Всё чаще, когда пишут о деятелях искусства (да и не только искусства!), которые покидают наш суетный неупорядоченный мир, звучит фраза – «уходит поколение…».
Вот и на днях в общении с моим другом, скульптором из Петербурга, прозвучала фраза «Сегодня попрощались с Андреем Андреевичем Мыльниковым... Уходят Гении. Истинные…»
Для меня это стало неожиданной новостью, поскольку в новостях о кончине художника не говорили, да и интернет откликнулся на это печальное событие уже в день похорон. Что очень странно и обидно для фигуры такого художника.
Андрея Андреевича Мыльникова во многих источниках называют «последним из могикан». И не только потому, что художник был обладателем всевозможных званий, премий и регалий. Он, действительно, был одним из выдающихся художников – монументалистов и замечательным педагогом советской эпохи и продолжил творить и преподавать уже во времена «новой России».



Андрей Андреевич Мыльников (1919 - 2012)

Пишу так, поскольку для меня критерием значимости художника является всегда то, что при произнесении его имени можно безошибочно назвать хотя бы две-три его работы. Для меня в творческом наследии Андрея Андреевича – это «Прощание» и триптих «Испания». Эти картины врезались в память еще в юности в виде репродукций из журналов. Сейчас, спустя много лет, увлекшись изучением истории изобразительного искусства, я, например, узнал, что картина «Прощание» (1975) была награждена в 1977 году Государственной премией СССР, а испанский триптих (1979) в 1981 году получил Золотую медаль Академии художеств СССР, а в 1984 году – Ленинскую премию.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Серия сообщений "Помню и люблю":
Часть 1 - СВЕТЛАЯ ПАМЯТЬ ВЕЛИКОМУ АРТИСТУ!
Часть 2 - УТРАТЫ 2008 ГОДА
...
Часть 11 - ПОКА Я ПОМНЮ - Я ЖИВУ! УТРАТЫ 2011 ГОДА.
Часть 12 - НЕ СТАЛО ЛЮДМИЛЫ ШАГАЛОВОЙ...
Часть 13 - ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (Часть 69 - ИСПАНСКИЙ ТРИПТИХ. ПАМЯТИ АНДРЕЯ МЫЛЬНИКОВА)

Начну с того, что тему этого поста мне подсказал мой лирушный товарищ, историк искусства из Рязани ВВВладимиров. В переписке мы постарались выстроить цепочку истории картины, которой, на самом деле, нет. Утрачена, не найдена, была ли вообще – всё это вопросы, которыми пусть задаются специалисты. Владимир мне предоставил свою версию истории этой картины, в которой всё логически сходится. Мне остается лишь опубликовать, дополнив, как я это люблю делать, биографиями авторов картин.
Итак, в моей рубрике «Живопись о живописи» не так давно была представлена картина Арнольда Хаубракена «Художник и его модель» (De schilder en zijn model), в описании которой указано, что на картине изображены «молодой рисующий художник, сладострастная обнаженная модель и старший друг (учитель) художника, глядящий через его плечо на картину».



Arnold van Houbraken De schilder en zijn model. olieverf op paneel 28,5 x 19 cm Rijksmuseum, Twenthe (inv. br. 1387 (атрибуция Рейксмузеума Твенте)

Но оказалось, что это всего лишь копия, поскольку самой картины Хаубракена не существует. И копия эта написана голландским художником и гравером Николасом Верколье. Впрочем, у этих художников много общего – оба занимались гравюрами и писали много и часто копии картин других живописцев. Последние десять лет жизни (1710-1719) Хаубракен прожил в Амстердаме, где с 1700 года и до самой смерти жил Верколье. Скорее всего, они были близко знакомы, хотя среди учеников Хаубракена Верколье не значится. Но есть свидетельства, что Арнольд Хаубракен высоко ценил творчество Верколье.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Оказывается, кроме знаменитого живописца Григория Григорьевича Мясоедова (7 (19) апреля 1834 - 18 (31) декабря 1911) и его сына-художника, представителя символизма и модерна - Ивана (30 сентября (12 октября) 1881 - 27 июля 1953) был еще один художник (правда, любитель) Мясоедов, картины которого, тем не менее, есть в коллекции Русского музея в Санкт-Петербурге.



