Александр Сигов

На золотом песке



    Перенося эстетику и символику образов прошлого в свои работы Александр Сигов создает свои цельный мир, в котором с определенной точностью передаются тончайшие живописные взаимоотношения. К каким бы культурным традициям ни обращался автор, ему всегда сопутствует тонкое чувство вкуса, будь то портрет напоминающий образы из
эпохи Возрождения или монументальные и строгие формы Египта. Насыщенность красочного тембра, разнообразие живописных фактур в сочетании с композиционной завершенностью позволяют художнику выразить сплав стилей и образов как гармоничное произведение.


 

Амазонка


Готика

Фортуна


Натюрморт с гранатовой рыбой





Прогулка на красном коне

Александр Сигов - живописец, график. Родился в 1955 году в Ленинграде. Окончил
художественное училище им. В.А.Серова в 1975 г. Член Союза художников России с 1994 г. Участник более 150 выставок в России и за рубежом.
Работы находятся в многочисленных частных коллекциях в России и за рубежом.

 

Нежнейшая акварель Елены Базановой

Родилась 16 ноября 1968 года в городе Сланцы Ленинградской области.
1986 – окончила Среднюю Художественную Школу при Академии Художеств (СПб).
1986–1992 – окончила мастерскую книжной графики Академии Художеств (СПб).
С 1989 года активно работает с издательствами Санкт-Петербурга, c 1996-го иллюстрирует издания для детей.
С 1995 года – член Союза Художников России.
С 2006 года – член Общества Акварелистов Санкт-Петербурга.

 

http://ma.li.ru/http://www.liveinte.../.gif") no-repeat scroll 0pt 50% transparent;" class="GL_MAR5B">Ta_which все записи автора

Александр Сигов.
Живописец, график.

Фата для невесты
АРТ АРТель

Родился в 1955 году в Ленинграде. Окончил художественное училище им. В.А.Серова в 1975 г. Член Союза художников России с 1994 г. Участник более 150 выставок в России и за рубежом. Работы находятся в многочисленных частных коллекциях в России и за рубежом


Марабу

Прогулка на красном коне

Фортуна

Романтическое послание

Осень фаворита

Живописец, график. Родился в 1955 году в Ленинграде.

Окончил художественное училище им. В.А.Серова в 1975 г.

Член Союза художников России с 1994 г.

Участник более 150 выставок в России и за рубежом.

Работы находятся в многочисленных частных коллекциях в России и за рубежом. .




Автор о себе

У Сальвадора Дали в одной из его десяти заповедей сказано : 'Не бойся совершенства, тебе его не достичь'. Живопись - это то, что помогает мне приблизится к этой тайне, загадке. Если в жизни, достигнуть определенной цели, поняв тайну истины, не редко приходит разочарование, то в искусстве есть надежда сохранить эту тайну, постигая ее каждый день.

Вот эта картина особенно великолепна:

 

Александр Сигов - петербургский художник, имя которого известно далеко за пределами России. В его живописи есть какой-то секрет, магия, она завораживает. И открывается постепенно, незаметно, добавляя нашему воображению новые вопросы и новые открытия. Мало кто пишет так скрупулезно, так пленяюще тонко, и конечно же мало кто так оригинально использует созданную им узорчатую фактуру холста. Подобный рельеф, позволяющий создать неповторимые цветовые пятна, используют и другие художники. Но ни у кого она не разработана так изощренно. Картины Сигова надо видеть в оригинале. Его работа с цветом филигранна. Там продуман каждый миллиметр, каждый нюанс цветового звучания, взятый и отдельно и в целом. В картинах А.Сигова чувствуется любовь к философии, первоосновам, другой мир. Есть своя мифология. Образы, созданные в галерее работ художника узнаваемы, но новы, часто слегка ироничны, но серьезны. В них есть та недоговоренность, органично переплетенная с ясностью образа, которая отличает всякое крупное произведение. И еще. Невозможно не сказать о названиях. Я думаю, что художник, вообще художник, имеет уникальную возможность сказать всего несколько слов своим зрителям, он "писатель на миг". Но эти слова так емки! Они стоят иногда романа! Но никогда не исчерпывают сущность картины. Александр владеет словом. Так же "загадочно метко", как и кистью. Названия некоторых картин напоминают главы эпоса. И еще одна черта - независимость художественного мышления. Художник позволяет себе самую большую роскошь - размышлять с кистью в руке (так говорил Сезанн). Он ищет, именно ищет, а не делает вид,шокируя зрителя всякой чепухой (таких ловкачей у нас достаточно!), он действительно работает от сердца. Я хотел бы пожелать художнику новых творческих успехов (недавно был его день рождения). Я публикую этот материал, не придерживаясь четкой хронологии, а скорее из желания показать то, что редко появлялось в интернете.

 

 

Александр Сигов - петербургский художник, имя которого известно далеко за пределами России. В его живописи есть какой-то секрет, магия, она завораживает. И открывается постепенно, незаметно, добавляя нашему воображению новые вопросы и новые открытия. Мало кто пишет так скрупулезно, так пленяюще тонко, и конечно же мало кто так оригинально использует созданную им узорчатую фактуру холста. Подобный рельеф, позволяющий создать неповторимые цветовые пятна, используют и другие художники. Но ни у кого она не разработана так изощренно. Картины Сигова надо видеть в оригинале. Его работа с цветом филигранна. Там продуман каждый миллиметр, каждый нюанс цветового звучания, взятый и отдельно и в целом. В картинах А.Сигова чувствуется любовь к философии, первоосновам, другой мир. Есть своя мифология. Образы, созданные в галерее работ художника узнаваемы, но новы, часто слегка ироничны, но серьезны. В них есть та недоговоренность, органично переплетенная с ясностью образа, которая отличает всякое крупное произведение. И еще. Невозможно не сказать о названиях. Я думаю, что художник, вообще художник, имеет уникальную возможность сказать всего несколько слов своим зрителям, он "писатель на миг". Но эти слова так емки! Они стоят иногда романа! Но никогда не исчерпывают сущность картины. Александр владеет словом. Так же "загадочно метко", как и кистью. Названия некоторых картин напоминают главы эпоса. И еще одна черта - независимость художественного мышления. Художник позволяет себе самую большую роскошь - размышлять с кистью в руке (так говорил Сезанн). Он ищет, именно ищет, а не делает вид,шокируя зрителя всякой чепухой (таких ловкачей у нас достаточно!), он действительно работает от сердца. Я хотел бы пожелать художнику новых творческих успехов (недавно был его день рождения). Я публикую этот материал, не придерживаясь четкой хронологии, а скорее из желания показать то, что редко появлялось в интернете.

Цитата сообщения beauty_Nikole

Живопись|Painting

Живопись

-

(от рус. живо и писать) - вид изобразительного искусства, заключающийся в создании картин, живописных полотен, наиболее полно и жизнеподобно отражающих действительность.
Произведение искусства, выполненное красками (масляными, темперными, акварельными, гуашевыми и др.), нанесенными на какую либо твердую поверхность, называется живописью. Главное выразительное средство живописи - цвет, его способность вызывать различные чувства, ассоциации, усиливает эмоциональность изображения.

Titian (Tiziano Vecellio) - Italian high renaissance painter (ca.1485-1576)
Venus of Urbino, oil on canvas, 1538
Uffizi Gallery, Florence, Italy
Необходимый для живописи цвет художник обычно составляет на палитре, а затем превращает краску в цвет на плоскости картины, создавая цветовой порядок - колорит.
По характеру цветовых сочетаний он может быть теплым и холодным,
веселым и грустным, спокойным и напряженным, светлым и темным.


Nicolas Colombel -French painter, (1644-1717)
Atalante und Hippomenes, oil on canvas, c. 1680
Liechtenstein Museum
Образы живописи очень наглядны и убедительны. Живопись способна передавать на плоскости объем и пространство, природу, раскрывать сложный мир человеческих чувств и характеров, воплощать общечеловеческие идеи, события исторического прошлого, мифологические образы и полет фантазии.

Francesco Hayez Italian romantic painter (1791-1882)
The Penitent Mary Magdalene, oil on canvas, 1825
Civica Galleria d’Arte Moderna, Milan
Живопись делится на станковую и монументальную. Художник пишет картины на холсте, натянутом на подрамник и установленном на мольберте, который также может быть назван станком. Отсюда и название "станковая живопись".

Alessandro Allori - Italian painter, Florentine school (1535-1607)
Venus and Cupid, oil on wood
Fabre museum, Montpellier
А само слово "монументальная" говорит о чем-то большом и значительном. Монументальная живопись - это большие картины на внутренних или наружных стенах зданий (фрески, панно и др.). Произведение монументальной живописи нельзя отделить от его основы (стены, опоры, потолка и т.п.). Темы для монументальных картин тоже выбираются значительные: исторические события, героические подвиги, народные сказания и др. Непосредственно с монументальной живописью смыкаются мозаика и витраж, которые также можно отнести к декоративному искусству. Здесь важно достижение стилевого и образного единства монументальной живописи и архитектуры, синтеза искусств.

Giovanni Battista Tiepolo Italian rococo era painter, (1696-1770)
Hagar in the Wilderness, Fresco, 1726-1729, Palazzo Patriarcale, Udine
Следует отличать такие виды живописи, как декоративная роспись, иконопись, миниатюра, театрально-декорационная. Каждая из разновидностей живописи отличается спецификой технического исполнения и решения художественно-образных задач.
В отличие от живописи как самостоятельного вида изобразительного искусства, живописный подход (способ) может использоваться и в других его видах: в рисунке, графике и даже в скульптуре.

Baron Pierre-Narcisse Guérin
L'Aurore enlevant Céphale, 1810
Musée du Louvre, Paris
Сущность живописного подхода заключается в изображении объекта во взаимосвязи с окружающей его пространственной световоздушной средой, в тонкой градации тональных переходов.

Antonio Pollaiolo - Italian early renaissance painter and sculptor (1432-1498)
Portrait Of A Lady, oil on wood, 1470
Uffizi Gallery, Florence, Italy
Многообразие объектов и событий окружающего мира, пристальный интерес к ним художников привели к возникновению на протяжении XVII-XX вв. жанров живописи: портрета, натюрморта, пейзажа, анималистического, бытового (жанровая живопись), мифологического, исторического, батального жанров. В произведениях живописи может встречаться сочетание жанров или их элементов. Например, натюрморт или пейзаж могут удачно дополнять портретное изображение.

Peter Paul Rubens - flemish baroque era painter, 1577-1640
Rubens, His Wife Helena Fourment (1614–1673), and Their Son Peter Paul (born 1637),
Oil on wood, mid- to late 1630s
The Metropolitan Museum of Art, New York
По техническим приемам и используемым материалам живопись можно разделить на следующие виды: масляная, темперная, восковая (энкаустика), эмаль, клеевая, водяными красками по сырой штукатурке (фреска) и др. В некоторых случаях трудно бывает отделить живопись от графики. Произведения, выполненные акварелью, гуашью, пастелью, могут относиться и к живописи, и к графике.

Austrian academic painter Friedrich von Amerling, (1803-1887)
Girl with Straw Hat, oil on canvas, 1835
Liechtenstein Museum
Живопись может быть однослойной, выполняемой сразу, и многослойной, включающей подмалевки и лессировки, наносимые на просохший красочный слой прозрачные и полупрозрачные слои краски. Этим достигаются тончайшие нюансы и оттенки цвета.

Ferdinand Georg Waldmüller - Austrian romantic painter, (1793-1865)
Roses, oil on panel, 1843
Liechtenstein Museum
Важными средствами художественной выразительности в живописи являются, кроме цвета (колорита), пятно и характер мазка, обработка красочной поверхности (фактура), валеры, показывающие тончайшие изменения тона в зависимости от освещения, рефлексы, появляющиеся от взаимодействия лежащих рядом цветов.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
Lady With Flowers, oil on canvas, 1903
Polish Museum in Rapperswil
Построение объема и пространства в живописи связано с линейной и воздушной перспективой, пространственными свойствами теплых и холодных цветов, светотеневой моделировкой формы, передачей общего цветового тона полотна. Для создания картины, кроме цвета, необходимы хороший рисунок и выразительная композиция. Художник, как правило, начинает работу над полотном с поиска наиболее удачного решения в эскизах. Затем в многочисленных живописных этюдах с натуры он прорабатывает необходимые элементы композиции. Работа над картиной может начинаться с выполнения рисунка композиции кистью, подмалевка и непосредственно написания полотна теми или иными живописными средствами. Причем даже подготовительные эскизы и этюды порой имеют самостоятельное художественное значение, особенно если принадлежат кисти известного живописца.

Martin Johnson Heade - American Hudson River school painter, (1819-1904)
A Vase of Corn Lilies and Heliotrope, oil on canvas,
Saint Louis Art Museum
Живопись очень древнее искусство, прошедшее на протяжении многих веков эволюцию от наскальных росписей палеолита до новейших течений живописи XX в. Живопись обладает широким кругом возможностей воплощения замысла от реализма до абстракционизма. Огромные духовные сокровища накоплены в ходе ее развития.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
Pink Rose, oil on canvas, 1879, private collection
В античную эпоху возникло стремление к воспроизведению реального мира таким, каким его видит человек. Это вызвало зарождение принципов светотени, элементов перспективы, появление объемно-пространственных живописных изображений. Раскрылись новые тематические возможности отображения действительности живописными средствами. Живопись служила для украшения храмов, жилищ, гробниц и других сооружений, находилась в художественном единстве с архитектурой и скульптурой.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
Lady with Flowers, oil on canvas, 1892, private collection
Средневековая живопись была преимущественно религиозного содержания. Она отличалась экспрессией звучных, в основном локальных цветов, выразительностью контуров.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
Lady with Jewelery, oil on canvas, 1890, private collection
Фон фресок и картин, как правило, был условным, отвлеченным или золотым, воплощающим в своем таинственном мерцании божественную идею. Значительную роль играла символика цвета.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
In Front of a Mirror, oil on canvas, 1888, private collection
В эпоху Возрождения ощущение гармонии мироздания, антропоцентризм (человек в центре вселенной) отразились в живописных композициях на религиозные и мифологические темы, в портретах, бытовых и исторических сценах. Возросла роль живописи, выработавшей научно обоснованную систему линейной и воздушной перспективы, светотени.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
Letter, oil on canvas, 1896, private collection
Процесс развития европейской живописи в XVII-XVIII вв. усложняется, складываются национальные школы, каждая со своими традициями и особенностями. Живопись провозглашала новые социально-гражданские идеалы, углублялись психологическая проблематика, ощущение конфликтного взаимоотношения личности и окружающего мира. Обращение к многообразию реальной жизни, особенно к повседневному окружению человека, привело к четкому формированию системы жанров: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой жанр и т.д. Формировались различные живописные системы: динамичная живопись барокко с характерной для нее незамкнутой, спиралевидной композицией; живопись рококо с игрой изысканных нюансов цвета, светлых тонов; живопись классицизма с четким, строгим и ясным рисунком.

