного сына из библейской притчи и тем самым предвещает неизбежность будущего раскаяния. Это предсказание сбылось — Саския умерла через год после рождения сына, и в жизни Рембрандта начался период непрерывных личных утрат.

В знаменитом музее Prado в Мадриде обнаружили сестру близнеца самой знаменитой картины всех времен и народов - Моны Лизы. Всем известно, что знаменитая работа Леонардо Да Винчи, картина "Мона Лиза", висит под пуленепробиваемым стеклом в парижском музее Лувр. Мона Лиза, самое узнаваемое художественное полотно в мире. Про эту картину написано сотни книг, тысячи научных иссследований и толкований, загадочной улыбки средневековой красавицы. Никто даже предположить не мог, что в мире существует еще одна Мона Лиза, и самое любопытное - картина вовсе не искусная подделка неизвестных мастеров, а нарисована учениками великого Леонардо, и по возрасту, найденное в запасниках музея полотно, является ровесницей картины Леоанардо (картина датируется 1503-1505 годом). Картина близнец, находилась в мадридском музее Prado, но о ценности этого произведения искусства никто и не догадывался. Все дело в том, что изначально картину покрывал слой темной краски, и только попав в реставрационную лабораторию, поверхность холста, бережно очистили от верхнего слоя - глазам изумленных реставраторов, предстал знакомый лик Моны Лизы. Ранее предполагалось, что эта картина одна из малоизвестных работ великого Леонардо да Винчи. И вот сейчас во время реставрационных работ выяснилось, что это картина писалась параллельно с оригиналом, украшающим сейчас зал Лувра. Ученые и реставраторы, разошлись во мнениях и предположениях, кто мог нарисовать картину-близнец - Андреа Салай или же Францеско Мельци, которые были лучшими учениками в мастерской гениального художника. Kартина Леонардо да Винчи, находящаяся в Лувре, по предположениям искусствоведов и историков, является портретом Лизы Герардини, супруги торговца шёлком из Флоренции Франческо дель Джокондо, написанным около 1503—1505 году. Впервые название «La Joconda» упоминается в 1525 году в списке наследства художникa Салаи, наследника и ученика Леонардо да Винчи, который оставил картину своим сёстрам в Милане. Надпись описывает её как портрет дамы по имени Ла Джоконда.