Александр Мясоедов, Карнавал в Риме. 1839 г.

Сведения о художнике Александре Мясоедове крайне скудны и малодостоверны. Известно, что он писал исторические картины и портреты. В Государственном Русском музее хранится три его работы. Упоминаний о произведениях этого художника в других собраниях не обнаружено.
« Карнавал в Риме » был написан Мясоедовым по заказу великого князя Александра Николаевича, впоследствии императора Александра II, и упоминается в записках графа Михаила Бутурлина, где тот рассказывает о пребывании наследника русского престола в «Вечном городе».
Капитан Мясоедов, будучи зятем генерала Солдейна, входил в свиту наследника во время путешествия. Великий князь и сопровождающие его лица изображены наблюдающими с балкона палаццо Русполи на улице Корсо за праздничной толпой.
На обороте холста до сих пор сохраняется бумажная наклейка со списком изображенных на картине (более ста имен), что свидетельствует о портретности всех запечатленных на ней персонажей. К сожалению, этот реестр, написанный чернилами, сегодня трудно прочесть, так как чернила выцвели от времени.
Картина Мясоедова выставлялась на трехгодичной выставке 1842 в залах Императорской Академии художеств под названием «Римский карнавал, бывший во время пребывания государя наследника со свитою».
Картина выполнена в традициях так называемого профессионального примитива, когда достоверности изображения уделялось большее внимание, нежели художественной проработке, и представляет собой интереснейший исторический и иконографический документ.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Решил еще на чуть-чуть задержаться в Кинешме.
Этот красивый город в Ивановской области был источником вдохновения великого русского художника Бориса Михайловича Кустодиева (1878—1927). С 1777 года Кинешма получила статус уездного центра Кинешемского уезда Костромской губернии (а вот когда город был приписан к Ивановской области - не нашел).
Впервые Борис приехал в Кинешму летом 1898 года, будучи еще студентом Академии художеств, где учился у Ильи Ефимовича Репина и был одним из его любимых учеников. Город сразу приглянулся молодому художнику, он открыл для себя в Кинешме «вторую родину» и возвращался сюда не раз.
В конце июля 1900 года художник выезжает в поисках натуры в Костромскую губернию, он изучает старинные волжские города и городки и вновь заезжает в Кинешму.
В 1901 году Борис знакомится со своей будущей женой Юлией Евстафьевне Прошинской, которая вместе со своими родными и сестрой жила в усадьбе Высоково, неподалеку от деревни, куда он приехал на каникулы со своими товарищами. Кустодиев женился на Юлии Прошинской 8 января 1903 года.
Темой своей дипломной работы Кустодиев решил избрать Кинешемскую ярмарку. Крупные ярмарки проходили в Кинешме дважды в год. В Тихонов день, 16 июня (по старому стилю), начиналась Тихоновская, а вторая, более крупная ярмарка - Крестовоздвиженская - начиналась 14 сентября (по старому стилю) и продолжалась вплоть до октября.
В 1902 году Кустодиев приступил к выполнению дипломной картины «Базар в деревне» (или «На базаре»).
В письме своей невесте Юлии он писал:
«…Ходил сегодня по Кинешме, все смотрел — очень красивый городок с такой типичной «местной физиономией». Особенно хорошо за рекой, где две церкви такой странной формы». «…Вчерашний базар меня поразил, по краскам удивительно сильно, и, вероятно, на нем я остановлюсь. Чем выдумывать всякие сюжеты, нужно брать из природы, которая разнообразнее всего выдуманного».
Многие источники пишут, что эта работа художника не сохранилась, остался только эскиз.



Борис Кустодиев На базаре.1902-03 гг.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

О художнике я писал в Дневнике, помещал его картины в тематические подборки, блуждал по его электронным галереям, но, признаюсь, нигде не видел картину, которую хочу представить сегодня.