Wladyslaw Czachorski - Warsaw Drawing School, (1850-1911)
The Little Treasure Chest, oil on canvas, private collection
В XIX в. живопись играла активную роль в общественной жизни. Живопись романтизма отличалась активным интересом к драматическим событиям истории и современности, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита.
Переворотом в живописи, на долгие годы повлиявшим на ее развитие, было появление импрессионизма, стремившегося передать изменчивую красоту мира, выявившего возможности оптического смешения чистых цветов, и эффекты передачи фактуры. Художники вышли писать свои картины на пленэр.
В конце XIX-XX вв. развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым. Различные реалистические и модернистские течения завоевывают себе право на существование.
Появляется абстрактная живопись (авангардизм, абстракционизм, андеграунд), которая ознаменовала отказ от изобразительности и активное выражение личного отношения художника к миру, эмоциональность и условность цвета, утрированность и геометризацию форм, декоративность и ассоциативность композиционных решений.
В XXI веке продолжается поиск новых красок и технических средств создания живописных произведений, что несомненно приведет к появлению новых стилей в живописи

Живопись Андрея Иванова

 

 

 

J.M.W. Turner. Watercolours
 

 

.

"Джозеф Мэллорд Уильям Тернер (англ. Joseph Mallord William Turner, 23 апреля 1775 — 19 декабря 1851) — британский живописец, мастер романтического пейзажа, предтеча французских импрессионистов. "

Акварельные пейзажи Уильяма Тёрнера (jmw turner watercolor) и по сей день остаются недосягаемыми образцами в своём жанре.

 

«Последний рейс корабля „Отважный“».

 

.

 .

.

 .«Восход с морскими чудовищами»

 

 

 

Joseph Mallord William Turner
British, 1775–1851
The Burning of the Houses of Parliament, 1834
watercolor on paper

 

http://www.artadox.com/joseph-william-mallord-turner-at-the- metropolitan-museum/

The Metropolitan Museum of Art’s “J.M.W. Turner” is a beast of a show. With nearly 150 works in oil and watercolor spanning more than half a century, it will either win you over or wear you out. Or it will alternate, gallery by gallery, or wall by wall, as the art swings between overblown and moving, inspired and mechanical.

In the history of Western painting, the great British artist Joseph William Mallord Turner (1775-1851) looms as a prodigiously gifted, productive and innovative figure. His complex legacy reflects his interests not only as an artist, but as a poet, naturalist, philosopher and lover of music and theater.

“The Shipwreck”

His paintings of storms at sea or Alpine plunges are early examples of the natural sublime; his squalls of paint presage the Romantics, the Realists, the Impressionists and even the Abstract Expressionists. He built luminosity into his canvases by painting on white grounds (rather than the traditional black), and he used color as color and paint as paint more directly than anyone before him.

Turner’s works pop out when seen one at a time in a museum collection. Seeing them in bulk is another matter. His innovations can be dulled by its repetitiveness and unvarying skill. In the present Turner’s achievement still seems to be up for grabs, something to fight about, which adds excitement to the ups and downs of the Met show.

“Light and Colour (Goethe’s Theory) — The Morning after the Deluge — Moses writing the Book of Genesis.”

Turner (1775-1851) rode the cusp of art history as if it were a great wave crashing through one of his seascapes, and this show rides it with him. He sketched incessantly from the age of 10; he was already honing his watercolor technique when he was admitted to the Royal Academy at the age of 14 (in 1789). He became a full member in 1802 at the age of 26.

During Turner’s long career European society segued from the agrarian to the industrial. Turner himself veered between scenes of antiquity and steamboats, between history painting and reportage. He recorded the battle between the British and French fleets at Trafalgar (which he did not see) and the burning of the Houses of Parliament (which he did).

He looked back to classically inspired painters like Poussin and Claude, who sprinkled their landscapes with temples and people in togas and yet, like Courbet, he used paint in a new, daringly physical way. “The Houses of Parliament on Fire” might almost have been painted by Monet with a little input from Philip Guston.

“Snow Storm—Steam Boat off a Harbor’s Mouth Making Signals in Shallow Water, and Going by the Lead. The Author was in This Storm on the Night the Ariel Left Harwich” (1842)

Often there’s a slickness to Turner’s work that is more Paul Jenkins than Guston. He just seems to be in production, churning out oceangoing turmoil and vortices of water, air and sunlight and then locking them in focus with little figures — the victims of bad weather or biblical wrath — struggling at the bottom.

 

Turner’s best work lies somewhere in between tumultuous and placid. In “Peace — Burial at Sea” the sharp black silhouettes of the sails of a burning ship anchor the quavering depictions of sea, air, fire and smoke.

 In “Mortlake Terrace, the Seat of William Moffatt, Esq.; Summer’s Evening” the main action is the sun, sending its golden light shimmering across the Thames to give a row of trees long fingerlike shadows, while a spry little black dog (painted on paper stuck to the surface) barks at the passing boats.

In the tiny watercolor “Shields, on the River Tyne, ” workers load coal from a ship into smaller boats by the yellow light of torches; the rest of the river, shrouded in blue and overseen by a silvery moon, seems to be another world altogether.

Turner never lost his connection to reality. One of the last, semiabstract paintings in the show’s final gallery is a sunrise view of Norham Castle, which is the subject of a Claudian watercolor in the first gallery. Amid its gorgeous smudges of blue castle, yellow sun and pale ochre shores are two cows, faint but definite, who have come for their morning drink.

“Keelmen Heaving in Coals by Moonlight” (1835)

This show may be wearying because there is something imperious and impersonal about the sheer force of Turner’s ambition. It is almost as if his drive to capture nature or history in motion was so intense that it didn’t leave room for anyone else, including the viewer. Maybe that’s why despite all his hard work and even the majesty of his vision, you can emerge from this exhibition impressed but oddly untouched, even chilled. N.Y. Times

.

 

.

 

.

 

 

.

 

 

 

 

 

 

.

  http://www.nytimes.com/2008/07/04/arts/design/04turn.html

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

.

.

.


.


.


.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

более ста картин Тёрнера

http://www.wm-painting.ru/MasterPieces/p19_sectionid/59/p19_imageid/3244

 

 Фрески

Цитата сообщения novaya_skazka

 

Способ писания картин изображений на стенах, сводах и потолках зданий водяными красками по свежей (по-итальянски fresco значит "свежий"; отсюда название способа), т. е. по еще сырой штукатурке, основанный на свойстве цемента, состоящего из извести и мелкого песка, впитывать в себя, пока он влажен, разведенные на воде краски без примеси к ним клея или какого-либо другого связующего вещества и соединяться с ними в своем верхнем слое в одно нераздельное целое. Изображения, исполненные таким способом принято называть "фресками".

 

 

 Для Фресковой живописи необходима хорошая подготовка поверхности, предназначенной для работы. Эта подготовка заключается в следующем: берется старая известь, приготовленная заранее, смешивается в воде с мелким очищенным кремневым песком. Затем этот цемент наносят на стену так, чтобы под ним и внутри него не осталось пузырьков воздуха.

 

 

 

Когда эта первый слой высох, наносят на стену второй слой такого же цемента, но менее грубого, толщиной около 2 см. И только затем наносят третий слой, который и служит непосредственно грунтом для будущей фрески. Его затирают, придавая мелкозернистый вид. Последний слой должен быть изготовлен не раньше утра того дня, в который надо писать фреску, а так как исполнение всей фрески требует долгого времени, в течение которого цемент успел бы совершенно просохнуть и отвердеть, то последний слой наносят на стену частями на пространство, какое художник в состоянии расписать в один день. Кусок этого грунта, оставшийся почему-либо не расписанным в данный день, соскабливают. Живописец приступает к работе когда вода из грунта испарилась настолько, что он не блестит от мокроты, но остается сырым.

 

 

 

 

 Для Фресковой живописи используют только минеральные краски. Будучи ограничен в составе своей палитры, пишущий фреску не свободен и в приемах своей техники: он не может рисовать на грунте прямо от себя, а должен переносить на него контуры своей композиции при помощи прорисовки, сделанной с картона, заранее изготовленного в величину будущей фрески, отмечать также посредством прорисовки главные световые и теневые пятна картины, а при самом письме постоянно иметь перед глазами ее оконченный, исполненный в красках эскиз. 

 

 

 

 

Указанные неудобства приемов Фресковой живописи вознаграждаются важными преимуществами ее перед всеми другими родами стенной и плафонной живописи. Первое из этих преимуществ — чрезвычайная прочность: краски глубоко проникают во влажный цементный грунт, который, высохнув вместе с ними, обращается в твердую кристаллическую кору, не только не подверженную вредному влиянию воздуха и водяных паров, но и становящуюся с течением времени все более и более крепкой от их действия на нее. Во-вторых, поверхность фрески получается матовой, слегка шероховатой, не дающей зеркальных отражений света и позволяющей зрителю сразу окинуть взором написанное произведение, хотя бы оно было огромной величины. В-третьих, техника Фресковой живописи заставляет художника исполнять картину быстро, уверенным и широким приемом кисти, не вдаваться в мелочность, а такой способ работы сколь нельзя более пригоден для крупных произведений живописи, особенно же для монументальных стенных картин.

 

 

 

 

Фресковая живопись была известна еще в древнем мире, у египтян, этрусков и римлян; от этих последних многочисленные образцы ее сохранились в развалинах Помпеи. Первые христиане украшали ею места своих молитвенных собраний и усыпальницы покойников, как свидетельствуют о том ее остатки в римских и неаполитанских катакомбах. Из Рима употребление ее распространилось в Византию и подчиненные ей области, хотя там для декорирования роскошных храмов и дворцов предпочиталась мозаика. Греки перенесли ее, вместе с православной религией в Россию, где были украшены ею важнейшие киевские и новгородские церкви, в которых, к сожалению, уцелели только скудные памятники этой отрасли искусства, искаженные временем и невежеством, но тем не менее весьма любопытные.

 

 

 

 

На Западе Европы, после падения римской империи, искусство Фресковой живописи не было совершенно забыто, но сильно понизилось и в техническом, и в художественном отношении, как можно о том заключить по немногим остаткам стенной росписи в церквах, дошедших до нас от начальной поры средневековой эпохи. Только в XIII и XIV столетиях, в Италии, эта отрасль искусства улучшилась и снова вошла в большое употребление, благодаря Чимабуе, Джотто, Гадди и другим флорентийским и сиенским мастерам, внесшим в нее величественность стиля и распространившим через своих многочисленных учеников любовь к ней и знакомство с нею по всему Апеннинскому полуострову.

 

 

 Но самая цветущая пора Фресковой живописи настала в Италии XVI столетия, когда живописцы этой страны, в особенности из числа принадлежавших флорентийской, римской и ломбардской школам, поощряемые папами, владетельными особами и вельможами, один перед другим старались выказывать свои способности и знания в обширных, монументальных работах, заказываемых их покровителями. Рафаэль и Микеланджело стяжали себе вековечную славу столько же своими фресками (ватиканские ложи и станцы, Фарнезина, Сикстинская капелла и пр.)

 

 

 

 

 

Цитата сообщения lj_marinni

.14-15-16 век.

Доспехи на картинах и фресках.14-15-16 век.

Пьетро Перуджино.

Гирландайо.

Ранняя итальянская живопись из Будапештского музея изобразительных искусств

  

Цитата сообщения Алевтина_Князева

 

Иконы как искусство. 49 репродукций.

Это все репродукции икон из книги "Ранняя итальянская станковая живопись", которая сопровождает меня с самого детства. Она всегда стояла у меня на книжной полке, в очень маленькой, но уютной комнате. Книга была одной  из моих любимых, от части потому что она была одной из немногих с  красивыми картинками.  Отпечатано в Венгрии, 1966 г.

  

 

1.  СИЕНСКИЙ ХУДОЖНИК (Последняя четверть 13 века) РАСПЯТИЕ

Музей изобразительных искусств, Будапешт

 

 

 

2.  ФЛОРЕНТИНСКИЙ ХУДОЖНИК (последняя четверть 13 века) РАСПЯТИЕ

Музей изобразительных искусств, Будапешт

3.ФЛОРЕНТИНСКИЙ ХУДОЖНИК(последняя четверть 13 века) ЕВАНГЕЛИСТ ИОАНН (фрагмент)

4. ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ ДЖОТТО флорентийский художник, начало 14 века) ГОЛОВА ЖЕНЩИНЫ

По-видимому, фрагмент стенной расписи нижней церкви собора Сан Франческо в Ассизи.