Pierre-Auguste Renoir Le Canoeist Luncheon (Завтрак каноистов) 1879 г. Potter Palmer Collection

Картина «Завтрак каноистов» была написана за два года до монументального и одного из известных произведений Ренуара – «Завтрак гребцов». Думаю, она стала своеобразной подготовкой к будущей масштабной (по количеству персонажей хотя бы) работе.
Как видите, она более интимная по атмосфере, герои «спрятаны» в беседке, а не расположились на открытой террасе. И если историки «расшифровали» всех героев картины «Завтрак гребцов» (очень интересный и подробный пост об этом прочитал в дневнике своей ПЧ НаталинаЯ), то кого изобразил художник на этом полотне – для меня пока загадка.
Безусловно, Ренуар писал картину в своем любимом заведении – ресторане Фурнеза. Напомню, Альфонс Фурнез купил в 1857 году участок земли в Шату, где открыл прокат лодок, ресторан и небольшой отель для туристов. Дом Фурнеза (ныне это ресторан и музей) расположен к западу от Парижа на одном из островов на Сене под названием «Остров импрессионистов». Это было место, где любили встречаться представители высшего общества, поэты, актеры, интеллектуалы и любители гребли. Пьер-Огюст Ренуар любил бывать здесь и часто писал сцены в ресторане или пейзажи окрестностей.
Еще в 1869 году Ренуар вместе с другом Моне неоднократно писал отдыхающих парижан, сидя на берегу Лягушатника в Буживале, в полутора километрах от Шату. В дальнейшем сцены отдыха парижан на реке продолжали вдохновлять художника уже у Фурнеза.
К середине 1870-х именно Шату стал излюбленным местом активного отдыха, куда приезжали на выходные не только богатые парижане, но и рабочий люд. Многие пригородные места отдыха наподобие Шату стали доступны для парижан в связи с развитием сети железных дорог.
Интересно, что любители гребли собирались как в Шату, так и в Асньере, лодки с гребцами писали как Ренуар, так и Гюстав Кайботт. Первый в Шату, второй в Асньере писали одни и те же сценки, но в совершенно разной манере. Если картины Ренуара изображают томную лень выходных дней, проведенных на реке, то Кайботт концентрирует внимание на физических усилиях спортсменов.
В 1906 году Дом Фурнеза был закрыт, и восстановлен только в 1990 (!!!) году по инициативе городского совета Шато при поддержке американских частных фондов друзей французского искусства.
Признаюсь при различии количества персонажей, к более ранней работе Ренуара можно отнести многие цитаты историка М.С.Лебедянского из книги «Портреты Ренуара» (1998).
Прочтите и согласитесь:
«Пейзаж, окружающий террасу, на которой собрались друзья, зелень вокруг, виднеющаяся сквозь нее Сена с бегущими парусниками и лодками составляют атмосферу картины, ее радостный фон».
«Перед нами групповой портрет, отличающийся от подобных ему по теме и сюжету отсутствием какой-либо парадности и помпезности, желания как-либо приукрасить или возвеличить портретируемых».
И напоследок Лебедянский считает, что «Завтрак гребцов» оказался центром творческого и жизненного пути Ренуара. Тогда будем считать, что «Завтрак каноистов» - является подготовкой, трамплином к прыжку в этот «центр».

Меня в первую очередь заинтересовал сюжет картины «Маркантонио Паскуалини, увенчанный Аполлоном». Побродив по интернету, выяснил, что Маркантонио Паскуалини (Marcantonio Pasqualini, 25 апреля 1614, Рим - 2 июля 1691) по прозвищу Стревильо (Streviglio) – известный итальянский оперный певец-кастрат и композитор эпохи барокко. В энциклопедиях он значится, как «ведущий мужской сопрано своего времени».



Andrea Sacchi Marcantonio Pasqualini coronato da Apollo. 1641 г. Metropolitan Museum, New York


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Вот и пришлось сказать сегодня «Прощай!» еще одной картине великого Репина.
Покупатель, решивший остаться анонимом, приобрел сегодня одно из монументальных полотен художника – «Парижское кафе», на русских торгах аукционного дома Christie’s в Лондоне за 4, 5 млн. фунтов стерлингов.
Впрочем, ради истины стоит отметить, что картина, купленная в 1916 году одним из шведских коллекционеров, страстно увлеченным русским искусством, ранее в России никогда не выставлялась, за исключением апреля этого года, когда в Москве проводилась предаукционная выставка.
Замечу, что и зарубежной публике эта картина за 95 лет была показана лишь дважды.



Илья Репин Парижское кафе. 1874-75 г.

Владелец картины также купил у дочери Репина альбом с эскизами. Наряду с самим «Парижским кафе» на продажу на аукционе Christie’s было выставлено около 80 эскизов и набросков к картине.
Тем не менее, «Парижское кафе» искусствоведами всегда считалось одной из значимых работ художника, находящихся в частной коллекции. Ну, а теперь о самой картине.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 14 КАРТИН.

Казалось бы, о творчестве Карла Брюллова известно все, есть монографии и исследования, в интернете – сайты, посвященные его творчеству и картины в интернет-галереях. Поэтому радостней вдвойне, что находишь то, о чем раньше не знал (или просмотрел, не обратил внимания). Вот и сейчас хочу представить вам две исторические картины Брюллова, которые у меня в памяти не отложились, хотя, наверняка, я их встречал, блуждая на просторах инета. Точно я их не видел в Третьяковской галерее, где они обе находятся, поскольку, как и огромное количество других картин известных мастеров, они спрятаны в запасниках. Поэтому, если не разделите со мной восторг по поводу моих находок, прошу – не обессудьте!

Первую из представленных картин, которую Брюллов начал писать тоже в Италии, конечно же, затмила слава «Последнего дня Помпеи» (1833), над которой художник работал больше шести лет.



Карл Брюллов Нашествие Гензериха на Рим. 1833-35 гг. Третьяковская галерея

«Нашествие Гензериха на Рим» рассказывает о временах разрушения одряхлевшей Римской империи под напором грабительских походов воинственных варварских племен. Сюжет был взят художником из статьи Н.В.Гоголя "О движении народов в конце V века". Страшное нашествие вандалов на Рим произошло весной 455 года в момент государственного переворота. Узнав, что император Валентиниан III убит, остготский король Гензерих отправился в Рим. Тогдашний Римский Папа уговорил варваров не рушить город, взамен его безапелляционной сдачи. Город был взят без боя, но почти две недели завоеватели грабили Рим, после чего в обиход вошло слово «вандализм».


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

В 1873 году в альманахе «Русская старина» был опубликован трактат русского историка, библиофила и журналиста, основателя и редактора журналов «Древняя и Новая Россия» и «Исторический вестник» Сергея Николаевича Шубинского (2 июня (14) 1834, Москва — 28 мая (10 июня) 1913, Санкт-Петербург) «Императрица Анна Иоанновна, придворный быт и забавы». Эту работу сейчас цитируют во всех статьях о жизни императрицы, ставшей известной, пожалуй, своей историей с «Ледяным домом» (не без помощи романа Лажечникова) и связью с курляндским герцогом Бироном. Так вот, в этом трактате в комментариях было написано о картине Валерия Якоби «Шуты при дворе императрицы Анны Иоанновны» (1872), которая, сверяя даты, была написана годом ранее. Текст привожу практически почти полностью, но для начала, по традиции, познакомимся с автором картины.

Валерий Иванович Якоби (Якобий)

4 мая 1833, деревня Кудрявцево Казанской губернии - 30 апреля 1902, Ницца



Валерий Иванович Якоби (фотография 1875 г.)