 

5. МАЗО ДИ БАНКО (флорентинский художник, приблизительно 1320-1353) КОРОНОВАНИЕ МАРИИ

 

 

 

 

 

 

 6. МАЗО ДИ БАНКО   КОРОНОВАНИЕ МАРИИ (фрагмент)

7. МАЗО ДИ БАНКО АНГЕЛЫ (фрагмент)

 

8.  ТАДДЕО ГАДДИ ИЛИ ЕГО МАСТЕРСКАЯ (флорентийский художник, родился около 1332, умер в 1366 году)

МАДОННА НА ТРОНЕ С МЛАДЕНЦЕМ, СВЯТЫМИ ЕКАТЕРИНОЙ И МАГДАЛИНОЙ И ДВУМЯ АНГЕЛАМИ

9. ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ МАСТЕРА АЛТАРЯ СВ. ЦЕЦИЛИИ (флорентийский художник, работавший в начале 14 века)

МАДОННА НА ТРОНЕ С МЛАДЕНЦЕМ, СВЯТЫМИ, АНГЕЛАМИ И ЧЕТОЙ ЖЕРТВОВАТЕЛЕЙ

 

10. ФЛОРЕНТИНСКИЙ ХУДОЖНИК (первая половина 14 века) МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ НА ТРОНЕ

 

11.  ФЛОРЕНТИЙСКИЙ ХУДОЖНИК. МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ НА ТРОНЕ (фрагмент)

 

12. ПОСЛЕДОВАТЕЛЬ БЕРНАРДО ДАДДИ (флорентинский художник, середина 14 века) ПОКЛОНЕНИЕ ВОЛХВОВ

13. ДУЧЧО ДИ БУОНИНСЕНЬЯ ИЛИ ЕГО МАСТЕРСКАЯ(сиенский художник, первые данные наччиная с 1278 года, умер в 1319 году)

ПРОРОК ИЕРЕМИЯ

 

	14. УГОЛИНО ДИ НЕРИО (?) (по-другому: Уголино да Сиена; сохранились данные лишь с 1317 по 1327 год) ПРОПОВЕДЬ ИОАННА КРЕСТИТЕЛЯ
	15. НИКОЛЛО ДИ СЕНЬЯ  ДИ БОНАВЕНТУРА (Сиенский художник, сохранились данные лишь с 1331 по 1345) КОРОНОВАНИЕ МАРИИ (фрагмент)
	16.  СИЕНСКИЙ ХУДОЖНИК (первая половина 14 века) РАСПЯТЫЙ ХРИСТОС С МАРИЕЙ, МАГДАЛИНОЙ И ЕВАНГЕЛИСТОМ ИОАННОМ Триптих. Центральная картина
	17. СИЕНСКИЙ ХУДОЖНИК (первая половина 14 века) ИОАНН КРЕСТИТЕЛЬ (правое крыло триптиха №16)
	18. СИЕНСКИЙ ХУДОЖНИК (первая половина 14 века) СТИГМАТИЗАЦИЯ СВЯТОГО ФРАНЦИСКА АССИЗСКОГО (левое крыло триптиха № 16)
	19. НАДДО ЧЕККАРЕЛЛИ (сиенский художник, единственная известная дата, связанная с его именем - 1347 год) МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ
	20. МАСТЕР ДИПТИХА ПОЛЬДИ-ПЕЦЦОЛИ (умбрийский художник, начало 14 века) ХРИСТОС И МАРИЯ НА ТРОНЕ И ПЯТЬ СВЯТЫХ
	21. АМБОРОДЖО ЛОРЕНЦЕТТИ (сиенский художник, данные имеются с 1319 года, умер в 1348 году) МАДОННА НА ТРОНЕ С МЛАДЕНЦЕМ
	22. АМБОРОДЖО ЛОРЕНЦЕТТИ МЛАДЕНЕЦ ИИСУС (фрагмент репр. № 21)
	23. ЯКОПО ДИ ЧЬОНЕ (флорентинский художник, данные имеются только с 1365 по 1398 год) МАДОННА НА ТРОНЕ С МЛАДЕНЦЕМ
	24. ЯКОПО ДИ ЧЬОНЕ МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ (фрагмент репр. № 23)
	25. МАСТЕР ПРЕДЕЛЛЫ ФЬЕЗОЛЕ - БУДАПЕШТ (флорентинский художник, вторая половина 14 века) ПОКЛОНЕНИЕ ВОЛХВОВ
	26. ДЖОВАННИ ДИ БАРТОЛОМЕО КРИСТИАНИ (?) (пистойский художник, данные имеются лишь с 1366 по 1934 год) ХРИСТОС ПОДНИМАЕТСЯ ПО ЛЕСТНИЦЕ НА КРЕСТ
	27. ХУДОЖНИК ИЗ ОБЛАСТИ МАРКЕ (вторая половина 14 века) РАСПЯТИЕ
	28. СПИНЕЛЛО АРЕТИНО (Спирелло ди Лука Спинелли) (флорентинский художник родом из Ареццо. Данные имеются только начиная с 1373 года, умер в 1410 году) СВЯТОЙ НЕМЕЗИУС И ИОАНН КРЕСТИТЕЛЬ
	29. СПИНЕЛЛО АРЕТИНО МУЧЕНИЕ СВЯТОГО НЕМЕЗИУСА (предалла картины № 28)
	30. СПИНЕЛЛО АРЕТИНО МУЧЕНИЕ ИОАННА КРЕСТИТЕЛЯ (пределла картины № 28)
	31. ХУДОЖНИК ИЗ МАСТЕРСКОЙ МАСТЕРА СВЯТОЙ ВЕРДИАНЫ (флорентинский художник, вторая половина 14 века) МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ И СВЯТЫМИ
	32. МАСТЕР МАДОННЫ ШТРАУСА (флорентинский художник, работал в первых десятилетиях 15 века) РАСПЯТИЕ
	33. МАСТЕР МАДОННЫ ШТРАУСА ХРИСТОС (фрагмент репр. № 32)
	34. УГОЛИНО-ЛОРЕНЦЕТТИ (сиенский художник, работал предположительно в 1330 - 1360 годы) МОИСЕЙ
	35. СИЕНСКИЙ ХУДОЖНИК (середина 14 века) ПОЯСНОЕ ИЗОБРАЖЕНИЕ АПОСТОЛА
	36. МАСТЕР ЛЕГЕНДЫ О МАГДАЛИНЕ (сиенский художник, вторая половина 14 века) ПРИЧАЩЕНИЕ СВЯТОЙ МАГДАЛИНЫ
	37. ХУДОЖНИК ИЗ МАСТЕРСКОЙ ЛУКИ ДИ ТОММЕ (сиенский художник, вторая половина 14 века) УСЕКНОВЕНИЕ ГЛАВЫ СВЯТОГО ПАВЛА
	38. НИККОЛО ДИ БУОНАККОРСО (сиенский художник, данные имеются начиная с 1372 года. умер в 1388 году) БЛАГОВЕЩЕНИЕ (диптих)
	39. МАСТЕРСКАЯ БАРТОЛО ДИ ФРЕДИ (сиенский художник, данные имеются начиная с 1353 года, умер в 1410 году) РАСПЯТИЕ ХРИСТА
	40. АНДРЕА ДИ БАРТОЛО (сиенский художник, данные имеются начиная с 1389 года, умер в 1428 году) ИОАКИМ ОСТАВЛЯЕТ ГОРОД
	41. АНДРЕА ДИ БАРТОЛО ИЕРУСАЛИМ (фрагмент репр. №40)
	42. ТАДДЕО ДИ БАРТОЛО (сиенский художник, данные имеются начиная с 1386 года, умер в 1422 году) МАДОННА С МЛАДЕНЦЕМ
	43. ТАДДЕО ДИ БАРТОЛО СВЯТОЙ АНДРЕЙ (крыло картины № 42)
	44. ВЕНЕЦИАНСКИЙ ХУДОЖНИК (середина 14 века) РАСПЯТИЕ
	45. МАСТЕРСКАЯ ПАОЛО ВЕНЕЦИАНО (венецианский художник, данные имеются лишь с 1324 по 1362 год) МАДОННА НА ТРОНЕ С МЛАДЕНЦЕМ
	46. ВЕНЕЦИАНСКИЙ ХУДОЖНИК (середина 14 века) ПОКЛОНЕНИЕ ВОЛХВОВ
	47. ВЕНЕЦИАНСКИЙ ХУДОЖНИК (середина 14 века) МАЛЬЧИК, ИГРАЮЩИЙ НА ДУДКЕ (фрагмент репр. № 46)
	48. ДАЛМАТСКИЙ (?) ХУДОЖНИК (вторая половина 14 века) ТОВИЙ С АНГЕЛОМ

ПИНТУРИККЬО

  

Рубрики:

Живопись

Франц фон Штук

Среда, 26 Января 2011 г. 10:24  Прочитало: 0 за час / 4 за неделю / 9 за месяц

Цитата сообщения Barucaba

Венеция строилась на множестве небольших островов, которые изначально представляли собой всего лишь илистые песчаные отмели. Город сооружался на тысячах деревянных свай, и со временем здесь возник уникальный архитектурный стиль, приспособленный к своеобразию этого омываемого морем островного ландшафта. 

У Венеции очень сложная урбанистическая структура, которая формировалась на протяжении веков. Первоначальное ядро города было основано в зоне Риальто и был приведён в действие план застройки городской территории. Была вырыта сеть каналов, земля из которых использовалась для поднятия и укрепления острова. Таким образом рождается Большой канал и многочисленные небольшие каналы города, которые посредством 400 мостиков соединяют 118 островков, которые в свою очередь укрепляются забитыми сваями из крупных деревянных брёвен, на которые опираются фундаменты домов и дворцов. 

 

Знаменитейший Большой канал, или Каналетто, с его удивительной последовательностью прекрасных дворцов и живописных домов, является центральной транспортной артерией города в форме перевернутого латинского "S" . Его длина 3 800 м, ширина, доходящая в некоторых местах до 30 и даже до 70 метров и глубина около 5 метров. Он разделяет город на две неравные части, впадая в широкий канал Св. Марка, в водах которого отражается грандиозный дворец Дожей. Эта артерия, посредством 3-х мостов ( железнодорожного вокзала, Риальто, и Академии) и 45 каналов, впадающих в него, связывает все районы города.

 

 

 

Большой канал вызывает восхищение у тех, кто проезжает по нему с его поразительным обрамлением удивительных дворцов разных эпох и стилей, но не только дворцы привлекают внимание туристов, но и всё то, что выходит на канал: бедные домишки, небольшие площади, полутень каналов, почерневшие и заржавевшие ворота, вызывавшие во все века восторг у поэтов, музыкантов, художников от Байрона до Фосколо, от Каналетто до Кановы и Вагнера, которые жили на его берегах.

 

Палаццо Барбариго 

Дворец в Венеции на Большом канале. Первоначально здание было построено в XVI веке. Палаццо было выполнено в стиле последовавшим за эпохой Возрождения. Проект предусматривал три этажа: с открытой нижней лоджии был выход на канал, два верхних этажа также были с открытыми лоджиями, украшенные колоннами. В 1886 году, владельцами здания — хозяевами стекольного производства, фасад паллаццо был отделан мозаикой из муранского стекла. Когда мозаика была выполнена, тогдашних новых владельцев порицали их аристократические соседи как нуворишей, имеющих резкий вкус и осуществивших отделку вразрез с благородными фасадами соседних зданий. Несмотря на это, сегодняшний облик палаццо является одним из самых запоминающихся и ярких на всем канале. Сегодня часть здания используется как демонстрационный зал и магазин, продающий муранское стекло. 

 

Мост Риальто

 

Этот мост - самый древний из трёх мостов переброшенных через канал. Первоначально он был деревянным: когда в 1444 г. он рухнул, то затем вновь был построен из древесины, а также был встроен механизм, приводящий в движение его центральную часть, что позволяло большим судам свободно проплывать под ним. Но из-за его неустойчивости, мост был вновь переделан в XVI веке Антонио да Понте. В конкурсе на его реконструкцию приняли участие более знаменитые, чем он архитекторы, такие как Микеланджело, Палладио, Сансовино. Постройка была закончена в 1592 году. У моста всего одна арка длиной 28 метров (это самое узкое место Большого канала), его максимальная высота в центре равна 7, 50 м. Две верхних части опираются на 12.000 свай, вбитых в дно канала. 
 

 

Мост Академии

 

Ещё один из трёх мостов через Большой канал. Это тоже одноарковый мост полностью деревянный за исключением его несущих металлических конструкций. До 1930 года на этом месте находился железный мост 19 века, но его заменили на новый мост, так как он не гармонировал с Большим каналом. 

 

Ка' д' Оро ("Золотой дом" ) 

Возможно, самый знаменитый дворец, который возвышается на Большом канале. На протяжении веков сменялись владельцы этого дворца, и, наконец, его владельцем стал барон Джорджо Франкетти, который в 1916 г. принёс его в дар государству вместе с собранием произведений искусства, которое носит его имя. Белый фасад когда-то был покрыт позолотой, от которой и берёт своё название этот дворец. Был построен около 1440 г. для знатного семейства Контарини в византийском стиле, но и со стрельчатыми арками, с ажурными узорами, как-будто подвешенными над водами Большого канала. На первом этаже располагается стрельчатая арочная галерея; на двух верхних этажах две изящные ажурные лоджии. Правая сторона предстаёт более компактной с меньшим количеством пустот, но не менее элегантной. Вверху здание венчают лёгкие кружева. 

 

 Палаццо  Кавалли-Франкетти (итал. Palazzo Cavalli Franchetti) 

Дворец в Венеции, в районе Сан-Марко, на Большом канале, рядом с мостом Академии. Был построен в XV веке архитекторами К. Бойто,  Дж. Манетти. Дворец был реконструирован, фактически полностью перестроен, в 1871—1882 с сохранением форм поздней венецианской готики. 

 

Палаццо Пападополи  

Этот дворец -  классический образец ренессансной архитектуры Венеции XVI в. Его проект приписывается Джакомо деи Гриджи. Следует обратить внимание на карниз, украшенный овальными окнами, и на два обелиска, установленных на крыше. В интерьере дворца сохранились фрески Тьеполо и Пьетро Лонги. 

 

Палаццо Бернардо 

Этот дворец, построенный в 1442 году, представляет собой один из лучших образцов готического стиля  Венеции благодаря тонкой скульптурной декорировке, гармоничности форм и уравновешенности закрытых поверхностей и открытых проемов. В нём жил герцог Милана Франческо Сфорца. 

 

 Дворцы вдоль Большого канала олицетворяют славу и силу Венеции всех эпох – от XII столетия до XX. Перечень архитектурных памятников, которые украшают главную улицу Венеции, столь же длинен, как и сам Большой канал.  

 

 

Палаццо Сальвиати   

 

 

Санта Мария делла Салуте 

В юго-восточном конце Большого канала расположена церковь Санта-Мария делла Салуте., являющаяся грандиозным шедевром Балдассарре Лонгена, который сыграл огромную роль в определении вида Большого канала. В 1630 году Венеция была поражена ужасной чумой, во время которой погибло много населения. И тогда Сенат решил, что если удастся избавиться от эпидемии, то в честь Девы Марии будет построен огромный храм. С чумой удалось справиться и Сенат объявил конкурс на лучший проект церкви. В конкурсе приняли участие самые знаменитые архитекторы. Молодой Балдассарре Лонгена выиграл конкурс и работы были начаты  в 1631 г., но неожиданно пришлось столкнуться с большими трудностями. В первую очередь грунт, не выдержав веса конструкции, начал оседать и Лонгена был вынужден укреплять его, забивая сваи. Но трудности на этом не закончились; когда дошли до возведения центрального купола, оказалось, что стены не готовы выдержать его вес, и тогда молодой архитектор вынужден был прийти к оригинальному решению, т.е. воздвигнуть для поддержания барабана причудливые "улитки".  

 

Проехав церковь, можно увидеть Таможенную стрелку конструкции XVII века, имеющую форму башни, на которой установлен так называемый "шар фортуны". Здесь  облагался налогом товар, доставляемый морем.  

 

Остров Св. Георгия  

 

Сан Джорджо Маджоре 

Церковь св. Георгия является одним из лучших произведений Палладио (1565 - 1580). Она была закончена по его рисункам архитектором Скамоцци (1610). Фасад разделён на три части четырьмя колоннами с коринфскими капителями. В двух нишах между колоннами установлены статуи св. Георгия и св. Стефано, а в крыле - бусты дожей Трибуно Мемо и П. Дзиани работы Джулио дал Моро. В 1791 году Бенедетто Бурати была построена колокольня, вместо рухнувшей в 1773 г. старой колокольни. 

 

Сан Дзакария 

В районе Кастелло находится великолепная церковь Сан Дзакария, которая возвышается на одноимённой площади. Здание восходит к Х веку, но было реконструировано в 1444 - 1465 годах Антонио Гамбелло и Мауро Кодуччи, которые создали и его роскошный фасад - истинный шедевр эпохи венецианского Возрождения. У портала установлена статуя св. Дзаккария работы Алессандро Витториа; внизу, по обе стороны - фигуры пророков. Внутри церкви, в капелле Св. Таразио хранятся три прекрасных полиптиха 15 века работы Виварини. 

 

Всякий раз, когда вокзал минуешь
И на пристань выйдешь, удивляет
Тишина Венеции, пьянеешь,
От морского воздуха каналов.
Эти лодки, барки, маслянистый
Блеск воды, огнями озаренной,
А за нею низкий ряд фасадов
Как бы из слоновой грязной кости,
А над ними синий южный вечер,
Мокрый и ненастный, но налитый
Синевою мягкою, лиловой, -
Радостно все это было видеть!

 Иван Бунин  

 

священник Павел Флоренский писал: “Из всех доказательств бытия Божия самым убедительным, с моей точки зрения, является следующее – РАЗ СУЩЕСТВУЕТ ТРОИЦА РУБЛЕВА, СЛЕДОВАТЕЛЬНО СУЩЕСТВУЕТ БОГ”

ТРОИЦА ВЕТХОЗАВЕТНАЯ

<Троица> - икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублёвым в XV веке, самое знаменитое из его произведений и одна из двух приписываемых его кисти работ (включая фрески во Владимире), чьё авторство, как считают учёные, достоверно принадлежит ему. Является одной из самых прославленных русских икон.

Непосредственное изображение Троицы противоречило бы концепции вечного, непостижимого и триединого Бога: <Бога не видел никто и никогда> (Ин.1:18), поэтому каноническими признаны лишь изображения в символическом виде. Наиболее часто используется сюжет так называемого <гостеприимства Авраама> - явления ему трех ангелов:

И явился ему Господь у дубравы Мамре, когда он сидел при входе в шатер, во время зноя дневного. Он возвел очи свои и взглянул, и вот, три мужа стоят против него. Увидев, он побежал навстречу им от входа в шатер и поклонился до земли, и сказал: Владыка! если я обрел благоволение пред очами Твоими, не пройди мимо раба Твоего; и принесут немного воды, и омоют ноги ваши; и отдохните под сим деревом, а я принесу хлеба, и вы подкрепите сердца ваши; потом пойдите; так как вы идете мимо раба вашего: И взял масла и молока и теленка приготовленного, и поставил перед ними, а сам стоял подле них под деревом. И они ели.
(Быт.18:1-8)


В христианском богословии три ангела символизируют собой ипостаси Бога, которые мыслятся как нераздельные, но и неслиянные - как единосущная Святая Троица.
Гостеприимство Авраама (фреска в катакомбе на виа Латина, Рим, конец IV века)

В ранних изображениях (например в римских катакомбах) изображение предельно исторично, но уже в первых композициях можно отметить подчеркнутую одинаковость гостей Авраама. Изокефальность, равноправность путников показана и одинаковыми одеждами, и одинаковыми позами.

Позже исторический план изображения полностью вытеснен символическим. Три ангела рассматриваются теперь только как символ троичного Божества. Но в состав иконографических композиций продолжают входить Авраам, его жена Сарра, множество мелких второстепенных деталей <приземляют> изображение, возвращая его к историческому событию.

Понимание трёх ангелов как изображения Троицы порождает желание выделить среди них ипостаси, а вывод о возможности или невозможность подобного вычленения порождают два основных вида композиции: изокефальный и неизокефальный. В первом случае ангелы подчёркнуто равны, а композиция предельно статична, во втором один из ангелов (обычно центральный) так или иначе выделен, его нимб может содержать в себе крест, а сам ангел подписывается сокращением ?С ХС (атрибуты Христа). Споры вокруг подобных композиций приводили к появлению даже таких икон, где у каждого ангела были атрибуты Христа.

Кто же изображен на иконе Андрея Рублева??? Этот вопрос занимает многих исследователей, в том числе и известного нам с Вами Лазорева. Подробне об этом в интересной статье Льва Регельсона из цикла: "Пророчества древнерусских икон". Наука и Религия, 1988 г., №10
http://www.sinodipc.ru/page/304/?PHPSESSID=b17b00586448b8f159a53762da0a4979

А меня всегда интересовала несколько другая сторона этого шедевра - живописная.

 

 

Без преувеличения можно сказать, что именно в Древнем Риме мозаичное искусство достигло расцвета и заняло важное место среди других художественных искусств. Римские мастера не открывали мозаику, она была известна в Древней Греции, в Древнем Египте и даже в шумерских городских поселениях. Но именно в Римской империи мозаика стала неким стандартом оформления жилища и общественного здания, именно римляне создали основные техники выкладывания мозаик, которые с незначительными измениями фактически используются и сейчас. Именно благодаря римским мозаикам мы знаем, что история отмеряет столетия и тысячелетия, а мозаичные панно, полы, картины из камня и смальты остаются все такими же яркими, красочными и эффектными.

Мозаика – символ искусства Древнего Рима, хотя зародилась она в эллинских городах-государствах. Эститека Римской империи складывалась во многом из сочетания эллинистических традиций геометрической пропориональности и визуальной сбалансированности произведений искусства и архитектуры с одной стороны, и имперских амбиций, диктующих пафосность, помпезность, роскошество как отражение глобальности римской политики и значимости римской аристократии. Роскошные частные виллы и общественные дворцы требовали интересного и вместе с тем практичного декора, сочетающего красочность и доступность.

Повсеместная распространенность мозаики в античные времена, утраченная в более поздние периоды, связана со сравнительной дешевизной укладки мозаичных панно в обозреваемый исторический период. Древесина Аппенин и Греции не подходила по своим качествам для сколь-либо долговечной отделки (да и мало ее было). Керамика еще только начинала свое развитие. Изготовление плитки из монолитного камня было трудоемким и дорогим ручным процессом, подчас с неизвестным результатом. Времена мегалитических построек и технология их возведения уже ушли в прошлое.

Римская мозаика использует различные материалы, но преимущество отдается мрамору и природным камням. Мозаика - привлекательна и позволяет создавать композиции на самые разные темы и сюжеты. Камень обладает хорошими прочностными характеристиками, водостойкостью и доступностью как материала. Напольные и настенные римские мозаики решали две важные задачи - красоты и функциональности - одинаково хорошо. Мозаичные покрытия Древнего Рима пережили века и даже тысячелетия, сохранив свою красоту, и зачастую оставшись единственным, что сохранилось от постройки вообще.

  Гостеприимство Авраама 5 в Рим Санта-Мария Марджоре

 Предлагаю вашему вниманию статью известного исмкусствоведа Лазарева В.Н.

Лазарев В. Н. История византийской живописи
III. Позднеантичное искусство и истоки христианского спиритуализма (III.4. Римские мозаики)

Обращаясь к памятникам монументальной живописи Италии, следует сразу же подчеркнуть, что наряду с римской школой существовали школы с местными оттенками в Милане и Равенне, которые, как известно, являлись некоторое время столицами распадавшейся Римской империи. Свою школу мозаичистов имел, несомненно, еще один крупный италийский центр — Неаполь. Поэтому было бы легкомысленно истоки всех италийских школ возводить к Риму, как будто он один владел квалифицированными мастерами и как будто в нем одном изготовлялись новые образцы христианского искусства, в дальнейшем якобы становившиеся предметом бесчисленных подражаний. Риму никогда не принадлежало в истории раннехристианского искусства ... подавляюще видное место... Но, с другой стороны, было бы неверно отрицать за Римом вообще какое-либо историческое значение. Долгое время он оставался одной из крупнейших школ позднеантичного искусства, обладавшей старыми, отстоявшимися традициями и своими собственными кадрами мастеров. Поэтому и нет никаких оснований  ... отдавать большинство сохранившихся на его почве мозаик и фресок восточным мастерам. Если в этих памятниках восточные влияния подчас играют значительную роль, то данный факт не может еще служить причиной отнесения их к византийской школе.
По-видимому, Рим был одним из первых городов, который начал широко применять мозаику для украшения не только полов, но и стен, сводов и куполов новых христианских храмов. Мозаика пришла сюда из светских сооружений, где она должна была широко применяться в целях прославления императоров и их военных подвигов. К сожалению, эта позднеантичная светская живопись до нас не дошла, а она была весьма разветвленной, и ее тематика ... оказала сильнейшее воздействие на сложение христианской иконографии. Если культ императора и впитал в себя немало восточных элементов, то своих наиболее зрелых форм выражения он достиг в Риме — на почве столицы мировой империи. И когда новой столицей сделался Константинополь, его придворные круги не могли, естественно, отказаться от римской триумфальной тематики. Здесь вклад Рима в византийское искусство был особенно велик, и эти живые римские отголоски будут еще долго звучать в византийской живописи и скульптуре, где они во многом определили характер всей светской иконографии.
Когда христианство получило официальное государственное признание и вскоре сделалось господствующей религией, ему пришлось  использовать античную триумфальную тематику, поскольку перед победившей христианской церковью стояла задача окружить ореолом величия и блеска Христа — центральный образ всего христианского искусства. Так начали просачиваться в христианскую иконографию элементы триумфальной тематики. По-видимому, Рим был тем городом, где на первом этапе развития данный процесс протекал особенно интенсивно. Свое продолжение он получил в Константинополе с его разветвленным придворным церемониалом. В результате образ Христа-триумфатора, этого нового властителя мира и победителя смерти, стал сближаться с образом императора-триумфатора. Все чаще изображают Христа восседающим на троне. Сцена Передача закона (Traditio legis) трактуется как композиционный вариант сцены посвящения императором чиновника в сан, а Поклонение апостолов Христу и Деисус — как варианты античной сцены поклонения императору. Находящийся между апостолами Христос, символизирующий победу христианской церкви, невольно заставляет вспомнить об изображениях императоров, приветствуемых толпой. Сцена Поклонение волхвов навеяна сценой принесения варварами даров императору. В композиционном строе Входа в Иерусалим много общего с античными триумфальными шествиями императоров. Развившееся из объединения двух эпизодов (Победа над Гадесом и Изведение из ада Адама) Сошествие во ад восходит своими истоками к двум популярным в античном искусстве сюжетам: император, повергающий ниц противника, и император, освобождающий народ, город либо провинцию. Еще явственнее эта связь триумфальной тематики и христианской иконографии выступает в образе Христа, облаченного в доспехи римского воина и поражающего дракона или змия (во дворце Константина находилось изображение императора, поражавшего дракона). Наконец, символизирующий Христа Трон небесный находит себе прямой прототип в излюбленной римлянами эмблеме императорской власти: троне с короной31. Все эти факты ясно показывают, сколь многим христианская иконография была обязана античным сюжетам, которые сложились под воздействием культа обожествляемого монарха.
 

Памятники римской мозаической декорации IV–VI веков характеризуются несколько преувеличенной монументальностью, тягой к тяжелой пластической форме, обычно обладающей довольно четкими очертаниями и энергичной трактовкой лиц, в которой линейные акценты доминируют над живописными.

 

Мозаика. Церковь Санта Костанца. Рим. IV в. общий вид

 

Мозаика. Церковь Санта Костанца. Рим. IV в. 

 

Мозаика. Церковь Санта Костанца. Рим. IV в. фрагмент

Мозаика. Церковь Санта Костанца. Рим. IV в. Фрагмент

 

 

Это мозаики двух боковых апсид в Санта Костанца   (конец IV века), мозаика в Санта Пуденциана, изображающая Христа среди апостолов  , мозаика в Санта Сабина, на которой представлены олицетворения Церкви, уходящей от Синагоги, и Церкви, уходящей от Язычества

 

Санта Сабина 

Санта Сабина

 

Это и сильно реставрированная мозаика в Санти Косьма и Дамиано, оформленная в виде торжественной композиции с Христом в центре и фигурами святых и заказчика по сторонам (526–530).

 

 Санти Косьма и Дамиано

Все эти мозаики, несмотря на то, что они отделены друг от друга довольно значительным промежутком времени, несут на себе какую-то общую печать, позволяющую их рассматривать как типичные произведения римской школы. Совсем особое место занимают мозаики Санта Мария Маджоре, о которых пойдет речь ниже. Их подчеркнуто живописный стиль обнаруживает лишь слабые точки соприкосновения с группой чисто римских мозаик, что заставляет искать истоки этого стиля вне пределов римской школы.

 

 

 

 

Мозаики ц. Санта-Мария-Маджоре вРиме. V в. 

 

 Много свободнее по своим композиционным построениям и по своей живописной трактовке мозаики Милана и Неаполя, несомненно обладавших собственными школами. В двух небольших апсидах, которые находятся в октогоне Сант Аквилино, примыкающем к церкви Сан Лоренцо в Милане, сохранились две мозаики: Поучение Христа апостолам и незначительные фрагменты сцены Взятия Илии на небо (конец IV — начало V века). В атриуме октогона Сант Аквилино открыты фрагменты фигур патриархов и пророков, которые датируются 374–397 годами34. Эти мозаики недвусмысленно говорят о том, что в Милане живопись развивалась в менее жестких рамках, чем в Риме, где она находилась под строгим присмотром церкви. Такое же более свежее впечатление производят и мозаики Неаполя (баптистерий Сан Джованни ин Фонте, конец IV века)35. Хотя иконография некоторых представленных здесь евангельских сцен восходит к сирийским источникам36, стиль еще целиком связан с местными, западными традициями, на что, в частности, указывает декоративное членение купола на восемь трапециевидных отрезков, в которые вставлены небольшие фигурные композиции.

 

 

San Lorenzo Maggiore in Milano. Базилика св Лавренития

 

 

San Lorenzo Maggiore in Milano. Поцелуй Иуды

 

  Миланские и неаполитанские мозаики лишний раз показывают как много локальных оттенков имелось в монументальной живописи Италии уже в IV веке, когда начала складываться своя школа и в Равенне, самые ранние памятники которой до нас не дошли. То, что сохранилось на почве Равенны от живописи V века, обнаруживает большее сходство с памятниками Милана и Неаполя, чем с памятниками Рима. По-видимому, и Милан, и Неаполь, и особенно Равенна были на этом раннем этапе развития более восприимчивы к восточному искусству, нежели Рим, твердо придерживавшийся своей линии.
 