Российский живописец, мастер бытового и исторического жанров, академик Императорской Академии художеств, один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок, брат революционера, впоследствии психиатра и этнографа П.И. Якоби.
Родился в семье помещика. Получил общее образование в казанской гимназии, затем поступил студентом в Казанский университет, но не окончил полного курса. Когда в Казанской губернии составлялось ополчение для участия в Крымской кампании, Якоби записался в него и отправился в его рядах к месту военных действий, но на пути туда был, вместе со своим отрядом, остановлен, так как война прекратилась. Хотя в некоторых биографиях пишут, что художник воевал на фронтах Крымской войны.
Любовь к живописи у Якоби была ещё со школьной скамьи, поэтому в 1856 году он решил посвятить себя изобразительному искусству, приехал в Санкт-Петербург и стал посещать классы Академии художеств.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ ЕЩЕ 20 КАРТИН.

Сегодня хочу представить картину и рассказать о персонаже, изображенном на ней. Картину написал в 1810 году французский художник Франсуа-Мариус Гране (Francois-Marius Granet, 1775, Экс-ан-Прованс - 1849, там же). Он был учеником французского живописца, основоположника французского неоклассицизма Жака- Луи Давида (Jacques-Louis David, 30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825, Брюссель), а также соучеником и близким другом общепризнанного лидера европейского академизма XIX века Жана Огюста Доминика Энгра (Jean Auguste Dominique Ingres, 29 августа 1780— 14 января 1867).
На полотне «Стелла в тюрьме» (Stella in Prison), написанном в 1810 году, Гране отобразил историю, происшедшую с французским художником Жаком де Стелла в 1633 году.



François-Marius Granet Stella in Prison. 1810 г.

Проживая в Риме, художник был обвинен в преступлении, которое не совершал, и заключен в тюрьму. При аресте он не имел при себе документов, поэтому не смог доказать, что он не тот, за кого его принимают. Находясь в заключении, Жак на стене камеры написал картину «Мадонна с младенцем», которая привела в восхищение и тюремщиков, и других заключенных. Талант художника помог установить личность и даже освободиться из заключения.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. В ГАЛЕРЕЕ 22 КАРТИНЫ.

Речь пойдет об австралийских военных художниках времен первой мировой войны.
Официальные военные художники назначались правительством страны с целью предоставления визуальной информации событий на поле боя или в тылу или с пропагандистскими целями.
Роль художников имела большие образовательные цели, их работы показывали причины, ход и последствия военных конфликтов.
Австралийские традиции военных художников началась с первой мировой войны.
Художник Уилл Дейсон, первый из австралийских художников, с начала войны проживающий в Лондоне, обратился к австралийскому правительству с просьбой разрешить ему приехать в Западный фронт, где воевали австралийские войска. В 1917 году он, наконец, получили разрешение сопровождать группу австралийских Императорских войск для изображения деятельности солдат. Таким образом, Дайсон стал первым австралийским официальным военным художником.
Эта традиция была позже подхвачена другими австралийскими художниками.
В документах Австралийского военного мемориала (AWM) и Военно-исторической секции написано, что «своими произведениями о войне художники иллюстрируют подготовку, борьбу и страдания, фиксируют многие аспекты войны и показывают ее влияние, изображают союзников или врагов, работу гражданских лиц, портреты военных и политиков».
Во время Второй мировой войны Австралийский военный мемориал продолжил практику назначения военных художников, назначая их в ряды австралийской армии, ВМС Австралии и Королевских австралийских военно-воздушных сил, присваивая им военные звания.
AWM назначал военных художников для изображения деятельности австралийских войск в Корее, Вьетнаме, Восточном Тиморе, Афганистане и Ираке.
В 1920 году художник Джордж Джеймс Коутс написал групповой портрет десяти австралийских официальных военных художников, своих коллег, служивших на фронте в 1916-1918 годах.



George Coates Australian official war artists 1916-1918. 1920 г.