 Мавзолей Галлы Плацидии в Равенне, V век 

5в -Meister_des_Musoleums_der_Galla_Placidia_in_Ravenna_001 

 

5в Святой Лаврентий, идущий на костёр LawrenceRavenna

 

Характерной особенностью мозаик мавзолея Галлы является контраст двух люнетов. Сцена с Добрым пастырем исполнена в духе античной пасторали с намеренной умилительностью образов. Сцена с образом св. Лаврентия демонстрирует рождение нового художественного языка. Композиция ясна, отличается простой симметрией крупных форм. Изображение намеренно выведено на передний план. Начатки обратной перспективы создают иллюзию «опрокидывающегося» на зрителя пространства.

 

Олень, пьющий из источника 5 в Мавзолей Галлы в Плацидии  Deer_(Galla_Placidia_Mausoleum)

 

Голуби  Mausoleums_der_Galla_Placidia_in_Ravenna_

Баптистерий Православных в Равенне, V век

 

Крещение юного Христа, слева - Иордан  Мозаика купола баптистерия в Равенне. Конец 5 века

Мозаичная живопись купола весьма эффектна. Фигуры апостолов показаны в движении. Крупность их шага подчеркивается широко расставленными ногами и изгибом бедер. Иллюзия пространства еще присутствует: поверхность, по которой ступают апостолы, выглядит более светлой, чем таинственный и бездонный синий фон основного изображения. Тяжелые и пышные одежды напоминают великолепие римских патрицианских одеяний. В апостольских хитонах варьируются только два цвета — белый, олицетворяющий свет, и золото — свет небесный.

 

Базилика Санг-Аполлинаре в Равенне. Апсида 6 в

 

 

 

 Мозаики базилики Сант-Аполлинаре Нуово в Равенне. VI в. Фрагменты

  (http://www.icon-art.info/book_contents.php?book_id=29&chap=4&ch_l2=4)

 

 

 

 

 

 

Мозаики из коллекции археологического музея Суса - Гадрумета (Тунис)

Музей в Сусе уступает знаменитому Бардо по количеству представленных мозаик, но если Бардо вобрал в себя мозаики разных времен и мест, то в Сусе собраны в основном мозаики античного Гадрумета.

В центре мозаики - голова медузы Горгоны.
Впечатляющий пример древней оптической иллюзии - и в мозаике!
Если смотреть на голову в центре, возникает эффект затягивания внутрь мозаики.
150-200 гг. н.э.

Раннехристианская мозаика

Раннехристианская мозаика

Времена года. В квадратах мозаики изображены религиозные или светские сцены,
характеризующие каждый месяц. III век н.э.

Времена года. Август

Времена года. Сентябрь

Времена года. Октябрь

Времена года. Ноябрь

Ганимед. Мозаика найдена в конце XIX века в Сусе, в триклиниуме дома в Арсенале.
Размер всей композиции - 9.5 х 7.5 метров. Мифологическая сцена показывает, как Юпитер,
превратившийся в орла, уносит красивого юношу на Олимп. Красная шапочка на голове
у Ганимеда указывает на его происхождение из Фригии (в Малой Азии), а пурпурная накидка -
на знатное происхождение. В восьми медальонах вокруг центральной сцены - различные животные.

Нептун. Мозаика найдена в Сусе в 1904 году. Начало III века н.э.

Афина и Посейдон. Сцена из классической афинской мифологии -
спор о владычестве над Африкой.

Игры. Мозаика из Амфитеатра в Смирате. Изображает различные
моменты игр (скорее сражений с различными дикими животными)
в амфитеатре, надписи поясняют организацию игр.

Скачки. Четыре команды - четыре лошади - четыре цвета. Начало III века н.э.

Театр. Мозаика найдена в Гадрумете в 1962 году. Датируется III веком н.э.
Сюжет представляет актера с маской, вероятно примеряющего ее, и
человека с коробкой свитков - возможно, режиссера или автора пьесы.

 

Музей мозаики в Зугме, Газиантип (Турция)

Музей мозаики в Газиантипе открылся сравнительно недавно, но успел завоевать признание специалистов и посетителей. Город Зугма находился на берегу реки Евфрат, соединявшей Анатолию и Месопотамию, был известен как военная база для легионов Римской империи и один из торговых центров Шелкового пути. В музее собраны образцы римской мозаики от небольших камерных изображений до больших панно.

Ахиллес

Дедал и Икар

Дельфин и Эрос

Океан и Тетис

Персей и Андромеда

Посейдон, Океан, Тетис

Сатир и Антиопа

Цыганочка (Менада)

Фотографии с сайта: http://www.chakmaks.ru/section9.php

 

 

 

Мозаики музея Бардо (Тунис)http://www.russiancity.ru/tunis/tunis2b.htm

Дворец Бардо - загородная резиденция Султанов и беев Туниса на протяжении нескольких веков. В конце XIX века часть помещений была передана под музей, основу коллекции мозаик которого заложило собрание министра Хазандара. Археологические находки полутора столетий значительно расширили коллекцию музея. Сегодня это самый большой в мире музей римской мозаики.

III в. Мозаика Буллы Региа, Музей Бардо в Тунисе. third_century_mosaic

 

 

Венера на колеснице, в которую запряжены купидоны.

 

 

Улисс и Сирены. III век н.э.

Поэт Вергилий сидит на троне между двумя музами:
музой истории Клио и музой трагедии Мельпоменой.
На свитке можно прочитать: " Musa mihi causas
memora quo numine laeso, quidve..." Это строки Энеиды.
Мозаика найдена в Сусе в 1896 году. I (или III) век н.э.

Раннехристианская мозаика. Могильная плита ребенка, которого звали Виктор

Охота

Лев

 

 

Музей Бардо в Тунисе

 

Музей Бардо в Тунисе

 

Музей Бардо в Тунисе

Музей Бардо в Тунисе

 

 

Музей Бардо в Тунисе

 

Музей Бардо в Тунисе

 

 

Музей Бардо в Тунисе  

Фотографии с сайта: http://www.russiancity.ru/tunis/

http://humanities.institute.sfu-kras.ru/foto?cols=3&rootcat=10788&album=823

 

Находки в Израиле 

 

 

 

 

http://www.epochtimes.com.ua/ru/articles/view/2/13402.html

Еще  римские и визаньтийские мозаики

Помпеи.

 

http://www.varvar.ru/arhiv/gallery/mozaika/index.html#3

 

 

 

 

Оберхофен по своей истории, конечно, имеет все права именоваться Замком, но выглядит он совсем совсем не угрожающе и не величественно, а как очень красивая, прямо-таки воздушная бонбоньерка, - и это при отнюдь не малых размерах! - на которую радостно смотреть. Все владельцы Замка в той или иной мере способствовали совершенствованию его архитектуры и убранства, и сегодня он не только является образующим объектом для небольшого, тоже красивого городка (в котором до сих пор менее одной тысячи жителей, наверняка знакомых друг с другом, и в котором, между прочим, квартирует офис Международной федерации лыжного спорта), но и обязательным объектом посещения для всех туристов, отправляющихся в „правильную“ поездку по Швейцарии:



Сам Замок является своего рода форпостом городка Оберхофен: с подплывающего к его пристани или просто идущего мимо по Тунскому озеру корабля издалека видны основной корпус Замка и его башня, непосредственно вдающаяся в озеро:







История Замка начинается в 1130 г., когда лорд Оберхофена основал здесь монастырь, ставший впоследствии центром духовной и экономической жизни Бернского Оберланда.
Монастыри в то время служили как военным, так и духовным целям, и Оберхофен не стал исключением. Однако расположен он был не на озере, а у подножия горы, в 500 метрах от современного Замка. В наши дни на его месте можно увидеть небольшой холм, окруженный рвом и прозванный «Burghalde», а также несколько следов каменных построек.
В то время, как мы уже писали выше, власть в регионе принадлежала герцогам фон Церинген, которые, пытаясь выйти из-под зависимости от бургундских дворян, начали заселять окрестности современного Берна и Оберхофена. Бертольд V основал Берн и укрепил Тун. Он поселил во всех Замках региона своих приближенных; в частности в Оберхофен после смерти последнего лорда (около 1200 г.) был назначен Вальтер фон Эшенбах (Walter von Eschenbach).
Предполагают, что именно под его руководством возник новый замок Оберхофена, уже непосредственно у озера. Главным строением была высокая почти квадратная в плане (11 на 12 метров) и толщиной стен порядка 2 метров башня-донжон. Со временем вокруг башни появились дополнительные строения.
В 1218 г. династия Церинген прекратила свое существование. Её огромные земли унаследовали графы фон Кибурги, однако их власть продержалась лишь до 1264 г., когда их владения - в том числе Оберхофен - были поделены между двумя династическими ветвями Габсбургов: земли к востоку от реки Ааре отошли будущему германскому королю Рудольфу I, к западу — двоюродным братьям Рудольфа из дома Habsburg-Laufenburg.
В сражении при Земпахе (Sempach) 9 июля 1386 г. солдаты Бернского кантона разгромили австрийскую армию Габсбургов и оккупировали сначала Земпах, а потом, к 1397 г., и Оберхофен. Фактически земля была выкуплена семьей Шарнахталь (Scharnachthal). С этого момента в истории замка наступили более или менее мирные времена.
В 1473 г. была освящена новая часовня, которую выстроили на первом этаже в рядом с донжоном. Семья Шарнахталь правила Оберхофеном вплоть до 1590 г. В течение следующих 60 лет Оберхофен принадлежал семье Эрлах (Erlach).
С середины 17-го века Бернский кантон назначает в город Оберхофен своего представителя (бальи), который поселяется в Замке. Под его руководством Замок перестраивают в более удобную дворцовую резиденцию.
Около 1700 г. к устаревшему донжону пристраивают барочное крыло, на первом этаже которого был устроен зал, а также романтичную башенку, выступающую в озеро.
С 1801 г. замок вновь находился в частной собственности. Его владельцем стал Иоганн Петер Кнехтенхофер. Может, и не стоило бы столь подробно говорить об этом человеке, если бы в Замке не присутствовал его достоверный портрет, сделанный за 2 года до его смерти, в 1810 году. Трудно поверить, но человеку на этом портрете всего 48 лет:



В середине XIX века Оберхофен был серьезно перестроен графами фон Пуртале (Pourtalès), чьи предки переехали из швейцарского местечка Нойшатель (Neuchâtel) в Пруссию. Они попытались придать Замку романтичный вид, который можно видеть и по сей день.
В 1840 г. рядом с Замком был разбит прекрасный парк в английском стиле площадью 6 акров. При этом были оставлены в неприкосновенности деревья, некоторые из которых являются ровесниками Замка. В 1926 г., после Первой Мировой войны, Замок приобрел американский юрист из Пенсильвании William Maul Measy, который создал фонд поддержки замка, а в 1954 г. в Оберхофене открылся филиал Музея Берна.
1 января 2009 г. Замок Оберхофен стал независимым музеем. В настоящее время в нем можно увидеть экспозицию, иллюстрирующую быт кантона Берн в период XVI-XIX вв. Здесь имеются: Летний зал в стиле Людовика XVI-го; Зал Шарнахталей; „Императорские комнаты“, в которых находятся предметы мебели из резиденции российской Великой княгини Анны Фёдоровны; Салон в стиле Наполеона III-го, где находятся предметы мебели и искусства, принадлежавшие графам фон Пуртале; Музыкальный салон, меблированный в стиле Бурбонов с роялем 18-го века и великолепным фарфором. Под крышей донжона расположен Курительный салон в турецком стиле. Это уникальнейший шанс увидеть наглядно, как трансформировалось представление о красоте и её стандартах у европейских народов на протяжении нескольких столетий.
Впрочем, пора уже переходить к описанию нашего визита в Замок.
Пристань расположена непосредственно рядом с Замком, и потому уже буквально через минуту после того, как вы покинули палубу корабля и пересекли крохотную площадь Schiffländteplatz, вы оказываетесь перед входной аркой, пробитой в сторожевой стене в 1850-м году:



Первые экспонаты, на которые натыкается посетитель, выглядят, как живые:



Далее можно полюбоваться портретом графини Элен фон Пуртале:



И, наконец, начинается череда залов и салонов. Глаза, честно говоря, разбегаются, и потому мы будем рассказывать не обо всём подряд, а о том, что поразило больше всего.

Во-первых, чудесные деревянные изделия: мебель, стенные панели, детали... Смотрите сами:













Во-вторых, изумительные витражи из коллекции графа Альбера фон Пуртале:











Вот образец оформления салона в стиле Наполеона III-го:



А это — главный элемент музыкального салона, где, видимо, играли в 4 руки Моцарта:



Мы подивились на коллекцию ручных мечей; особенно интересен средний, не правда ли?



Попробовали взглянуть глазами прежних обитателей Замка за окно одной из комнат:



Ну и, наконец, жемчужина экспозиции — Курительный салон «Селамик». Он был построен в 1855 году при графе Альбере фон Пуртале, который некоторое время служил прусским посланником в Константинополе.
В салон надо подниматься по крутой лестнице:



Убранство салона поразило нас стильностью и изысканностью (мы также с удовольствием обнаружили в декоре массу «родных» элементов) — впрочем, судите сами:











В Замке имеется небольшая капелла, освящённая в 1473 году. В наши дни в ней иногда проводятся венчания и крещения. Там мы увидели этого Христа на ослике — скульптура датируется 11-м веком!



Вот почти и всё, что мы можем рассказать о Замке Оберхофен. Осталось только показать фрагмент красивой клумбы, которую можно увидеть на самой первой фотографии:



и вид на Тунское озеро со смотровой площадки:



Последний взгляд на Замок уже перед посадкой на кораблик — до свидания и спасибо!

Софонисба Ангиссола (Ангишола)





Автопортрет.1556 г.
Софонисба Ангиссола (Ангишола) является одной из наиболее известных художниц эпохи Ренессанса, чей творческий успех сподвиг многих женщин профессионально заняться живописью.
Она родилась приблизительно в 1532 году в Кремоне в принадлежащей к высшему аристократическому кругу Генуи семье Амилькара Ангиссолы и Бьянки Понцоне и была старшей из их семерых детей.
Но протяжении четырех поколений семья Ангиссола испытывала сильную привязанность к истории Древнего Карфагена, поэтому Софонисба получила свое имя в честь легендарной дочери знаменитого полководца Гасдрубала. Хорошо, что судьба девочки сложилась намного удачнее ее несчастной тезки.
Мать Софонисбы умерла, когда она была совсем ребенком. Зато Амилькар Ангиссола поощрял детей развивать и совершенствовать свои таланты. Софонисба, а также ее сестры Елена, Лучия, Европа, Минерва и Анна Мария занимались успешно занимались живописью.
 