На картине слева направо изображены художники - Джон Лонгстафф (John Campbell Longstaff, 1861 – 1941), Чарльз Брайнт (Charles David Jones Bryant, 1883 – 1937), Джордж Ламберт (George Washington Lambert, 1873 – 1930), о котором я уже делал материал, Альберт Генри Фуллвуд (Albert Henry Fullwood, 1863 – 1930), Джеймс Куинн (James Peter Quinn, 1869 – 1951), Септимус Пауэр (Harold Septimus Power, 1877 – 1951) и Артур Стритон (Arthur Ernest Streeton, 1867 – 1943).
На переднем плане сидит Джордж Белл (George Bell), на заднем плане сидящими изображены Уилл Дейсон (William Henry Dyson, 1880 –1938) и Фред Лейст (Frederick William Leist, 1878 – 1945). Почему-то Коутс не изобразил себя.

Вот этим десяти художникам, включая и автора картины, я и планирую посвятить серию постов под названием «Военные художники Австралии» в рубрике "ЖЗЛ". Следите за публикациями!

О творчестве художника Юрия (Иегуды) Моисеевича Пэна (24 мая (5 июня) 1854—1 марта 1937) я писал здесь и здесь.
В моем посте ошибочно указана дата написания картины – 1934. На самом деле картина была написана в 1924 году. Об этом есть сведения и в биографии художника.
В 1923 году художественный институт, расположенный в «доме Вишняка» в Витебске, в котором преподавал Пэн, был реорганизован, с понижением статуса - в техникум. 23 сентября 1923 года Ю.М.Пэн вместе с педагогами С.Б.Юдовиным и Е.С.Мининым написали совместное заявление об уходе. Увольнение было вызвано конфликтом с новым заведующим М.А.Керзиным, который согласился на перемещение техникума в неприспособленное здание закрытой Любавичской синагоги на Володарской улице и «единолично» решал вопросы организации обучения.
Положение Пэна в то время было очень сложным. Как писал художник в одном из писем,
«чувствую себя очень скверно, как морально, так и материально. Уже несколько месяцев, как нет заказов. В механическом техникуме получаю 7 руб. 23 коп. в месяц. Вот и все. Одним словом, не хорошо нашему брату».
В начале ноября 1923 года Пэн в одном из писем сообщает:
«Из дома Вишняка нас выгнали, и наш техникум перебрался в синагогу. Я совершенно ушел от них и работаю дома большую вещь, где я сижу, как барин, а вокруг меня девы: живопись, музыка и краски».
«Большой вещью», над которой работал Пэн, надо полагать, и была картина «Автопортрет с Музой и Смертью», датированная художником 1924 годом, но начатая двумя годами раньше.
На картине художник сидит за мольбертом в своей мастерской. За ним слева - статуя Венеры, женщина, играющая на арфе, а справа - смерть в образе скелета, играющего на флейте.



Юрий Пэн Автопортрет с Музой и Смертью. 1924 г.

О творчестве белорусского советского живописца и педагога, которого называют одной из ключевых фигур «еврейского ренессанса» в искусстве начала XX века, стали подробно писать не так давно. И мне очень приятно и радостно, что мой материал тоже вызвал отклики, и возникла «обратная связь».
Совсем недавно я получил комментарий: «На картине "Автопортрет с Музой и Смертью" Музой изображена моя бабушка». Потирая руки в ожидании нового открытия, я поспешил связаться с автором этого комментария.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

Картина «Четыре художника» написана датским художником Йенсом Сёндергором в 1934-35-х годах и находится сейчас в Национальном музее Дании, который приобрел ее в 1995 году.
На полотне Сёндергор изобразил четырех известных художников-пейзажистов Дании, которые повлияли на датское искусство первой половины ХХ века.



Jens Søndergaard Fire malere 1934-35 гг.

Первым слева художник изобразил себя, далее слева направо следуют художники Эрик Хоппе (Erik Hoppe), Нильс Бьерре (Niels Bjerre) и Нильс Лергор (Niels Lergaard).
С Хоппе и Лергором Йенс познакомился в Академии художеств в 1920 году, где они вместе занимались пейзажной живописью. Нильс Бьерре принадлежал к более старшему поколению художников, но тоже был пейзажистом и оказал большое влияние на молодое поколение.
Картина Сёндергора написана выразительными широкими мазками, художник использует только детали, необходимые для идентификации всех четырех персонажей полотна.