Анна Мария и Европа бросили рисовать сразу же после замужества. Минерва также решила не связывать свою жизнь с живописью и стала писательницей.
Единственный брат Софонисбы Асдурбал занимался музыкой и латынью, но не рисовал.
А Лучия, в которой видели не менее талантливую художницу, чем ее старшая сестра, умерла в двадцать лет.
Когда Амилькар Ангиссола удостоверился, что его дети получили разностороннее образование, включающее искусство, он направил Софонисбу и Елену обучаться у жившего в Кремоне Бернардино Кампи, уважаемого портретиста и религиозного живописца, принадлежащего к ломбардской школе. К этому периоду относится одна из ее первых серьезных работ – «Бернардино Кампи, рисующий Софонисбу Ангиссола» (ок. 1550).



Когда Кампи переехал в другой город, Софониба около трех лет училась у Бернардино Гатти, а в 1554 году во время поездки в Рим, где она проводила время делая зарисовки различных сценок и людей, девушка познакомилась с Микеланджело. Встреча с этим титаном Возрождения стала огромной честью для Софонисбы. Появилась и возможность чему-либо научиться у такого мастера.
Как-то раз Микеланджело попросил девушку сделать для него плачущего мальчика. Когда она изобразила «Мальчика, укушенного крабом», мастер сразу же признал ее талант. Он показывал Софонисбе свои зарисовки и давал советы в работе на протяжении двух лет. Можно сказать, что она стала его неофициальной ученицей.
Знатное происхождение и хороший достаток семьи обеспечивали Софонисбе достойное существование. Но, так как женщины в то время не допускались к занятиям анатомией, как у художницы у нее возникли определенные ограничения в тематике. К тому же у нее не было возможности с натуры писать большие многофигурные полотна.
Религиозные и исторические картины были ей практически недоступны.
Понимая это, Софонисба стремилась найти свой путь в жанре портрета.



Автопортрет. 1554


Приобретя известность, Софонисба в 1558 году отправилась в Милан, где написала портрет герцога Альбы, который, в свою очередь, рекомендовал ее королю Испании Филиппу II. На следующий год она получила приглашение присоединиться к испанскому двору, и это стало поворотным моментом в ее карьере художницы.
Софонисбе было 27 лет, когда она оставила родную Италию и семью ради столь высокого приглашения. Зимой 1559-1560 года она добралась до Мадрида, чтобы стать художницей и придворной дамоё новой королевы Елизаветы Валуа, третьей жены Филиппа II.



Автопортрет

Софонисба очень быстро добилась расположения и доверия Елизаветы и на протяжении последующих лет написала официальные портреты многих придворных, включая сестру Филиппа Хуану и сына Дона Карлоса. Эти заказы отличались большей требовательностью, чем ранние семейные портреты художницы. Процесс их создания отнимал больше сил и времени, но Софонисба справилась, доказав свое мастерство.
В то же время она очень близко работала с Алонсо Санчесом Коэльо, что привело к сближению живописной манеры. До сих пор в отношении ряда картин возникает вопрос, принадлежат ли они кисти Коэльо или кисти Софонисбы Ангиссола.

В 1570 году Софонисбе Ангиссола было 38 лет, но она оставалась незамужней. После смерти королевы Елизавет Филипп II сам решил устроить судьбу придворной художницы и организовал ее брак с Доном Франциско де Монкада, сыном герцога Патерно, вице-короля Сицилии. Церемония бракосочетания прошла около 1571 года с большой торжественностью и богатыми подарками от короля.
После свадьбы Софонисба и Франциско предприняли небольшое путешествие, навестив ее семью и владения его отца. А в 1578 году они с разрешения короля окончательно оставили Испанию и уехали в Италию. Но через год в Палермо муж Софонисбы умер.
Направляясь домой в Кремон сорокасемилетняя художница познакомилась с Орацио Ломеллино, капитаном судна, на котором она плыла. Между ними возникли чувства, и, несмотря на то, что Орацио был гораздо моложе ее, в январе 1580 года они обвенчались в Пизе.
Их брак оказался долгим и счастливым. Орацио поддерживал жену в ее творчестве и создал для нее все необходимые условия. Они жили в Генуе в большом доме, принадлежавшем его семье, где у Софонисбы были свои апартаменты и мастерская.
Успехи Орации и крупная пенсия, выплачиваемая Софонисбе по распоряжению Филиппа II, сделала их жизнь комфортной и полностью обеспеченной. Софонисба продолжала писать и обратилась к религиозным сюжетам. К сожалению, многие из ее религиозных картин впоследствии были утеряны. К ней в дом приезжали многие художники, чтобы поучиться и просто поговорить об искусстве. В 1623 году Софонисбу навестил Ван Дейк, получивший от нее ряд ценных советов.

Автопортрет. 1610



Софонисба Ангиссола оставалась ведущим портретистом Генуи до тех пор, пока у нее не стало ухудшаться зрение. В 1620 году он создала написала свой последний автопортрет.



Софонисба Ангиссола умерла в 1625 году в Палермо в возрасте 93-х лет.

По материалам САЙТА

 

Заика Оксана Геннадьевна своими чудесными работами погружает нас в мир сказок. Её яркие работы полны тепла и радости, и я просто не могла пройти мимо них. Свои картины художница пишет маслом, акварелью, пастелью.

+10

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Художник Георгий Лапшин

Георгий Лапшин (George Lapchine) Родился в 1885 году в Москве, умер в 1950 в Париже.
Живописец, график, сценограф. Художник «русского зарубежья», представитель «Парижской школы».

[/URL]



 

 

 

В 1900-х годах Георгий Лапшин учился в Строгановском училище. В 1906 году во время пребывания в Париже занимался в Школе Фернана Кормона и Студии Ж. Лермитта, где глубоко воспринял импрессионистическое видение мира. По возвращении в Москву Лапшин стал учредителем общества «Свободное творчество» (1911–1917), участвовал в выставках группы «Независимые» (1910), «Профсоюза художниковживописцев Москвы» (1918), «Товарищества передвижных художественных выставок» (1922).
В 1922 году Лапшин уехал из России, некоторое время жил в Германии и Италии, а в 1924-м поселился в Париже. В качестве сценографа он сотрудничал с «Опера комик» в Париже, Барселонской оперой, Национальным театром Литвы, оформлял представления кабаре «Фоли-Бержер» в Париже и «Сезам» в Монте-Карло. C 1925 года он регулярно выставлялся на Салоне «Независимых». С 1929 года состоял в Обществе независимых художников, с 1931-го в Обществе французских художников. В 1926 году выступил режиссёром постановки «Сказание о невидимом граде Китеже» на сцене Королевской оперы Ковент-Гарден.
Произведения Георгия Лапшина находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее изобразительных искусств республики Татарстан в Казани, а также в других музеях и многочисленных частных коллекциях.

 
 Рождественские картинки от художника-дизайнера Stewart Sherwood.

 

 

 

 

 

 

<b>Зимние картинки от дизайнера Черльза Висоцки</b>

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Чарльз Высоцки (Charles Wysocki) родился в 1928 в г. Детройт, штат Мичиган. С младенчества он хотел стать художником. Его отец Шарль - иммигрант из Польши, который проработал на конвейере Ford Motor Co. более 35 лет был не в восторге от желания сына рисовать. Значительно больше понимания он нашел у своей матери Марии. Она полностью поддержала его художественные стремления. Чарльз учился в Cass Technical High School отдавая предпочтение их программе искусств. Временами он подрабатывал подмастерьем в арт-студиях Детройта, где однажды его заметили.

В 1950 году во время корейской войны Чарльз был призван в армию. Он должен был быть направлен в Корею, однако судьба решила иначе, перед отъездом ему был предоставлен отпуск, чтобы он мог навестить своего брата Гарри, который был очень болен. После того как он вернулся, для отъезда в свое подразделение ему сказали: "Вы отправляетесь в Германию." Чарльз находился в Ханау, Западной Германии в 1951-1952 годах. Отслужив два года в армии он решил сменить винтовку на кисть.

После ухода из армии, Чарльз пошел учиться Art Center в Лос-Анджелесе (сейчас в Пасадене). После окончания учебы по специальности "Дизайн и реклама" Чарльз был зачислен в штат независимых художников McNamera Brothers в Детройте в 1955. В течение всего этого времени он жил в доме со своими родителями. В 1959 году Чарльз переехал в Лос-Анджелес. Там он создал рекламное агентство вместе с тремя другими художниками("Group West”) оно слало весьма прибыльным и принесло известность его работам. В числе его клиентов были General Tire, Unocal, Carnation, Chrysler, United California Bank, Otis elevator company, and Dow Chemical Co. и многие другие. За это время Чарльз завоевал множество наград за свои работы в рекламе. Потом он познакомился со своей будущей женой, именно она разбудила в нем художника, который, казалось, был давно похоронен в нем.
Со своей женой он познакомился в рекламном агентстве в Лос-Анджелесе. Элизабет, только что окончившая UCLA в качестве искусствоведа, работала на этом рекламном агентстве. Именно там она услышала о перспективном иллюстраторе , который сделал несколько проектов для них. Ну, а когда они встретились, это была любовь с первого взгляда. Семья Элизабет жила в долине Сан-Фернандо.Чарльз просто влюбился в простую жизнь на ферме. Это стало поворотным пунктом для Чарльза. С этого начался первобытный стиль который мы все знаем и любим в его работах. Чарльз и Элизабет поженились спустя три месяца после первой встречи, в июле 1960 года. Они вместе посетили Восточном побережье. Прошлись по антикварным магазинам, посетили Nantucket, Martha’s Vineyard, Cape Cod, Boston, Vermont, New Hampshire, and Maine. В это время коммерческое искусство становится гораздо менее интересно для Чарльза.

В начале 60-х Чарльз зарабатывал огромные деньги как коммерческий художник, но его сердце было отдано простому стилю. Ночью и по выходным, он работал над своими картинами. После смерти отца он продал на аукционе множество картину в этом стиле, Чарльз решил оставить коммерческое искусство и просто сосредоточиться на своем первозданном искусстве. На протяжении большей части 60-х годов он прекрасно жил за счет продажи картин. Чарльз также опубликовал поздравительные открытки через Duncan Macintosh и плакаты через The Bernard Picture Company. За это время у него родилось трое детей - Дэвид родился в 1965 году, Миллисент в 1967 году, Мэттью в 1969 году. Кроме того, в это время они переехали из Лос-Анджелеса в Lake
Arrowhead.

В 1972 году  Чарльз начал свою работу с AMCAL. Вместе они опубликовали его работы в календаре. Он был в производстве до сих пор. AMCAL печатает его изображения на различных продуктах на протяжении почти 30 лет. Среди них пазлы, коллекционные тарелки, подставки, подносы, банки для попкорна, открытки, скульптуры, магниты, обои, покрывала, кружки, фоторамки, марки и футболки и еще на огромное колличество вещей. Затем в 1979 году, Чарльз опубликовал свое первое печатное издание ограниченным тиражом "Fox Run " вместе с The Greenwich Workshop. С тех пор его работы не перестают появляться в печати во множестве образов. Чарльз путешествовал по стране и проводил семинары в галереях по всей Америке. Он выиграл множество наград за свои работы. Чарльз также опубликовала две книги - "An American Celebration” в 1985 году и "Heartland” в 1993 году.

В 1993 году Чарльз пошел работать на двух разных издателей (AMCAL и The Greenwich Workshop) это было сложнее чем сотрудничать лишь с одной AMCAL. Его график был очень напряженным, и сроки слишком сжатыми для того чтобы по-настоящему наслаждаться процессом рисования. Чарльз работал по 15 часов в день шесть дней в неделю, в один из дней он решил : "Хватит!" Он опубликовал все свои работы через AMCAL, включая ограниченные печатные издания в 1994-1999. В течение этого пятилетнего периода Чарльз создал своих самых известных котов - (Мабель, Мэгги, Макс и Элмер и Лоретта) и многое-многое другое. Кроме того, за это время, что он открыл свою собственную галерею в своем родном городе Lake Arrowhead. После 1999 года Чарльз писал по несколько картин в год исключительно в свое удовольствие.

Чарльз Высоцки рисовал всю свою жизнь, до самой смерти в возрасте 73 лет. Он умер 29 июля 2002 окружении семьи.

МУЗЕИ И ГАЛЕРЕИ РОССИИ, имеющие наиболее полные коллекции русской и советской живописи
(сайты таких музеев хорошо использовать только для общей информации: разрешение картин там минимальное, представлена лишь малая часть коллекции, но можно к ним обратиться для быстрого поиска картины, посмотреть расписание выставок и т.д.)

Государственная Третьяковская галерея: http://www.tretyakovgallery.ru/russian/

Государственный Музей Изобразительных Искусств им.Пушкина: www.museum.ru/gmii

Государственный Эрмитаж:http://www.hermitagemuseum.org/

Государственный Русский музей: http://rusmuseum.peterlinkweb.ru/



САЙТЫ, ПОСВЯЩЕННЫЕ РУССКОЙ И СОВЕТСКОЙ ЖИВОПИСИ:


Энциклопедия русской живописи: http://www.artsait.ru/

Russian Art: http://www.auburn.edu/forlang/russian/art/index.php

Галереи работ Айвазовского, Брюллова, Васнецова, Врубеля, Перова, Репина, Тропинина: http://www.taralex.da.ru/

Русские и советские художники на сайте "Энциклопедия искусств": http://www.artprojekt.ru/Art2.html

ЖЖ издательства "Белый город": http://lj.rossia.org/userinfo.bml?user=bely_gorod
(к сожалениею, блог уже год заброшен - я сейчас зашла, посмотрела: многие иллюстрации не открываются, но, тем не менее, в блоге есть интересные публикации и нормальные репродукции)

Русские художники на сайте Elibron.com: http://www.elibron.com/russian/arts...2&data_id=1

Русские и советские художники на сайте Olga's Gallery: http://www.abcgallery.com/

Русские художники на сайте Старатель.com: http://staratel.com/pictures/ruspaint/main.htm

Русская живопись на сайте Библиотекарь.ру: http://bibliotekar.ru/index.htm
(интересные справочные материалы по истории русского искусства в целом: иконопись, живопись, народные промыслы и др. На полноту не претендует, но как небольшой справочник - в самый раз)

Русская жанровая живопись: http://www.janrovaya.ru/

Интересный сайт, посвященный русской, советской и современной российской живописи(на английском): http://www.russianpaintings.net/
(картины с маркировкой)

Живопись России XVIII-XXвв.:http://www.sttp.ru/
(разрешение картин маленькое, но есть интересные исторические подробности, касающиеся как картин, так и их создателей.)