ДАЛЕЕ БИОГРАФИЧЕСКИЕ СПРАВКИ И ПОРТРЕТЫ ХУДОЖНИКОВ

4. «У рояля»
(Autour du Piano)
1885 г.

На последней из этого “цикла» картине «У рояля» Фантен-Латур изобразил музыкальный «цвет» Парижа.



Henri Fantin-Latour Autour du piano. 1885 г.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ

3. «Угол стола»
(Le Coin de table)
1872 г.



Henri Fantin-Latour Coin de table 1872 г.

Следующий групповой портрет был написан два года спустя. Называется картина «Угол стола» и изображает поэтов, драматургов и журналистов, собравшихся в кафе в годовщину смерти поэта Шарля Пьера Бодлера ( Charles Pierre Baudelaire, 9 апреля 1821 — 31 августа 1867). Практически все герои картины были объединены участием в альманахе «Современный Парнас» (издатель Альфонс Лемер), первый выпуск которого состоялся в марте 1866 года, поэтому их часто называют в литературе «парнасцами».


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ.

2. «Мастерская в Батиньоле»
(A Studio in Les Batignolles)
1870 г.



Henri Fantin-Latour Un estudio en Les Batignolles 1870 г.

Эту картину Фантен Латур посвятил своему другу, художнику Эдуару Мане, которого и изобразил в центре группы сидящим перед мольбертом.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. ЕЩЕ 7 КАРТИН.

Вот мы и подошли к картинам, ради которых и задумывался этот цикл.

Групповые портреты

Несмотря на близкое знакомство с импрессионистами, Фантен-Латур придерживался стиля, близкого к реализму, он оставался учеником Курбе.
Художник был известен, как создатель крупноформатных групповых портретов известных людей. Именно эти работы принесли художнику широкую известность еще при жизни.
Эти большие портретные композиции по своей композиции напоминают голландские корпоративные портреты XVII века, примерно, в духе Франса Халса.
На этих картинах художник запечатлел людей искусства, близких ему по духу, своих друзей и коллег, практически всех завсегдатаев кафе Гербуа. Художник создает яркие индивидуальные образы и в то же время передает особую атмосферу творческого содружества.

Известны четыре картины Фантен-Латура, изображающие художников, поэтов, писателей и музыкантов того времени. Интересная деталь – в год создания все эти работы экспонировались на официальном Парижском Салоне. Сегодня все они собраны в коллекции парижского Музея Д’Орсэ.

1. «Посвящение Делакруа»
(Hommage à Delacroix)
1864 г.

Это самая первая и самая большая из четырех работ, которая была написана в 1864 году, через год после смерти великого художника. Картина была выставлена в этом же году в Парижском Салоне в зале рядом с портретом Делакруа. Есть подозрение, что тема картины стала «пропуском» для Анри на выставку Салона!



Henri Fantin-Latour Hommage à Delacroix. 1864 г.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ. ЕЩЕ 9 КАРТИН

Для начала, прежде, чем представить вам картины, которые я отобрал для "Выставки одной картины", познакомимся с их автором.

Анри Фантен-Латур
Henri Fantin-Latour
Полное имя – Анри Иньяс Жан Теодор Фантен-Латур
Henri Ignace Jean Theodore Fantin-Latour

14 января 1836, Гренобль — 25 августа 1904, Бюре, Орне



Henri Fantin-Latour Autoportrait 1859 г. Musée des Beaux-Arts, Grenoble.

Французский художник и литограф, известен своими цветочными натюрмортами и групповыми портретами современников.
Начальное художественное образование Анри получил у своего отца, портретиста Жана-Теодора Фантен-Латура. Затем семья переезжает в Париж, и Анри в 1851 году поступает в мастерскую Ораса Лекока де Буабодрана. Есть сведения, что юноша в Париже изучал медицину и одновременно учился живописи. В 1854 году Фантен-Латур поступил в Школу изящных искусств в Париже. Во время учебы Анри много копировал картины старых мастеров в Лувре.


ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