Самые известные русские художники в галерее, посвященной русской живописи: http://www.artvek.ru/rus.html

Русские художники, русская живопись на сайте искусств "Планета Small Bay": http://smallbay.ru/rusart.html

Знаменитые русские художники в длинном перечне звезд мировой живописи (на английском): http://www.museumsyndicate.com/artistlist.php

Русские и советские художники на сайте "Изобразительное искусство и фотография": http://art.rin.ru/cgi-bin/index.pl?...rk=4&wr=115

Русские художники на сайте "Master Works Art Gallerys": http://www.masterworksartgallery.com/index.htm

Музей Изобразительных искусств online.ru: http://www.museum-online.ru/

Русская история в зеркале изобразительного искусства: http://www.sgu.ru/rus_hist/

Русские и советские художники на Российском общеобразовательном портале: http://artclassic.edu.ru/

Одна из моих любимых галерей - пользуюсь сайтом как справочником:
MOVEMENTS IN RUSSIAN ART (1900 - 1950s): http://russianavantgard.com/
(галерея, посвященная русской авангардной живописи. Качество репродукций не всегда хорошее, но для справочника, который все время под рукой - отличный ресурс)

Ленинградская школа живописи (1930-1990): http://www.leningradschool.com/index_r.html

Русские и советские художники: http://www.russianartgallery.org/

Знаменитые галереи фонда Александра Петрова: http://sovietart.narod.ru/gallery.htm
(много раз говорила, что, к сожалению, при великолепном собрании репродукций, качество иллюстраций просто ужасное)

Галерея "100 советских художников" на сайте "Советский музей": http://100.sovietmuseum.ru/

Советский сайт. Советское искусство. Картинная галерея: http://sovietsite.narod.ru/art/sovietart.htm



САЙТЫ, ПОСВЯЩЕННЫЕ ТВОРЧЕСТВУ РУССКИХ И СОВЕТСКИХ ХУДОЖНИКОВ:


Русские художники-передвижники: http://tphv.ru/

Художники Армении (Иван Айвазовский, Мартирос Сарьян и др.): http://www.armsite.com/painters/

Иван Айвазовский - http://aivazovski.ru/
(на сайте представлены картины в хорошем разрешении, правда, с маркировкой, но она сделана в виде фамилии художника и не сильно портит общий вид картин)
Еще один сайт о жизни и творчестве: http://www.see-art.ru/
http://www.ik-aivazovskii.ru/ и еще:http://ivan.evart.ru/jivopis/krym

Владимир Лукич Боровиковский: http://www.ik-aivazovskii.ru/
(репродукции с маркировкой в виде фамилии художника)

Алексей Венецианов: http://venecianov.ru/

Карл Брюллов: http://bryullov.ru/
еще один сайт: http://www.brullov.ru/
сайт (на английском) с картинами художника в хорошем разрешении: http://www.russianpaintings.net/doc.vphp?id=466

Илья Ефимович Репин: http://ilya-repin.ru/
http://www.ie-repin.ru/ и еще один сайт: http://ilyarepin.ru/

Иван Иванович Шишкин: http://www.ivanshishkin.ru/

Исаак Ильич Левитан: http://isaak-levitan.ru/ и еще один сайт: http://isaaclevitan.ru/

Алексей Кондратьевич Саврасов: http://alexey-savrasov.ru/ и еще один сайт: http://alexeysavrasov.ru/

Архип Иванович Куинджи: http://kuinji.ru/ и еще один сайт: http://kuinje.ru/

Виктор Михайлович Васнецов: http://www.vm-vasnecov.ru/

Михаил Врубель: http://vrubel-world.ru/ и еще один сайт: http://www.wroubel.ru/

Василий Верещагин: http://veresh.ru/

Василий Поленов: http://www.vasily-polenov.ru/

Валентин Серов: http://vserov.ru/ и еще один сайт: http://valentinserov.ru/

Константин Коровин: http://kkorovin.ru/

Борис Михайлович Кустодиев: http://kustodiev-art.ru/

Василий Суриков: http://artsurikov.ru/

Михаил Нестеров: http://art-nesterov.ru/

В.Э. Борисов-Мусатов - "Мир Мусатова": http://www.sgu.ru/ogis/newsrad/musatov/v_g_b-m.html

Николай Рерих: http://roerih.ru/
Н.Рерих, жизнь и творчество: http://www.russianresources.lt/arch...h/Roerih_0.html
http://www.lomonosov.org/aspects222.html
Виртуальный музей Н.Рериха:http://www.roerich.ru/main.php?l=rus
http://www.smr.ru/centre/win/artists/nkr/biogr_nkr.htm

Василий Кандинский: http://www.wassilykandinsky.ru/

Александр Головин: http://alexandrgolovin.ru/gallery/

Казимир Малевич: http://kazimirmalevich.ru/
http://www.if-art.com/pgallery/per/kmalevich/1.html
(на сайте представлены картины, которые открываются в неплохом разрешении)

Марк Шагал - жизнь и творчество, коллекция работ: http://www.benzion.ru/main.php?topi...mp;page=chagall
и еще один сайт (очень простой): http://www.shagal.org.ru/index.html

Зинаида Серебрякова-страничка, посвященная художнице: http://kharkov.vbelous.net/famous/fam-art/serebr.htm
другой вариант оформления на отдельном сайте:http://www.serebryakova.org.ru/index2.html
(сайт совсем крошечный, абсолютно любительский, но пока не работает Арт-каталог, его можно иметь в виду, если надо быстро найти какую-то общую информацию о художнице)

Иван Билибин, иллюстрации на сайте skazka.com.ru: http://www.skazka.com.ru/gallery/bilibin/bilibin.html

Александр Дейнека: http://www.deineka.ru/

Павел Корин, художник и время: http://korin.webzone.ru/index.htm

Александр Герасимов: http://www.tstu.ru/win/kultur/museu...sim/gerasim.htm

Петр Кончаловский, фонд художника: http://www.pkonchalovsky.com/a_found.html

 

Падение Польши. 1866

 

 

Люблинская уния. 1869 (в 1569 году согласно этой унии Литва и польша объединились)

 

 

 

Стефан Баторий под Псковом. 1872

 

 

Грюнвальдская битва. 1879

 

 

Смерть Зигмунта Августа в Книшне. 1886 (Сигизмунд Август - польский король в 16 веке. Сын итальянки Бона Сфорца)

 

 

Костюшко под Рацлавицами. 1888 (Костюшко -национальный герой польского восстания в 1794 году. под Рацлавицами им был разгромлен отряд русских под командованием Тормасова)

 

 

Коронация первого короля в 1001 году. 1889

 

 

Принятие христианства в 965 году. 1889

В Москве скончался знаменитый актер Владислав Галкин. Как сообщает интернет-издание Life.ru, 38-летний артист, полюбившийся миллионам зрителей, умер сегодня около 14 часов дня в своей квартире в центре Москвы.

По словам медиков, причиной смерти явилась острая сердечно-сосудистая недостаточность. По предварительной версии, никакого криминала в смерти звезды нет, но для проверки всех обстоятельств на место выехала оперативно-следственная бригада во главе начальником МУРа.

Официально эта информация пока не подтверждена.



Подробнее: http://news.mail.ru/society/3444335
Владислав Галкин родился в Москве 25 декабря 1971 года, в семье достаточно известного актера и режиссера Бориса Галкина, создателя таких картин, как «Игра» (1994) и «Мужской талисман» (1995).
Не без помощи своего отца в кино дебютировал уже в возрасте девяти лет, с ролью Геккльберри Финна в картине «Приключения Тома Сойера и Геккльберри Финна» (1981). Впрочем, особо напрягаться во время съемок этой картины Владиславу не пришлось. Для того чтобы сыграть хулиганистого, обаятельного и самостоятельного мальчишку ему было достаточно оставаться самим собой. Гораздо более серьезной и сложно с профессиональной точки зрения оказалась главная роль в картине для детей «Этот негодяй Сидоров» (1983). Несмотря на сложность тринадцатилетний Галкин справился с ролью на отлично, проявив при этом недюжинное актерское мастерство.
До того как поступить на курсы Альберта Гурова в Театральное училище им. Б.В.Щукина, Владислав успел сняться в нескольких весьма успешных картинах, таких как «Золотая цепь» (1986) и «На своей земле» (1987). Спустя два года после окончания училища в 1992-м, продолжил обучение в мастерской В. Хотиненко, поступив на режиссерский факультет ВГИКа.
2 октября 1998 года женился на русской актрисе Дарье Михайловой («Пятый ангел» (сериал) (2003), «Поцелуй не для прессы» (2008)). Это четвертый брак актера, называющего его, своим «первым настоящим», и разумеется последним.
Одну из лучших своих ролей в кино, роль лейтенанта Таманцева, Владислав сыграл в военном триллере Михаила Пташука «В августе 44-го» (2001), вскоре после окончания ВГИКа. Однако по-настоящему народным артистом его сделала одна из главных ролей в телевизионном сериале «Дальнобойщики» (2000-2008), который принес огромную популярность и ему, и его напарнику по съемкам в картине Владимиру Гостюхину. Кстати сказать, в одном из эпизодов, этапного для актера сериала снялась и его жена Дарья.
В числе наиболее успешных проектов с участием актера, вышедших на экраны за последние восемь лет: «Спецназ» (сериал) (2002), «По ту сторону волков» (сериал) (2002), «Участок» (сериал) (2003), «Диверсант» (сериал) (2004), «72 метра» (2004), «Мастер и Маргарита» (сериал) (2005), «Гибель Империи» (сериал) (2005), «Дикари» (2006).
Продолжает активно работать в качестве теле- и киноактера.

Художник Gregory Thielker

Живопись маслом художника Gregory Thielker переносит нас на переднее сидение автомобиля, в лобовое стекло которого мы смотрим прямо сейчас. Меняются трассы, пейзажи за окном, но дождливая погода и средство передвижения остается прежним.



In-between



Cambridge Street



Above and below



Cash Only


Arlington Street


Vortex



Division



Clearing ahead



Inhale



Mass Pike Toll



McGrath Highway


Coming to a complete stop


[/URL]
Route


Through the looking-glass



Low Road



Under Mountain Road



Whisper



Trace


Suspension

Грегори Тилкер родился в Нью-Джерси в 1979 году, жил и работал в Уотертауне, Массачусетс. Изучал историю искусств в колледже Уильямса, а также живопись в Вашингтонском университете в Сент-Луисе. Переезд в Бостон стал для него важным изменением, позволившим художнику сосредоточиться на изображении городских пейзажей.
http://www.kulturologia.ru/blogs/160809/11400/

http://affinity4you.ru

http://www.gregorythielker.com/index.html]Gregory Thielker

В колонках играет - Виктор Васнецов

Часто мы встречаем в сети репродукции одной и той же картины, но различной цветовой тональности. Если сразу отбросить мысль о том, что эту картину написал Энди Уорхел, то в голову приходить другая, более простая , мысль: происки неумелых пользователей, пытающихся "улучшить" шедевры великих авторов. Задалась и я таким вопросом, столкнувшись с подобной проблемой при выфборе более достойной репродукции росписи Виктора Васнецова во Владимирском соборе Киева "Крещение Руси". Естественно, возник вопрос: "Почему такие разные?" Что-то мешало мне поверить и в первое (улыбаюсь, шутка), и во второе (вполне серьезно).
Пришлось проовести небольшое расследование, которое и выяснило, что они разные, потому что РАЗНЫЕ!

Крещение Руси
Подготовительная композиция росписи Владимирского собора в Киеве
1885-1896, холст, масло,
Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Крещение Руси. Эскиз росписи для Владимирского собора в Киеве. 1890. Акварель, гуашь

Во время поисков обн6аружила и третий вариант. Увидеть разницу можно приглядевшись к положению большого пальца реки Крестителя, лежащей на голове окрещиваемого в нижнем правом углу картины.

А это сама роспись во Владимирском соборе:

Как видите, вообще в зеркальном отображении. Хотя, возможно, и это фокус обработки каким-нибудь "фокусником"...
Ссылка на сайт Владимирского собора http://www.vlsobor.com/painting_16.html

Фото с сайта:

 

15 февраля в США праздновали "День президентов"
День президентов в США отмечается в третий понедельник февраля (в первый понедельник после дня рождения А.Линкольна (12 февраля) и перед днем рождения Дж.Вашингтона (22 февраля), которые считаются отцами-основателями нации. Корни сегодняшнего Дня президентов США тянутся еще к февралю 1782 года, когда город Ричмонд, штат Вирджиния, провел первое публичное празднование дня рождения Джорджа Вашингтона, первого президента Соединенных Штатов Америки, родившегося 22 февраля 1732 года. К началу XIX века этот день стал настоящим национальным праздником, который был известен проведением роскошных балов, на которых видные общественные деятели произносили свои речи. Простые американцы в это время пировали в шумных тавернах. В 1885 году 22 февраля было объявлено общенациональным праздником в честь дня рождения Джорджа Вашингтона. В 1971 году вступил в действие законодательный акт Конгресса, целью которого было упрощение пестрого календаря федеральных праздников США. Празднование некоторых из них было сдвинуто на понедельник. Под действие этого закона попал и день рождения Вашингтона, который стал официально отмечаться в третий понедельник февраля. Но в далеком 1860 году к власти пришел еще один великий американец - Авраам Линкольн, объединивший воюющие в гражданской войне южные и северные штаты страны и отменивший рабство. Его день рождения - 12 февраля - впервые отметили в 1865 году, когда обе палаты Конгресса собрались для того, чтобы почтить его память. И хотя этот день не был объявлен общенациональным праздником, он до сих пор отмечается американцами во многих штатах. Президент Никсон в 1971 году подал идею переименовать день рождения Вашингтона в День президентов, предлагая чтить не одного лишь Вашингтона (как по закону) или же Линкольна (по сложившейся традиции некоторых штатов), а и остальных, кто служил своей стране на посту президента США. И хотя это предложение не переросло в закон, оно глубоко укоренилось в общественном сознании. Таким образом, третий понедельник февраля, официально остающийся днем рождения Джорджа Вашингтона, многие отмечают как День всех президентов США. Работники государственных учреждений в этот день отдыхают. Для магазинов же и супермаркетов - это лишь очередной повод воспользоваться трехдневным выходным и устроить распродажи зимних моделей, вплетая в рекламу легенды о президентах разных времен.

Джордж Вашингтон (1789-1797)



Авраам Линкольн



Авраам Линкольн 1861-1865

Адольф Борн
 

Графика Адольфа Борна.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

А Это - марка Борна:

 

 

А Это он сам:

 

 

Портрет Борна (автор В. Забрангский)

А это - статьи о чешском художнике Адольфе Борне.

Адольф Борн - автор самой красивой марки мира

 Михал Лаштовичка
Почтовая марка - это особый вид изобразительного искусства. На первый взгляд оно кажется почти незаметным, но необходимо учитывать, что в контакт с ним входит каждый, кто хочет послать письмо по почте. С этой точки зрения оно является самым массовым видом искусства. Что нового в искусстве чешской почтовой марки? Тему продолжает Михал Лаштовичка.
  Первая чешская почтовая марка 3 тысячелетия Уже много десятков лет в Чехии популярен график, карикатурист, и иллюстратор Адольф Борн. Самую широкую популярность он приобрел в качестве автора мультипликационных фильмов. Выставка его эскизов почтовых марок, которая во вторник открылась в пражском музее почтовой марки, для многих его поклонников стала сюрпризом. Дело в том, что до 1992-го года Адольф Борн марками не занимался. Не смотря на то, что до сих пор Борн создал всего лишь восемь эскизов, на поле искусства почтовой марки он уже успел приобрести большой успех. Его марка, изданная в честь 740-ой годовщины рождения известного путешественника Марко Пола, в 1994-м году была представлена на международном конкурсе в Италии и получила премию «самой красивой марки мира». Интересен также тот факт, что Адольф Борн оформил последнюю чешскую марку прошлого тысячелетия и одновременно первую чешскую марку тысячелетия нового. Мы попросили господина Борна рассказать о его отношении к русской культуре: 

  - Я иллюстрировал, „Мертвые души" Гоголя, „Рассказы из одного и другого кармана" Карла Чапека для российского издания. Это была очень красивая книжка, которую тогда издало книгоиздательство „Мир советов". Кроме того, я очень люблю русские фильмы. Андрея Тарковского я считаю лучшим режиссером, который когда жил на этой планете. Обожаю писателя Зощенко. Его творчество мне очень напоминает творчество чешского писателя Грабала, или творчество моего коллеги, писателя Милоша Мацоурка, с которым мы вместе снимали мультипликационные фильмы.

 http://www.radio.cz/ru/statja/3663

 

 

 

 Люди и звери пана Адольфа
 http://www.chas-daily.com/win/2006/07/11/g_025.html?r=33&



Родился Адольф Борн в деревне Чешске Веленице в семье железнодорожника 12 июня 1930 года. Ныне уже почти восьмидесятилетний почтенный господин называет себя одним из последних монархистов и больше всего на свете ценит юмор. Ностальгию по временам Австро-Венгерской империи, в которую до 1918 года входили и чешские земли, он почерпнул еще в детстве, когда рассматривал старые карты в доме своего деда. Эпоха императора Франца Иосифа, в которую Адольф Борн никогда не жил, вызывает у него особое уважение, так как люди тогда, по словам художника, отличались высокой моралью: «Старики пользовались уважением, договоры заключались не подписью на бумаге, а рукопожатием, и ни один вор не позволил бы себе совершить кражу в костеле». Любовь к «былым временам» Адольф Борн подчеркивает и своим внешним видом, уважаемый всеми художник носит пышные усы, и творчеством. Для большинства карикатур, иллюстраций и графических работ художника характерна историческая атмосфера.

«Потому что современность на меня наводит скуку своей поверхностностью. Я считаю, что самой идеальной эпохой было время правления нашего императора Франца Иосифа. Монархия для меня самое лучшее решение для всех времен и народов. Этим мировоззрением и продиктовано все мое творчество. То, что человек живет в современном мире, можно воспринимать, как необходимое зло, но совсем не обязательно быть от этого в восторге», - заявил Адольф Борн в интервью, предоставленном Радио Прага в день открытия его декабрьской выставки 2009 года.

Решение о том, чем он будет заниматься в жизни, Адольф Борн принял рано, в пятнадцатилетнем возрасте его очаровали работы Людека Марольда и Зденека Буриана. Профессиональную школу Адольф Борн прошел у карикатуриста и иллюстратора Антонина Пелца в художественно-промышленном институте и в Академии художеств. После окончания обучения в 1955 году вместе со своим сокурсником Олдржихом Елинеком Адольф Борн открыл собственную студию и начал сотрудничество с различными издательствами. А в 1959 году в галерее «Фронта» прошла его первая выставка.

В 60-х и 70-х годах прошлого века Адольф Борн стал признанным карикатуристом, увенчанным многими международными призами, в том числе и Гран-при международной выставки карикатуры в Монреале. Но, несмотря на столь шумный успех, карикатура в его творчестве постепенно перешла на второй план, уступив место графике и книжным иллюстрациям. Работы Адольфа Борна можно отличить по особому стилю изображения острохарактерных персонажей, необыкновенных животных, ярмарочных шутов, элегантных господ в высоких цилиндрах по моде 19 столетия, дам с высокими прическами и глубокими декольте, заморских пейзажей, насыщенных неизменным юмором.

«Большинство народов находит точки соприкосновения в области юмора, хотя каждый из них отличается собственным типом юмора. Но абсолютно все юмор воспринимают очень хорошо, независимо от того, испанцы это, голландцы или турки. Точно также как сегодня молодые люди изучают английский язык, и юмор относится к средству общения между народами и государствами».

В шестидесятых годах Адольф Борн также начал плодотворное сотрудничество с кинорежиссерами и создателями мультипликационных фильмов. В 1963 году он принял участие в создании фильма Вацлава Бедржиха «Когда я стану большим» и картины Ладислава Рыхмана «Шесть черных девчонок или почему исчез Заяц». В семидесятых годах с его участием были созданы легендарные «Приключения Маха и Шебестовой» по сценарию его друга Милоша Мацоурека, в восьмидесятых «Приключения обезьянки Жофки». Те времена Адольф Борн считает самыми звездными.

 

 

Борн. Шебестова и Мах

«Во времена, когда студией анимационного фильма руководил Йиржи Трнка, это было в начале 60-х годов, это был «золотой век» чешской мультипликации. К Йиржи Трнке и с ним сотрудничавшим художникам приезжали мультипликаторы, например, из Франции и Испании учиться. Йиржи Трнка отличался весьма культивированным изобразительным стилем. Мы, молодые, тогда у него тоже постепенно учились и стремились продолжать традицию. Я еще не считал, сколько фильмов мне посчастливилось сделать, но уж точно их будет порядка пятидесяти».

Современная же мультипликация Адольфа Борна уже не увлекает.

«Уже нет. Дело в том, что очень сильно изменилась технология. Сегодня используется множество чисто технических средств. Раньше рукодельная работа мультипликаторов отличалась абсолютным совершенством. А когда я сегодня смотрю детские анимационные фильмы, созданием которых в свое время занимались и мы, мне кажется, что все очень тупоумно. Культивированный вид юмора, а соответственно и юмор в детских мультфильмах, похоронили американцы и японцы. За все время они не были способны создать единого фильма, который бы отличался увлекательным повествованием. Все ограничивается тем, что герой падает, разбивается как блин, второй ему обязательно даст кулаком в нос, первый упадет, потом грохнется второй, а потом оба встанут и все начинается сначала. Таковы американские мультфильмы для детей. Фильмы же Йиржи Трнки всегда начинались с замысла, прекрасно придуманной истории. Поэтому я и говорю, что сегодняшние времена вообще не стоят обсуждения».

В девяностых годах Адольф Борн удивил своих друзей и поклонников новым видом творчества, созданием почтовых марок. Его марка в честь 740 годовщины со дня рождения путешественника Марко Поло, представленная в 1994 году на международном конкурсе в Италии, получила приз как «самая красивая марка мира».

Сегодня маститый художник, главным образом, занимается иллюстрированием книг.

«К числу самых любимых у меня принадлежат «Робинон Крузо», рассказы Эдгара По, сказки братьев Гримм, басни Лафонтена. Я иллюстрировал множество книг, более трехсот, но к числу любимых можно отнести 10-15 названий».

 Адольф Борн: Юмор – средство общения народов Уже более тридцати лет одним из самых любимых мультфильмов у чешских детей является сериал о приключениях двух учеников из «3Б», рыжеволосой Шебестовой и ее приятеля очкарика Маха. Изобретательные шалуны, получившие в подарок от незнакомца волшебную телефонную трубку, появились на свет благодаря фантазии сценариста и режиссера Милоша Мацоурека и художника Адольфа Борна, которому мы и посвятили нашу сегодняшнюю рубрику.

Родился Адольф Борн в деревне Чешске Веленице в семье железнодорожника 12 июня 1930 года. Ныне уже почти восьмидесятилетний почтенный господин называет себя одним из последних монархистов и больше всего на свете ценит юмор. Ностальгию по временам Австро-Венгерской империи, в которую до 1918 года входили и чешские земли, он почерпнул еще в детстве, когда рассматривал старые карты в доме своего деда. Эпоха императора Франца Иосифа, в которую Адольф Борн никогда не жил, вызывает у него особое уважение, так как люди тогда, по словам художника, отличались высокой моралью: «Старики пользовались уважением, договоры заключались не подписью на бумаге, а рукопожатием, и ни один вор не позволил бы себе совершить кражу в костеле». Любовь к «былым временам» Адольф Борн подчеркивает и своим внешним видом, уважаемый всеми художник носит пышные усы, и творчеством. Для большинства карикатур, иллюстраций и графических работ художника характерна историческая атмосфера.

«Потому что современность на меня наводит скуку своей поверхностностью. Я считаю, что самой идеальной эпохой было время правления нашего императора Франца Иосифа. Монархия для меня самое лучшее решение для всех времен и народов. Этим мировоззрением и продиктовано все мое творчество. То, что человек живет в современном мире, можно воспринимать, как необходимое зло, но совсем не обязательно быть от этого в восторге», - заявил Адольф Борн в интервью, предоставленном Радио Прага в день открытия его декабрьской выставки 2009 года.

Решение о том, чем он будет заниматься в жизни, Адольф Борн принял рано, в пятнадцатилетнем возрасте его очаровали работы Людека Марольда и Зденека Буриана. Профессиональную школу Адольф Борн прошел у карикатуриста и иллюстратора Антонина Пелца в художественно-промышленном институте и в Академии художеств. После окончания обучения в 1955 году вместе со своим сокурсником Олдржихом Елинеком Адольф Борн открыл собственную студию и начал сотрудничество с различными издательствами. А в 1959 году в галерее «Фронта» прошла его первая выставка.

В 60-х и 70-х годах прошлого века Адольф Борн стал признанным карикатуристом, увенчанным многими международными призами, в том числе и Гран-при международной выставки карикатуры в Монреале. Но, несмотря на столь шумный успех, карикатура в его творчестве постепенно перешла на второй план, уступив место графике и книжным иллюстрациям. Работы Адольфа Борна можно отличить по особому стилю изображения острохарактерных персонажей, необыкновенных животных, ярмарочных шутов, элегантных господ в высоких цилиндрах по моде 19 столетия, дам с высокими прическами и глубокими декольте, заморских пейзажей, насыщенных неизменным юмором.

«Большинство народов находит точки соприкосновения в области юмора, хотя каждый из них отличается собственным типом юмора. Но абсолютно все юмор воспринимают очень хорошо, независимо от того, испанцы это, голландцы или турки. Точно также как сегодня молодые люди изучают английский язык, и юмор относится к средству общения между народами и государствами».

В шестидесятых годах Адольф Борн также начал плодотворное сотрудничество с кинорежиссерами и создателями мультипликационных фильмов. В 1963 году он принял участие в создании фильма Вацлава Бедржиха «Когда я стану большим» и картины Ладислава Рыхмана «Шесть черных девчонок или почему исчез Заяц». В семидесятых годах с его участием были созданы легендарные «Приключения Маха и Шебестовой» по сценарию его друга Милоша Мацоурека, в восьмидесятых «Приключения обезьянки Жофки». Те времена Адольф Борн считает самыми звездными.

«Во времена, когда студией анимационного фильма руководил Йиржи Трнка, это было в начале 60-х годов, это был «золотой век» чешской мультипликации. К Йиржи Трнке и с ним сотрудничавшим художникам приезжали мультипликаторы, например, из Франции и Испании учиться. Йиржи Трнка отличался весьма культивированным изобразительным стилем. Мы, молодые, тогда у него тоже постепенно учились и стремились продолжать традицию. Я еще не считал, сколько фильмов мне посчастливилось сделать, но уж точно их будет порядка пятидесяти».

Современная же мультипликация Адольфа Борна уже не увлекает.

«Уже нет. Дело в том, что очень сильно изменилась технология. Сегодня используется множество чисто технических средств. Раньше рукодельная работа мультипликаторов отличалась абсолютным совершенством. А когда я сегодня смотрю детские анимационные фильмы, созданием которых в свое время занимались и мы, мне кажется, что все очень тупоумно. Культивированный вид юмора, а соответственно и юмор в детских мультфильмах, похоронили американцы и японцы. За все время они не были способны создать единого фильма, который бы отличался увлекательным повествованием. Все ограничивается тем, что герой падает, разбивается как блин, второй ему обязательно даст кулаком в нос, первый упадет, потом грохнется второй, а потом оба встанут и все начинается сначала. Таковы американские мультфильмы для детей. Фильмы же Йиржи Трнки всегда начинались с замысла, прекрасно придуманной истории. Поэтому я и говорю, что сегодняшние времена вообще не стоят обсуждения».

В девяностых годах Адольф Борн удивил своих друзей и поклонников новым видом творчества, созданием почтовых марок. Его марка в честь 740 годовщины со дня рождения путешественника Марко Поло, представленная в 1994 году на международном конкурсе в Италии, получила приз как «самая красивая марка мира».

Сегодня маститый художник, главным образом, занимается иллюстрированием книг.

«К числу самых любимых у меня принадлежат «Робинон Крузо», рассказы Эдгара По, сказки братьев Гримм, басни Лафонтена. Я иллюстрировал множество книг, более трехсот, но к числу любимых можно отнести 10-15 названий».

Недавно исполнилась и давняя творческая мечта Адольфа Борна.

«Только что я закончил работу над иллюстрациями к произведениям Христиана Моргенштерна, немецкого поэта времен расцвета дадаизма. Его стихи в высшей степени культивированные и сатирические. О такой работе я мечтал». http://www.emigranty.ru/news.php?nid=71243